jueves, 28 de abril de 2011

Programación Festival Cinema d'autor de Barcelona (y2)

Hace unos días hablábamos de la inauguración, clausura, sesión especial y sección "Direccions" del festival en un primer post. Hoy completamos con las dos secciones que pueden variar de un año a otro y que en esta ocasión son "Àsies" y "Promeses de l'est", además de las otras dos secciones que completan el Festival, una retrospectiva completa de Guy Maddin y otra de "Autoria catalana". Recordad que el festival se celebra en Barcelona ciudad desde este viernes 29 hasta el domingo 8. Empecemos.

ÀSIES

Esta sección ofrece un programa con cinco de las mejores películas asiáticas del año que incluye nombres de maestros indiscutibles como Takeshi Kitano y su última obra Outrage, un regreso al cine de yakuzas que lo hizo famoso, o Hong Sang-soo con Oki's Movie, una nueva revisión de la lucha de sexos desde la óptica de sus característicos personajes dislocados. El tailandés Aditya Assarat, que con su primera película Wonderful Town ganó un Tiger a Rotterdam 2008 y ahora vuelve con Hi-So, y el director chino Wang Quan'an, que con su nueva obra, Apart Together, ganó el premio al mejor guión en la Berlinale 2010. Como guinda del pastel, uno de los autores de culto que más pasiones despierta: Sion Sono y su nueva obra, Cold Fish, tan personal y bizarra como Love Exposure (Premio del Público en el BAFF 2009) pero con un baño de sangre final que hará la delicia de todos los aficionados al género.


Apart together (Tuan Yuan)

China, 2010. 35 mm, 93 min.

Director
Wang Quan'an.

Guión
Wang Quan'an, Na Jin.

Intérpretes
Lisa Lu, Ling Feng, Xu Caigen.

Sinopsis
La proclamación de la República Popular China en 1949 causó la dolorosa separación de muchas parejas debido a su militancia política. Muchos exiliados tuvieron que partir hacia la isla de Taiwán. Esta película se basa en una historia real, la de los exiliados que no pudieron regresar a la China continental hasta 1987, es decir, casi 50 años después. El film parte en el punto en que el hombre exiliado regresa y se encuentra con la mujer que amaba. Esta ha formado una nueva familia y, pese a todo, él quiere recuperarla y regresar junto a ella a Taiwán. Con una sutil manera de narrar los hechos, el director de La boda de Tuya crea escenas donde los personajes se reúnen alrededor de la mesa para brindarnos todo un espectáculo de miradas y comunicación no verbal, de palabras no dichas pero subyacentes. Wang Quan'an dice que lo que le interesa en el cine es tratar de comprender la vida, observando a la gente simple y sencilla. Esta es, sin duda, la clave de un film que huye del tono de las grandes epopeyas para centrarse en la esencia de los sentimientos.


WANG QUAN'AN
Miembro de la Sexta Generación de directores chinos, Wang Quan'an nació en la ciudad de Yan'an en 1956. Se graduó en la Academia de Cine de Beijing en 1991 y enseguida entró a trabajar en una productora de Xi’an. Su debut llegó con Lunar Eclipse (1999) y con La boda de Tuya logró el Oso de Oro en Berlín 2006. Con Weaving Girl (2009) se alzó con el Premio Especial del Jurado y el Fipresci en el Festival de Montreal. Apart Together inauguró la Berlinale de 2010, donde se hizo con el Oso de Plata al mejor guión.



Cold Fish (Tsumetai Nettaigyo)

Japón, 2010. HD, 145 min.

Director
Sion Sono.

Guión
Sion Sono.

Intérpretes
Mitsuru Kukikoshi, Denden, Asuka Kurosawa.

Sinopsis
Director de culto indiscutible y reconocido icono surgido del cine underground japonés, Sion Sono ha traspasado las fronteras del cine de género por su radicalidad, su desbordante creatividad, su insobornable compromiso ético con una forma de hacer cine y su indiscutible capacidad para crear imágenes emblema de su tiempo. Desde su salto a la fama internacional en 2002 con ese hito que es Suicide Club, no ha dejado de estar presente en los festivales internacionales, incluido Venecia donde se presentó su (ya) penúltima obra, Cold Fish. La película sigue las andanzas de un apocado vendedor de peces tropicales que se ve envuelto en una espiral de violencia cuando confraterniza con un colega de profesión. El exceso y lo bizarro siguen siendo marca de la casa, en una película que mira de frente sin pestañear a la violencia y que contiene alguna de las imágenes más impactantes del año. Sin llegar a ser una obra maestra del calibre de Love Exposure, seguro que no defrauda a sus muchos seguidores mientras consigue conquistar a nuevos fans por el camino­.


SION SONO
Nació en Yokoyama en 1961. Poeta desde los 17 años y fundador del proyecto artístico Tokyo Ga Ga Ga, dirigió diversos cortos en super-8 antes de dirigir su primera película, Bicycle Sighs (1990), presentada en el Forum de la Berlinale. En 2003 dirigió Suicide Club, con la que ganó el premio del Fant-Asia Film Festival y desde entonces su nombre es seguido con devoción por los aficionados al cine de género. En 2008 dirigió Love Exposure, que ganó el FIPRESCI en el Festival de Berlín y el Premio del Público en el BAFF 2009.




Hi-so

Tailandia, 2010. 35 mm, 102 min.

Director
Aditya Assarat.

Guión
Aditya Assarat.

Intérpretes
Ananda Everingham, Cerise Leang, Sajee Apiwong.

Sinopsis
Con este su segundo largometraje, el director tailandés Aditya Assarat parece haber dado un salto de gigante con respecto a su precedente, la laureada Wonderful Town. Pese a seguir siendo fiel tanto a su estilo pausado y sutil de rodar como a la localización donde se sitúa la primera mitad de Hi-So, la costa tailandesa posterior al tsunami de 2004, Assarat nos ofrece un tratado de arquitectura cinematográfica con marcados tintes autobiográficos, dividido en dos mitades simétricas que conviven en perfecta armonía. La primera mitad nos presenta al actor tailandés Ananda, que vuelve a su país natal para rodar una película, y a su novia americana, que viaja a Tailandia para hacerle una visita. Pronto surgen los primeros desencuentros, y al tedio de ella se sumará la sensación de desarraigo de él, que no acaba de encajar en ese mundo que antes era su hogar. Tras una elipsis de seis meses, la segunda mitad de la película transcurre en Bangkok, con el rodaje de la película ya terminado y en fase de promoción. Pero Ananda sigue sin encontrar su lugar en el mundo.


ADITYA ASSARAT
Nacido en Bangkok, estudió producción de cine en Estados Unidos. Su primer corto, Motorcycle (2000), fue el primer filme tailandés en competir en festivales como Clermond-Ferrand y Sundance. Tras unos años como cortometrajista, en 2006 creó la productora Pop Pictures con el objetivo de producir su primer largometraje, Wonderful Town, que fue galardonado con un Tiger en Rotterdam y ganó el New Currents Award en Pusán. Hi-So, cuya premiere europea tuvo lugar en la pasada edición del Festival de Berlín, es su segundo largometraje.



Oki's movie (Ok-hui-ui yeonghwa)

Corea del Sur, 2010. 35 mm, 80 min.

Director
Hong Sang-soo.

Guión
Hong Sang-soo.

Intérpretes
Lee Sun-kyun, Jung Yumi, Moon Sung-keun.

Sinopsis
La capacidad del director coreano Hong Sang-soo para darle una nueva vuelta de tuerca a sus temas eternos parece no tener fin. Para los familiarizados con su obra, sus películas pueden leerse como sucesivos capítulos de un mismo film, que, con pequeñas variaciones, avances y giros, indagan en la condición humana y las relaciones entre sexos. Sus personajes recurrentes– muchas veces trasunto del propio cineasta - son individuos confusos que rondan la torpeza emocional, el exceso alcohólico, que parecen siempre abocados al desastre y ante los que nos asalta un cierta vergüenza ajena. Con su característica mirada sarcástica y un estilo reconocible a la legua, Hong Sang-soo ha ido desnudando su cine de referencias para quedarse con la esencia, algo aparentemente fluido y sencillo, pero cargado de misterio. En su nueva película además la novedad es que los cuatro fragmentos que la conforman (películas dentro de la película) están narrados desde el punto de vista de la protagonista femenina para contarnos la historia de un triángulo amoroso a lo largo del tiempo, en el que cada nueva relación es como un eco de la anterior.


HONG SANG-SOO
Nació en Seúl en 1969 y estudió cine en la Universidad de Chungang para seguir luego estudios en California y el Art Institute de Chicago. Con su arrollador debut, The Day a Pig Fell into a Well (1996), fue aclamado internacionalmente y ganó el Tiger Award en Rotterdam. Su reconocimiento como uno de los más importantes autores del cine coreano ha ido creciendo tras competir en festivales de todo el mundo. En 2010 ganó el premio de la sección Un certain regard de Cannes con HaHaHa. También ha obtenido diversos premios FIPRESCI.



Outrage (Autoreiji)

Japón, 2010. 35 mm, 109 min.

Director
Takeshi Kitano.

Guión
Takeshi Kitano.

Intérpretes
Beat Takeshi, Kippei Shiina, Ryo Kase, Tomokazu Miura, Jun Kunimura.

Sinopsis
Yakuza, violencia y un Beat Takeshi con cara de malas pulgas: Kitano is back. Después de un proceso de introspección en su obra, durante el que nos deleitó con tres films que ahondaban en su rol de autor y creador, el aclamado director nipón regresa a las andadas con Outrage. El film cuenta la historia de varios clanes mafiosos que se disputan el poder en el mundo de los Yakuza, argumento que sirve al autor para crear nuevas maneras de reflexionar sobre la violencia y representarla. En el film, Otomo es un Yakuza que lleva muchos años en la profesión y ha visto la ascensión de muchos rivales, desde los inicios marcados por la violencia callejera, los tatoos y la ostentación al control de las finanzas y la influencia de carácter político. Sin embargo, a la par que va escalando hacia la cima, el reguero de cadáveres y amputaciones crece de forma exponencial. Como reza en el tráiler, esta es una película de villanos, no hay hueco para los héroes.

TAKESHI KITANO
Kitano debutó como director en 1989 con Violent Cop, filme del cual también era el actor protagonista. Autor polifacético donde los haya, Takeshi Kitano es uno de los directores japoneses más populares. Ha dirigido multitud de películas y ha sido galardonado en diversas ocasiones. Con Outrage su filmografía como director suma ya 15 títulos.



PROMESES DE L'EST

Esta sección quiere dar visibilidad al pujante cine realizado en los países del antiguo bloque del este de Europa. Una cinematografía donde brilla con luz propia Rumanía, que lleva algunos años produciendo un nuevo cine lleno de propuestas interesantes con directores jóvenes y comprometidos. De Hungría nos llegan aires bizarros y arriesgados y del gigante ruso, dos películas de corte independiente y mucha alma. Como broche de oro de la sección, la última producción del veterano director polaco Jerzy Skolimovksi, galardonada en el último Festival de Venecia con el Premio Especial del Jurado y el Premio al mejor Actor para su protagonista, Vicent Gallo.


Aurora

Rumanía, 2010. 35 mm, 181 min.

Director
Cristi Puiu.

Guión
Cristi Puiu.

Intérpretes
Cristi Puiu, Clara Voda, Valeria Seciu, Luminita Gheorghiu, Catrinel Dumitrescu.

Sinopsis
En el segundo de los seis filmes que Cristi Puiu quiere dedicar a los suburbios de su querida Bucarest, nos acercamos a la vida de Viorel, un tipo corriente, con el que nos habremos cruzado en la calle cientos de veces sin ni tan siquiera darnos cuenta de que está allí. Pero Viorel tiene un plan, del que seremos testigos de primera mano. Con una mirada naturalista, casi de entomólogo, retrata los actos que cometerá Viorel en las siguientes 24 horas y, con ello, nos llevará de la mano en su viaje hacia la sinrazón de los países del ex-bloque comunista. Su mirada expresa la perplejidad frente a un paisaje humano ante el que solo queda la sonrisa cínica y el humor como tabla de salvación. Dirigiendo, escribiendo e interpretando el papel principal de esta película, Puiu nos devuelve a la mirada atónita de Politist, adjektiv (2009) de Corneliu Porumboiu y nos clava en la butaca del cine para descubrir la naturaleza cotidiana, casi banal, de la oscuridad del alma humana, emparentándose con Lodge Kerrigan o Jaime Rosales.

CRISTI PUIU
Cristi Puiu empieza a trabajar como guionista y debuta en el largo con Marfa si banii (2001), una road-movie filmada cámara al hombro que fue seleccionada en la Quincena de Realizadores de Cannes. Tras ganar el Oso de Oro de Berlín con su corto Cigarrettes and coffee (2004), se embarca en el rodaje del primero de los seis capítulos que dedicará a los suburbios de Bucarest: La muerte del Sr. Lazarescu (2005), con la que gana 23 premios por todo el mundo, entre ellos, el premio Un Certain Regard de Cannes.



Bibliotèque Pascal

Hungría, 2010. 35 mm, 111 min.

Director
Szabolcs Hajdu.

Guión
Szabolcs Hajdu.

Intérpretes
Orsolya Török-Illyés, Andi Vasluianu, Gheorghe Dinica, Oana Pellea.

Sinopsis
Un cúmulo de desastres lleva a Mona, rumana de origen húngaro, a criar sola a una niña fruto de una surrealista unión con un extraño, para viajar luego a Inglaterra engañada por el armenio Vacariu y dejar a su hija con su tía invidente a quien promete enviar dinero cada mes. Pero todo lo que encontrará a partir de ese momento serán desastres y más desastres: en Inglaterra dará con sus huesos en prisión y será sometida a la trata de blancas, para acabar en la Bibliothèque Pascal, un estilizado burdel que ofrece a sus clientes experiencias únicas con Desdemona, el Principito, Antígona, Oliver Twist, Juana de Arco... Un retorcido e imaginativo cuento de hadas que nos recuerda a Terry Gilliam o a los primeros Jeunet & Caro, a través de un barroquismo que nos muestra la pobreza espiritual de una sociedad enferma y su doble moral, con un crescendo dramático continuo que entra de lleno en el género fantástico. Una promesa del este.


SZABOLCS HAJDU
Nació en Hungría en 1972 y estudió en el Instituto de Cine de Budapest. Desde 1991 compagina la dirección con la interpretación. Debutó en la dirección con el corto Necropolis (1997) con gran éxito de crítica. Sus siguientes obras consiguieron varios premios en festivales de su país, hasta que debutó en el Festival de Cannes con la película autobiográfica White Palms. Bibliothèque Pascal es su quinto largometraje.



Essential Killing

Polonia, 2010. 35 mm, 83 min.

Director
Jerzy Skolimovski.

Guión
Jerzy Skolimovski, Ewa Piaskowska.

Intérpretes
Vincent Gallo, Emmanuelle Seigner, Zach Cohen, Iftack Ofir.

Sinopsis
Vincent Gallo, bestia herida. O cómo una película con un protagonista inmenso, que no dice ni una palabra en todo el metraje (y que ganó la Coppa Volpi al mejor actor en Venecia 2010) y que hace el papel de un afgano capturado por las fuerzas norteamericanas en una de sus incursiones en el país, puede convertirse en un trabajo tan intenso. Trasladado a un indefinido país europeo, un golpe de suerte -buena o mala- propicia una fuga que llevará al protagonista a una huida a la desesperada, con Gallo a la búsqueda de algo, lo que sea, para salir del horror de la nada. Un filme que insinúa el horror, que podría haber caído en el torture porn -quién no se imagina Guantánamo?- pero no lo hace; que podría jugar al survival movie pero tampoco; que podría ser una gran película de acción y, en cambio, toma la dirección opuesta. Y en ese camino aparecerá, de manera fugaz, la coprotagonista, una irreconocible Emmanuelle Seigner, uno de los pocos personajes de la película con nombre propio. Una huida hacia adelante en todos los sentidos.


JERZY SKOLIMOVSKI
Con más de veinte películas filmadas, el trabajo del veterano director polaco incluye un Oso de Oro en Berlín (La partida), un Gran Premio en Cannes (El grito) y un León de Oro en Venecia (El buque-faro), festival donde el año pasado ganó con Essential Killing el Gran Premio del Jurado y el premio a mejor actor. Además, ha colaborado con Polanski en el guión de El cuchillo en el agua y ha actuado en Promesas del Este, de Cronenberg, y en Antes que anochezca, de Julian Schnabel.





How I ended this summer (Kak ya provyol etim letom)

Rusia, 2010. 35 mm, 124 min.

Director
Alexei Popogrebsky.

Guión
Alexei Popogrebsky.

Intérpretes
Grigory Dobrygin, Sergei Puskepalis.

Sinopsis
Sergei se ha olvidado de la civilización después de pasar tanto tiempo en la estación meteorológica a la que fue destinado hace tiempo. Su trabajo: tomar lecturas sobre la radiación en los alrededores y mandarla a la oficina central, su único vínculo con el mundo exterior. Todo cambiará con la llegada de Pavel, recién graduado, urbanita, y con el encargo de pasar el verano en la estación ayudando a Sergei. Popogrebsky nos lleva al confín oriental de Rusia, un paisaje extremo donde el tiempo y el espacio se han detenido, donde dos hombres dependerán el uno del otro para poder sobrevivir, aunque sean tan antitéticos como nuestros protagonistas. Filmada con una fotografía apabullante, poética e interpretada con intensidad y con una especial sensibilidad por los dos actores, la película nos llevará a lo más hondo de las relaciones humanas. La vida de dos hombres al límite, en una frontera que les pondrá a prueba y que se convertirá en el tercer personaje de esta historia sobre la esencia de lo que nos hace humanos.


ALEXEI POPOGREBSKY
Hijo de guionista, Alexei Popogrebsky irrumpió en Cannes en 2004 con su primera película bajo el brazo (Koktebel, co-dirigida con Boris Khlebnikov) y de ahí se marchó con el premio al Descubrimiento del Año de la FIPRESCI. Con su tercera película (How I ended this summer), volvió a la Berlinale (en cuyo Forum se había proyectado Koktebel) y encandiló al jurado llevándose dos premios: por la magnífica fotografía de su película y por las soberbias actuaciones del dúo protagonista (ex-aequo).





Morgen

Rumanía, 2010. 35 mm, 100 min.

Director
Marian Crisan.

Guión
Marian Crisan.

Intérpretes
András Hatházi, Yilmaz Yalcin.

Sinopsis
Nelu trabaja como guardia de seguridad en una pequeña ciudad cerca de la frontera entre Rumanía y Hungría. Sus días transcurren plácidamente y con total normalidad: pesca cada mañana, luego se va a trabajar y por la noche vuelve a casa, una granja aislada en el campo. Esta cotidianeidad se ve alterada el día en que Nelu encuentra a un inmigrante turco que intenta cruzar la frontera hacia Hungría. El director Marian Crisan se basó en una noticia publicada en un periódico local y afirma basarse en el Neorrealismo italiano para filmar su filme de debut, que en la pasada edición del Festival de Locarno fue galardonado con el Premio Especial del Jurado y en el Festival de Tessalonika ganó los premios al mejor director, mejor actor protagonista y el premio de la crítica.
MARIAN CRISAN
Nacido en 1976 en Rumanía, estudió cine y TV en la Academia de Teatro y Cine de Bucarest. Dirigió varios cortometrajes hasta que en 2008 ganó la Palma de Oro al mejor corto en el Festival de Cannes con Megatron. Morgen supone su debut en el largometraje de ficción.




Wild field (Dikoe Pole)

Rusia, 2008. 35 mm, 104 min. VOSC.

Director
Mikhail Kalatozishvili.

Guión
Pyotr Lutzik, Alexey Samoryadov.
Intérpretes
Oleg Dolin, Roman Madyanov, Daniela Stoyanovich, Yuri Stepanov.

Sinopsis
El pesimismo y la decadencia parecen ser las notas dominantes del pequeño y solitario pueblo de la misteriosa estepa rusa en el que ejerce el joven doctor Mitya, sin apenas recursos y confiado muchas veces a las supersticiones de sus pacientes, extraños y trágicos personajes dominados por emociones crudas e instintos oscuros. Rodada en unos parajes increíbles, que se erigen casi en silentes personajes, la película toma aires de eastern (¿cómo sino llamar a un western rodado en el Este?) con sus tópicos fronterizos, secundarios silenciosos y carismáticos, amenazas siempre latentes y un elemento mágico y absurdo que contrasta con la sequedad y dureza de la vida en la región. El alma de Wild Field es indudablemente rusa: oscura y existencial, penetrante y distante a la vez, hilarante y trágica simultáneamente. Como un Esperando a Godot rural, crudo, salvaje y al mismo tiempo enigmáticamente bello.

MIKHAIL KALATOZISHVILI
Nació en Georgia en 1959 y se licenció en dirección en el Instituto Nacional de Cinematografía en 1981. Ha trabajado como director de arte, guionista y productor. Desde 1973 vive en Moscú, donde dirige desde el 2000 la Fundación Mikhail Kalatozov, fundada por su abuelo, el único ganador de la Palma de Oro de Cannes con Cuando pasan las cigüeñas (1958). Debutó en la dirección con el corto Mechanic (1981) y Wild Field se presentó en el Festival de Venecia, antes de recorrer festivales de todo el mundo.




RETROSPECTIVA GUY MADDIN

Inédito en las salas comerciales de nuestro país, en el cine del canadiense Guy Maddin cualquier motivo, género cinematográfico o vivencia personal es susceptible de ser metamorfoseado. Su pasado, para empezar, pero también el del mismo séptimo arte. Como si las imágenes de los pioneros del cine (Murnau, Wiene, Vigo, Berkeley o Feuillade) recuperaran el aliento junto a los recuerdos de su infancia en Winnipeg (Canadá), cuna e inspiración para empuñar su Bolex de 16 mm. El Festival de Cinema d’Autor de Barcelona, en colaboración con la Filmoteca de Catalunya, le dedica en su primer año de vida una gran retrospectiva, que se proyectará en la Filmoteca de Catalunya y después viajará al IVAC – Filmoteca de València y al CGAI – Filmoteca de Galicia.

La retrospectiva abarca también todos sus cortometrajes, distribuidos en tres sesiones. A continuación vamos a comentar tan solo los largometrajes. Para más información, como siempre, la web.

Archangel

Canada, 1990. 35 mm, 83 min.

Director
Guy Maddin.

Screenplay
George Toles.

Cast
Michael Gottli, David Falkenburg, Michael O'Sullivan.

Sinopsis
A British soldier has just arrived in the Russian city of Archangel after losing his fiancé, one of his legs and much of his memory. Time has stopped in this place: its inhabitants seem unaware that there are child-devouring zombies walking the streets and don’t even know that the Great War has ended. And so they remain in their trenches, also being quite unaware that the Russian Revolution is about to break out. When the protagonist falls in love with a lady that is the living image of his former beloved, he does all he can to be with her, even though she is the wife of another soldier, who is even worse affected by amnesia. With this looping plot, Maddin’s second film is a hypnotic fable on memories and their absence, which contains numerous examples of the Canadian’s imaginary: ode to the fatherland, mutilations, split personalities, fatal relationships and reasons for amnesia are all set in this wartime melodrama that foretells a universe that has yet to expand, but with a well defined plot and aesthetic horizon. The film won the National Society of Film Critics of the United States Award for the best experimental movie of the year.



Brand upon the brain!

EE.UU., Canadá , 2006. 35 mm, 95 min.

Director
Guy Maddin.

Guión
Guy Maddin, Georges Toles, Louis Negin.

Intérpretes
Gretchen Krich, Sullivan Brown, Maya Lawson, Katherine E. Scharhon, Todd Moore.

Sinopsis
De la filmografía de Maddin, Brand upon the brain! es la única película rodada fuera de Canadá. Toda una aventura para un director atado en la ficción y en la realidad a su tierra natal. Pero, a veces hay que tomar ciertos riesgos. El filme es un proyecto original de The Film Company, que le ofreció a Maddin dirigir un corto siempre que fuera filmado en Seattle, con actores del lugar y durante sólo seis semanas. Así, el canadiense hizo de la limitación virtud y transformó la propuesta en una majestuosa obra silente para ser representada acompañada de orquesta y narración en vivo, en esta ocasión, con la voz de Isabella Rossellini. De nuevo con la autobiografía como material para ser moldeado por la ficción, el largometraje aparece como un viaje edípico hacia el pasado del protagonista, llamado como el cineasta: el joven Guy regresa al faro-orfanato donde se crió para pintarlo por deseo expreso de su madre. Allí, los fantasmas de un pasado misterioso y atroz volverán a tomar forma entre capa y capa de pintura.




Dracula: Pages of a virgin's diary

Canada, 2002. Digibeta, 73 min.

Director
Guy Maddin.

Guión
Mark Godden.

Intérpretes
Zhang Wei-Qiang, Tara Birtwhistle, David Moroni, CindyMarie Small, Johnny Wright.

Sinopsis
En Londres están ocurriendo unos sucesos muy extraños. Lucy Westenra, una dama de la alta sociedad, padece una enfermedad que sólo el doctor Van Helsing puede curar: ha sido mordida por un vampiro. Éste es el comienzo de la lucha entre Van Helsing, los pretendientes de Lucy y el seductor vampiro extranjero.
Singular adaptación del clásico de Bram Stoker al mundo del ballet por Mark Godden y dirigida por Guy Maddin, uno de los directores más originales de la cinematográfica canadiense. Coreografiada por los miembros de la compañía "Canada’s Royal Winnipeg Ballet" (Royal Ballet de la ciudad de Winnipeg), en un principio iba a ser una producción exclusiva para la televisión. Película muda con música de Gustav Mahler, y rodada en blanco y negro con destellos de rojo sangre, obtuvo el premio a la mejor película en el Festival de Cine Fantástico de Cataluña.




My winnipeg

Canadá , 2007. 35 mm, 80 min.

Director
Guy Maddin.

Guión
Guy Maddin, Georges Toles.

Intérpretes
Ann Savage, Louis Negin, Amy Stewart, Darcy Fehr.

Sinopsis
Documental sobre un recuerdo, ficción alrededor de una ciudad, My Winnipeg fluctúa entre ambos formatos para erigirse en un largometraje libre y emocionante que homenajea a la ciudad del cineasta, fría capital del estado de Manitoba, a su familia, al cine y a la memoria. La película nació como un encargo del Documentary Channel y acabó como el capítulo final de su trilogía de la autoficción, definido, por el propio cineasta, como una docu-fantasía. El resultado es un viaje al corazón de la hiperbórea urbe, escenario físico y a la vez mental, que nos invita a subirnos en un tren fantasmagórico desde donde se proyecta el pasado del director y se construye el mito fundacional de Winnipeg a través de múltiples estrategias: dramatizaciones, tomas de archivo, grabaciones en Super 8, bólex de 16 mm o en cámara de móvil… Capas de historia, recuerdos o delirios ucrónicos, todas esas imágenes emergen en el filme como reflejos de las obsesiones de Maddin, aceleradas pulsiones puestas en escena con el fin último de evitar el olvido.




Tales of the Gimli hospital

Canada, 1988. Betacam, 70 min.

Director
Guy Maddin.

Screenplay
George Toles.

Cast
Kyle McCulloch, Michael Gottli, Angela Heck.

Sinopsis
Hospital Gimli, Islandia. Mientras su madre se encuentra en su lecho de muerte, dos niños escuchan la historia de Einar el Solitario de boca de su abuela. Años atrás, en ese mismo hospital, el tímido pescador Einar fue ingresado víctima de una terrible epidemia que asolaba la isla. Allí trabó amistad con Gunnar, un bonachón paciente que atraía a todas las enfermeras con sus magníficas historias. Pero su amistad se verá empañada cuando descubran su pasado común.




The saddest music in the world

Canadá , 2003. 35 mm, 95 min.

Director
Guy Maddin.

Guión
George Toles, según la novela de Kazuo Ishiguro.

Intérpretes
Mark McKinney, Isabella Rossellini.

Sinopsis
La primera película de Maddin basada en un texto ajeno toma la novela homónima de Kazuo Ishiguro para, con la ayuda de su inseparable Georges Toles, situarlo, claro, en Winnipeg, durante la Gran Depresión. Para estimular el consumo de cerveza, la Baronesa de la ídem, Lady Helen Port-Huntley (una estupenda Isabella Rosselllini), organiza un concurso donde se escogerá la canción más triste del mundo, sin imaginar que se reencontrará con sus antiguos amantes, Fyodor y Chester Kent, padre e hijo respectivamente, protagonistas del accidente que la dejó sin piernas. Ambos, junto al otro hijo pródigo de la familia, tratarán de hacerse con los favores de la Baronesa y con el jugoso premio. Entre el melodrama y el noir musicado, The Saddest Music in the World es la cinta de Maddin que ostenta el récord de contener el mayor número de planos por segundo de toda su filmografía. Una cumbre sólo a la altura de esas bellísimas piernas de cristal rellenas de cerveza, sin duda una de las imágenes más logradas del cineasta.




Careful
Canada, 1990. Betacam, 100 min.

Director
Guy Maddin.

Screenplay
George Toles.

Cast
Kyle McCulloch, Gosia Dobrowolska, Sarah Neville.

Sinopsis
En el remoto pueblo alpino de Tolzbad, todo el mundo habla en susurros por miedo a desencadenar una avalancha. Johann, aspirante a mayordomo, es uno de los testigos de las aberraciones mudas que tienen lugar allí, desde el incesto a suicidios furtivos.







Twilight of the ice nymphs

Canada, 1997. Betacam, 91 min.

Director
Guy Maddin.

Guión
George Toles.

Intérpretes
Pascale Bussiéres, Shelley Duvall, Frank Gorshin , Alice Krige.

Sinopsis
Pedro es un político ex prisionero que regresa a su tierra natal. Durante su camino a casa, conoce a la misteriosa Juliana que se desvanece después de “robarle” el corazón. Una vez que llega a su granja, se dirige a ver a su hermana Amelia, que le cuenta la obsesión que tiene por una estatua de Venus, que posee extraños poderes.


Guy Maddin: Waiting for twilight

Canadá , 1997. Betacam, 60 min.


Director
Noam Gonick.

Guión
Noam Gonick.


Narrador
Tom Waits.

Sinopsis
El rodaje de Twilight of the Ice Nymphs casi supone, precisamente eso, el eclipse de la carrera de Maddin, quien siempre confiesa el suplicio que supuso esa experiencia. Las desavenencias con los productores, que le impusieron desde un reparto de caras conocidas, pero ajenas al círculo de intérpretes con el que Maddin trabajaba hasta la fecha, hasta rodar en 35 milímetros, cuando el cineasta siempre había filmado en 16 o Super 8, fueron más que un dolor de cabeza para el canadiense. De algún modo, el documental de Noam Gonick recoge ese malestar vivido y se revela como testimonio de esa extraña atmósfera hasta el punto de recoger de boca de Maddin la peor de las sentencias: “Esta es mi última película”, confiesa el director a cámara, cansado de tantos reveses y tantos molinos de viento. Narrado por Tom Waits y a medio camino del making-off y el perfil reportajeado, el documental es una magnífica puerta de entrada para conocer el universo de Maddin, sus inicios, pasiones, entusiasmos y sus desesperaciones.


 
AUTORÍA CATALANA
El Festival de Cinema d’Autor de Barcelona no quiere dejar de lado la producción cinematográfica hecha en casa, por esta razón presentamos una serie de producciones catalanas producidas en 2010 de directores jóvenes que representan la cara más independiente y creativa del cine de nuestro país. En esta primera edición del festival, apostamos por cinco cineastas con personalidad propia, algunos de ellos noveles y otros con una reconocida trayectoria profesional. Contaremos con su presencia en las salas de proyección, presentando y dialogando con el público sobre sus películas. Isaki Lacuesta, Daniel V. Villamediana, Elena Trapé, Félix Fernández de Castro y Lluís Galter son los cómplices de esta sección llamada Autoria Catalana.


Caracremada

España, 2010. DCP, 98 min.

Director
Lluís Galter.

Guión
Lluís Galter.

Intérpretes
Lluís Soler, Domènec Bautista, Aina Calpe, Clara Halo.

Sinopsis
“Caracremada”, apodo utilizado por la guardia civil para referirse a Ramon Vila Capdevila, reflexiona sobre la resistencia libertaria al régimen de Franco a través del que fue su último guerrillero en activo. Cuando en el año 1951 la CNT decretó la retirada de sus hombres, Ramon Vila permaneció en los bosques del interior de Cataluña para reemprender en solitario su lucha. Ramon, último reducto de la vieja resistencia fundacional, se convierte en una sombra que es pura determinación, rechazo y lucidez obsesiva, encarnación de la lucha inefable.

LLUÍS GALTER
Nacido en Figueres en 1983, Galter estudió Comunicación Audiovisual en la UPF. Gran parte de su trabajo se ha estrenado en televisión y ha formado parte de distintas programaciones en varios museos europeos. Caracremada, su primer largo, se presentó en la sección competitiva Orizzonti de la Mostra de Venecia, y también pudo verse en la última edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.




La vida sublime
España, 2010. 35mm, 90 min.

Director
Daniel V. Villamediana.

Guión
Víctor J. Vázquez, Daniel V. Villamediana.

Intérpretes
Victor J. Vázquez, Minke Wang, Álvarro Arroba, Pepe Grosso.

Sinopsis
La vida sublime cuenta la historia de Víctor, un hombre joven que encuentra la pasión vital que estaba buscando en la figura de su abuelo, “el Cuco”, y en un viaje que éste hizo al sur de España a comienzos de los años cuarenta y que ha permanecido como un misterio familiar. El sur y el abuelo se convierten en objeto de fascinación, un espacio donde rescribir la memoria familiar para poder inmortalizar al “Cuco”. El periplo de Víctor deviene un personal homenaje a la generación perdida del franquismo que no pudo realizar sus sueños. Una búsqueda del mito de lo sublime. una película sobre fronteras, entre el norte y el sur, la imaginación y la realidad, presente y pasado, abuelos y nietos, España y América, la lucidez y la locura...

DANIEL V. VILLAMEDIANA
Licenciado en Historia y doctorado en Historia del Arte, fue uno de los miembros fundadores y co-director de la revista Letras de Cine. Así mismo es profesor de guión, crítica y realización, y colaborador habitual del suplemento Culturas de La Vanguardia. Es socio fundador de la productora El toro azul. La vida sublime es su segundo largometraje.




Blog

España, 2010. 35mm, 90 min.

Directora
Elena Trapé.

Idea original
Elena Trapé, Lluís Segura, Tomàs Aragay.

Intérpretes
Candela Antón, Anna Castillo, Lola Errando, Sara Gómez.

Sinopsis
Interpretado por un puñado de muy jóvenes actrices no profesionales, Blog es la sorprendente historia de un grupo de adolescentes, chicas de 15 años, de clase media-alta, bien educadas, inteligentes, sensibles y conscientes. Un grupo de jóvenes con un plan secreto y un objetivo común, lo que ellas consideran una meta absoluta y una verdad universal: la necesidad de vivir emociones fuertes que las distingan del resto.

ELENA TRAPÉ
Licenciada en Historia del Arte por la Universitat Autònoma de Barcelona, se graduó en la ESCAC el 2004 en la especialidad de Dirección. En 2008 rodó La Ruïna, su primera tele-movie, nominada a mejor película para televisión en los premios Gaudí 2010. Profesionalmente compagina su actividad docente en la ESCAC con la realización publicitaria. Blog es su primer largometraje.




María y yo
España, 2010. Digital, 80 min.

Director
Félix Fernández de Castro.

Guión
Félix Fernández de Castro, Ibon Olaskoaga.
Basado en el cómic de Miguel Gallardo.

Sinopsis
María vive con su madre, May, en Canarias, a 3.000 km de Barcelona, donde vive Miguel Gallardo. A veces, se van los dos juntos de vacaciones a pasar una semana en un resort del sur de Gran Canaria, un escenario un tanto inhabitual que no suele acoger entre sus huéspedes a un renombrado autor de cómics que viaja con una hija de catorce años que padece autismo. Esta es la historia de uno de esos viajes y, sobre todo, un relato original y lleno de humor, ironía y sinceridad sobre cómo se convive con una discapacidad.

FELIX FERNÁNDEZ DE CASTRO
Nacido en Barcelona en 1963. Antes de debutar en la dirección, ha llevado a cabo una larga carrera como creativo publicitario. Como creativo, ha ganado todos los premios posibles en todos los festivales de publicidad del mundo, entre los que destacan varios Leones de oro y de plata en Cannes y otros tantos Soles de oro en el Festival de San Sebastián. María y yo es su primer largometraje.




La noche que no acaba

España, 2010. Digital, 80 min.

Director
Isaki Lacuesta.

Guión
Isa Campo y Isaki Lacuesta.

Intérpretes
Lucía Bosé, Paco Miranda. Voces: Charo López, Ariadna Gil.

Sinopsis
Como muchos actores, Ava Gardner odiaba ver sus películas. Decía que la mujer de la pantalla no era ella. Pero todas las películas cuentan dos relatos: el argumento y la historia de los cuerpos filmados. Esta película cuenta lo que sucedió entre dos imágenes: un primer plano de Pandora y un primer plano de Harén, el primero y el último que Ava rodó en España. Seguramente, Ava pensaría que ninguna de esas dos mujeres se parecía en nada a ella misma.

ISAKI LACUESTA
Nació en Girona en 1975. Compagina su trabajo como director de cine con la docencia en la UPF y el Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya. Su primer largometraje fue Cravan vs Cravan (2002), al que siguió La leyenda del tiempo (2006). Los condenados (2009), su debut en el cine de ficción, le valió el Premio FIPRESCI de la crítica internacional en el Festival de San Sebastián.

  

miércoles, 27 de abril de 2011

Película de la semana: Scream 4 y resto de estrenos

La película de la semana: Scream 4





No hay mejor fecha que unas vacaciones, en este caso las de Semana Santa, para ver una película desenfadada, de ésas que vas al cine a disfrutar y a pasar el rato. A mí que me encanta hablar de Guerín o de Weerasethakul o de mi último descubrimiento de un festival de cine independiente, me puede el género de terror y me suelen gustar incluso las malas. Así que tampoco le pedía mucho a Scream 4, simplemente pasar el rato. Y os puedo asegurar que lo hice. Y con creces.



Cuando se estrenó la primera película de la hasta ahora tetralogía hace ya quince años, el género de terror y el fantástico en general estaba en horas muy bajas. Además era un tipo de género que tras su explosión definitiva de imaginación y vísceras de los años 80 parecía tener ya muy poco donde innovar. Scream (1996) lo hizo. Dirigiéndola estaba un señor experto en cine de terror, con una filmografía muy reivindicada por los fans del género y que ya había dado dos veces en el clavo. En la década de los 70 con su ópera prima, la sucia La última casa a la izquierda (1972) y en la década siguiente con una de las mejores películas de terror modernas Pesadilla en Elm Street (1984). Tras ella, el bueno de Craven intentó hacer un poco de todo para volver a elevar el género al olimpo, pero solo pudo realizar apreciables películas un poco pulp e inocentes como Amiga Mortal, Shocker, 100.000 voltios de terror o El sótamo del miedo. El éxito no acababa de llegar así que retomó su gran éxito y volvió a diridir a Freddy Krueger (no lo había hecho en ninguna secuela) en La nueva pesadilla de Wes Craven, donde ya había una delgada linea entre el terror y la autoparodia. Pero la película fue un fracaso. Siguió por el camino iniciado por ésta y después dirigió la comedia de terror Un vampiro suelto en Brooklyn con Eddie Murphy. Era el año 1995. La película fue vapuleada por la crítica. Wes Craven parecía haber lanzado su último cartucho. Estaba acabado. Así que la sorpresa fue mayúscula cuando Scream, su siguiente película, volvía a dar en el clavo. Una película de terror con muchas dosis de autoparodia del género que creó una nueva moda y revitalizó de manera inaudita hasta hoy mismo el género de terror adolescente. Craven por tercera década consecutiva acabó dando en el clavo. Aunque en este caso, todo el mundo hablaba de su guionista. Un chaval llamado Kevin Williamson.



En el 96, Kevin Williamson tenía 31 años, así que era joven, pero tampoco insultantemente joven. Surgió de la nada, escribió el guión de Scream utilizando todo el cine de género que había mamado para hacer un film lleno de referencias y de terror pero también de autoparodia y fue lanzado al estrellato fulminantemente. Entonces hizo el guión de Sé lo que hicistéis el último verano, una película que pese a su limitada calidad fue un enorme éxito comercial, volvió a escribir la secuela Scream 2, y pese al innegable descenso de calidad de su predecesora, el guionista vivió su momento de mayor estrellato escribiéndole un guión a Robert Rodríguez que terminó siendo la reivindicable The Faculty y dirigiendo su ópera prima (y hasta ahora única película Secuestrando a la srta. Tingle) que pasó por crítica y público sin pena ni gloria. Tan solo participó ligeremante en el guión de Sream 3 en el 2000 y la película se resintió. Williamson había tenido un estrellato meteórico que se agotó en menos de cinco años. Desde entonces sólo ha podido trabajar en escribir series de televisión y en el guión de la película La maldición (2005) también dirigida por Craven y bastante mala. Por su parte Wes Craven también ha hecho muy poca cosa desde Scram 3 estrenada en el 2000. Aparte de la citada La maldición solo ha dirigido dos películas, Vuelo nocturno y Almas condenadas, ambas con repercusión cero. Con todo ésto, aparte de repasar un poco que han dado al género éstos dos personajes pretendo mostrar el punto donde se encontraban antes de realizar Scream 4. El absoluto olvido. Creo que tal situación se nota en la realización y sobretodo en el guión de la película. Ya no vamos a hacer un guión para demostrar que somos el más listo de la clase. Vamos a aprovechar esta oportunidad para divertirnos. Sin prejuicios. Y claro, si ellos se divierten el espectador también lo hace.



Si Scream fue un éxito crítico y comercial brutal y reinventó el cine de terror moderno de adolescentes con su exhibición de cinefagia, Scream 2 empezaba a perderse en la mediocridad. Tras un excelente inicio en el cine donde se proyectaba "Puñalada", la película basada en los "hechos reales" acaecidos en Scream, la película terminaba siendo un producto inocuo, típico y que no lograba reinventar lo que ya había reinventado, sino más bien copiarse y con mucha menos gracia. Scream 3, en la que como decíamos el guión de Williamson (que colabora) pierde protagonismo es un auténtico despropósito y lleva la saga a un callejón sin salida. Hasta hoy.



Creo que Scream 4 debería ser la auténtica secuela de Scream. No llega a su nivel, claro, ni lo pretende. El guionista ha crecido y como los personajes de la película, todos más de diez años mayores, ha aprendido a vivir con sus decepciones. Lo que sugiere es una nueva vuelta de tuerca, desenfadada y vital. No teme seguir los esquemas del Scream original (de hecho se justifica diciendo que el asesino está haciendo un remake de aquélla y se queda tan ancho). Se copia en los chistes y referencias sobre cine de terror, crea miles de situaciones ingeniosas para que cambiemos nuestra sospecha de asesino en cada secuencia, deja fluir (y nunca mejor dicho) un poco más de gore (que no mucho) en los asesinatos. Se burla del género, de sí mismo y concluye con un final tan pasado de vueltas y desprejuiciado que no pude más que disfrutarlo por exceso, en medio del cachondeo generalizado de la sala. La película empieza tres veces porque los primeros protagonistas que vemos están viendo "Puñalada" que ya va por la sexta entrega y que ya nada tiene que ver con los "hechos acaecidos" en Scream. Así que las primeras dos secuencias (lo sabremos enseguida) son de la película que ven los protagonistas de Scream 4. Las terceras adolescentes son las de nuestra película. Pero da lo mismo. Las dos anteriores eran igual. La secuela, el remake, la parodia, todo se mezcla cuando una película, un asesino y unos diálogos ya forman parte de la cultura popular de los amantes del terror. Somos iguales nosotros viendo Scream 4 que los protagonistas viendo "Puñalada 6". Sabemos la historia, sabemos lo que va a pasar, nos sabemos las respuestas sobre el cine de género y lo que queremos es disfrutar. Y como decía al principio lo hacemos, y con creces. En una secuencia de la película un policía le dice al otro "ahora vuelvo" y nos reímos al tiempo que él, que ha visto la película "Puñalada" (que es lo que fue Scream) se arrepiente de haberlo dicho porque sabe que ello es motivo de no volver. Todos somos partícipes de la fiesta. Kevin Williamson y Wes Craven aprovechan la distancia en el tiempo de su película original para jugar con el mito, divertirse y divertirnos. Seguramente jamás harán nada tan bueno como han hecho en el pasado. Mientras esperan una improbable nueva carambola se dedican a disfrutar. Y nosotros encantados.


Resto de estrenos del 20 de abril

                    

De los otros 8 estrenos de la semana, tres también son americanos: El drama musical Country song donde por lo que parece lo mejor es la Paltrow cantando, el drama familiar El amor y otras cosas imposibles donde por lo que parece lo mejor es la Portman paseando y la animación Winnie the Pooh donde por lo que parece lo mejor es... ¿Winnie the Pooh?...
Otros tres estrenos son españoles: El documental de Isabel Coixet (¡¡¡peligro!!!) Escuchando al juez Garzón, la comedia romántica The symmetry of love y la adaptación de la serie de televisión Águila roja. La película. En las tres, por lo que parece, lo mejor es la misma cosa. ¿Adivináis? Lo mejor es no verlas.
Los últimos dos estrenos son italianos: La muy, pero que muy temible (vaya semana) Perdona pero quiero casarme contigo de Federico Moccia y la (por fin) interesante No mires atrás destacado por la crítica como un thriller muy bien llevado y que procuraré ver en las próximas semanas.

La semana que viene, a diferencia de ésta, son varios los estrenos que a priori me interesan: Año bisiesto, No tengas miedo, Thor y Tokio Blues, que será la película que comente como film de la semana. Hasta entonces. Mientras tanto, los que seais de Barcelona recordad que este viernes empieza el festival de cine de autor. Pronto colgaré el segundo post con el resto de la programación.

lunes, 25 de abril de 2011

Programación Festival Cinema d'autor Barcelona (1)

De un tiempo acá, los lectores de este blog, ya habréis visto que venimos hablando de este festival que va a celebrar su primera edición este año (del 29 de abril al 8 de mayo) en Barcelona. Pese a ser de alguna manera el sustituto de un festival al que teníamos tanto cariño como el BAFF y pese a que añoramos y añoraremos (ojalá alguien pusiera remedio) al festival asiático, la verdad es que el Festival Internacional de Cinema d'autor de Barcelona empieza con muy buenas propuestas y creo yo, va a tener la virtud de afiazanse y crecer y dar a la ciudad el festival que merece y que no terminaba de conseguir. En otra ocasión, quizás cuando el festival cumpla su segunda edición, hablaré de lo que yo consideraría un festival de verdad, que nos diese prestigio internacional. Por ahora voy a detallar las películas que componen el festival. Para las sinopsis, ya que las de la página oficial del festival son tan extensas, me voy a limitar a copiarlas. Su página web en que podréis encontar toda la información y horarios es: http://www.cinemadautor.cat/ adjuntaré los trailers, en las películas que ya dispongan de él.
El Festival cuenta con 5 secciones. Pero antes de entrar en ellas, hablemos de la inauguración, la clausura y una impresionante sesión especial. Luego, en este primer post hablaremos de la seccion más importante, titulada "direccions". Las otras 4 secciones, en una segunda parte la semana que viene.

INAUGURACIÓN

Pequeñas mentiras sin importancia (Les petits mouchoirs)

Francia, 2010. 35 mm, 154 min.


Director
Guillaume Canet.

Guión
Guillaume Canet.

Intérpretes
François Cluzet, Marion Cotillard, Benoît Magimel, Gilles Lellouche, Jean Dujardin.

Sinopsis
El tercer largometraje como director del conocido actor francés Guillaume Canet reúne a un impresionante reparto encabezado por la ganadora del Oscar, Marion Cotillard, y completado por François Cluzet y Benoît Magimel, en un drama intimista y pausado que bascula sin prejuicios entre las risas y las lágrimas. Un grupo de treintañeros decide seguir adelante con su plan anual de inaugurar el verano en una casa en la playa, a pesar de que uno de sus amigos se debate entre la vida y la muerte. Poco a poco, el sentimiento de culpa y las pequeñas mentiras con las que cada uno de ellos esconde sus secretos, desvelan una realidad distinta en la que se hallan en juego la sinceridad, el compromiso y la incapacidad de olvidar los pequeños dramas personales entre amigos que no se escuchan. Una historia con ecos universales en los retratos de los personajes, que parece en cierta manera una actualización de Reencuentro de Lawrence Kasdan o una película rodada entre amigos a lo Cassavettes.

GUILLAUME CANET
Nace en 1973 en Francia. Debutó como actor en 1994 y desde entonces ha construido una carrera que incluye títulos como Los que me quieran cogerán el tren (Patrice Chéreau), La playa (Danny Boyle) o Juntos, nada más (Claude Berri). Debutó como director en 1996 con el cortometraje Sans regrets y desde entonces ha dirigido siete obras, entre cortometrajes y largos. En 2007 ganó el César a la mejor dirección por Ne le dis à personne.



CLAUSURA

O estranho caso de Angelica

Portugal, 2010. 35 mm, 97 min.


Director
Manoel de Oliveira.

Guión
Manoel de Oliveira.

Intérpretes
Pilar López de Ayala, Filipe Vargas, Ricardo Trêpa.

Sinopsis
Penúltimo largometraje del incombustible Manoel de Oliveira, que esta vez se divierte con una película de fantasmas en la que un fotógrafo emprende un viaje alucinado después de retratar a la hija muerta de los propietarios de un hotel. Sin caer en la nostalgia del que se sabe cercano a la visita de la parca, el director portugués nos invita a un viaje mágico en el que la realidad y la ficción se funden para darnos a entender que la vida y la muerte forman parte de un mismo continuo. Contada con la sonrisa perpetua en los labios, la aventura de Isaac mantiene el encanto y la frescura del cine de la época silente, pero no su característica ingenuidad: de Oliveira, como el mismísimo Diablo, sabe más por viejo que por diablo y, cómo él, se divierte, manejando como un titiritero al desdichado fotógrafo. En definitiva, una muestra más de que el portugués sigue en la flor de la vida.

MANOEL DE OLIVEIRA
57 títulos condensan el trabajo del mayor (en edad) director del cine contemporáneo: nada menos que 102 años nos contemplan desde los ojos traviesos del que, año tras año, nos confirma que no hay realizador más desprejuiciado y libre que este ilustre portugués. De Oliveira ha insistido en contarnos su visión del mundo mediante un cine en el que cada plano cuenta, con una economía de medios y una eficiencia narrativa que le han permitido ahondar en el alma humana con una clarividencia y una contundencia todavía sin herederos.





SESIÓN ESPECIAL 3D

Cave of forgotten dreams

EE UU., Francia, 2010. 3D, 90 min.


Director
Werner Herzog.

Guión
Werner Herzog.

Sinopsis
El cine de Herzog es diferente y esta película no es una excepción. Al principio del filme la omnipresente voz de Herzog narra cómo se ha gestado la idea de la película y nos sitúa en contexto: en 1994 unos espeleólogos descubrieron en la cueva de Chauvet las pinturas rupestres más antiguas conocidas hasta la fecha, 30.000 años ocultas bajo la roca. Durante quince años científicos especializados han analizado hasta el más diminuto recoveco de la cueva, cuyo acceso estuvo cerrado a cualquier persona no autorizada hasta que en el año 2009 el Ministerio de Cultura encarga a Werner Herzog inmortalizar el interior de la gruta usando la tecnología 3D. A pesar del reto que supone rodar en esta tecnología dentro de un espacio tan reducido, el filme logra transmitir toda la belleza y espectacularidad de la cueva, transportando al espectador a través de las estalactitas y las pinturas al corazón de esta obra magna de la humanidad. Herzog, con su habilidad para perfilar trazados narrativos más allá del relato convencional, consigue hacer lo mismo que Kubrick hizo con el famoso vuelo del hueso en 2001: Una odisea en el espacio: una elipsis de 30.000 años en un fragmento. Adentrarse en la cueva de los sueños olvidados ayuda a entender que los humanos no nos distinguimos demasiado los unos de los otros, a pesar del tiempo como en el espacio.


WERNER HERZOG
Nació en Múnich, pero pasó toda su infancia en un pueblo de las montañas de Baviera. Creció sin radio ni cine, en pleno contacto con la naturaleza. De formación autodidacta, a los 19 años dirigió su primer filme y desde entonces ha llevado a cabo una carrera singular, que ha combinado la dirección de largometrajes, documentales, dirección de ópera, actuación y redacción de guiones. Ha ganado numerosos premios, como el Gran Premio Especial del Jurado en Cannes por El enigma de Kaspar Hauser (1974), o el de mejor director en ese mismo festival por Fitzcarraldo (1982).
 


Empecemos con las 5 secciones del festival.


DIRECCIONS
El buque insignia del Festival de Cinema d'Autor de Barcelona es un espacio destinado a descubrir y exhibir la obra de autores con una corta filmografía pero que están llamados a ocupar un lugar importante en años venideros, si no lo están ocupando ya. Cine de múltiples géneros y diversas nacionalidades, en las que no falta el cine indie norteamericano, el pujante nuevo cine latinoamericano, nuevos autores de cinematografías poco transitadas como la canadiense o la finlandesa, directores de renombre y noveles que buscan nuevas sensaciones.

Bad Family

Finlandia, 2010. 35 mm, 95 min.


Director
Alexi Salmenperä.

Guión
Alexi Salmenperä.

Intérpretes
Ville Virtanen, Pihla Viitala, Lauri Tilkanen.

Sinopsis
"De los productores de Aki Kaurismäki". Podríamos empezar así a hablar de una de las últimas sorpresas del cine finlandés, si no fuera porque sí está producida por Kaurismäki. Aleksi Salmenperä dirige su tercer largometraje cruzando la comedia negra y el drama, con altas dosis de humor negro a costa de las desgracias del prójimo. Un padre superprotector que tiene un cargo social importante; unos hijos educados en el post-divorcio; una nueva esposa que aparece para suplantar a otra; la sospecha de incesto; una ex-mujer que mantiene la custodia de la hija... Una muerte y un reencuentro al cabo de los años. Y el lío está servido. Presentada en la Berlinale del año pasado, una película que va del psicodrama al más puro psycho, family cinema en la acepción más radical del término. Una muestra más del saber hacer de los autores que vienen del frío.

ALEXI SALMENPERÄ
Nacido en 1973, es uno de los directores finlandeses más aclamados y reconocidos. Además de haber sido galardonado por largos como A Man's Job (2007) y Producing Adults (2004) -las dos fueron seleccionadas para representar a Finlandia en los Oscar-, su carrera también incluye series de televisión.




Cold weather
 EE UU., 2010. Digibeta, 96 min.


Director
Aaron Katz.

Guión
Aaron Katz.

Intérpretes
Cris Lankenau, Trieste Kelly Dunn, Raúl Castillo, Robyn Rikoon.

Sinopsis
Doug vuelve a Portland después de dejar los estudios de ciencias forenses para terminar trabajando como eventual. Su vida es simple y transcurre entre su adoración por las novelas de Sherlock Holmes y los tiempos muertos, sin demasiado que hacer. Hasta que reaparece su ex novia para después desaparecer en extrañas circunstancias. Contada como si de una clásica historia de detectives en clave novela pulp se tratara, Cold Weather es también una historia de colegas contemporánea, una “comedia de diálogos”. Aaron Katz cruza las constantes de distintos géneros en una película muy personal y elaborada (sobre todo teniendo en cuenta las características del movimiento mumblecore al que ha sido inscrito). Filmada con la novísima cámara RED, la película se convierte en una rara avis del nuevo cine norteamericano. Un ejercicio sorprendente y con voluntad autoral, una película fresca y desenfadada que descolocará a más de uno.

AARON KATZ
Aaron Katz se ha convertido en uno de los últimos reclamos del fenómeno mumblecore, cuyos principales abanderados son Andrew Bujalski y Joe Swanberg. Surgido del festival de moda en Estados Unidos (South by Southwest o SXSW, de Austin), Katz empezó dentro de las coordenadas de amateurismo, naturalismo y espontaneidad tan queridas por los nuevos realizadores norteamericanos, para brindarnos en su tercer largo de ficción una película mucho más sofisticada artísticamente.




El hombre de al lado


Argentina, 2009. 35 mm, 103 min.


Director
Mariano Cohn i Gastón Duprat.

Guión
Andrés Duprat.

Intérpretes
Daniel Aráoz, Rafael Spregelburd.

Sinopsis
El hombre de al lado narra un conflicto entre vecinos que parece no tener fin. Una simple pared medianera puede dividir dos mundos, dos maneras de vestir, de comer, de vivir. La mirada del extraño corroe y pone en entredicho una vida aparentemente normal, y abre la puerta a los miedos, a las miserias y a las actitudes más viles cuando un vecino decide abrir una nueva ventana que estropeará la estupenda fachada de una obra de Le Corbusier (auténtica, la única que el arquitecto levantó en Sudamérica). Una comedia negra que usa una excusa aparentemente nimia para convertir una pared en una lucha de poder y de clases. Una de las películas argentinas más premiadas del año que ha conseguido galardones en Mar de Plata, Toulouse, el de fotografía en Sundance y el premio a la mejor dirección y mejores actores en la Mostra de Cinema Llatinoamericà de Lleida.

MARIANO COHN/GASTÓN DUPRAT
Nacieron en Buenos Aires en 1975 y desde que empezaron a colaborar en la creación de un programa de televisión, han trabajado conjuntamente y dirigido tres largometrajes. También fundaron y dirigieron el canal de Buenos Aires, Ciudad Abierta. En el terreno del vídeo experimental han realizado más de una veintena de obras premiadas en distintos certámenes. El hombre de al lado, que ha sido presentada en diversos festivales de todo el mundo, es su tercer trabajo conjunto.





Jo for Jonathan

Canadá , 2010. 35 mm, 81 min.


Director
Maxime Giroux.

Guión
Maxime Giroux, Alexandre Laferrière.

Intérpretes
Jean-Sébastien Courchesne, Raphaël Lacaille, Jean-Alexandre Létourneau.

Sinopsis
Vivir a la sombra del hermano mayor. Puede ser bueno o puede ser malo, pero depende de las influencias que recibamos por el camino: en medio del mundo de delincuencia que te rodea y condiciona, puedes interesarte por las chicas, los porros o por explorar las fronteras con las drogas. O te puede dar por las carreras ilegales de coches. Thomas sufrirá un accidente y su hermano pequeño Jo deberá seguir sus pasos, crecer y convertirse en Jonathan. Esta no es una historia de triunfos ni tampoco sobre el manido sueño norteamericano: sin salir de los suburbios, la historia vital de los personajes dará un giro que cambiará su manera de enfrentarse a la vida a partir de ese momento. Giroux filma la historia con este punto granulado tan arrabalero que, aun quedándonos un tanto lejano, entendemos perfectamente: en el fondo, solo es cuestión de adaptar la miseria y la alienación a nuestros propios esquemas. Una historia de extrarradio, con un extraordinario sentido de la fealdad, que no tiene piedad con sus protagonistas, pero que tampoco les castiga con crueldad, y donde lo último que esperamos encontrar es la redención.

MAXIME GIROUX
Nació en 1976 en Montreal, Canadá. Estudió en la universidad de Concordia y se unió a la productora NúFilms donde empezó a dirigir videoclips. Desde el 2001, ha dirigido cuatro cortos, los dos últimos de los cuales fueron presentados en más de 50 festivales de todo el mundo y ganaron quince premios internacionales incluyendo el de mejor corto en el Festival de Cine de Toronto. En 2008 dirigió su primer largometraje, Tomorrow. La premiere de su último film Jo pour Jonathan fue en el Festival de Locarno.




Julien

Francia, 2010. Digital, 80 min.


Director
Gaël Lépingle.

Documental

Sinopsis
Una película donde el tiempo está ligeramente desafinado. Esa es la propuesta del cineasta Gaël Lépingle en una cinta fascinante, a veces incómoda y a veces extremadamente placentera. Un puñado de adolescentes en un pueblo perdido de Francia -uno de esos pueblos tan habituales del sur del país vecino donde no pasa nada pero todo parece a punto de estallar-; una cámara planificada, precisa, situada en su punto exacto; varias escenas de la vida rural que no sabemos si son cazadas furtivamente o hay un responsable de escribir cuidadosamente un guión; material documental en abundancia: casas, caminos, paisajes y silencios; y una voz líder, omnipotente pero distante, desinteresada, que nos guía a través de la narración. Como si Raymond Depardon hubiera hecho un salto repentino hacia el siglo XXI -con este narcisismo tan red-social-de-hoy-en-día de la juventud bailando ante la cámara-, Julien es un trabajo donde el lirismo y la épica -y la excusa: un espectáculo medieval actuará de catalizador de sus "personajes"- se encuentran entre dos aguas: como sus habitantes, como los sueños de futuro que les pueden llevar lejos o tan solo hasta la población vecina, como la vida misma, como la mitad de nuestras decisiones. Una película que crece en las grietas entre la vida real y la soñada.

GAÉL LÉPINGLE
Nació cerca de Beauce, pueblo del norte de Francia donde ha rodado su debut en el largometraje con Julien. Ha dirigido varios cortos con el concepto désaccordé (tiempos discordantes) como tema recurrente. Julien ha ganado el Grand Prix en el FidMarseille.




L'illusion comique

Francia, 2010. HD, 77 min.


Director
Mathieu Amalric.

Guión
a partir de la obra de Pierre Corneille.

Intérpretes
Muriel Mayette, Suliane Brahim, Loïc Corbery

Sinopsis
Mathieu Amalric es uno de los actores más respetados de Francia. Poseedor de tres premios César al mejor intérprete, hace tiempo dio el salto a la dirección, en una carrera corta pero segura, que recibió un espaldarazo definitivo al hacerse en Cannes 2010 con el premio a la mejor dirección por Tournée. Su nueva película nos presenta a un director seguro de sí mismo, que ha afinado sus armas y que se concede el lujo de adaptar una obra de Pierre Corneille conservando la rima alejandrina. Un reto del que sale más que bien parado y con el que actualiza este clásico del siglo XVII plagado de nobles en guerra, triángulos amorosos y celos mortales en una obra originariamente creada para la televisión francesa a partir de un encargo de la Comédie para adaptar alguna de las piezas básicas de su repertorio. Rodada con actores de la compañía y alejada del tono teatral de otras adaptaciones, L’illusion comique es un espectáculo visual de primer orden y sobre todo un regalo para los oídos. Una obra en la que el enredo laberíntico de su trama lleva a los personajes del drama al romanticismo, de una manera que nunca deja de ser fresca y convincente.

MATHIEU AMALRIC
Debutó como actor en 1984 en Les favoris de la lune, de Otar Iosseliani. Desde entonces, ha tenido una carrera imparable que le ha llevado a trabajar con algunos de los mejores directores del cine francés contemporáneo, desde Arnaud Desplechin hasta Raoul Ruiz, pasando por Olivier Assayas o André Techiné. Con su cuarta película como director, Tournée (presentada en Off Cinemart), ganó el premio al mejor director en Cannes 2010.

Le père de mes enfants

Francia, 2009. 35 mm, 110 min. VOSE.


Directora
Mia Hansen-Løve.

Guión
Mia Hansen-Løve.

Intérpretes
Louis-Do de Lencquesaing, Chiara Caselli, Alice de Lencquesaing, Alice Gautier.

Sinopsis
Grégoire Canvel lo ha dado todo para construir su productora de cine independiente, desde donde apoya el talento de nuevos directores y fomenta su ideal de cine honesto y comprometido, un trabajo que se ha convertido en el centro de su vida... Excepto por los fines de semana que pasa en el campo, donde disfruta de momentos tan preciosos como frágiles, en compañía de su mujer y sus tres hijas, que sienten adoración por un padre tan ausente como cariñoso. Mia Hansen-Løve retrata con delicada intimidad la vida de un emprendedor carismático y aparentemente invencible, pero también su extrema debilidad cuando aquello por lo que tanto ha luchado empieza a venirse abajo. Una mirada respetuosa y sensible a una de tantas historias comunes, a esa lucha por la dignidad y la ternura cuando todo parece confabular para hacer desaparecer los sueños de una vida. Una película que se interroga con honestidad y sencillez sobre aquello de lo que están construidos los vínculos de afecto entre un hombre y una mujer, entre un padre y sus hijas.

MIA HANSEN LOVE
Como si perteneciese a la generación de la Nouvelle Vague, Mia Hansen-Løve empezó colaborando en la revista Cahiers du Cinéma. Allí conoció a Olivier Assayas, su posterior pareja sentimental, para quién actuó en Finales de agosto, principios de septiembre y Les destinées sentimentales. Debutó en la Quincena de Realizadores de Cannes con su primer largometraje, recibiendo el aplauso de la crítica. Con esta su segunda película volvió a Cannes, donde ganó el Premio Especial del Jurado de Un Certain Regard.




Meek's cutoff

EE.UU., 2010. 35 mm, 104 min.

Directora
Kelly Reichardt.

Guión
Jonathan Raymond.

Intérpretes
Michelle Williams, Bruce Greenwood, Paul Dano, Zoe Kazan, Will Patton.

Sinopsis
Directora de culto gracias a sus dos primeros éxitos, Old Joy y Wendy and Lucy, Kelly Reichardt se enfrenta a su película más ambiciosa: una minuciosa recreación del viaje de unos pioneros del Oeste norteamericano desde una perspectiva feminista. Atenta al detalle físico, mejores interpretaciones – con una sobresaliente Michelle Williams encabezando un reparto de estrellas indies -, y sin olvidar la particular morosidad de la directora a la hora de narrar, Reichardt se consolida como una de las directoras de referencia del nuevo cine independiente norteamericano. Un film en el que el paisaje es tan o más protagonista que los personajes, que se ven enfrentados a una apuesta a vida o muerte cuando el guía de la caravana decide tomar un atajo que les llevará hacia un viaje incierto y desesperado. Meek’s Cutoff no se aleja tanto de la visión radical del imaginario mental norteamericano de los anteriores trabajos de Reichardt, ya sea a través de sus peculiares revisiones de la road movie, la buddy movie y ahora el western por la vía mínimal y realista. Una de las películas más aclamadas del año.

KELLY REICHARD
Nacida en Miami en 1964, debut— en el cine con la película River of Grass (1994), protagonizada por Larry Fessenden, que recibió diversas nominaciones en los Independent Spirit Awards. Sigui— a ello un impasse de diez años en los que Reichardt se dedicó a la docencia en la facultad de cine de la Universidad de Nueva York. Con su vuelta al cine en 2006 con Old Joy gan— el Tiger Award en Rotterdam. En Wendy and Lucy trabaj— con Michelle Williams, joven estrella de Hollywood, con la que repite en Meek's Cutoff.





Morrer como un homem

Portugal, 2010. 35 mm, 133 min.

Director
João Pedro Rodrigues.

Guión
João Pedro Rodrigues, Rui Catalão.

Intérpretes
Chandra Malatitch, John Jesus Romã, Ivo Barroso.

Sinopsis
João Pedro Rodrigues es un cineasta portugués que nos resulta próximo generacionalmente y al que hemos visto crecer a lo largo de su trayectoria. O Fantasma (2000) era un filme inflexible, violento y sincero, pero provocó un pequeño escándalo en su país (y entre nosotros: el cuero y el látex nunca han sido lo mismo desde que lo vistieran sus protagonistas); Odete (2005) se presentó en Cannes y perfeccionaba su estilo, con un punto folletinesco que anunciaba lo que vendría después: Morrer como um homem es la película casi definitiva de Rodrigues. Aún no es perfecta, pero se acerca. Es sincera a ultranza, y los personajes son tratados con amor pero sin condescendencia, a pesar de que la vida de Tonia, el travestí protagonista, no es nada fácil: el innexorable paso del tiempo, un hijo con sus propios problemas de identidad, un novio yonqui, una compañera de trabajo que sube con la fuerza de las jóvenes generaciones. Un estilizado melodrama que comparte algunas cosas con nuestro ilustre director manchego, pero también con Fassbinder o Guy Maddin (la onírica escena de la búsqueda de gamusinos, virada a azul y con música de Baby Dee), donde la historia de la vida y la superación del día a día se escriben tanto a ritmo de fado como de bolero. Un musical sin números musicales que descubrirá a un público amplio un autor de culto que hasta ahora se ha visto relegado injustamente a los festivales de temática gay.

JOÄO PEDRO RODRIGUES
Nació en Lisboa en 1966 y estudió en la Escuela de teatro y cine de Portugal. Empezo su carrera como ayudante de dirección con Alberto Seixas Santos y Teresa Villaverde. Debutó en la dirección en 1997. Su primer largo, O Fantasma (2000), le dio fama entre los círculos artísticos y gays de Portugal y le llevó a festivales de todo el mundo. Su siguiente película, igual que Morrer como um homem, se presentó en el festival de Cannes.




Por tu culpa

Argentina, 2010. 35 mm, 87 min.

Director
Anahí Berneri.

Guión
Anahí Berneri, Sergio Wolf.

Intérpretes
Erica Rivas, Nicasio Galán, Zenón Galán.

Sinopsis
Julieta se acaba de separar con dos hijos a su cargo. Sus días son como los de muchas mujeres a las que conocemos: un equilibrio inestable entre su trabajo, su rol de madre y su vida personal. Un equilibrio que se puede romper en cualquier momento, por ejemplo, cuando uno de sus hijos se cae y se hace daño mientras juega. Cuando decide llevarlo al hospital para que le echen un vistazo empezará una verdadera pesadilla para Julieta. En este, en palabras de su directora, thriller doméstico, Berneri retrata la cotidianeidad desde una cierta informalidad, como se lo hemos visto hacer a Andreas Dresen. Retrata escenas en apariencia intrascendentes pero que, a medida que se avanza en su resolución, nos obligan a reflexionar y a posicionarnos. Su película es un espejo sobre nuestra sociedad, es un aviso, una alerta, que nos obliga a ser conscientes. Ella no emitirá juicios, nos planteará los hechos. Seremos nosotros los que tendremos que decidir cómo nos posicionamos frente a lo que cuenta.


ANAHÍ BERNERI
Anahí Berneri forma parte del grupo de jóvenes directores argentinos que están tomando al asalto los festivales de medio mundo. El cine de Berneri se concentra en historias pequeñas, contenidas, derivadas de situaciones cotidianas que le permiten exponer los males de nuestra sociedad de consumo, sin formular una opinión, dándole al espectador la oportunidad de juzgar por sí mismo. Después de haber triunfado en medio mundo con Un año sin amor, su ópera prima, ganó el premio FIPRESCI en Donosti 2007 con Encarnación.






Post Mortem

Chile, 2010. 35 mm, 98 min.


Director
Pablo Larraín.

Guión
Pablo Larraín.

Intérpretes
Marcelo Alonso, Alfredo Castro, Amparo Noguera, Jaime Vadell.

Sinopsis
El chileno Pedro Larraín ambienta en uno de los periodos más oscuros y sangrientos de su país - el golpe militar de 1973 - la historia de una pareja aparentemente insignificante y sin encanto. El protagonista es un anodino empleado de la morgue que compatibiliza el recuento de las riadas de muertos en las horas posteriores al golpe del 11 de septiembre -incluyendo el del presidente derrocado- con la obsesión amorosa por su vecina, una bailarina que representa un amor imposible e idealizado. Gélida autopsia de un país en colapso, con una impecable factura visual y unas interpretaciones sobresalientes, la nueva película de Pedro Larraín es más osada y cruda que su anterior y exitosa Tony Manero. Con solo algunas escenas (y un uso magistral del fuera de campo), es capaz de transmitir toda la brutalidad, la violencia y los efectos devastadores de una jornada que cambió la vida de Chile para siempre. Con solo tres películas en su haber, Larraín es desde luego uno de los directores a seguir en el nuevo y emergente cine latinoamericano.


PABLO LARRAÍN
Nace en Santiago de Chile en 1976. Estudió Comunicación Audiovisual en la UNIACC. Es socio fundador de Fabula, compañía dedicada a la producción de cine, TV y comerciales publicitarios. En el 2005 dirige su primer largometraje, Fuga. En el 2007, dirigió su segunda película Tony Manero, estrenada en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes y que luego entró con éxito en el circuito internacional de festivales. Post Mortem es su tercer largometraje.