lunes, 31 de diciembre de 2018

Las mejores películas estrenadas en cines durante el 2018

Después de unos años en que mi top anual estaba ausente por estas lares, me ha apetecido terminar este 2018 con mi top-20 de películas estrenadas comercialmente en salas durante este año. Un poquito de todo y algunas maravillas. Porque pese a todo, el cine y el show deben continuar...


20- BOHEMIAN RHAPSODY (Bohemian Rhapsody), 2018
Director: Bryan Singer
País: Reino Unido

Biopic sobre Freedy Mercury y su banda, Queen, rodeado de polémica desde el momento en que despidieron a Bryan Singer de la dirección. Con críticas nefastas antes de su estreno y excelentes justo después, la película se ha convertido en uno de os fenómenos de masas de este año. Es cierto que Mercury es inimitable pero Rami Malek está fantástico. Es verdad que inventan demasiado y que no hacía falta. Pero ver la composición del Bohemian Rhapsody o la actuación del Live Aid bien vale su visionado. 


19- UN LUGAR TRANQUILO (A Quiet Place), 2018
Director: John Krakinski
País: EEUU

Terror, thriller, drama y distopía apocalíptica. Una mezcla que hizo de Un lugar tranquilo una de las sorpresas del año dentro del género fantástico. Con enorme éxito en taquilla y muy buenas críticas, la historia de una familia condenada al eterno silencio poseía algunos de los momentos más tensos de este 2018. Y el final era ejemplar. Parece ser que habrá segunda parte. Y a mí me parece que es una película que no debiera...pero ya sabemos que la taquilla manda. Veremos lo que sale.


18- LOS HAMBRIENTOS (Les affamés), 2017
Director: Robin Aubert
País: Canadá

Y seguimos con el terror, en este caso de zombis. Les affamés consigue, en especial a partir de su fotografía, parajes, encuadres y ritmo pausado, volver a hacer de un subgénero tan manido y explotado una cinta inquietante. Su primera mitad es oro. Luego cae en algunos de los tópicos del género, pero aguanta el tipo. Y el final deja un muy buen sabor de boca. No apta para amantes de ritmos endiablados, la cinta canadiense posee alguna secuencia que queda grabada en nuestra retina. Pura atmósfera.


17- MOST BEAUTIFUL ISLAND (Most Beuatiful Island), 2017
Directora: Ana Asensio
País: EEUU

La madrileña Ana Asensio sorprendió a principios de este año con un estimulante estreno que no debió pasar de tapadillo. Con un inicio muy indie americano sobre una sin papeles en busca de empleo, la cinta muta a thriller muy inquietante, muy sensual, cercano al espíritu de series como La dimensión desconocida o Alfred Hitchcock presenta. Asensio dirige, escribe y actúa. Y lleva el manejo de la tensión de maravilla. Una ópera prima muy inquietante de una directora a la que habrá que seguir.


16- SIN AMOR (LOVELESS) (Nelyubov), 2017
Director: Andrey Zvyagintsev
País: Rusia

Una pareja en crisis debe afrontar la desaparición de su hijo. Pero obviamente, el director Andrey Zvyagintsev (Leviatán, Elena, El regreso), no nos va a ofrecer un thriller al uso, sino una brutal disección del egoísmo y la estupidez humana, en parajes tan fríos como las propias relaciones personales de sus protagonistas. Sin compasión por ninguno de ellos, Sin amor resulta cruda, antipática y muy contundente. Con un final tremendo, de los que da que pensar. Otra joya de uno de los directores más en forma de la actualidad.


15- UN SOL INTERIOR (Un beau soleil interieur), 2017
Directora: Claire Denis
País: Francia

Claire Denis nos brinda esta fragmentada historia de una mujer madura que todavía busca infructuosamente el amor verdadero. Juliette Binoche compone un personaje lleno de dudas, de dilemas morales, de fragilidades, con una sensualidad hiriente que a veces se mezcla con un patetismo devastador. Como siempre, la directora francesa no nos lo pondrá nada fácil, pero los que consigan entrar en la psicología de esta mujer no la olvidarán fácilmente.


14-CUSTODIA COMPARTIDA (Jusqu'à la garde), 2017
Director: Xavier Legrand
País: Francia

Sorprendente e incómoda ópera prima, una película de la que es mejor no explicar mucho, ya que sorprende y mantiene la duda sobre sus personajes e intenciones. Drama que muta a thriller y casi a cine de terror cotidiano, nos explica la historia de un matrimonio que quieren la custodia de su hijo. Ella acusa al padre de violento, él a la madre de mentirosa. El hijo, víctima de la situación, en medio. Dura, sin concesiones y con interpretaciones brillantes. Muy tensa. Una primera película de altura.


13-LAZZARO FELIZ (Lazzaro felice), 2018
Directora: Alice Rohrwacher
País: Italia

La directora Alice Rohrwacher, que ya sorprendió en el 2014 con su película El país de las maravillas, depura su estilo y arrasa este año con Lazzaro feliz, una parábola sobre la bondad humana sobreviviendo en un mundo cruel e interesado. Con un ritmo pausado y escenas de un naturalismo conmovedor trufado con dosis de realismo mágico, Lazzaro feliz ha ganado importantísimos premios este año, entre ellos el de mejor guión en el Festival de Cannes.


12- THE FLORIDA PROJECT (The Florida Project), 2017
Director: Sean Baker
País: EEUU

Sean Baker es uno de los directores de cine indie americano más en forma en la actualidad, títulos como Starlet y Tangerine le habían dado fama entre el sector más cinéfilo. The Florida Project es su salto al gran público, con una historia muy fiel a su estilo. Colorista y vital dentro del drama que encierra, con esa frescura de sus personajes que casi nos parece improvisación, tan tierna como dura, reflejo de una sociedad de segunda, la que no alcanzó el sueño americano pero que vive, intensamente, como puede, como le dejan.


11- LUCKY (Lucky), 2017
Director: John Carroll Lynch
País: EEUU

Lucky va mucho más allá de su trama o de su dirección. Lucky es una despedida, la de Harry Dean Stanton. Actor mítico, con multitud de papeles secundarios y que ha trabajado a la orden de directores inmensos, en Lucky confunde su personaje con su vida y nos enseña su día a día, sus relaciones personales (con amigos como David Lynch en un pequeño y delirante papel) y su temor ante la inminente muerte. Tierna, triste, vital, pequeñita, enorme: como su actor. Un grande en su papel póstumo. Imposible no caer rendido.


10- EL REVERENDO (First Reformed), 2017
Director: Paul Schrader
País: EEUU

Tras unos años con un rumbo errático, Paul Scharder vuelve a ofrecernos un personaje atormentado digno de su talento. Ethan Hawke es un reverendo que perdió a su hijo en Irak, se siente responsable y culpable y vive intentando atenuar su dolor con su fe. Pero sus más bajos temores aflorarán de forma violenta al conocer a una pareja activista radical. El amor y el dolor se confundirán entonces en su vida, con final incierto. Intensidad, locura, redención, violencia, religión. El cóctel de Schrader. El que domina.


9- THELMA (Thelma), 2017
Director: Joachim Trier
País: Noruega

Thelma es una de esas películas con tintes fantásticos y ritmo lento que basa sus méritos en una malsana ambientación atmosférica. Nos habla de una adolescente con poderes y mucha represión que empieza a sentir el despertar sexual hacia una chica de su mismo sexo. Todo se confunde entonces en su cabeza y sus poderes se volverán peligrosos. Joachim Trier da en el clavo con esta mezcla de lesbianismo, religión y terror. Una cinta para dejarse llevar por los subconscientes, demencias y simbologías religiosas.


8- CARAS Y LUGARES (Visages villages), 2017
Directores: Agnès Varda,  Jean René
País: Francia

Una anciana Agnès Varda se junta con el joven artista gráfico JR y ambos recorren pueblos de Francia en busca de construir una historia que se transforme en película. Él creará sus grandes murales en edificios de diferentes localidades. Ella hablará con las personas de esos lugares. Y entre ambos artistas se creará una relación de admiración, respeto y cariño muy entrañable. Una pequeña joya con algunas imágenes antológicas e incluso un malo...que no os voy a desvelar.


7- LOVING VINCENT (Loving Vincent), 2017
Directores: Dorota Kobiela,  Hugh Welchman
País: Polonia

Loving Vincent es una auténtica delicia, una película de animación que es un regalo para los sentidos especialmente si eres fan de Van Gogh, ya que vas a vivir durante 80 minutos dentro de sus cuadros. Para lograrlo se pintaron al oleo 56.800 fotogramas por una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh. A la maravilla visual le acompaña una triste e interesante historia que indaga, en forma de thriller, en el suicidio del pintor. Maravillosa.


6- LO QUE ESCONDE SILVER LAKE (Under the Silver Lake), 2018
Director: David Robert Mitchell
País: EEUU

Estimulante y a ratos desconcertante película del nuevo enfant terrible del cine americano, David Robert Mitchell (director de la sobrevalorada It Follows), Under the Silver Lake es una especie de búsqueda del tesoro que en su onírico deambular, mezcla Hitchcock, Paul Auster, Donnie Darko y hasta Lynch en un LA rebosante de cultura pop para hablarnos de la generación perdida de siempre. Quiere ser lo más cool hecho nunca. Y a ratos lo consigue.


5-QUIÉN TE CANTARÁ (Quién te cantará), 2018
Director: Carlos Vermut
País: España

Tercer largometraje de Carlos Vermut y tercera vez que nos enfrentamos a su personal universo, a medio camino entre lo sensual, lo terrorífico y lo freak. Y una vez más se acompaña de unas actrices inconmensurables. Eva LLorach está sublime, y Najwa Nimri es una diosa. Y por si falta poco canta Amaral. Magnética a más no poder, Quién te cantará trata de identidades y verdades ocultas, de traumas que duran una vida y de renacimientos inesperados. Y con el mar, siempre vigilante, siempre amenazante...


4-HEREDITARY (Hereditary), 2018
Director: Ari Aster
País: EEUU

En una año muy marcado por los éxitos del cine fantástico, una película de terror se lleva merecidamente un lugar en mi top-5, se trata de Hereditary, la ópera prima de Ari Aster que sorprendió a propios y extraños con una estimulante película de las que producen amor u odio instantáneo. Terror en estado puro, sin sustos gratuitos, que se cuece a fuego lento y que admite múltiples lecturas. El chasquido de la niña protagonista ya está en nuestras peores pesadillas. Por fin un blockbuster de terror a la altura.


3- ROMA (Roma), 2018
Director: Alfonso Cuarón
País: México

La gran sensación cinematográfica del año, la película de trama intimista rodada como Apocalypse Now, la mejor película según muchos, del año, de la década, de la historia del cine. De todo se ha oído. Y la verdad es que Cuarón quiere hacer una película enorme. Si le saliese mal haría el ridículo. Pero no. Es bueno. Y emociona, incomoda, recrea una época y un lugar con sus barridos de cámara y su hermoso blanco y negro. Un microcosmos del que es difícil escapar, pese a los aviones que lo sobrevuelan. Maravillosa.


2- EL HILO INVISIBLE (Phantom Thread), 2017
Director: Paul Thomas Anderson
País: EEUU

Mi reconciliación con Paul Thomas Anderson, tras algunas películas suyas con las que no conecté, viene con El hilo invisible. Una maravilla estética, cargada de delicadeza, sutileza, belleza y una muy imprevisible historia de amor y soledad, de delirio y poder, de dependencia, de miserias, de odios, de darlo todo o nada y morir en el intento. Con un Daniel Day-Lewis estratosférico, cada secuencia es oro, cada movimiento de cámara una pequeña maravilla, cada mirada un mundo. Superlativamente estimulante.


1- BURNING (Buh-ning), 2018
Director: Lee Chang-dong
País: Corea del Sur

El enorme director coreano regresa al cine tras su periplo político con la que quizás sea su película más accesible, pero con tantas capas que uno puede pasarse horas y horas pensándola. Basada en un relato de Murakami, Burning es como un Hitchcock seco y cargado de crítica social. Cada secuencia es perfecta y necesaria. Cada frase es un misterio sin resolver, cada certeza es incertidumbre al rato. Con la escena más maravillosa en años, Burning es estremecedora, sublime, de una galaxia superior. Top-5 de la década, seguro.


Feliz año 2019 a todos. Que el cine nos acompañe y nos ayude.

domingo, 1 de julio de 2018

13 PELÍCULAS ENORMES QUE HE VISTO EN SITGES Y SE CONOCEN POCO




Soseiji (Gemini)

Joya del cineasta japonés Shinya Tsukamoto, quizás cuando estaba en su mejor momento de forma y usaba la herencia cyberpunk de su Tetsuo, para inquietarnos con historias nada convencionales pero mucho más digeribles que aquélla. Compleja, adictiva, extraña, nerviosa pero sobre todo muy fascinante, Soseiji nos mete en el mundo de los dobles y los hermanos gemelos vengativos para mostrar la dualidad de las personas con el exceso y la paranoia habitual en el director japonés. Un pequeño tesoro escondido, no apto para todos los paladares.




No such thing

El año que vi en Sitges Mulholland Drive no dejó demasiados títulos interesantes que no hayan sido luego reconocidos o debatidos, así que me inclino por rescatar esta película de Hal Hartley porque fue especialmente vapuleada y a mí no solo me pareció rescatable sino notable. Con un ritmo lento, parsimonioso y una narración llena de pesimismo pero también de inusual poesía, la cinta nos habla de la relación entre un ser monstruoso y una hermosa Sarah Polley, dotando a la narración de transcendentalismo, filofosofía y tristeza. Muchos no la soportarán, obvio, pero algunos vemos en ello una delicadeza muy especial, casi etérea. A descubrir. 



Soft for digging

Menudo año el 2002. Películas como Ichi the killer de Miike, Dolls de Kitano, Irreversible de Noé o Spider de Cronenberg me maravillaron en Sitges. Pero si alguna cinta me sorprendió y casi nadie conoce es Soft for Digging, la ópera prima del realizador J.T. Petty, que luego ha hecho cintas más comerciales pero jamás tan inquietantes. Casi sin diálogos (no os preocupéis por la falta de subtítulos), de poco más de una hora y con una realización algo amateur, tras un inicio algo repetitivo, la película nos sumerge en un sueño onírico terrorífico del que cuando queramos desprendernos ya será demasiado tarde. Cinta de terror de autor que arriesga y donde el bosque es sin duda un personaje más. Puede que el más inquietante. Como siempre no es apta para todos los gustos. Si no vaya gracia...

Fear X

Pues ahora con el aura que está tomando su genial director Nicolas Winding Refn (que como sabéis este año trae a Sitges Only God forgives), quizás ya no es tan desconocida, pero hasta hace muy poco era de los pocos que clamaba en el desierto por reivindicar esta película que protagoniza un fantástico John Turturro, que va sobre la ansiedad, la culpa, la venganza, el dolor, la depresión y que nos sumerge, en uno de los más brillantes homenajes al maestro Lynch, en mundos oníricos que se mezclan con los reales, pasillos rojos y ascensores, todo ello aliñado de desenfoques que se introducen en mentes, subconscientes, el infinito y más allá. Un joyón.


One point 0

De este año podría sacar varias películas que me gustaron y que no han sido demasiado reconocidas como la cinta de animación Strings, Birth o Marebito. También es el año que vi Old Boy, pero pero éso es otra historia.  One point 0 es una película oscura e inquietante que nos hace seguir los pasos de un informático que trabaja obsesivamente para una compañía de la que no se nos da demasiada información y que empieza a perder los nervios cuando comienza a recibir por correo paquetes vacíos. A su estado anímico no ayuda la extraña comunidad en la que vive, con unos vecinos sórdidos y extraños, especialmente inspirados están dos actores ya de por sí inquietantes, Udo Kier y Deborah Kara Unger, ni su obsesión por el trabajo y por las posibles conspiraciones sobre él. Paranoica visión de un microcosmos aislado por la tecnología y la inevitable soledad, que puede funcionar como metáfora de una sociedad enferma y enfermiza, One point 0 es una obra tan extraña como reivindicable, tan lúgubre, oscura e incomprensible, como lúcida y visionaria.

Ab-Normal beauty

Los hermanos Pang realizaron algunas cintas de terror muy reseñables en los inicios de la década pasada. La más conocida y seguramente la mejor es la terrorífica The eye, con una primera mitad que creo se encuentra entre lo mejor del cine de terror contemporáneo. Sin embargo, a menudo su potente estilo visual se ve empañado por guiones mediocres o abiertamente malos. No ocurría ésto con la cinta Ab-normal beauty, un par de años posterior a The eye. Es una cinta de terror malsana, morbosa, que juega con la muerte y que consigue producir un mal rollo considerable. Excelentemente rodada, bien interpretada y muy insana, su efecto de pesadilla traspasa la pantalla y se adueña de un espectador indefenso, que no quiere mirar...pero que no puede apartar su mirada de la película.


Exiled

Exiled es quizás hasta la fecha la mejor película de Johnnie To. En ella, dos asesinos a sueldo, llegados a Macau para ejecutar a un colega que pretende empezar una nueva vida, se enfrentarán a un dilema cuando otros dos antiguos socios intenten trastocar su misión. Abierta la negociación, aparecerá un quinto asesino que pondrá en peligro la incipiente tregua. Secuela de The Mission (1999), lo que allí era la observación de los tiempos muertos de una banda de asesinos antes de actuar, se transforma aquí en acción pura y dura. Con unas coreografías de acción muy trabajadas, un poético uso de la cámara lenta y una historia sobre la amistad, la lealtad y sus límites, Johnnie To nos impacta con unas imágenes que no dan tregua al espectador, que lo fascinan, que lo vacilan y hace de esta sublime película de acción una pequeña obra de arte.


Nocturna

Tim tiene miedo a la noche, a la oscuridad. Pero una aventura que no le tocaba vivir le va a hacer descubrir de forma mágica a todos los personajes que se esconden tras la noche y que van a velar para que todo funcione a la perfección. Nocturna es una película española de animación no solo muy superior al resto de películas de animación nacionales por mucho, sino incluso muy superior a muchas producciones americanas
que arrasan en taquilla. Es una película pequeñita, poética, imaginativa, dibujada con un trazo lleno de curvas y espirales exquisito, repleta de personajes entrañables y muy recomendable para los niños. Divertida y entrañable de principio a fin. Ese año había más cintas muy reivindicables y menos conocidas, pero amo a Nocturna. Que se sepa.


The sky crawlers

Ya sé que muchos me diréis, pero hombre, esta película es muy conocida, incluso se estrenó. Lo sé, Nocturna también lo es. Pero el título del post dice que las películas han pasado DEMASIADO desapercibidas, no desapercibidas. Y ésta lo pasó, ya que debió figurar en todas las listas como de lo mejor del año pues es una película excelente del, hoy en horas bajas, pero brutal director Mamoru Oshii.
En The sky crawlers, Oshii traza un triste retrato de animación futurista, donde las guerras no existen, aunque se mantienen como espectáculo, como deporte, podríamos decir. La película se detiene en la vida de los "especiales" niños que protagonizan estas guerras, y lo hace retratando sus tiempos de espera entre batalla y batalla, sus dudas, su melancolía, su falta de motivación y de esperanza. Con una animación espectacular en las escenas de acción aérea y de languidez mate en el resto de secuencias, el director nipón nos brinda una película que como es habitual en él, se acerca a la filosofía, a la esencia misma del desencanto y nos muestra la paulatina evanescencia de los sentimientos en las vidas que retrata. Una obra mayor y bellamente triste.

Nymph

En este blog hemos hecho apología del director tailandés Pen-ek Ratanaruang, pero es un director todavía muy desconocido entre el público, incluso el cinéfilo. Su cine no es fácil y la película citada es quizás la más extraña de su extraña filmografía, con universos que lo acercan a su compatriota Weerasethakul. Así que no es para todos los gustos, pero a mí me parece una película deliciosa.
Nymph nos narra la llegada de un fotógrafo y su mujer a un bosque, marcado por la magia, marcado por el pasado, donde él debe hacer un reportaje fotográfico y ella tan solo le acompaña. Marcados por una relación muy deteriorada, el fotógrafo cada vez se sentirá más cercano a la naturaleza que le ofrece la selva que a las personas. La película es extremamente contemplativa, levemente inquietante y está rodada con una cámara que parece mecerse entre los árboles para balancearnos con imágenes que nos hiptotizan, que nos fascinan, mucho más allá de su tenue argumento. La sensualidad de la naturaleza, no tiene nada que envidiarle a la etérea y al mismo tiempo carnal sensualidad que desprende su bella protagonista, la actriz Wanida Termthanaporn. Fascinante.

Somos lo que hay

De hecho el 2010 fue el año de Catfish, pero como con su inclusión en la SO de Cine-On di por acabada mi larga y concienzuda reivindicación de aquel film, me permito reivindicar otra cinta muy interesante, que además estará en la edición de este año de nuevo en boca de todos, ya que en Sitges 2013 se presenta el remake americano de la misma.
Somos lo que hay es una cinta mexicana, más cercana a algunos melodramas de Ripstein que al género fantástico, nos muestra a una familia muy "especial" de una forma cruda, sucia, con una narración que domina el lenguaje de las "elipsis" y que resulta una propuesta salvaje (no tanto en imágenes como en contenidos) que nos muestra un México brutal, amoral y malsano que logra trasmitir la historia y sensaciones que se proponía. Un film que a veces se tiñe de un humor negrísimo y que se disfruta bastante, pero gana con la reflexión tras su visionado.

Scabbard Samurai

Pese a que los seguidores de este blog recordaréis que la pusimos en el Festival Pirata de cine asiático de hace dos años donde además ganó varios premios, seguro que estáis de acuerdo conmigo en que la cinta es relativamente desconocida, sobre todo si no participasteis en aquel festival. Ello unido a que los mejores títulos de aquel año en Sitges (Drive, The turin horse, Melancholia) son de sobras conocidos por todos, pues volvemos a la cinta japonesa más hilarante y de humor más marciano de los últimos años.
Dirigida por Hitoshi Matsumoto, un inclasificable cómico y director de cine, que habitualmente rompe y revienta y reinventa géneros, es aquí algo más tradicional, dentro de lo que cabe. Realiza una comedia que bebe tanto de programas del estilo "Humor amarillo" como del hieratismo de Buster Keaton y que resulta totalmente delirante y surrealista. Con los 20 primeros minutos más divertidos que he visto en mucho, pero que mucho tiempo, la película está luego repleta de magia, gags varios, mucho encanto y algún altibajo y final polémico. A descubrir si no lo has hecho.

Wolf children

Ya que por motivos ajenos a nuestra organización, no pudimos incluirla en el reciente Cine-On, una vez confirmada y teniendo en cuenta, que de momento ni se ha estrenado ni creo que lo haga, permitidme acabar esta tanda de cintas con Wolf Children, una pequeña delicia.
Wolf Children está dirigida por el cada vez mejor Mamoru Hosoda (quizás una de las grandes esperanzas del anime post Kon y Miyazaki junto a Shinkai) La película es muy brillante y solo en su contra se me ocurre decir que de haber acortado unos veinte minutos  a las dos horas de su duración, sin duda hubiese salido ganando. La historia de esta familia de hombres lobo es imaginativa, llena de matices, de detalles, con una animación clásica muy encantadora, sutil, hermosa, triste, mágica, tierna y de visonado más que agradable. Con los obvios puntos en común con Miyazaki (como recuerda la casa de campo a la de Totoro) la película se desmarca del maestro para evolucionar y trazar una fábula sobre el propio yo, más allá de nuestra naturaleza y nuestros orígenes. Un film hermoso que de no haber visto, deberíais repescar.



miércoles, 13 de junio de 2018

Mis apuntes sobre Kiyoshi Kurosawa


El director japonés Kiyoshi Kurosawa lo descubrí, como tantos otros, en el propio festival de Sitges hace algunos años. Además solía entrar en muchas listas de cine de terror de la pasada década (sobre todo de terror oriental) con su aclamada Kairo, así que pronto me vi tanto en el festival como en casa algunas de sus obras. Es un director muy especial, no apto para todos los gustos, que suele realizar películas de terror muy lentas y con un gran componente dramático o dramas en que en algunos casos aflora un componente fantástico. Sea como fuere su estilo parsimonioso, su capacidad para provocar tensión casi de la cotidianeidad (un poco como Ti West pero en japo) y su capacidad para escribir y filmar relatos fronterizos genéricamente hablando le ha dotado de un número considerable de seguidores, sobre todo en el panorama festivalero.  Yo confieso que prefiero de mucho el Kurosawa que rueda terror, me parece mucho más auténtico, así que pese a que el trailer da un poco de miedo (del malo, me refiero), sin duda este director irregular, sí, pero a veces fascinante que se coló en mi reciente top-60 de directores en activo,  :



Hasta ahora había visto bastantes películas de Kiyoshi Kurosawa pero dada su extensa filmografía, muchas menos de la mitad. Mi orden de las que había visto hasta ahora sería el siguiente:

1- Retribution, creo que una obra maestra del terror paranoico, onírica, lynchniana y aterradora. Me fascina.

2- Seance, una apuesta muy personal. Tv-movie de gran factura con todo ese terror de la cotidianeidad que tanto me gusta del japonés. A descubrir.

3- Kairo, quizás la cinta más mítica suya y sin duda la que le dio a conocer en Occidente para la mayoría. Irregular pero a ratos fascinante y mezcla, con su estilo, terror, soledad y filosofía, que no es poco.

4- Tokyo Sonata, su drama más reconocido y último largometraje hasta la fecha, sin duda es una buena película pero su rasgo distintivo como director de fantástico es aquí casi invisible y se acerca a otras cintas niponas similares.

5-Loft, una película rajada sin compasión por casi todo el mundo. Tiene un final malo de traca, lo reconozco, pero hasta entonces tiene lo que más me gusta de Kurosawa, ese terror minimalista y casi insustancial que viene de lo cotidiano, más de nuestros miedos que de lo que ocurre. Y ese ritmo tranquilo fascinante.

6- Cure, este thriller bastante primerizo en su filmografía tiene muy buena crítica habitualmente, pero a mí me recargó un poco en su guión loco y desmesurado. De todas formas, recomendable. 

7- House of bugs, la única película suya que hasta ahora  había suspendido. Una tv-movie torpe y sin gracia en que su estilo contemplativo, al no estar cargado de talento, pasa a ser directamente aburrido.

Al encarar este previo Sitges y decidir lo que quería recuperar de su filmografía, un visionado lo tenía muy claro, su última obra, una miniserie de cinco capítulos y más de cinco horas de duración que se pasó enterita y seguida en el pasado festival de San Sebastián. Su título Shokuzai (Penance). Ya que veía la última obra del realizador y dado que la primera suya que había visto era Cure, su quinta película, ¿por qué no la primera?, así que también apunté a la lista de visionados Kandagawa wars. Y para finalizar quería acercarme a alguna de sus películas más reconocidas que hasta ahora no había podido ver. La elegida: Brigh future.

El resultado, muy irregular, paso a detallarlo a continuación con especial atención a lo que realmente quería ver y de lo que menos se ha hablado, su serie Shokuzai (Penance).


Poco me voy a detener con Kandagawa Wars. Todos tenemos nuestros orígenes pero está claro que, en algunos casos, sería mejor obviarlos. La primera cinta de Kiyoshi Kurosawa, de una hora escasa, de factura muy amateur, no solo no tiene nada que ver con su posterior obra cinematográfica, ni en factura, ni en intenciones, si no que además es terriblemente mala. Patética diría. Una especie de comedia absurda con fuerte carga erótica, muy exploit, sin gracia y lo que es peor, sin ni tan solo morbo. Un despropósito que no hacía augurar nada bueno en la carrera del director japonés. Por suerte evolucionaría. Y mucho.






Lo decía en el previo. Reconozco que donde realmente me fascina Kurosawa es en sus cintas de terror atmosféricas, minimalistas, que se toman su tiempo y que se acercan al drama, fusionando ambos géneros. Cuando el director japonés se lanza abiertamente al drama, ni que sea con un componente fantástico como en Bright Future que nos compete, en mi humilde opinión pierde el rasgo distintivo y pasa a parecerse a otros directores asiáticos que tratan la soledad desde posiciones minimalistas, contemplativas y algo apáticas. En Bright future, la historia de dos chicos que se aman y que se enfrentan a un destino  a que su estupidez les ha llevado, se eleva a veces con los momentos oníricos de las medusas o con alguna verdad absoluta entre uno de ellos y el padre del otro, pero, la verdad, es que me provoca cierta indiferencia en la mayor parte de su metraje. Quizás fuese el día...

Y vamos con el que era el último trabajo hasta la fecha de Kiyoshi Kurosawa, Shokuzai (Penance), traducido aquí como "Expiación". Primero de todo quiero decir que la serie, de cinco horas, es muy irregular y que en algún momento he dudado si otorgarle esta cuarta estrella, pero tras algunos minutos de reflexión creo rotundamente que la merece. Nos encontramos ante un thriller presentado en cinco partes con una fuerte carga dramática. De hecho me atrevería a decir que en la mayor parte de su duración es un drama con leit motiv de thriller y que solo en algunos instantes, como en el tramo final, el thriller toma la preferencia genérica.
El principal problema de Shokuzai es que su primera media hora es probablemente lo mejor de la serie, con el handicap que ello presupone. El asesinato a una niña, el silencio de las compañeras que han podido ver al asesino, una madre desesperada y vengativa y un salto en el tiempo, quince años después, para seguir a una de las testigos, en su extraña y caótica vida, en que no ha podido olvidar el crimen del pasado ni su silencio. En este primer episodio, sobre todo en la primera mitad encontramos alguno de los rasgos distintivos de Kiyoshi Kurosawa que más me apasionan: instantes de terror cotidiano, terror que viene más por nuestros propios miedos que por lo que la película muestra, ritmo muy lento que nos va descubriendo a los personajes, cierto onirismo, soledad sin solución, tristeza existencial...
Pero el tramo final de este primer episodio se hace algo repetitivo. Y lo peor es que en el segundo y tercer episodio, en que la historia sigue a otras de las niñas que fueron testimonio del asesinato, de nuevo quince años después, parecen un poco de relleno y son sin lugar a dudas lo más flojo de la serie. Pero claro, dos capítulos flojos no son pocos de cinco. Por suerte en la cuarta la historia emerge de nuevo y en el quinto no solo vuelve a subir aún más el nivel si no que además vuelve a cambiar de género acercándose a este cine asiático (normalmente coreano, pero no olvidemos por ejemplo Confessions) de venganzas rebuscadas e hiperbólicas que tanto suelen gustarnos.
El resultado final, visto su conjunto, es realmente notable, pese a esa irregularidad que desprende el conjunto. 


miércoles, 23 de mayo de 2018

Filmografía de Eduardo Sánchez: El hombre que pasó desapercibido tras co-dirigir The Blair witch Project

Tras tanto post serio y grandilocuente y extenso, vamos a irnos por el lado del terror y del cine menos conocido y menos actual en el modesto post de hoy. Vamos a hablar de uno de los dos directores de una de las películas más influyentes del cine de terror moderno: El proyecto de la bruja de Blair. En concreto de Eduardo Sánchez, co-autor de la película aludida y de tres largometrajes posteriores que han pasado bastante desapercibidos para el gran público y de forma no del todo justa.
Seamos claros. El cine de Eduardo Sánchez no es genial. Su irregularidad, incluso dentro de una misma película es obvia. Su condena a lidiar con bajos presupuestos tras su ópera prima tampoco le ayuda en exceso. Pero justo por este motivo, considero que Eduardo Sánchez suele salirse por encima de la media en los resultados globales de sus películas y que solventa con cierta artesanía y buen hacer buena parte de su obra, donde otros con sus nimios presupuestos caerían en el más profundo ridículo. Es lo que se llama ciertas dosis de talento. Pero hagamos un breve repaso a sus cuatro películas:

El proyecto de la bruja de Blair, amada y odiada por el público, es una de las películas más influyentes (para bien o para mal) del cine de terror de los últimos 25 años. Creo que esta afirmación es sin duda indiscutible. Luego cada uno ofrecerá su valoración. La mía es que es una de las mejores películas de terror de los últimos 25 años y que debería figurar sin ninguna duda en una antología de las mejores películas de la historia del cine de terror. Porque más allá de su acertado marketing, la película co-dirigida por Eduardo Sánchez y Daniel Myrick es un tratado del terror puro, visceral. De aquel que sentimos de forma abstracta basándonos en ciertos referentes culturales o populares que sin quererlo nos acechan. La bruja del título es solo uno de los temores de los personajes perdidos en el bosque. Porque en realidad el terror es a la oscuridad, a la soledad, a lo desconocido, a nuestra propia capacidad de generar terror de lo abstracto. La cinta, rodada con un presupuesto ínfimo y con actores no profesionales y con la cámara en mano logra unos resultados espectaculares, con momentos de terror puro como pocas veces se han mostrado en una pantalla de cine y un final ejemplar que muchos han copiado sin exhibir tanto talento. El cine de terror mockumentary o found footage alcanzaba una cumbre que decenas de películas después no ha sido ni superado, ni igualado, ni tan solo nadie se ha acercado de ninguna manera. Una auténtica maravilla vilipendiada por muchos y amada por otros. Historia del cine de terror hace muchos años. Por algo será.

Tras esta película y tras un mediometraje para explotar el filón de la bruja por televisión, ambos directores se separan e inician desiguales y bastante fracasadas carreras en solitario. La segunda cinta dirigida por Eduardo Sánchez es Altered. Y pese a ciertas irregularidades y un final bastante triste no está nada mal. Es otra película con cuatro personajes y casi una sola localización en su mayor parte de metraje que saca unos resultados muy destacables de una premisa a priori ya tratada hasta la extenuidad en el cine de terror. Pero la dirección de Sánchez hace de esta película de extraterrestre atrapado que tras ser encerrado en una casa buscará venganza nos recuerde a veces a La cosa de Carpenter, otras a cintas del estilo putrefacto de Cabin Fever, la ópera prima de Eli Roth y solo a veces nos recuerde un cierto cine de tono casposo no del todo acertado. La valoración final es más que positiva y la tensión que el director logra crear de las relaciones personales en un momento de tensión y miedo extremo en un espacio cerrado no están al alcance de todos los pulsos.

Su tercera película quizás es su cinta más floja, pese a un inicio más que prometedor. Quizás porque de alguna manera el director intenta triunfar haciendo ciertas concesiones en su guión y el tiro le sale por la culata. Estamos hablando de Seventh Moon que tiene un arranque muy prometedor de terror minimalista y auténtico muy en la linea de la ópera prima del realizador o del Ti West más inspirado pero pronto se desmorona. Lo que el director tenía por contar, la idea inicial, termina pronto. Y claro hay que llenar el metraje. Esto es un largo. Así que la historia se alarga sin justificación, se repite, aburre y pierde fuerza hasta llegar a un final pésimo, efectista, con un guión que hace aguas y que termina por lastrar el vago recuerdo que quedaba de su esperanzador inicio. Muy flojita. 

Sin embargo, su última cinta, Lovelly Moly es quizas su mejor película desde aquella lejana ópera prima del 1999.  Y es que Eduardo Sánchez la acierta con esta nueva vuelta de tuerca en el tema de posesiones. Una chica recién casada se traslada a su casa familiar que llevaba años abandonada. Pero algo del oscuro pasado de su infancia parece escondido en la casa, en forma de ente y está dispuesto a volver a atemorizarla. Obsesionada, temerosa, la adorable Molly del título empezará a degenerar física y emocionalmente hacia un estado de trastorno. Con secuencias muy logradas de terror paranormal, con explicaciones y conclusiones ambiguas e incluso con una ciertas intenciones que trascienden en mucho el mero género de terror la película es algo irregular, cierto, pero muy reivindicable.