sábado, 25 de diciembre de 2010

FELIZ NAVIDAD

Feliz Navidad y muy felices fiestas a todos los lectores de Lost Highway Blog. Empezaremos el año con las mejores películas del 2010 y también las más esperadas del 2011. Mientras tanto, disfrutar del cine, de las navidades, de las vacaciones ,si tenéis y de los vuestros. Nos reencontramos en el 2011.




lunes, 20 de diciembre de 2010

Crónica Off Cinemart (y2)

Finalmente, de las siete películas que se estrenaban en el off Cinemart, pude ver cinco y el nivel es muy esperanzador de cara al festival de abril-mayo, ya que de las cinco que vi, cuatro eran muy interesantes y me temo que las dos que me perdí Tourneé y Sound of noise, deberían ser también realmente buenas.

En esta segunda crónica hablaremos de Agua fría de mar, el prometedor debut de la directora de Costa Rica, Paz Fábrega. Con un cine de pocos medios y totalmente anclado en el sugerente cine de autor independiente hispanoamericano, la película trata de las vidas de una mujer y una niña un tanto perdidas y que cruzan accidentalmente sus caminos. Imágenes muy sugerentes, muy simbólicas (la escena de unos niños perdiéndose en la oscuridad es de antología), con un tratamiento de cada plano tan creativo como exquisito y unos paisajes que ayudan a la poesía, la película ofrece (dentro de su irregularidad) grandes momentos de cine, momentos tan sugerentes, como intrigantes, tan bellos como tenebrosos y nos descubre a una directora que sin duda valdrá la pena seguir.

También de gran nivel fue la producción rumana, Tuesday,after christmas, que basa su efectividad en un tratamiento muy realista de los temas, personajes y situaciones, que ya se manifiesta en una primera escena post-coital, con dos actores que se abrazan y se hablan desnudos en la cama desbordando frescura y naturalidad. La película, un tratado sobre las consecuencias desvatadoras que tendrá la existencia de una amante en la vida de una pareja con hija, está tratada desde el detalle, desde el profundo respeto por los personajes, desde la tangencialidad de la historia, de tal manera que en ocasiones lo que ocurre delante nuestro nos parace intrascendente. En definitiva una muy buena película, con actuaciones realmente buenas y un tratamiento relativamente innovador de un tema muy tratado en cine.

Estamos muy atentos a las primeras películas que confirme el festival para su puesta de largo y os mantendremos informados. Esperamos ansiosos.

sábado, 18 de diciembre de 2010

Crónica Off Cinemart (1)



Tokyo Sonata es la última película (lamentablemente pendiente de estreno en nuestro país)  del director japonés Kiyoshi Kurosawa. Si hasta ahora Kurosawa nos tenía acostumbrados a utilizar el género del thriller o del terror para contarnos historias de desestructuración familiar, incomunicación, soledad, culpa y tristeza, en esta ocasión, prescinde de la coartada del cine de género para tratar los temas habituales de su filmografía desde el drama minimalista e intimista. Nos muestra pues una familia japonesa común en que cada uno de sus componentes se siente solo y desligado de la comprensión y el apoyo de los otros. A partir de la pérdida del trabajo del padre (motivo de gran vergüenza en Japón) que no se atreve a revelar a la familia, los hechos y los afectos y los problemas se precipitan, emulsionan. Con una cámara pudorosa y discreta, con su estilo contemplativo, pausado, con gusto por los tiempos muertos y con una soberbia elegancia, Kiyoshi Kurosawa se doctora como director de cine con esta película tan sencilla como virtuosa. Aunque, sinceramente y a modo muy personal, me gustaba más alguna de sus propuestas genéricas como Kairo, Seance o Retribution.

Otra propuesta de sumo interés es la producción mexicana Somos lo que hay. Más cercana a algunos melodramas de Ripstein que al género fantástico (que utiliza como excusa para plantear temas más allá del género) la película nos muestra a una familia muy "especial" de una forma cruda, sucia, con una narración en que domina el recurso de las "elipsis" y que resulta una propuesta salvaje (no tanto en imágenes como en contenidos) que nos muestra un México brutal, amoral y malsano lleno de corrupción, de doble moral, de pobreza, de putrefacción espiritual. La película, que a veces se tiñe de un humor negrísimo, es sórdida e inquietante, genera interrogantes, se disfruta durante su visionado y gana con la reflexión. Realmente muy, muy interesante.

Mucho más discutible es la película española Fin. Rareza de muy bajo presupuesto sobre un grupo de jóvenes que deambulan por un bosque a la espera de algo que han acordado hacer allí, pero que se nos oculta durante el metraje de forma un poco forzada, la película tiene como referentes  al cine de Gus van Sant y en cierta manera de Haneke, pero está a millones de años luz de aquéllos. Admirando la valentía de una propuesta tan arriesgada en un panorama nacional tan desalentador, lo que nos corresponde analizar es si la película transmite lo que pretende, es decir el vacío de los adolescentes protagonistas y por lo tanto si el fin justifica los soporíferos medios. Y la respuesta es no. Donde Van Sant crea un vacío existencial y nihislista que acaba emergiendo de las imágenes, de los protagonistas, Fin no logra más que el tedio y la desafección con unos chavales que no logran trasmitir la desesperación que les ha llevado a aquella situación. Casi sin guión, con interpretaciones justitas y con algún que otro tópico que denota escasa inteligencia, la película es como mucho interesante, seguro valiente, pero claramente fallida.

viernes, 17 de diciembre de 2010

Festival de Sitges 2011

Hoy han salido las fechas entre las que se va a celebrar la 44 edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya- Sitges 2011. Como podéis ver, son casi calcadas a las del año pasado con el adelanto de un día obligado para comenzar el jueves. El festival se celebrará del 6 al 16 de octubre y desde ahora, informaremos de cualquier noticia relacionada con el festival, por mínima que sea y cuando llegue el festival, como el año pasado, haremos una extensa crónica diaria, así que si te interesa el festival, guárdanos en favoritos y ves consultando el blog. Seguro que no te arrepentirás.

martes, 14 de diciembre de 2010

Phenomena. The ultimate cinematic experience

Bajo un título tan complicado, encontaramos una propuesta realmente apetecible que vamos a poder disfrutar una vez al mes en Barcelona, concretamente en el cine Urgel. Ideado por Nacho Cerdá en colaboración con el Festival de Sitges, la idea es recuperar las sesiones dobles de los años 70 y 80, con películas referentes de esas épocas, con copias restauradas y en versión original. Este jueves día 16, a las ocho de la tarde y al precio de 8 euros, vamos a poder disfrutar de la primera sesión compuesta por Tiburón y Alien. Películas como E.T., Supermán, Los Goonies y un largo etcétera, están previstas en próximas sesiones, para una propuesta tan festiva y entrañable, que merece nuestra atención y asistencia para lograr que perdure. A continuación os dejo el enlace del evento para que podáis ampliar la información y el trailer hecho para la ocasión.


Nominaciones globos de oro 2011

Hoy se han conocido las nominaciones a los Globos de Oro 2011. En el apartado de cine, dominan las películas dramáticas dirigidas por directores del Hollywood actual bastante rompedores como Aronofsky, Russell, Nolan o Fincher y una película de un director semi-desconocido y que ahora misma suena como favorita, El discurso del rey. Mucho más discutibles parecen las comedias con dos películas con tan mala crítica como Burlesque  y The tourist, otra que yo reivindico, pero que también fue muy maltratada en su momento como la Alicia de Burton y dos películas de directores muy poco conocidos y atractivos repartos como The kids are all right una película de temática lésbica interpretada por Annette Bening y Juliane Moore y Red con Bruce Willis, John Malkovich, Morgan Freeman, Helen Mirren, Mary-Louise Parker y John C. Reilly.
En el apartado series, entre las nominadas cada año (Mad Men, Glee, Dexter), cabe destacar la entrada de dos series tan atractivas como  Boardwalk Empire y The Walking Dead.



CINE

Mejor película dramática

Cisne Negro de Darren Aronofsky
The fighter de David O. Russell
Origen de Christopher Nolan
El discurso del rey de Tom Hooper 
La red social de David Fincher

Mejor película musical o comedia
Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton
Burlesque de Steve Antin
The kids are all right de Lisa Cholodenko
Red de Robert Schwentke
The tourist de Florian Henckel von Donnersmarck

Mejor actriz dramática
Halle Berry por Frankie and Alice
Nicole Kidman por Rabbit hole
Jennifer Lawrence por Winter´s bone
Natalie Portman por Cisne Negro
Michelle Williams por Blue Valentine

Mejor actriz en musical o comedia
Annette Bening por The kids are all right
Anne Hathaway por Loves and other drugs
Angelina Jolie por The tourist
Julianne Moore por The kids are all right
Emma Stone por Rumores y mentiras

Mejor actor dramático
Jesse Einsenberg por La red social
Colin Firth por El discurso del rey
James Franco por 127 horas
Ryan Gosling por Blue Valentine
Mark Wahlberg por The fighter

Mejor actor en musical o comedia
Johnny Depp por The tourist
Johnny Depp por Alicia en el país de las maravillas
Paul Giamatti por Barney´s version
Jake Gyllenhaal por Love and other drugs
Kevin Spacey por Casino Jack

Mejor actriz secundaria
Amy Adams por The fighter
Helena Bonham Carter por El discurso del rey
Mila Kunis por Cisne Negro
Melissa Leo por The fighter
Jacki Weaver por Animal kingdom

Mejor actor secundario
Christian Bale por The fighter
Michael Douglas por Wall street 2: el dinero nunca duerme
Andrew Garfield por La red social
Jeremy Renner por The town
Geoffrey Rush por El discurso del rey

Mejor director
Darren Aronofsky por Cisne Negro
David Fincher por La red social
Tom Hooper por El discurso del rey
Christopher Nolan por Origen
David O. Russell por The fighter

Mejor guión
127 horas
Origen
The kids are all right
El discurso del rey
La red social

Mejor película en lengua extranjera
Biutiful
Io sono l´ amore (yo soy el amor)
El concierto
Kry
Haevnen

Mejor película de animación
Gru, mi villano favorito
Como entrenar a tu dragón
L´illusionniste
Enredados (Rapunzel)
Toy Story 3

Mejor canción original
Burlesque "Bound to You"
Burlesque "You Haven't Seen The Last of Me"
Country strong "Coming Home"
La Crónicas de narnia: la travesía del viajero del alba "There's A Place For Us"
Enredados (Rapunzel) "I See the Light"

Mejor banda sonora
127 hours
Alicia en el país de las maravillas
Origen
El discurso del rey
La red social

Premio Cecil B. Demille
Robert de Niro






TELEVISIÓN

Mejor drama

Boardwalk Empire (HBO)
Dexter (Showtime)
The Good Wife (CBS)
Mad Men (AMC)
The Walking Dead (AMC)

Mejor comedia
30 Rock (NBC)
The Big Bang Theory (CBS)
The Big C (Showtime)
Glee (Fox)
Modern Family (ABC)
Nurse Jackie (Showtime)

Mejor actriz de drama
Julianna Margulies (The Good Wife)
Elisabeth Moss (Mad Men)
Piper Perabo (Covert affairs)
Katey Sagal (Sons of Anarchy)
Kyra Sedgwick (The Closer)

Mejor actor drama
Steve Buscemi (Boardwalk Empire)
Bryan Cranston (Breaking Bad)
Michael C. Hall (Dexter)
Jon Hamm (Mad Men)
Hugh Laurie (House)

Mejor actriz comedia
Toni Collette (United States of Tara)
Edie Falco (Nurse Jackie)
Tina Fey (30 Rock)
Laura Linney (The Big C)
Lea Michelle (Glee)

Mejor actor comedia
Alec Baldwin (30 Rock)
Steve Carell (The Office)
Thomas Jane (Hung)
Matthew Morrison (Glee)
Jim Parsons (The Big Bang Theory)

Mejor miniserie o tv movie
Carlos (Sundance Channel)
The Pacific (HBO)
Los pilares de la tierra (Starz)
Temple Grandin (HBO)
You don’t know Jack (HBO)

Mejor actriz en miniserie o tv movie
Hayley Atwell (Los pilares de la tierra)
Claire Danes (Temple Grandin)
Judi Dench (Return to Cranford)
Romola Garai (Emma)
Jennifer Love Hewitt (The client list)

Mejor actor en miniserie o tv movie
Idris Elba (Luther)
Ian McShane (Los pilares de la tierra)
Al Pacino (You don’t know Jack)
Dennis Quaid (The special relationship)
Edgar Ramírez (Carlos)

Mejor secundaria
Hope Davis (The special relationship)
Jane Lynch (Glee)
Kelly MacDonald (Boardwalk Empire)
Julia Stiles (Dexter)
Sofía Vergara (Modern Family)

Mejor secundario
Scott Caan (Hawaii 5-0)
Chris Colfer (Glee)
Chris Noth (The Good Wife)
Eric Stonestreet (Modern Family)
David Strathairn (Temple Grandin)

miércoles, 8 de diciembre de 2010

Hasta siempre Baff, bienvenido Cinemart

Siete años visitando el Baff y siete películas para la esperanza en el off cinemart, previo al festival cinemart que se celebrará en mayo y que de alguna manera sustituirá al festival asático (más información en el post de más abajo). Siete películas, una película por año, como homenaje, para el recuerdo, para recordar todo aquello que el Baff representó, solo sus carteles, y nuestros respetos. Y luego, un pequeño reportaje sobre las siete que nos esperan en diciembre en Cinemart. Hasta siempre Baff, bienvenido Cinemart.

BAFF-2004

BAFF-2005

BAFF-2006


BAFF-2007


BAFF-2008


BAFF-2009


BAFF-2010



OFF CINEMART del 16 al 19 de diciembre en el Verdi Park


Agua Fría de mar de Paz Fábrega. Costa Rica.

 La historia de dos mujeres de edades y contextos económicos diferentes con deseos y sueños muy distintos, cuyas historias se entrecruzan una noche en una playa de Costa Rica, es el punto de partida del primer largometraje de la realizadora costarricense Paz Fábrega. Con un estilo visual que por momentos recuerda a Lucrecia Martel, la directora utiliza la belleza natural del entorno, con sus serpientes venenosas submarinas y túneles de arena a punto de derrumbarse, para crear una incómoda atmósfera de tensión, soledad y amenaza constante que rodea el derrotero de las protagonistas femeninas. Después de conseguir ayuda financiera en los festivales más prestigiosos, su directora se hizo con un prestigioso Tiger Award en la última edición del Festival de Rotterdam.




 
 Tournée de Mathieu Amalric. Francia.

En su cuarta película como director, el conocido actor Mathieu Amalric se reserva un papel protagonista que le sienta como un guante. Un antiguo productor televisivo un poco crápula, cínico y de vuelta de todo, se embarca en una gira por la costa francesa al frente de una compañía de new burlesque formada por mujeres de rotunda humanidad y llenas de tatuajes. Un viaje que parece tener como culminación una presentación en París que nunca acaba de llegar y que enfrenta al productor del espectáculo con los fantasmas de su pasado. Mimi Le Meaux, Dirty Martini, Kitten, las auténticas artistas de burlesque que protagonizan la película, pasean su fantasía y tórrida sensualidad por aburridos pueblos provincianos franceses y no se quitan las pestañas postizas ni para dormir. Una película que combina ternura y comedia agridulce, con una mirada entre poética y desencantada que se pasea por hoteles de tercera, bares de mala muerte y autopistas. El new burlesque es un género teatral con raíces en el music-hall de gran tración en Inglaterra y los EE.UU, que en los 90 renació inicialmente dentro de la comunidad lésbica de la costa este norteamericana, para acabar viviendo una nueva época de esplendor en todo el mundo. Tournée ganó en Cannes 2010 el premio al mejor director y el premio FIPRESCI que concede la crítica.





 
 Tokyo Sonata de Kiyoshi Kurosawa. Japón.

Tokyo Sonata puede sorprender a los seguidores de Kiyoshi Kurosawa porque le aleja del cine de género que ha marcado su carrera, pero en el fondo sigue tratando las mismas temáticas que impregnan su obra: la incomunicación, el cuestionamiento de las apariencias, el hundimiento de una realidad que parecía sólida, la parte oscura del alma... Su nueva película sitúa la trama en un entorno familiar aparentemente convencional y aburrido, que se verá sacudido cuando el padre pierda el trabajo y el mundo familiar empiece a llenarse de grietas donde todo el mundo se miente a sí mismo y a los demás. Una película intensa, un pequeño drama contemporáneo que deja preguntas en el aire pero que también abre ventanas de esperanza. Tokyo Sonata ha ganado infinidad de premios en todo el mundo, incluyendo los premios al mejor guión y dirección de los Asia Pacific Awards y los premios del jurado de la sección Un Certain Regard y FIPRESCI en Cannes. La película cuenta con una magnífica banda sonora original de Kazumasa Hashimoto.






Somos lo que hay de Jorge Michel Grau. México.

 Una familia queda desamparada cuando muere su padre y líder. A partir de ese momento, el hijo mayor tendrá que asumir el rol de cabeza de familia y mantenerla unida mientras luchan por sobrevivir haciendo la única cosa que saben: comer carne humana. Una película sorprendente procedente de México y que salpica el gore con el comentario social, saliéndose por la tangente y visitando sólo ocasionalmente los tópicos asociados al género. Un punto de vista original (una familia caníbal escondida en el corazón de la gran ciudad) y una realización impecable, sobria, apoyada en buenas interpretaciones, que se hace fuerte en el retrato de la diferencia. Una película que subvierte y reescribe el género.









 


Fin de Luis Sampieri. España

 Tres adolescentes se conocen a través de internet y deciden encontrarse en un lugar aislado con un objetivo común pero desconocido. Aterradora película acerca de la incomunicación y el aislamiento de una generación que se comunica vía Internet y que carece de vínculos “reales”. Luis Sampieri dirige su segunda película con un estilo áspero, silente y rompedor: la obra ha sido saludada como una rara avis dentro del cine nacional y como un ejercicio radical de independencia. Tras su paso por la Berlinale y el Festival de Málaga, la película ha podido verse en festivales como Mar de Plata o Sitges, certificando que es una de las grandes sorpresas del cine español del 2010. Una obra no apta para estómagos sensibles y merecedora de atención por parte de buscadores de tesoros ocultos y rarezas autodeclaradas.




 

 
 
Tuesday, after Christmas de Radu Muntean. Rumanía.

Paul vive con Adriana, su mujer, con la que lleva compartiendo 10 años de amor, amistad y complicidad. Tienen una hija llamada Mara, de 8, y en general llevan una vida tranquila y bien avenida. Lo que Adriana y Mara no saben es que Paul tiene una joven amante, Raluca, higienista dental de la que está apasionadamente enamorado. Los días de Paul pasan entre los equilibrios que debe hacer para repartir su tiempo entre su familia y su amante. Un día se produce un encuentro entre Raluca y Adriana. Es entonces cuando la realidad cae pesadamente sobre Paul: debe decidir con cual de las dos quedarse. Una historia con la que Radu Muntean rehuye del efectismo y del histrionismo, para dejarnos las emociones en su estado más cotidiano, mostrando una intimidad sin trampa ni cartón. Esta historia, interpretada por unos actores en estado de gracia, se ha llevado los premios a la mejor película y mejores intérpretes en el Festival de Xixón 2010.


 



Sound of noise de O. Simonsson y J.S. Nilsson. Suecia.

El oficial de policía Amadeus Warnebring pertenece a una familia de ilustres músicos pero, irónicamente, detesta la música y está hasta las narices de ella. La mala suerte querrá que el protagonista se enfrente al peor caso que jamás haya podido imaginar: perseguir a una banda de terroristas sonoros que decide realizar una obra musical apocalíptica usando la ciudad como si fuera su propia orquesta. Los edificios, la maquinaria pesada de la ciudad y el ruido en el sentido más estricto crearán el desorden y el caos. A caballo entre el suspense y la experimentación sonora, Sound of Noise sorprende con fuerza por su trabajo sobre la partitura, su originalidad en la trama, su desparpajo visual y su portentoso sentido del humor. Sin duda, una de las sorpresas de la temporada, que se hizo con el premio del jurado joven de la Semana de la Crítica en la última edición del festival de Cannes.















viernes, 3 de diciembre de 2010

El BAFF deja paso al Cinemart

Como ya anunciamos hace unos días, el BAFF, Festival de Cine Asiático de Barcelona, una cita ineludible para los amantes del cine rodado en Oriente, no celebrará su edición de 2011 debido a la crisis económica que azota a las empresas patrocinadoras, pero también porque la asociación que lo impulsaba, 100.000 Retinas, se disolvió por divergencias entre sus miembros. Sin embargo, algunos de ellos se embarcan en una nueva aventura: el Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona (Cinemart).

La primera edición de esta nueva cita se celebrará del 28 de abril al 5 de mayo próximos en los cines Aribau y la nueva sede de la Filmoteca de Cataluña. La consigna es potenciar lo más destacado de la creación fílmica contemporánea aunando autores consagrados y nuevos talentos. Además se quiere dar visibilidad al cine que no encuentra espacio en la cartelera después de haberse presentado en festivales y, por encima de todo, atraer a un público deseoso de ver audiovisual independiente en versión original. "Habrá 40 largometrajes de directores europeos, asiáticos y sudamericanos, pero también autoría catalana y española porque en Cataluña muchos directores no encuentran espacio para presentar sus obras", afirma el director de la iniciativa, Carlos Ríos.
Un jurado otorgará un premio a la autoría y habrá una retrospectiva dedicada a un cineasta. El canadiense Guy Maddin (del que por casualidad hablábamos en el post anterior) es el elegido de esta primera edición. "Ya estamos trabajando con la embajada para que asista y pueda dialogar con el público", afirma Ríos. Para no perder el contacto con los espectadores, a lo largo del año se llevarán a cabo pequeñas intervenciones, bautizadas como Off Cinemart, en diferentes espacios de la ciudad. La primera se celebrará en los cines Verdi Park del 16 al 19 de este mismo mes. La integrarán siete largometrajes recientes entre los que se encuentran Agua fría de mar, de la costarriqueña Paz Fábregas; Tournée, del francés Mathieu Amalric (ganadora del premio al mejor director en Cannes), y la multipremiada Tokio Sonata, del director japonés Kiyoshi Kurosawa: una pequeña muestra y una declaración de intenciones de lo que será el festival.
"Es una evolución del BAFF, pero nos da más libertad de programación", afirma Ríos. En sus 12 años de vida, el Festival de Cine Asiático de Barcelona llegó a convocar a 20.000 personas por edición y se convirtió en una muestra de envergadura con repercusión internacional. "Las exigencias eran cada vez mayores y el presupuesto no se adecuaba a la gran dimensión a la que llegó el BAFF", sentencia Ríos.
Sin duda alguna, la idea y las previsiones son de lo más emocionante que ha dado el cine en Barcelona ciudad, estos últimos años. Esperemos que por fin llegue a la Ciudad Condal, el festival definitivo que merece.

miércoles, 1 de diciembre de 2010

10 directores de culto actuales

Con motivo del estreno de Unclee Boonmee who can recall his past lives, vamos a hacer un post con diez de los directores de culto más elitistas que se pueden encontrar en el cine actual. La lista de directores, que no son Lynch, Egoyam, Greenaway, Trier o Jarmush, sino que son muchísimo más salvajes en sus propuestas que éstos, está tan solo destinada a cinéfilos con ánimos de escarbar en el cine más rompedor, innovador y experimental que se hace en la actualidad. Algunas de las películas que he visto y propongo, me desconciertan tanto, que a veces ni tan solo sé si me gustan, pero sin duda no me arrepiento de haberlas conocido. La lista, obviamente es parcial e incompleta, se basa en directores que he descubierto y podría extenderse a muchísimos nombres. Vuestro trabajo como cinéfilos, es irla aumentando.

1- Apichatpong Weerasethakul

Director tailandés que actualmente cultiva la polémica ante las reacciones de la elitista Unclee Boonmme who can recall his past lives, Weerasethakul debuta con el extraño documental Mysterious object at noon, para luego realizar las dos películas que lo catapultaron a la fama Blissfully yours y sobretodo Tropical Malady. Antes de la película que ahora se acaba de estrenar, realizó Syndromes and a century.
Apichatpong Weerasethakul, que en la mayoría de sus películas suele rodar en la selva tailandesa, que suele partir sus películas en dos partes muy diferenciadas y que realiza un cine tan extraño y sugerente como minimalista y hermético, nos suele hablar de gente humilde de las zonas rurales de tailandia y da mucha importancia a los sonidos de la naturaleza, al bosque con sus pájaros, sus insectos y sus aguas deslizándose. En sus tres películas selváticas trata temas como el erotismo, la convivencia entre vivos y almas o el camino metafórico hacia la enfermedad y la muerte. Muy lejos de cualquier posible etiqueta para catalogar su cine, yo recomendaría esta original trilogía selvática compuesta por Blissfully Yours, Tropical Malady (para mí su mejor película) y Unclee Boonmee who can recall his past lives, películas donde destaca la fisicidad de la selva y la espiritualidad de las propuestas.


2- Pedro Costa

Director portugués nacido en 1959, Pedro Costa es uno de los directores más reivindicados hoy en día por la crítica intelectual.
Muchas de sus películas están hechas en un barrio de Lisboa habitado por personas marginales donde graba en ambientes reales -sin ningún tipo de decorado- en un tono narrativo que se acerca a los documentales. Su intención es hacer visible la situación de miseria y desesperación que sufre esta gente marginal y hacernos partícipes de su dolor y de su sufrimiento, para remover nuestras conciencias. Su estilo es exageradamente estático. Busca una localización real, sucia, infame, coloca la cámara fija, a sus personajes reales y los graba en plano secuencia, declamando, en una especie de documental ficcionado o de ficción muy realista. Superando en algunos casos la duración más o menos estandard de las películas en la actualidad y debido a que además de su quietismo, quizás lo que vemos en pantalla no nos apetece para nada conocerlo, las películas de Costa, son de muy difícil visionado, casi de experiencia extrema. No conozco toda su filmografía, así que desde mi parcial visión, destaco No Quarto da Vanda (En el cuarto de Vanda) y Juventude em Marcha.


3- Lisandro Alonso

Lisandro Alonso es un joven director de cine argentino que tiene en su haber cuatro películas y un discurso estilístico absolutamente radical. Alonso nos muestra personajes rudos, algo salvajes y los sigue con su cámara deambulando en busca de algo, quizás su propia identidad, que no conocemos. La radicalidad, se origina en que no hay presentación y contextualización del personaje. O bien, sale de la cárcel y va en busca de su familia, o simplemente está en el bosque o en un barco que se detiene unas horas. No sabemos nada de sus vidas pasada, ni de sus problemas, ni del porqué de su marginalidad, ni casi tampoco de sus intenciones futuras. Lisandro Alonso se limita a mostrarlo, a seguirlo con su cámara, a retratar el ambiente y los sonidos por los que el personaje se mueve y nos obliga a reconstruir la historia a nosotros desde las muy escuetas informaciones que se nos han dado, desde aquellas horas en que hemos vagado al lado de su personaje. Su filmografía es la siguiente: La libertad, Los muertos, Fantasma y Liverpool.


4- Raya Martín

Este joven director filipino nacido en el año 1984 está dando mucho de que hablar en círculos muy cinéfilos. Genio para unos, auténtico "bluf" para otros, Raya Martín es uno de los varios directores actuales que acercan su cine al video-arte y filman películas que quizás sean más propias de exposiciones o museos que de exhibirse en cines. De todas formas, Raya Martín, alterna películas y cortometrajes más videoartísticos en la linea Andy Warhol, con otras mucho más elaboradas y cercanas a ciertas formas y estéticas más parecidas al cine que conocemos. Entre el primer grupo, cabe destacar la polémica Autohystoria, un plano secuencia de más de media hora de un tío paseando por la calle y una historia de secuestro y asesinato filmada en muy pocos planos que no sé como luciría en un museo, pero que vista como cine, a mi me parece una auténtica gilipollez y Now showing, un fresco de más de cuatro horas que no he visto, sobre la trabajadora de un videoclub rodada en digital y con interludios de la tradición fílmica filipina. Entre sus propuestas más "convencionales" encontramos sus dos primeros films, los documentales The island at the end of the world y A short film about Indio Nacional, documental mudo muy cercano de nuevo al video arte y sus estilizadas últimas películas, la muy sugerente Independencia, que logra atraparte en su estética cartón piedra y su música envolvente y Manila, en que Raya Martín dirige uno de los dos segmentos, sin duda el más experimental.


5- Albert Serra

El catalán Albert Serra, con tan solo tres películas, las tres habladas en catalán, ha logrado entrar en los círculos más elitistas del cine de autor contemporaneo. Tras su ópera prima, Crespià, the film not the village, realiza los dos trabajos que le han dado la fama que hoy posee, Honor de cavalleria y El cant dels ocells. Rodadas ambas en vastos paisajes y con una muy cuidada fotografía, en color y blanco y negro respectivamente, Serra coge en un caso a dos personajes literarios (Quijote y Sancho) y en el otro a los tres reyes magos de Oriente (Melchor, Gaspar y Baltasar) y los muestra andando por los paisajes, descansando, básicamente en sus tiempos muertos, en sus conversaciones más banales (lo que suele ofrecer el toque de humor un poco surrealista al film) y reivindica quizás el otro lado de la historia en un caso, la posible realidad de dos personajes de ficción en la otra, si realmente hubiesen existido. Albert Serra acompaña su cine desconcertante de una actitud (¿persona o personaje?) muy soberbia, muy pasota y bastante surrealista. El nuevo Dalí es para algunos un genio y para la gran mayoría un auténtico "jeta". De que lado estáis solo lo podréis descubrir si veis una de sus películas. Si os animáis yo me decantaría por Honor de cavalleria y, eso sí, no veáis la versión doblada (sobretodo si sabéis catalán o podéis diferenciar sus acentos), pierde gran parte de la gracia.


6- Hou Hsiao-hsien

Este director de cine taiwanés, aunque de origen chino, que debutó en 1980, lleva casi 20 películas en su haber y yo he de reconocer, que solo conozco sus últimas películas: Millenium Mambo, Café Lumiere, Three Times (que aquí se titulo Tiempos de amor, juventud y libertad ) y Le Voyage Du Ballon Rouge ( El vuelo del globo rojo). Películas de personajes perdidos y condenados a la soledad, el director se entreteniene en el devenir del tiempo, en lo insustancial de la vida, en lo concreto e insignificante para lograr lo absoluto y trascendente. Calmado, con muy pocos movimientos de cámara, hablando de unos personajes con los que no se involucra, mantiene la distancia y trata con frialdad, con una estética bella pero sobria, alejada de la belleza pomposa de otros colegas suyos orientales y con un ritmo más que lento y un contenido que se desvanece en anécdota, en devenir, Hou Hsiao-hsien es un director al que es muy difícil acceder, que a veces requiere el momento oportuno (incluso una segunda visión) y que trata en estos films de la soledad a que está condenada un grupo de gente, por su propia incapacidad de ser felices, de ser conscientes del paso del tiempo, de valorar lo pequeño, mientras aspiran a lo absoluto.


7- Jean Luc Godard

Supongo que algunos os preguntaréis que pinta aquí, entre los directores más destacables de un cine de culto elitista actual, uno de los más veteranos directores franceses, quizás la cabeza más visible de la novelle vague de la década de los 60 en Francia. Pues bien, la respuesta es fácil. Atreveos a ver alguna de sus últimas películas como Éloge de l'amour, Notre musique o la reciente Film socialisme y descubriréis a uno de los directores más vanguardistas y experimentales de la actualidad. Películas abstractas, con un sustrato altamente intelectual, con montajes extraños que mezclan la interpretación actoral y el archivo de imágenes, con géneros que no son una mezcla de ficción y documental, sino incluso una mezcla de cine convencional y ensayo literario filmado, Godard es un enfant terrible de más de 80 años, un director que se ha radicalizado con el tiempo y que interesará tan solo a unos pocos.


8- Guy Maddin

Este director canadiense, nacido en 1956 en la ciudad de Winnipeg (ciudad que da título a uno de sus últimos trabajos, un surrealista documental autobiográfico), posee un cine muy extraño y personal, aunque quizás un poco más accesible que el de los directores que lo preceden en este monográfico. Amante de universos oníricos por los que a veces lo han comparado con el maestro Lynch, de estéticas barrocas por un lado y retros por otro, acercándose a la estética del cine mudo, en especial al periodo expresionista; Guy Maddin sobrecarga de humor, histeria y crueldad algunas de sus películas como The Saddest music in the world, filmada con un barroquismo formal que mezcla blanco y negro de estética muda con escenas de un colorido casi desquiciante, o bien mezcla géneros como el terror y el musical y filma en un blanco y negro bello, sugerente y expresionista, en la ganadora de una edición de Sitges Dracula, Pages From a Virgin's Diary. Su filmografía tiene varios otros títulos de interés como la antes citada My Winnipeg, un documental que sigue fiel a su estética y que acaba deveniendo un ejercicio de autoficción inclasiflicable, o Archangel, su segundo y onírico largometraje.


9- Jia Zhangke

Cineasta chino nacido en 1970 que suele enmarcarse en la llamada generación perdida o sexta generación, Jia Zhangke realiza un cine complejo que podríamos enmarcar en una ficción histórica y de intención y estética documental, un documental de testimonios o algún híbrido entre ambos. Reconocido internacionalmente tras ganar en Venecia hace unos años y por sorpresa con Still Life, película ejemplo de su filmografía, narrando una historia en que ficciona un hecho real y lo narra en los espacios reales del hecho acecido y con actores (en su mayoría) no profesionales, últimamente ha optado por el documental combativo con la china actual como en Usseless o 24 city. Su cine es histórica e intelectualmente complejo, sus elipsis enormes, su ritmo lento, su estética documental y su intención crítica (como la generación en que se le enmarca) con el gobierno chino. Para muy experimentados en cine no convencional.


10- Gus Van Sant

El americano Gus Van Sant es el más conocido de los directores de esta lista. Si bien en su filmografía hay películas más o menos comerciales, su inclusión en esta lista se debe a su tetralogía del vacío adolescente o juvenil compuesta por Gerry (la primera y más radical de todas), Elephant, Last days y Paranoid Park. Sin explicar demasiado, siguiendo a personajes que cruzan pasillos, casas, carreteras y bosques (a veces mostrando sus espaldas), el director americano consigue hacer un brutal estudio sobre el vacío nihilista y existencial de sus protagonistas, sobre la nada en que se asienta sus vidas, sobre un futuro sin esperanzas que solo puede materializarse en algún hecho trágico. Cuatro películas que llegaron a los cines, que quizás no sean tan radicales como el resto de la antología, pero que sin duda ahondan en una forma desestructurada y radical de contar una trágica historia.

domingo, 28 de noviembre de 2010

Crítica Uncle Boonmee who can recall his past lives

Este viernes se ha estrenado la actual ganadora del festival de Cannes, una de las películas más esperadas por aquellos espectadores muy, muy cinéfilos, ávidos de descubrir formas y lenguajes diferentes en el cine actual. Uncle Boonmee who can recall his past lives pudimos verla en el Festival de Sitges y con motivo de su estreno, vamos a recuperar la crítica que entonces hicimos.

Tras ver una peli de Weerasethakul la reacción del espectador, o incluso del crítico al intentar explicarla, es tirar de abstracciones, ya que cualquier explicación racional es imposible. Si el crítico está muy bien informado intentará enlazar lo que ha visto con tradiciones ancestrales tailandesas o con explicaciones socio-políticas desesperadas. Intentaré explicar algo, aunque sea poco, de manera más tangible. La primera reacción de un espectador ante una película de Weerasethakul, (de un espectador muy muy cinéfilo, el resto se aburrirá muchísimo), es la extrañeza. Extrañeza por la forma de explicar la historia, por su ritmo, por su evanescencia. Creo que Weerasethakul, no reinventa el cine como algunos quieren hacernos creer, sin embargo, nuestra mirada debe reinventarse para ver sus películas. Weerasethakul no hace nada distinto, a priori, a lo que hace un cierto tipo de cine oriental contemplativo y de pocos recursos, sin embargo, su forma de tratar los espacios, la luz y su mirada más que pausada a una Tailandia rural y selvática que nos resulta tan lejana tanto emocional  como culturalmente, otorgan a esta mirada la extrañeza a la que me refería, que aumenta,si cabe, por la desestructura narrativa del film, que enlaza secuencias más allá de la lógica, deambulando a veces en el terreno de lo onírico. Tanto esta película como la segunda parte de Tropical Malady se mueven por el terreno espiritual fronterizo entre la vida y la muerte, por ello con estas películas, Weerasethakul consigue sus mejores resultados y es que para hablar de las invisibles fronteras que separan la vida de la muerte, nuestro mundo del mundo de las almas, no hay nada mejor que los paisajes difuminados que se evaporan en la oscuridad para emerger de nuevo hacia la luz que logra crear el director tailandés. La mirada de Weerasethakul tan lúcida como deformante, tan moderna por inusual, como anclada en el cine primitivo y su uso del sonido tanto ambiente como de estudio, otorgan al visionado de la película una experiencia sensorial y trascendental difícil de catalogar y difícil de olvidar.

miércoles, 24 de noviembre de 2010

Críticas l'Alternativa 2010 (y3)

Dos películas latinoamericanas estuvieron presentes en la Sección Oficial Ficción de l'Alternativa, la chilena Huacho y la mexicana Verano de Goliat.

Huacho es una pelícual sumamente minimalista, que sigue la cotidianeidad de cuatro miembros de una familia pobre, rural y campesina de Chile. La película, que empieza con los cuatro desayunando y termina con los cuatro cenando, se divide en su metraje en cuatro partes, para seguir a sus personajes (abuela, abuelo, madre e hijo) en sus quehaceres diarios, en su supervivencia, en sus renuncias, en sus desiguales posiblidades de sentirse parte de la sociedad. La película se deja ver, pese a que algunas historias son tan mínimas y lentas que tienden a aburrir y a que el lenguaje es casi ininteligible (suerte de los subtítulos en inglés). Una ópera prima, pues, tan aceptable como olvidable.

Más extraña es Verano de Goliat, una mezcla de documental y ficción que narra la vida de unas gentes cercanas a una estación en el México rural. Personajes abandonados, derrotados, violentos, acobardados o conformistas, luchan por la supervivencia en una película extrañísima, que mezcla cine testimonial con ficciones violentas, cómicas o dramáticas y que desconcierta tanto por su estilo como por su irregularidad.






Dentro de la sección de cine mexicano, sobresalía por encima de todo dos películas de Arturo Ripstein. Yo pude ver El lugar sin límites, película de 1978 donde Ripstein ya practica el melodrama con la intensidad que le caracteriza y todo el tremendismo a que el cine y la literatura, hispanoamericana en general y mexicana en particular, nos tienen acostumbrados. La película, que abarca dos épocas de un pueblo dominado por un cacique, nos situa en el interior de un prostíbulo cutre y desamparado regentado por un travesti y su hija prostituta, resultado de una relación accidental con la antigua jefa del prostíbulo, ya fallecida. Personajes condenados a la infelicidad, un pueblo condenado a desaparecer y un conjunto de secundarios o bien cobardes, o bien violentos, o bien moralmente inadmisibles, se pasean por una película tan excesiva como triste, tan cutre como, quizás, pretende.

L'Alternativa rindió homenaje al recientemente fallecido José María Nunes con la proyección del corto La edad del sol, donde Silvia Subirós filma a Núñez mientras rueda su proyecta suicida (en todos los sentidos) Res pública. Pese a la mediocridad del documento, sirve para ver la entrega y pasión que Nunes le ponía al cine, destacando la escena en que llora tras filmar a su actor en una importante secuencia. La película de Nunes proyectada, Noche de vino tinto de 1966, está encuadrada en plena época de la Escuela de Barcelona. Fiel a la filosofía de la Escuela, la película es rompedora, arriesgada y sobretodo muy, muy libre. Nos narra el deambular filosófico-etílico-poético-existencial de un hombre y una mujer desengañados, durante una noche por los bares de Barcelona, con influencias claras de la nouvelle vague y quizás incluso de Luces de bohemia de Valle-Inclán. Con momentos bellos y románticos y otros en los que el rollo de poesía y filosofía sobrepasa la linea que separa la dignidad del ridículo, la película resulta recomendable en general, por la extrañeza de la propuesta y por ese entusiasmo del director, que a veces, logra traspasar la pantalla.

Finalmente, de la sección Panorama, pude ver Finisterrae. Película que se rodó para proyectar en el festival Sónar, es un experimento extraño sobre dos almas en forma de fantasmas que deben recorrer el Camino de Santiago para lograr la salvación. Con unos inicios en que ambos fantasmas deambulan por bellos paisajes mientras mantienen extrañas conversaciones que nos recuerda al cine de Albert Serra, la película gira hacia un surrealismo salvaje y un sentido del humor gamberro, que nos hará pasar buenos y desconcertantes ratos o nos hundirá en el aburrimiento. En mi caso, me divertí bastante.

jueves, 18 de noviembre de 2010

Noticia triste: El BAFF se disuelve

El Festival de Cinema Asiàtic de Barcelona (Baff) dejará de celebrarse después de 12 exitosas ediciones ya que la entidad organizadora, 100.000 Retinas, se ha disuelto por "múltiples razones personales" según ha confirmado a Europa Press su fundador y director Carlos Rodríguez Ríos.
Al no pertenecer a ningún ayuntamiento la coyuntura económica ha tenido un gran impacto en el cierre del Baff. "Con la crisis, el patrocinio disminuyó y las ayudas públicas no llegaban a cubrir la organización del festival" ha dicho.
Sin embargo, Ríos no ha culpabilizado a las administraciones y ha recordado que la decisión de dejar de celebrar el festival, que ha avanzado este jueves el diario 'Avui', ha sido personal.
Ríos ha hecho una valoración muy positiva de todas las ediciones del BAFF y recuerda que era una "inciciativa privada e independiente" que pretendía dar a conocer el cine asiático al público catalán.
Ríos ha desvelado que está preparando una nueva iniciativa cinematográfica, el Cinemart, que será un festival de cine de autor. Este nuevo proyecto se celebrará la primavera que viene pero será presentada el próximo diciembre en los Cines Verdi de Barcelona.
Aunque este año parece del todo imposible que el BAFF se celebre, tenemos la esperanza de que el año que viene alguien retome las riendas y que el 2012, sea el año de la resurrección.
Nosotros hace años, muchos antes de que se pusiese de moda y luego dejase de estarlo, que visitamos el Festival y tras Sitges, es nuestro festival favorito, así que solo podemos dar las gracias a tantos años de buen cine y no perder la esperanza de su regreso.

miércoles, 17 de noviembre de 2010

Filmin ver cine alternativo online

Hacía tiempo que tenía pendiente visitar la página de filmin, pues había oído que se podían ver por menos de 3 euros películas difíciles de encontrar en cualquier otro medio. La verdad es que una vez visitada, no puedo más que recomendarla. En Filmin ( http://www.filmin.es/ ), disponen de un catálogo de películas independientes, clásicas y modernas, la mayoría de las cuales jamás se han estrenado comercialmente en España ni están disponibles en dvd, que puedes comprar por menos de 3 euros y que dispones de 72 horas para ver. El catálogo está en pleno crecimiento y ya se pueden ver algunas películas de las que se proyectan estos días en la Alternativa, por ejemplo (ojo que Bi DungCarretera a Ythaca están con subtítulos en inglés) y algunas otras que han pasado por recientes festivales. No sé como evolucionará el catálogo y la página, pero quizás nos acerquemos a el momento soñado por los más cinéfilos, en que podemos ver algunas de las películas que se proyectan en Festivales importantes, casi simultaneamente a su estreno en dichos festivales o poco después. Un blog, películas ordenadas por sensaciones y por intereses acordes, votaciones de los críticos y los usuarios (y no están amañadas para vender más, pues acabo de machacar la nota de Carretera a Ythaca y es 100% legal), noticias de los estrenos de la semana, cortos y un catálogo en el que ya podemos disfrutar, por ejemplo, de Finisterrae, Fin (que estuve recientemente en Sitges), Familystrip, Estigmas, Parque vía o El cant dels ocells, hacen de esta página una propuesta muy apetecible para los realmente cinéfilos, que de momento ya nos permite ver películas hasta ahora inaccesibles y a la que habrá que seguir muy de cerca, atentos a su evolución.

Críticas l'Alternativa 2010 (2)

Durante estos días, hemos visto dos películas más de la Sección Oficial Ficción. Por un lado la apreciable Woman on fire looks for water, producción con todas las características de las películas independientes del sudeste asiático. Una historia pequeña, de relaciones minimalistas, con pocos diálogos, muchas elipsis y un halo poético para contarnos la vida de un padre a punto de morir y su hijo, sus relaciones difíciles con las mujeres a las que aman y la complicada vida de un pueblo de pescadores, donde los cuidados planos de la película alternan belleza y suciedad, luz y decrepitud. Una historia de conformismo y desesperanza que no cuenta nada nuevo, ni lo hace de forma especialmente brillante, pero lo suficientemente efectiva como para merecer nuestro interés.

La otra película de ficción, Estrada para Ythaca, es una basura tan deleznable, que no merecería más comentario que la descalificación sin más. Sin embargo, intentaremos hacer la crítica con el respeto que no merece. Cuatro amigos, que recientemente han perdido a otro amigo, emprenden un viaje a ninguna parte, sino a su propio interior (¡qué original!), la película muestra como comen, como beben, como van en coche y como de vez en cuando sueltan una frase pretenciosa y ridícula, que produce vergüenza ajena por su puerilidad con ínfulas filosóficas. Sin más, la película concluye, matándonos de aburrimiento. Quizás estos cuatro pseudo-directores brasileños pensaron que podrían emular a Gus Van Sant y sus películas sobre gente que deambula y que acaban siendo tratados nihilistas sobre el ser humano, sin embargo, la linea que separa la genialidad al ridículo es fina, como los propios directores dicen durante la película como diciendo "y nosotros somos genios". Pues no señores, la película es vacua, aburrida e hiriente para cualquier persona con dos dedos de frente, la película, como decía al principio es una basura deleznable y quizás, no hubiese merecido más comentario que la descalificación sin más.

Dentro de la Sección oficial documental, también hemos visto dos películas. Mauerhase es una curiosa película sobre la vida de los conejos que quedaron atrapados tras la construcción del muro de Berlín en terreno de nadie, entre los muros. La idea de explicar la historia del muro, utilizando a los conejos como punto de vista tangencial, algunas veces y otras como metáfora es sin duda tan original como brillante. Sin embargo, la película resulta fallida conforme avanza debido a la dificultad de hilvanar una trama comprensible y completa ante el reto de tal perspectiva. Imágenes de archivo, entrevistas, conejos, documental y falso documental se mezclan en una película que acaba perdiendo el norte y que termina resultando demasiado confusa.

Capítulo aparte merece Los materiales, documental de tres directores enmarcados bajo el nombre de Los Hijos y que sinceramente, era de lo que más esperábamos en este blog, tras un artículo dedicado a ellos en Cahiers du Cinema y ante la perspectiva de una cierta reinvención del género. La conclusión es, que destruir es muy fácil, pero contruir, algo muy difícil, y que necesita de un cierto talento. Me explico. Los Hijos van un mes a Riaño, ruedan a la gente del pueblo, que tienen una nueva ubicación desde que su anterior pueblo fuese cubierto por un pantano y filman sus historias. Llegan a la sala de montaje y deciden experimentar y montar  a partir de los descartes del film, realizando alternativamente cada uno de ellos un montaje más alternativo, con menos sentido, hasta, finalmente, desvincular audio y video y mostrar casi siempre el fuera de campo. El resultado es una deconstrucción del material filmado, del cine en sí, tan pretencioso como absurdo, vacío y aburrido. Una falta de respeto a los personajes que han filmado, a sus historias y por supuesto, al espectador. Si le doy a mi hijo de seis meses un mando con un play y un stop y monto a partir de sus caprichos todo el material filmado por los Hijos durante ese mes, el resultado seguro que no sería inferior. Si quieres inventar algo hoy en el cine, algo tan y tan pretencioso, necesitas un talento que los Hijos no parecen tener. Si incluso el resultado del Altazor creacionista de Huidobro fue fallido en literatura, ¿qué esparaban estos tres cinéfilos con pretensiones divinas? El film pues es nefasto y el aplauso de algunos espectadores demuestra que, por estos festivales corren  unos pseudo-intelectuales dispuestos a aplaudir cualquier cosa que no comprendan por si acaso, y que resultan tan ridículos como el film. Lo de Cahiers es más preocupante. No sirve promocionar como bueno todo lo distinto, todo lo que experimenta, si los resultados son patéticos, porque reivindicar todo lo extaño, todo lo que está fuera de la "moda" por marcar diferencias, es tan triste como reivindicar todas las de acción americanas que se estrenan en salas. Eso sí, el corto que precedía a la proyección Ya viene, aguanta,  riégame, mátame es una idea fantástica.

Durante estos  días también hemos visto otras cosas, ya que nuestra intención es ver todo o casi todo lo de ficción oficial, algunos documentales de la oficial y algo de cada sub-sección paralela, excepto la película de Kluge, que dura más de diez horas y es innegociable.
De la retrospectiva de Raymond Depardon hemos visto 10'eme chambre, instants d'audiences, donde Depardon obtiene una autorización excepcional para rodar el desarrollo de las audiencias de un juzgado de instrucción de París. En total doce historias en las que el director desaparece y se pone humildemente al servicio de los acusados y la jueza, intentando escudriñar con su cámara, con sus primerísimos planos, sus razones y su humanidad, siempre mostrando un respeto pudoroso por la persona que tiene delante. Una forma curiosa y recomendable de asistir en primera persona a un juicio rápido.

Finalmente también asistimos a un programa de cortos de la Pantalla Hall, bajo el título de poética de las dimensiones. Primero de todo, felicitar al festival por el esfuerzo que hace por subtitular todos los trabajos, incluso los que se pasan en sesiones gratuitas, que debería servir como ejemplo a otros festivales mucho más prestigiosos, pero menos cuidadosos con su público como por ejemplo, nuestro querido BAFF. En cuanto a la selección de cortos, tras la experimentación formal  de los cuatro primeros, un poco aburridos (The polish language, Le vol des sens, M y The snail of the slope), se proyectó la bella y sugerente animación A game of sting y el trabajado, curioso y abstracto Erään hyönteisen tuho.

Tras terminar el festival, colgaremos el tercer y último post, comentando las últimas películas de la Sección Oficial Ficción que hayamos visto y algo del ciclo mexicano, del homenaje a José María Nunes y  de la Sección Panorama. Aún os quedan algunos días para pasaros por el festival y participar del buen rollo que el mismo desprende. Y si encima os toca ver alguna propuesta interesante, que las hay, pues mucho mejor. Quizás podéis probar con Huacho, o Verano de Golliat, o Finisterrae o Blow Horn. Todas ellas prometen.