51- EL BOSQUE Director: M. NIGHT SHYAMALAN Año: 2004
M. Night Shyamalan sorprendió en 1999 con El sexto sentido, una película de terror exquisita y que como toda obra maestra influenciaría a todo el cine posterior para bien o para mal. Durante esta década ha realizado cinco películas. El protegido (2000) que es espléndida, Señales (2002) que podría haber sido una obra maestra si no se viese lastrada por su lamentable final, El bosque (2004), la bella pero fallida La Joven del agua (2006) y la correcta y entretenida, pero lejana a la genialidad El incidente (2008).
En El bosque, Shyamalan nos narra la historia de un pueblo aislado del resto del mundo, temeroso de atravesar un bosque que los uniría al mundo real y al que ningún habitante puede acercarse, por temor a las terroríficas criaturas que lo habitan. El bosque es un cuento tenebroso que flirtea con el terror, aunque en el fondo es una metáfora sobre el miedo y la manipulación. Shyamalan nos explica la historia mostrándonos las cartas despacio, usando adictivos giros argumentales y desconcertándonos ante la extrañeza de los acontecimientos. La dirección, como siempre en sus películas, es de una brillantez incontestable, de una elegancia clásica que alterna pausa y belleza con momentos de tensión o terror apabullantes. Una auténtica joya para disfrutar desde la sutileza, el desamparo y la tensión.
52- EL HUNDIMIENTO Director: OLIVER HIRSCHBIEGEL Año: 2004
Berlín, abril de 1945. Una nación está a punto de sufrir su hundimiento. Una encarnizada batalla se libra en las calles de la capital. Hitler (Bruno Ganz) y su círculo de confianza se han atrincherado en el búnker del Führer. Entre ellos se encuentra Traudl Junge (Alexandra Maria Lara), secretaria personal de Hitler. En el exterior, la situación se recrudece. A pesar de que Berlín ya no puede resistir más, el Führer se niega a abandonar la ciudad.
Oliver Hirschbiegel, que ya había sorprendido con la impactante El experimento (2001), narra con clase y solvencia los últimos días de Hitler y lo hace desde el punto de vista de su secretaria, inmersa en una vorágine que es incapaz de comprender y procesar. Polémica por su imparcialidad a la hora de mostrar los acontecimientos, por no denunciar unos hechos que se denuncian por sí solos (y en no insultar a la inteligencia del espectador está uno de sus méritos), por humanizar a Hitler, espléndidamente interpretado por Bruno Ganz que sabe matizar tanto sus sentimientos, como su monstruosidad y su locura, la película es imprescindible por sus valores cinematográficos y por su rigurosa aportación histórica. Una película redonda, dura y brutal que nos dejará respirar muy cerca de aquellos que jamás debieron haber existido.
53- EL NIÑO Director: JEAN-PIERRE y LUC DARDENNE Año: 2005
Tras la prodigiosidad de El hijo (en el top-25), los hermanos Dardenne vuelven a ofrecer otra muestra de su cine en la brillante El niño que se alzaría con la Palma de Oro de Cannes, segunda vez tras Rosetta (1999), en que los hermanos ganarían tan prestigioso galardón.
Bruno tiene veinte años. Sonia, dieciocho. Los dos viven, en el suburbio de una ciudad francesa, gracias al subsidio de ella y de los robos que cometen Bruno y los chicos de su banda. Sonia acaba de dar a luz a Jimmy, el hijo de ambos. Entonces surge la duda sobre si Bruno será capaz de comportarse como un buen padre, o seguirá siendo tan despreocupado y viviendo como hasta entonces, con la única preocupación de seguir con sus trapicheos.
Con su estilo nervioso de siempre, sus primeros planos agresivos, sus travellings tras la nuca de los protagonistas, su realismo sucio y alguna escena en que aflora un terror ambiental desasosegante, los hermanos Dardenne construyen una película sobre dos personajes de los suburbios tan dura como tierna, en esta historia sobre la paternidad, la culpa, los límites del amor y la capacidad de cada uno de salir, o no, de aquello a lo que parece predestinado para reinventarse. Como siempre en los Dardenne, un peliculón.
54- EL PIANISTA Director: ROMAN POLANSKI Año: 2002
Tras algunos años de sequía artística, el polémico director Roman Polanski, adapta las memorias del músico polaco Władysław Szpilman, en esta película brillante que ganó la Palma de Oro y que dio el Oscar a su director y a su magistral intérprete Adrien Brody.
La película nos explica la vida del músico cuando aun vive felizmente con su familia en Varsovia, para luego narrar las condiciones de terror y persecución a las que tienen que sobrevivir los judíos progresivamente hasta ser recluidos en el gueto de Varsovia y posteriormente llevados al campo de exterminio de Treblinka. Cuando el protagonista es salvado in extremis de la muerte y separado de su familia, comenzará una odisea solitaria de degradación y supervivencia que Polanski narrará con mano firme, con tanta brutalidad como belleza formal, con tanto desasosiego como deshumanización. Brody compone un magnífico trabajo de animalización de un hombre vencido por el terror pero que conserva algo tan humano como el arte y Polanski nos muestra de manera directa y brutal el terror y el dolor que los judíos sufrieron en aquellos días de una forma muy intimista y lejana al sensacionalismo. Ideal para ver en programa doble con El hundimiento y vomitar ante el horror que los hombres somos capaces de generar.
55- EL SABOR DE LA SANDÍA Director: TSAI MING-LIANG Año: 2005
Tras salir de ver El sabor de la sandía en el festival de Sitges, oí comentar a una mujer en la cola que tan solo los enfermos y pervertidos (la película tiene un fuerte contenido sexual) podían disfrutar de una película como ésta. Yo pensé que tan solo los enfermos, no pueden trascender las escenas de sexo y disfrutar de la hermosa película sobre la soledad que el director chino plantea, porque solo ellos (los enfermos) son capaces de dar tanta importancia a algo tan natural como el sexo y rodearlo de agrio resentimiento y no lograr ver más allá.
Tsai Ming-Liang, director chino afincado en Taiwan, es un realizador de películas muy extremas, muy contemplativas, que puede fascinar o aburrir hasta el infinito. Creador de films tan apasionantes como The Hole (1998) o ¿Qué hora es allí? (2001), en El sabor de la sandía se sirve de un argumento sobre la sequía y la necesidad de los protagonistas para encontrar agua, para hablar de lo que realmente le interesa siempre, de la extrema soledad que sufre el ser humano y de su incapacidad para comunicarse. Tsai Ming-Liang lo explica con un estilo exageradamente contemplativo, que rellena con gestos, con miradas, con silencios, con extraños números musicales y con insistentes escenas de sexo. El sabor de la sandía no es una película apta para todo estilo de públicos, pero verla y disfrutarla, te hace emocionalmente y cinéfilamente más sabio.
56- EL SECRETO DE SUS OJOS Director: JUAN JOSÉ CAMPANELLA Año: 2009
Auténtico fenómeno de público en Argentina y recientemente galardonada con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, El secreto de sus ojos es un claro ejemplo de cine emocional, de cine sentimental, llevado con dignidad y maestría. El habitualmente cursi Juan José Campanella, sabe controlar aquí sus excesos (o casi) y nos brinda una película de geniales y precisos diálogos, con una trama policial que remueve recuerdos, amores, rencores y culpas y que nos aproxima al pasado reciente y convulso de Argentina. Todo ello acompañado de personajes secundarios de lujo tanto en su desarrollo como en la interpretación de los actores (Soledad Villamil, Guillermo Francella), con fragmentos tan originales y excitantes como la escena de bar que acaba en un estadio de fútbol y que a mi me parece de una genialidad insultante y con la presencia soberbia de Ricardo Darín, que no solo borda su personaje sino que borda el mismo arte de actuar. Una hermosa película, tan contenida como emocionante y apta para todos los públicos.
57- EN LA CIUDAD DE SYLVIA Director: JOSÉ LUIS GUERÍN Año: 2007
El siempre interesante, intelectual, contemplativo y minoritario José Luis Guerín, nos brinda esta experimental película con que abandona el cine documental para realizar una ficción en que lo que importa no es el argumento, sino las sensaciones.
Un joven vuelve a la ciudad de Estrasburgo, en la que se encaprichó de Sylvia (aunque quizás de lo que se ha encaprichado es de su recuerdo) cuatro años atrás, para buscar a la chica y recuperar aquel mágico momento. Sin mucho más que hacer que esperar y deambular, el protagonista dibuja rostros de mujeres sentadas en la terraza de un bar, pasea, conoce a otras mujeres y se deja seducir por una ciudad que nos resulta tan ajena como cercana. Esta oda a la observación, contrapuesta a nuestro estresante estilo de vida, nos ofrece la visión de un director que sabe hallar el placer y la poesía ante un rostro, ante un sonido, ante una incertidumbre. Interpretada por un hermoso Xavier Lafitte y por una Pilar López de Ayala que irradia luminosidad y que nunca ha desprendido tanta belleza, Guerín nos muestra otra forma de enfrentarnos al mundo, tan pausada y extremamente opuesta a la nuestra como apetecible y nos dibuja una singular película que debemos dejar fluir, con la calma propia de un tranvía que chirría largamente mientras se detiene, de un rayo de luz solar que pretende entrar en las próximas horas, progresivamente, a través de nuestra ventana.
58- EXILED Director: JOHNNIE TO Año: 2006
Johnnie To es un prolífico y prestigioso cineasta de Hong Kong, que hace que los thrillers de acción (género favorito del país), tomen una envergadura que lo distancian de la mayoría de cineastas de su patria.
Exiled es quizás hasta la fecha su mejor película. En ella, dos asesinos a sueldo, llegados a Macau para ejecutar a un colega que pretende empezar una nueva vida, se enfrentarán a un dilema cuando otros dos antiguos socios intenten trastocar su misión. Abierta la negociación, aparecerá un quinto asesino que pondrá en peligro la incipiente tregua. Secuela de The Mission (1999), lo que allí era la observación de los tiempos muertos de una banda de asesinos antes de actuar, se transforma aquí en acción pura y dura. Con unas coreografías de acción muy trabajadas, un poético uso de la cámara lenta y una historia sobre la amistad, la lealtad y sus límites, Johnnie To nos impacta con unas imágenes que no dan tregua al espectador, que lo fascinan, que lo vacilan y hace de esta sublime película de acción una pequeña obra de arte.
59- FEAR X Director: NICOLAS WINDING REFN Año: 2003
Entre las películas del danés Nicolas Winding Refn, la mayoría prescindibles, encontramos esta pequeña joya, un thriller psicológico interpretado por John Turturro y que es la mejor película heredera del maestro Lynch que yo haya visto.
Harry es un vigilante de seguridad de un centro comercial en el que su mujer fue asesinada. Incapaz de asumir su pérdida, empezará a observar videos compulsivamente con el fin de encontrar una pista que le lleve al asesino. A medio camino entre la realidad y la pesadilla, Turturro conocerá a excéntricos personajes y vagará por hoteles de un rojo carmesí agresivo intentando dotar de lógica y sentido un sinsentido que le afecta de forma vital. Con un estilo muy heredero de David Lynch, el director muestra angostos pasillos sin final, de profunda oscuridad, se acerca a la mente del protagonista con zooms que se desenfocan y resuelve la película con la máxima coherencia a que aspira: la incoherencia. Aspirante a película de culto, pero tan poco conocida que puede ser devorada por el olvido, sirva mi reseña como un granito de arena ante el abismo de su pérdida.
60- FRONTIÈRE(S) Director: XAVIER GENS Año: 2007
El cine fantástico y de terror francés lleva unos años reclamando un lugar de privilegio en el panorama internacional. Caracterizado normalmente por una brutalidad, un realismo sucio y un exceso de gore no apto para todos los estómagos, algunas propuestas han sido realmente novedosas y son realmente recomendables. A parte del título que nos ocupa, podríamos destacar la excelente fantasía visual que nos regaló Vidocq (2001), las terroríficas Ils (2006) y À l' intérieur (2007) y las irregulares, salvajes y polémicas Haute Tension (2003) y Martyrs (2008).
Frontière(s) no es una película apta para todos los públicos ya que su brutalidad y su exceso tanto formal como interpretativo hacen que su visionado pueda resultar desagradable. Heredera directa de La matanza de texas (1974), la película culmina con inteligencia el subgénero de familias degeneradas que calman su locura con la tortura y el asesinato. Reflejo tridimensionado de una sociedad racista, violenta y enferma, la película toma como origen unas elecciones y los disturbios raciales que le suceden (los disturbios en Francia estuvieron al orden del día), para electrizarnos con una hiperbólica y desmesurada pesadilla que va mucho más allá de la racionalidad, cruzando los límites en que el ser humano libera su animalidad salvaje. Agresiva, desagradable, excesiva, sobreactuada, la película se disfruta desde la radicalidad de la propuesta o se sufre con virulencia. ¿Os atrevéis a probar?
61- GANGS OF NEW YORK Director: MARTIN SCORSESE Año: 2002
Martin Scorsese es uno de los directores americanos más interesantes del panorama actual, pese a que sus grandes películas se dieron en décadas anteriores. Durante esta década ha alternado las películas de ficción con los documentales musicales. Comenzó la década con Gangs of New York, a la que siguó la correcta El aviador (2004), el monumental e interesantísimo documental sobre Bob Dylan No direction Home (2005), la brillante e intensa Infiltrados (2006) y el documental en que filma un concierto de los Rolling Stones Shine a light (2008).
En Gangs of New York, Scorsese logra rodar una de sus películas más ansiadas. La historia de la ciudad de Nueva York desde 1863, cuando la hoy cosmopolita ciudad era el caldo de cultivo de bandas callejeras que querían hacerse con el poder a toda costa. La película, la más cara en la carrera del director acaba resultando un pretencioso fresco grandioso, con enormes decorados, numerosos extras, grandes figuras en el reparto (Lian Nesson, Daniel Day-Lewis, Leonardo Di Caprio, Cameron Díaz) y mucha épica, que alterna súblimes momentos de cine con mayúsculas con otros en que el guión deviene un poco atropellado, sobretodo en su tramo final (se dice que los productores, los temibles hermanos Weinstein tuvieron parte de culpa al acortar el metraje en el montaje final). En definitiva una película tan excesiva como su propio director, tan fascinante para algunos, como aborrecible para otros.
62- GÉNOVA Director: MICHAEL WINTERBOTTOM AÑO: 2008
Michael Winterbottom es un prestigioso y prolífico director inglés (ha realizado diez películas esta década), de filmografía tan amplia como ecléctica, ya que toca prácticamente todos los géneros. Entre sus logros de esta década según mi parecer están el falso documental In this world (2003), la espléndida película de ciencia ficción Código 46 (2003) y el fallido pero apreciable intento de acercarse al cine porno con el que escandalizó en 9 canciones (2004).
Génova es una extraña película, no perteneciente a ningún género en concreto que me cautiva y fascina. Tras la trágica muerte en accidente de su mujer, un padre se traslada con sus hijas a Génova, para huir del pasado y empezar una nueva vida. A partir de este mínimo argumento Winterbottom rueda una película ténue, evanescente, más sobre los miedos que asaltan a su protagonista que sobre los hechos que le acontecen. Pasea su cámara con el mismo desconcierto que asalta a los personajes por las laberínticas calles de una ciudad tan amable como amenazante y nos crea una desazón inconcretable, casi existencial. Una película bella y triste, aunque la tristeza sea tan dispersa que nunca sepamos por donde nos asalta en realidad.
63- HEDWIG AND THE ANGRY INCH Director: John Cameron Mitchell Año: 2001
Tras triunfar durante algunos años con su versión teatral, John Cameron Mitchell, director de dicha versión, autor del guión y actor que da vida al personaje principal, adapta en el 2001 su extraño musical al cine convirtiéndose de inmediato en un éxito de crítica y una película de culto. No es para menos, ya que la película es absolumente magistral y de un ingenio y originalidad apoteósicos. Hedwig es una cantante de Glam Rock que tras una fallida operación de cambio de sexo de la que le queda un sexo indefinido del que se averguenza, se dedica a exhibirse en cutres conciertos con su banda mientras un ex-amante triunfa con canciones que le robó en la época en que convivían. La película lo tiene todo: una bella historia sobre la amistad, sobre las dudas y los miedos que pueden generar una tendencia sexual "diferente", una banda sonora original y maravillosa, unas actuaciones geniales, sobretodo la del actor y director que compone una Hedwig descarada y tierna, de una belleza tan femenina como masculina, números musicales que producen un subidón adrenalítico altísimo y mucha, mucha ternura hacia sus personajes, tan marginales como próximos, tan distintos a nosotros como cercanos en sus objetivos vitales.
El director, unos años después dirigiría Shortbus (2006), una provocativa película a años luz de Hedwig, ya que trata exactamente de lo mismo pero en que cambia la sutileza y originalidad de la primera por una autocomplacencia difícil de digerir. Sin embargo, si no has visto Hedwig and the angry inch hazlo, porque te puedes llevar una grata sorpresa. Sin duda alguna, una de las películas más apasionantes de la década.
64- HISTORIAS MÍNIMAS Director: CARLOS SORÍN Año: 2002
El director argentino Carlos Sorín sorprendió en festivales y cines de autor en el año 2002 con la película Historia mínimas. Como el título indica, la película, que esta situada en la vasta Patagonia argentina, sigue a tres personajes y nos explica sus pequeñas historias, cotidianas, quizás insignificantes o quizás las más importantes que jamás se hayan explicado en una película. Un hombre que quiere comprar una tarta de cumpleaños para el hijo de la mujer a quien ama, un abuelo que busca un perro que desapareció años atrás y una joven pobre que viaja con su hija hacia el estudio de un programa de televisión para recoger el robot de cocina que ganó en un concurso. Tres historia y un paisaje. A partir de aquí, una road movie con personajes reales, actores no profesionales en su mayor parte y mucha sensibilidad y mucha verdad. Lejos del sentimentalismo excesivo a que otras producciones argentinas que llegan a nuestro país nos tienen acostumbrados, Historias mínimas es una película deliciosa, pequeña y triste que ofrece personajes reales, con ilusiones reales y con sentimientos reales, lo que, creo yo, no es poco.
65- INFILTRADOS Director: MARTIN SCORSESE Año: 2006
Scorsese, tras muchísimas nominaciones a los Oscars y una larga lista de vergonzosos desagravios (Rocky ganó a Taxi driver en la edición de 1977), consiguió por fin la estatuilla con Infiltrados, que no es su mejor película, pero que está muy por encima de la mayoría de películas que se hacen en EEUU y sobretodo que ganan el Oscar. La película es un remake de la producción de Hong Kong Infernal Affairs y trata de la infiltración de un policía novato en la mafia, para lograr atrapar a su gran jefe. Con un espectacular reparto en que brillan Jack Nicholson, Mark Wahlberg, Matt Damon y sobretodo un espléndido y siempre infravalorado Leonardo Di Caprio, Scorse nos absorve con una película en que el brillante guión con sus giros y su suspense nos lleva a algunos momentos de una tensión e intensidad tan vibrantes como difíciles de alcanzar. Infiltrados, que alcanza tan altas cuotas de genialidad, es inevitablemente irregular, pero su sombría y violenta historia es muy disfrutable y derrama talento por sus cuatro costados.
66- INLAND EMPIRE Director: DAVID LYNCH Año: 2006
David Lynch ya lleva unos años experimentando con su cine e incluyendo en sus películas una gran cantidad de metraje que en realidad no ocurre, o ocurre en un mundo paralelo, entiéndase el de los sueños, o el del subconsciente. Media película de Carretera perdida no ocurría en el plano de la realidad. Y en Mulholland drive el índice de no realidad se disparaba. Viéndolo así, Inland Empire es una evolución lógica en el cine de Lynch, ya que rompe de forma extrema con la realidad y radicaliza su estética y su discurso para filmar tres horas de cine digital que se desenvuelve en lo abstracto para componer una pesadilla sin asideros a los que volver a la calma que nos proporciona la lógica.
Una actriz (espléndida Laura Dern) recibe la oferta de realizar un papel para una película maldita, que tuvo que suspenderse años atrás. A partir de ahí la realidad se desvanece y la pesadilla-ficción se alarga, de difumina, se estremece y se descompone.
La película no es para nada apta para todos los públicos y la disfrutarán los buscadores de rarezas, los seguidores del cine experimental y los fans de Lynch, siempre que estén abiertos a dar un paso más allá en la locura/genialidad del director. Para mi no es su mejor película, pero Lynch siempre vale la pena y la suma de visionados siempre juega a su favor.
67- IRREVERSIBLE Director: GASPAR NOÉ Año: 2002
Lo hace, y lo hace con talento y nos remueve en nuestra butaca y nos crea fascinación por la historia y repulsión por lo que vemos y nos estremece y nos encanta. Otra cosa es que Gaspar Noé se sirva de ella para su beneficio y provocar el escándalo. El hecho de mostrarla de forma tan brutal te hace aborrecerla mucho más. Jamás he visto una película en que la violencia resultase tan estúpida, tan deplorable, tan destructiva. Algunos acusaron a Gaspar Noé de apología de la violencia.
Siendo la más escandalosa no es la única escena difícil de digerir ya que en toda la película, la violencia y la agresividad son brutales tanto físicamente como por el estado de nervios a que nos condiciona una cámara totalmente fuera de control en sus movimientos. La gran polémica vino con la escena de la violación, con plano fijo, de más de diez minutos y de una brutalidad jamás vista en la pantalla y difícil de soportar. Mónica Bellucci y Vincent Cassel interpretan a un matrimonio un poco excesivo que acude a una fiesta de la que ella se va antes, es violada salvajemente y él busca el culpable para vengarse. En Irreversible, Gaspar Noé nos cuenta una historia al revés, es decir empieza por un violento final para acabar por la calidez del principio.
Recientemente se ha podido ver en el festival de Sitges Enter the void (2009) en la que de nuevo busca el escándalo y realiza una película arriesgada en la que su talento brilla durante dos tercios, para caer de forma abrupta en su tercio final. Pero no consiguió del todo su objetivo hasta 2002 cuando estrenó en Cannes Irreversible, y recibió un abucheo monumental así como todas las portadas de la prensa francesa mostrando su indignación por la película, Gaspar Noé había vencido. En el año 1991 revolucionó Cannes con su mediometraje Carne que completaría con su continuación en 1997 Seul contre tous. Gaspar Noé, director de origen argentino afincado en Francia es un provocador total de breve filmografía.
68- JUNO Director: JASON REITMAN Año: 2007
Juno fue la película revelación del 2007, no solo en taquilla sino a nivel crítico e incluso fue nominada a cuatro oscars, incluido el de mejor película. Es una comedia independiente dirigida por Jason Reitman (que acaba de dirigir la previsible Up in the air) y escrita por la excéntrica Diablo Cody (que volvió al guión en Jennifer Body abriendo la sospecha que en Juno sonó la flauta). La película nos explica la historia de una adolescente, la Juno del título, que queda embarazada por un compañero de clase y que tras tantear la opción de abortar, decide tener el niño y darlo en adopción. Siempre en un tono de comedia y moviéndose al filo de lo irreverente y políticamente incorrecto, la película salpica al espectador entre risa y risa de grandes verdades sobre las relaciones de pareja, sobre la paternidad, sobre el miedo a crecer, sobre las dificultades para relacionarse, sobre los límites difusos entre la edad adolescente y la edad adulta. Todos los personajes acaban resultando tan complejos como tiernos y están muy bien interpretados, pero por lo que a mi parecer la película trasciende mucho más allá que otras del mismo género es por la brutal interpretación de Ellen Page, que sabe dar a su personaje una profundidad escalofriante, una mezcla de frescura y madurez, de levedad y profundidad tan asumible en un personaje que con su edad se enfrenta a un embarazo, que logra emocionar al espectador mucho más allá del director cumplidor o del guión que amaga escandalizar para acabar, en cierta manera, edulcorando. Ellen Page construye un personaje creíble, cercano y frágil, lleno de matices y de sentimientos. Una auténtica obra maestra de la interpretación.
69- KANDAHAR Director: MOHSEN MAKHMALBAF Año: 2001
El cine iraní fue el rey de los festivales en los años 80 y sobretodo en los 90. Sus películas compitieron y ganaron en muchos de ellos encabezados por los dos grandes realizadores del cine de este país Mohsen Makhmalbaf (El silencio, Gabbeh) y Abbas Kiarostami ( ¿Dónde está la casa de mi amigo? , El sabor de las cerezas). A ellos se añadirían otros nombres propios como Jafar Panahi (El globo blanco) o Majid Majidi (Niños del cielo). El cine iraní aprovechaba los áridos paisajes que su país proporcionaba para rodar y solía usar a niños para explicar historias minimalistas que burlasen la censura religiosa y política del país. Sus dificultades y nulo presupuesto eran solventados con mucha sensibilidad e imaginación y no hubo año en los 90 en que no hubiese película iraní en un festival grande. Con la llegada del nuevo siglo el cine iraní ha pasado a un segundo plano (quizás es ahora el cine filipino el más ultracinéfilo) debido en parte a la radicalización formal de Kiarostami y al semiretiro de Makhmalbaf, que ha dejado camino a sus dos hijas: Samira (La manzana, La pizarra) y Hana (Buda explotó por verguenza).
En Kandahar, Mohsen nos acerca una de sus últimas películas y cambia a los niños protagonistas por una mujer y la inocente percepción de la realidad de éstos por una mirada mucho más atroz, que peca al principio incluso de sensacionalista (aunque quizás está en su derecho) pero que mezcla costumbrismo, con un humor surrealista desconcertante y brutalidad con imágenes de una poética sublime. Makhmalbaf nos muestra la realidad de un Afganistán de antes de la guerra con EEUU, cuando una mujer que se exilió en Irán decide acudir al rescate de su hermana que permaneció en la capital afganesa, Kandahar, y que ya no soporta tanta opresión. Una bella mirada cubierta por un burka, un hermoso paisaje lleno de devastación, gente encerrada en una cárcel sin rejas, gestos, colores. Una propuesta tan pequeña como necesaria.
70- LA CINTA BLANCA Director: MICHAEL HANEKE Año: 2009
Michael Haneke lleva veinte años diseccionando la violencia. Su cine, busca los orígenes o las consecuencias de las conductas humanas más extremas y suele exponerlas con tanta fríaldad, que transmite en el espectador una incontrolable sensación de desamparo, de nihilismo existencial. La violencia que expone en su cine puede ser tanto física, como en la brutal Funny Games, emocional como en Caché, o autodestrutiva como en La pianista. Su nueva película La cinta blanca, se mantiene fiel a su estilo y a su temática, estilizándola un poco más si cabe. Rodada en un blanco y negro tan imparcial y objetivo como la historia que se nos cuenta, Haneke nos habla de la vida hérmetica y de educación severa de un pueblo en la Alemania previa a la Primera Guerra Mundial. Quizás el pueblo simbolice el microcosmos de una sociedad enferma que a nivel europeo se dirige inexorablemente hacia la Gran Guerra. Porque la película, pausada, fría, inquietante, trata de éso, de una sociedad enferma y de su maldad abstracta, instalada a sus anchas, inconcretable. Cuando La cinta blanca termina uno tiene la sensación de que aquello de que acaba de ver es muy bueno, media hora después piensa que se ha quedado corto y al día siguiente todavía siente un gusto a hiel recorriendo sus dientes.
71- LA FUENTE DE LA VIDA Director: DARREN ARONOFSKY Año: 2006
La fuente de la vida es una historia de ciencia-ficción que aborda la odisea de un hombre y su lucha a través del tiempo para salvar a la mujer que ama. Desde la España del siglo XVI hasta el profundo espacio del futuro siglo XXVI, el héroe de este filme intentará encontrar el árbol de la vida, la entidad legendaria que otorga la vida eterna a aquéllos que beben su savia, para intentar salvar la vida de su esposa enferma de cáncer.
Tras la brutal Requiem por un sueño, Darren Aronofsky realizó esta película fuente de grandes controversias y acusada por algunos de vacua, pretenciosa o disparate. La poesía no está al alcance de todos. Aronofsky realiza el poema visual más bello de los últimos años, cargado de barroquismo formal y cromatismo alucinógeno para contar una historia de amor eterno y de apego a la vida. Triste, hermosa, tierna, una auténtica experiencia sensorial que necesita, en la medida de lo posible, ser disfrutada en una pantalla de cine.
72- LA NOVIA CADÁVER Director: TIM BURTON Año: 2005
Tim Burton dirige su primer largometraje de animación (Pesadilla antes de Navidad era una historia suya con personajes suyos pero dirigida por Henry Selick), acorde al universo que lo caracteriza y logra crear una auténtica joyita de grandes momentos.
Ambientada en un pueblecito europeo en el siglo XIX, esta película de animación fotograma a fotograma cuenta la historia de Victor (a quien pone voz Johnny Depp), un joven que es llevado de repente al infierno, donde se casa con una misteriosa Novia Cadáver (con la voz de Helena Bonham Carter), mientras que su verdadera novia, Victoria (a quien pone voz Emily Watson) espera en el mundo de los vivos. Burton se adorna en este argumento para crear una galería de personajes inadaptados, sus monstruos con sentimientos y contraponer la oscuridad y seriedad de una realidad de estricta educación victoriana con el color y el desenfreno de "la otra vida". Para ello, dibuja unos personajes de trazo gótico y siniestro pero llenos de humanidad y se beneficia de la música siempre espléndida de un genio como Danny Elfman. Una divertida y ocurrente historia de amor que matiza la distancia entre los adaptados que siguen las normas y los "freaks" que las vulneran, entre los vivos y los muertos, ya sea real o metafóricamente.
73- LA PESADILLA DE DARWIN Director: HUBERT SAUPER Año: 2004
Si lo que deseas es hacer una denuncia de la injusticia que comete el primer mundo con el tercero, si aquello que quieres mostrar es tan repulsivo y degradante que resulta difícil de soportar para nuestras miradas acomodadas, si quieres convulsionar al público del primer mundo sobre toda la mierda del tercero, solo hay una forma de hacerlo dejando huella en nuestra indiferencia: sumergiéndote en esa mierda. Éso es lo que hace Hubert Sauper, viaja a Tanzania y nos empieza explicando una historia que sirve como metáfora de una sociedad desigual. Durante los años sesenta, un pez exótico fue introducido en el Lago Victoria a modo de experimento científico a pequeña escala. La perca del Nilo resultó ser un feroz depredador para las especies autóctonas, a las que no tardó en arrasar, reproduciéndose a gran velocidad y amenazando el equilibrio ecológico de las extensas aguas. Sin embargo, la exquisita carne de aquel animal abrió un nuevo filón para las empresas extranjeras, y, en la actualidad, alrededor de la perca gira una industria multimillonaria que abastece a algunos países de Europa y Japón, donde este pescado es de consumo común. A partir de aquí, de una historia del pez grande y depredador comiéndose al pequeño, se ramifican las consecuencia de dicho abuso y el director nos muestra, como quizás jamás se nos mostró antes, las inhumanas condiciones de vida de la gente de Tanzania y nos enfrenta cara a cara con la enfermedad, la muerte, el hambre, la putrefacción y el abuso. Un documental tan rabioso e impecable como brutalmente duro de ver y casi imposible de olvidar.
74- LA ÚLTIMA NOCHE Director: SPIKE LEE Año: 2002
Spike Lee es un director afroamericano tan interesante como irregular que se ha convertido en la voz de la lucha de la comunidad negra en el cine de Hollywood. Desde sus inicios con Nora Darling (1986), Lee ha hecho películas en las que actuan negros, en la mayoría para a través de sus vidas denunciar las dificultades extras de una comunidad para salir adelante por su color de piel. Películas como Fiebre salvaje (1991), Malcolm X (1992) o Get on the bus (1996) eran de un gran nivel. Sin embargo, cuando Spike Lee ha estado brillante ha sido cuando ha dejado de lado el tono panfletario y ha hecho películas que van más allá de los problemas raciales para tratar sobre la violencia , en la sensacional S.O.S Summer of Sam (1999) o sobre la redención en La última noche.
En La última noche, Edward Norton interpreta a un personaje que tras ser un traficante viviendo como una estrella en la ciudad de Nueva York, se enfrenta a su última noche en libertad antes de cumplir una larga condena de siete años. Antes de ingresar en prisión querrá recuperar la relación con su padre, amigos y una novia, que quizás lo delató. La película nos sumerge en una atmosférica ciudad de Nueva York post
11-S (con una escena del vacío que han dejado las torres escalofriante) para hablarnos de la angustia existencial de un personaje que vivió al margen de la ley y al margen de los suyos y que busca un último asidero para engancharse a la vida. Una gran película.
75- LAS HORAS Director: STEPHEN DALDRY Año: 2002
Historia de tres mujeres que viven en tres épocas distintas y a las que unen sus anhelos, sus miedos y quizás algo más, Las horas es una película con mayúsculas, con un guión de aquellos que surge muy de tanto en tanto y que capta la esencia de la vida. Filosófico, triste y cargado de verdad se beneficia además de las interpretaciones de tres mujeres que son actrices sublimes: la siempre certera Meryl Streep, la sensacional Julianne Moore y una Nicole Kidman, que interpreta a Virginia Wolf, en estado de gracia y que transmite tristeza infinita en todas y cada una de las esquivas miradas que le roba la cámara. Dirigida por un efectivo Stephen Daldry (Billy Elliot, El lector) que cede el protagonismo a actores y guión, la película se disfruta desde la pesadumbre. Dice el personaje que interpreta Meryl Streep que hay un día en que te levantas y las perspectivas de vida que se abren son buenas y que crees que a partir de entonces vas a ser feliz sin darte cuenta, que ése es el momento de gran felicidad, y que se te va a escapar, inevitablemente. No dejéis que esta película se os escape sin disfrutarla porque proporciona la felicidad de lo brillante. En cuanto a los momentos en que os sentís cerca de la felicidad, creo que lo mejor es que los aprovechéis al máximo, por si acaso fueran los realmente felices.
Buena selección! Me apunto las que aún no he visto, especialmente Inland Empire. Espero la próxima entrega!
ResponderEliminarla Fuente de la vida me parecio un rollazo.
ResponderEliminary la del Bosque Tambien tal vez por que esperaba una pelicula mejor sobre todo despues de los peliculones del protegido y El sexto sentido
mmm tengo que ver "Las Horas"
Que decir de La novia Cadaver me encanto.
Muy buena selección.