Programación Festival Cinema d'autor Barcelona (1)

De un tiempo acá, los lectores de este blog, ya habréis visto que venimos hablando de este festival que va a celebrar su primera edición este año (del 29 de abril al 8 de mayo) en Barcelona. Pese a ser de alguna manera el sustituto de un festival al que teníamos tanto cariño como el BAFF y pese a que añoramos y añoraremos (ojalá alguien pusiera remedio) al festival asiático, la verdad es que el Festival Internacional de Cinema d'autor de Barcelona empieza con muy buenas propuestas y creo yo, va a tener la virtud de afiazanse y crecer y dar a la ciudad el festival que merece y que no terminaba de conseguir. En otra ocasión, quizás cuando el festival cumpla su segunda edición, hablaré de lo que yo consideraría un festival de verdad, que nos diese prestigio internacional. Por ahora voy a detallar las películas que componen el festival. Para las sinopsis, ya que las de la página oficial del festival son tan extensas, me voy a limitar a copiarlas. Su página web en que podréis encontar toda la información y horarios es: http://www.cinemadautor.cat/ adjuntaré los trailers, en las películas que ya dispongan de él.

El Festival cuenta con 5 secciones. Pero antes de entrar en ellas, hablemos de la inauguración, la clausura y una impresionante sesión especial. Luego, en este primer post hablaremos de la seccion más importante, titulada "direccions". Las otras 4 secciones, en una segunda parte la semana que viene.

INAUGURACIÓN

Pequeñas mentiras sin importancia (Les petits mouchoirs)

Francia, 2010. 35 mm, 154 min.


Director
Guillaume Canet.

Guión
Guillaume Canet.

Intérpretes
François Cluzet, Marion Cotillard, Benoît Magimel, Gilles Lellouche, Jean Dujardin.

Sinopsis
El tercer largometraje como director del conocido actor francés Guillaume Canet reúne a un impresionante reparto encabezado por la ganadora del Oscar, Marion Cotillard, y completado por François Cluzet y Benoît Magimel, en un drama intimista y pausado que bascula sin prejuicios entre las risas y las lágrimas. Un grupo de treintañeros decide seguir adelante con su plan anual de inaugurar el verano en una casa en la playa, a pesar de que uno de sus amigos se debate entre la vida y la muerte. Poco a poco, el sentimiento de culpa y las pequeñas mentiras con las que cada uno de ellos esconde sus secretos, desvelan una realidad distinta en la que se hallan en juego la sinceridad, el compromiso y la incapacidad de olvidar los pequeños dramas personales entre amigos que no se escuchan. Una historia con ecos universales en los retratos de los personajes, que parece en cierta manera una actualización de Reencuentro de Lawrence Kasdan o una película rodada entre amigos a lo Cassavettes.

GUILLAUME CANET
Nace en 1973 en Francia. Debutó como actor en 1994 y desde entonces ha construido una carrera que incluye títulos como Los que me quieran cogerán el tren (Patrice Chéreau), La playa (Danny Boyle) o Juntos, nada más (Claude Berri). Debutó como director en 1996 con el cortometraje Sans regrets y desde entonces ha dirigido siete obras, entre cortometrajes y largos. En 2007 ganó el César a la mejor dirección por Ne le dis à personne.



CLAUSURA

O estranho caso de Angelica

Portugal, 2010. 35 mm, 97 min.


Director
Manoel de Oliveira.

Guión
Manoel de Oliveira.

Intérpretes
Pilar López de Ayala, Filipe Vargas, Ricardo Trêpa.

Sinopsis
Penúltimo largometraje del incombustible Manoel de Oliveira, que esta vez se divierte con una película de fantasmas en la que un fotógrafo emprende un viaje alucinado después de retratar a la hija muerta de los propietarios de un hotel. Sin caer en la nostalgia del que se sabe cercano a la visita de la parca, el director portugués nos invita a un viaje mágico en el que la realidad y la ficción se funden para darnos a entender que la vida y la muerte forman parte de un mismo continuo. Contada con la sonrisa perpetua en los labios, la aventura de Isaac mantiene el encanto y la frescura del cine de la época silente, pero no su característica ingenuidad: de Oliveira, como el mismísimo Diablo, sabe más por viejo que por diablo y, cómo él, se divierte, manejando como un titiritero al desdichado fotógrafo. En definitiva, una muestra más de que el portugués sigue en la flor de la vida.

MANOEL DE OLIVEIRA
57 títulos condensan el trabajo del mayor (en edad) director del cine contemporáneo: nada menos que 102 años nos contemplan desde los ojos traviesos del que, año tras año, nos confirma que no hay realizador más desprejuiciado y libre que este ilustre portugués. De Oliveira ha insistido en contarnos su visión del mundo mediante un cine en el que cada plano cuenta, con una economía de medios y una eficiencia narrativa que le han permitido ahondar en el alma humana con una clarividencia y una contundencia todavía sin herederos.





SESIÓN ESPECIAL 3D

Cave of forgotten dreams

EE UU., Francia, 2010. 3D, 90 min.


Director
Werner Herzog.

Guión
Werner Herzog.

Sinopsis
El cine de Herzog es diferente y esta película no es una excepción. Al principio del filme la omnipresente voz de Herzog narra cómo se ha gestado la idea de la película y nos sitúa en contexto: en 1994 unos espeleólogos descubrieron en la cueva de Chauvet las pinturas rupestres más antiguas conocidas hasta la fecha, 30.000 años ocultas bajo la roca. Durante quince años científicos especializados han analizado hasta el más diminuto recoveco de la cueva, cuyo acceso estuvo cerrado a cualquier persona no autorizada hasta que en el año 2009 el Ministerio de Cultura encarga a Werner Herzog inmortalizar el interior de la gruta usando la tecnología 3D. A pesar del reto que supone rodar en esta tecnología dentro de un espacio tan reducido, el filme logra transmitir toda la belleza y espectacularidad de la cueva, transportando al espectador a través de las estalactitas y las pinturas al corazón de esta obra magna de la humanidad. Herzog, con su habilidad para perfilar trazados narrativos más allá del relato convencional, consigue hacer lo mismo que Kubrick hizo con el famoso vuelo del hueso en 2001: Una odisea en el espacio: una elipsis de 30.000 años en un fragmento. Adentrarse en la cueva de los sueños olvidados ayuda a entender que los humanos no nos distinguimos demasiado los unos de los otros, a pesar del tiempo como en el espacio.


WERNER HERZOG
Nació en Múnich, pero pasó toda su infancia en un pueblo de las montañas de Baviera. Creció sin radio ni cine, en pleno contacto con la naturaleza. De formación autodidacta, a los 19 años dirigió su primer filme y desde entonces ha llevado a cabo una carrera singular, que ha combinado la dirección de largometrajes, documentales, dirección de ópera, actuación y redacción de guiones. Ha ganado numerosos premios, como el Gran Premio Especial del Jurado en Cannes por El enigma de Kaspar Hauser (1974), o el de mejor director en ese mismo festival por Fitzcarraldo (1982).
 


Empecemos con las 5 secciones del festival.


DIRECCIONS
El buque insignia del Festival de Cinema d'Autor de Barcelona es un espacio destinado a descubrir y exhibir la obra de autores con una corta filmografía pero que están llamados a ocupar un lugar importante en años venideros, si no lo están ocupando ya. Cine de múltiples géneros y diversas nacionalidades, en las que no falta el cine indie norteamericano, el pujante nuevo cine latinoamericano, nuevos autores de cinematografías poco transitadas como la canadiense o la finlandesa, directores de renombre y noveles que buscan nuevas sensaciones.

Bad Family

Finlandia, 2010. 35 mm, 95 min.


Director
Alexi Salmenperä.

Guión
Alexi Salmenperä.

Intérpretes
Ville Virtanen, Pihla Viitala, Lauri Tilkanen.

Sinopsis
"De los productores de Aki Kaurismäki". Podríamos empezar así a hablar de una de las últimas sorpresas del cine finlandés, si no fuera porque sí está producida por Kaurismäki. Aleksi Salmenperä dirige su tercer largometraje cruzando la comedia negra y el drama, con altas dosis de humor negro a costa de las desgracias del prójimo. Un padre superprotector que tiene un cargo social importante; unos hijos educados en el post-divorcio; una nueva esposa que aparece para suplantar a otra; la sospecha de incesto; una ex-mujer que mantiene la custodia de la hija... Una muerte y un reencuentro al cabo de los años. Y el lío está servido. Presentada en la Berlinale del año pasado, una película que va del psicodrama al más puro psycho, family cinema en la acepción más radical del término. Una muestra más del saber hacer de los autores que vienen del frío.

ALEXI SALMENPERÄ
Nacido en 1973, es uno de los directores finlandeses más aclamados y reconocidos. Además de haber sido galardonado por largos como A Man's Job (2007) y Producing Adults (2004) -las dos fueron seleccionadas para representar a Finlandia en los Oscar-, su carrera también incluye series de televisión.

Cold weather
 EE UU., 2010. Digibeta, 96 min.


Director
Aaron Katz.

Guión
Aaron Katz.

Intérpretes
Cris Lankenau, Trieste Kelly Dunn, Raúl Castillo, Robyn Rikoon.

Sinopsis
Doug vuelve a Portland después de dejar los estudios de ciencias forenses para terminar trabajando como eventual. Su vida es simple y transcurre entre su adoración por las novelas de Sherlock Holmes y los tiempos muertos, sin demasiado que hacer. Hasta que reaparece su ex novia para después desaparecer en extrañas circunstancias. Contada como si de una clásica historia de detectives en clave novela pulp se tratara, Cold Weather es también una historia de colegas contemporánea, una “comedia de diálogos”. Aaron Katz cruza las constantes de distintos géneros en una película muy personal y elaborada (sobre todo teniendo en cuenta las características del movimiento mumblecore al que ha sido inscrito). Filmada con la novísima cámara RED, la película se convierte en una rara avis del nuevo cine norteamericano. Un ejercicio sorprendente y con voluntad autoral, una película fresca y desenfadada que descolocará a más de uno.

AARON KATZ
Aaron Katz se ha convertido en uno de los últimos reclamos del fenómeno mumblecore, cuyos principales abanderados son Andrew Bujalski y Joe Swanberg. Surgido del festival de moda en Estados Unidos (South by Southwest o SXSW, de Austin), Katz empezó dentro de las coordenadas de amateurismo, naturalismo y espontaneidad tan queridas por los nuevos realizadores norteamericanos, para brindarnos en su tercer largo de ficción una película mucho más sofisticada artísticamente.

El hombre de al lado


Argentina, 2009. 35 mm, 103 min.


Director
Mariano Cohn i Gastón Duprat.

Guión
Andrés Duprat.

Intérpretes
Daniel Aráoz, Rafael Spregelburd.

Sinopsis
El hombre de al lado narra un conflicto entre vecinos que parece no tener fin. Una simple pared medianera puede dividir dos mundos, dos maneras de vestir, de comer, de vivir. La mirada del extraño corroe y pone en entredicho una vida aparentemente normal, y abre la puerta a los miedos, a las miserias y a las actitudes más viles cuando un vecino decide abrir una nueva ventana que estropeará la estupenda fachada de una obra de Le Corbusier (auténtica, la única que el arquitecto levantó en Sudamérica). Una comedia negra que usa una excusa aparentemente nimia para convertir una pared en una lucha de poder y de clases. Una de las películas argentinas más premiadas del año que ha conseguido galardones en Mar de Plata, Toulouse, el de fotografía en Sundance y el premio a la mejor dirección y mejores actores en la Mostra de Cinema Llatinoamericà de Lleida.

MARIANO COHN/GASTÓN DUPRAT
Nacieron en Buenos Aires en 1975 y desde que empezaron a colaborar en la creación de un programa de televisión, han trabajado conjuntamente y dirigido tres largometrajes. También fundaron y dirigieron el canal de Buenos Aires, Ciudad Abierta. En el terreno del vídeo experimental han realizado más de una veintena de obras premiadas en distintos certámenes. El hombre de al lado, que ha sido presentada en diversos festivales de todo el mundo, es su tercer trabajo conjunto.

Jo for Jonathan

Canadá , 2010. 35 mm, 81 min.


Director
Maxime Giroux.

Guión
Maxime Giroux, Alexandre Laferrière.

Intérpretes
Jean-Sébastien Courchesne, Raphaël Lacaille, Jean-Alexandre Létourneau.

Sinopsis
Vivir a la sombra del hermano mayor. Puede ser bueno o puede ser malo, pero depende de las influencias que recibamos por el camino: en medio del mundo de delincuencia que te rodea y condiciona, puedes interesarte por las chicas, los porros o por explorar las fronteras con las drogas. O te puede dar por las carreras ilegales de coches. Thomas sufrirá un accidente y su hermano pequeño Jo deberá seguir sus pasos, crecer y convertirse en Jonathan. Esta no es una historia de triunfos ni tampoco sobre el manido sueño norteamericano: sin salir de los suburbios, la historia vital de los personajes dará un giro que cambiará su manera de enfrentarse a la vida a partir de ese momento. Giroux filma la historia con este punto granulado tan arrabalero que, aun quedándonos un tanto lejano, entendemos perfectamente: en el fondo, solo es cuestión de adaptar la miseria y la alienación a nuestros propios esquemas. Una historia de extrarradio, con un extraordinario sentido de la fealdad, que no tiene piedad con sus protagonistas, pero que tampoco les castiga con crueldad, y donde lo último que esperamos encontrar es la redención.

MAXIME GIROUX
Nació en 1976 en Montreal, Canadá. Estudió en la universidad de Concordia y se unió a la productora NúFilms donde empezó a dirigir videoclips. Desde el 2001, ha dirigido cuatro cortos, los dos últimos de los cuales fueron presentados en más de 50 festivales de todo el mundo y ganaron quince premios internacionales incluyendo el de mejor corto en el Festival de Cine de Toronto. En 2008 dirigió su primer largometraje, Tomorrow. La premiere de su último film Jo pour Jonathan fue en el Festival de Locarno.

Julien

Francia, 2010. Digital, 80 min.


Director
Gaël Lépingle.

Documental

Sinopsis
Una película donde el tiempo está ligeramente desafinado. Esa es la propuesta del cineasta Gaël Lépingle en una cinta fascinante, a veces incómoda y a veces extremadamente placentera. Un puñado de adolescentes en un pueblo perdido de Francia -uno de esos pueblos tan habituales del sur del país vecino donde no pasa nada pero todo parece a punto de estallar-; una cámara planificada, precisa, situada en su punto exacto; varias escenas de la vida rural que no sabemos si son cazadas furtivamente o hay un responsable de escribir cuidadosamente un guión; material documental en abundancia: casas, caminos, paisajes y silencios; y una voz líder, omnipotente pero distante, desinteresada, que nos guía a través de la narración. Como si Raymond Depardon hubiera hecho un salto repentino hacia el siglo XXI -con este narcisismo tan red-social-de-hoy-en-día de la juventud bailando ante la cámara-, Julien es un trabajo donde el lirismo y la épica -y la excusa: un espectáculo medieval actuará de catalizador de sus "personajes"- se encuentran entre dos aguas: como sus habitantes, como los sueños de futuro que les pueden llevar lejos o tan solo hasta la población vecina, como la vida misma, como la mitad de nuestras decisiones. Una película que crece en las grietas entre la vida real y la soñada.

GAÉL LÉPINGLE
Nació cerca de Beauce, pueblo del norte de Francia donde ha rodado su debut en el largometraje con Julien. Ha dirigido varios cortos con el concepto désaccordé (tiempos discordantes) como tema recurrente. Julien ha ganado el Grand Prix en el FidMarseille.

L'illusion comique

Francia, 2010. HD, 77 min.


Director
Mathieu Amalric.

Guión
a partir de la obra de Pierre Corneille.

Intérpretes
Muriel Mayette, Suliane Brahim, Loïc Corbery

Sinopsis
Mathieu Amalric es uno de los actores más respetados de Francia. Poseedor de tres premios César al mejor intérprete, hace tiempo dio el salto a la dirección, en una carrera corta pero segura, que recibió un espaldarazo definitivo al hacerse en Cannes 2010 con el premio a la mejor dirección por Tournée. Su nueva película nos presenta a un director seguro de sí mismo, que ha afinado sus armas y que se concede el lujo de adaptar una obra de Pierre Corneille conservando la rima alejandrina. Un reto del que sale más que bien parado y con el que actualiza este clásico del siglo XVII plagado de nobles en guerra, triángulos amorosos y celos mortales en una obra originariamente creada para la televisión francesa a partir de un encargo de la Comédie para adaptar alguna de las piezas básicas de su repertorio. Rodada con actores de la compañía y alejada del tono teatral de otras adaptaciones, L’illusion comique es un espectáculo visual de primer orden y sobre todo un regalo para los oídos. Una obra en la que el enredo laberíntico de su trama lleva a los personajes del drama al romanticismo, de una manera que nunca deja de ser fresca y convincente.

MATHIEU AMALRIC
Debutó como actor en 1984 en Les favoris de la lune, de Otar Iosseliani. Desde entonces, ha tenido una carrera imparable que le ha llevado a trabajar con algunos de los mejores directores del cine francés contemporáneo, desde Arnaud Desplechin hasta Raoul Ruiz, pasando por Olivier Assayas o André Techiné. Con su cuarta película como director, Tournée (presentada en Off Cinemart), ganó el premio al mejor director en Cannes 2010.

Le père de mes enfants

Francia, 2009. 35 mm, 110 min. VOSE.


Directora
Mia Hansen-Løve.

Guión
Mia Hansen-Løve.

Intérpretes
Louis-Do de Lencquesaing, Chiara Caselli, Alice de Lencquesaing, Alice Gautier.

Sinopsis
Grégoire Canvel lo ha dado todo para construir su productora de cine independiente, desde donde apoya el talento de nuevos directores y fomenta su ideal de cine honesto y comprometido, un trabajo que se ha convertido en el centro de su vida... Excepto por los fines de semana que pasa en el campo, donde disfruta de momentos tan preciosos como frágiles, en compañía de su mujer y sus tres hijas, que sienten adoración por un padre tan ausente como cariñoso. Mia Hansen-Løve retrata con delicada intimidad la vida de un emprendedor carismático y aparentemente invencible, pero también su extrema debilidad cuando aquello por lo que tanto ha luchado empieza a venirse abajo. Una mirada respetuosa y sensible a una de tantas historias comunes, a esa lucha por la dignidad y la ternura cuando todo parece confabular para hacer desaparecer los sueños de una vida. Una película que se interroga con honestidad y sencillez sobre aquello de lo que están construidos los vínculos de afecto entre un hombre y una mujer, entre un padre y sus hijas.

MIA HANSEN LOVE
Como si perteneciese a la generación de la Nouvelle Vague, Mia Hansen-Løve empezó colaborando en la revista Cahiers du Cinéma. Allí conoció a Olivier Assayas, su posterior pareja sentimental, para quién actuó en Finales de agosto, principios de septiembre y Les destinées sentimentales. Debutó en la Quincena de Realizadores de Cannes con su primer largometraje, recibiendo el aplauso de la crítica. Con esta su segunda película volvió a Cannes, donde ganó el Premio Especial del Jurado de Un Certain Regard.

Meek's cutoff

EE.UU., 2010. 35 mm, 104 min.

Directora
Kelly Reichardt.

Guión
Jonathan Raymond.

Intérpretes
Michelle Williams, Bruce Greenwood, Paul Dano, Zoe Kazan, Will Patton.

Sinopsis
Directora de culto gracias a sus dos primeros éxitos, Old Joy y Wendy and Lucy, Kelly Reichardt se enfrenta a su película más ambiciosa: una minuciosa recreación del viaje de unos pioneros del Oeste norteamericano desde una perspectiva feminista. Atenta al detalle físico, mejores interpretaciones – con una sobresaliente Michelle Williams encabezando un reparto de estrellas indies -, y sin olvidar la particular morosidad de la directora a la hora de narrar, Reichardt se consolida como una de las directoras de referencia del nuevo cine independiente norteamericano. Un film en el que el paisaje es tan o más protagonista que los personajes, que se ven enfrentados a una apuesta a vida o muerte cuando el guía de la caravana decide tomar un atajo que les llevará hacia un viaje incierto y desesperado. Meek’s Cutoff no se aleja tanto de la visión radical del imaginario mental norteamericano de los anteriores trabajos de Reichardt, ya sea a través de sus peculiares revisiones de la road movie, la buddy movie y ahora el western por la vía mínimal y realista. Una de las películas más aclamadas del año.

KELLY REICHARD
Nacida en Miami en 1964, debut— en el cine con la película River of Grass (1994), protagonizada por Larry Fessenden, que recibió diversas nominaciones en los Independent Spirit Awards. Sigui— a ello un impasse de diez años en los que Reichardt se dedicó a la docencia en la facultad de cine de la Universidad de Nueva York. Con su vuelta al cine en 2006 con Old Joy gan— el Tiger Award en Rotterdam. En Wendy and Lucy trabaj— con Michelle Williams, joven estrella de Hollywood, con la que repite en Meek's Cutoff.

Morrer como un homem

Portugal, 2010. 35 mm, 133 min.

Director
João Pedro Rodrigues.

Guión
João Pedro Rodrigues, Rui Catalão.

Intérpretes
Chandra Malatitch, John Jesus Romã, Ivo Barroso.

Sinopsis
João Pedro Rodrigues es un cineasta portugués que nos resulta próximo generacionalmente y al que hemos visto crecer a lo largo de su trayectoria. O Fantasma (2000) era un filme inflexible, violento y sincero, pero provocó un pequeño escándalo en su país (y entre nosotros: el cuero y el látex nunca han sido lo mismo desde que lo vistieran sus protagonistas); Odete (2005) se presentó en Cannes y perfeccionaba su estilo, con un punto folletinesco que anunciaba lo que vendría después: Morrer como um homem es la película casi definitiva de Rodrigues. Aún no es perfecta, pero se acerca. Es sincera a ultranza, y los personajes son tratados con amor pero sin condescendencia, a pesar de que la vida de Tonia, el travestí protagonista, no es nada fácil: el innexorable paso del tiempo, un hijo con sus propios problemas de identidad, un novio yonqui, una compañera de trabajo que sube con la fuerza de las jóvenes generaciones. Un estilizado melodrama que comparte algunas cosas con nuestro ilustre director manchego, pero también con Fassbinder o Guy Maddin (la onírica escena de la búsqueda de gamusinos, virada a azul y con música de Baby Dee), donde la historia de la vida y la superación del día a día se escriben tanto a ritmo de fado como de bolero. Un musical sin números musicales que descubrirá a un público amplio un autor de culto que hasta ahora se ha visto relegado injustamente a los festivales de temática gay.

JOÄO PEDRO RODRIGUES
Nació en Lisboa en 1966 y estudió en la Escuela de teatro y cine de Portugal. Empezo su carrera como ayudante de dirección con Alberto Seixas Santos y Teresa Villaverde. Debutó en la dirección en 1997. Su primer largo, O Fantasma (2000), le dio fama entre los círculos artísticos y gays de Portugal y le llevó a festivales de todo el mundo. Su siguiente película, igual que Morrer como um homem, se presentó en el festival de Cannes.

Por tu culpa

Argentina, 2010. 35 mm, 87 min.

Director
Anahí Berneri.

Guión
Anahí Berneri, Sergio Wolf.

Intérpretes
Erica Rivas, Nicasio Galán, Zenón Galán.

Sinopsis
Julieta se acaba de separar con dos hijos a su cargo. Sus días son como los de muchas mujeres a las que conocemos: un equilibrio inestable entre su trabajo, su rol de madre y su vida personal. Un equilibrio que se puede romper en cualquier momento, por ejemplo, cuando uno de sus hijos se cae y se hace daño mientras juega. Cuando decide llevarlo al hospital para que le echen un vistazo empezará una verdadera pesadilla para Julieta. En este, en palabras de su directora, thriller doméstico, Berneri retrata la cotidianeidad desde una cierta informalidad, como se lo hemos visto hacer a Andreas Dresen. Retrata escenas en apariencia intrascendentes pero que, a medida que se avanza en su resolución, nos obligan a reflexionar y a posicionarnos. Su película es un espejo sobre nuestra sociedad, es un aviso, una alerta, que nos obliga a ser conscientes. Ella no emitirá juicios, nos planteará los hechos. Seremos nosotros los que tendremos que decidir cómo nos posicionamos frente a lo que cuenta.


ANAHÍ BERNERI
Anahí Berneri forma parte del grupo de jóvenes directores argentinos que están tomando al asalto los festivales de medio mundo. El cine de Berneri se concentra en historias pequeñas, contenidas, derivadas de situaciones cotidianas que le permiten exponer los males de nuestra sociedad de consumo, sin formular una opinión, dándole al espectador la oportunidad de juzgar por sí mismo. Después de haber triunfado en medio mundo con Un año sin amor, su ópera prima, ganó el premio FIPRESCI en Donosti 2007 con Encarnación.

Post Mortem

Chile, 2010. 35 mm, 98 min.


Director
Pablo Larraín.

Guión
Pablo Larraín.

Intérpretes
Marcelo Alonso, Alfredo Castro, Amparo Noguera, Jaime Vadell.

Sinopsis
El chileno Pedro Larraín ambienta en uno de los periodos más oscuros y sangrientos de su país - el golpe militar de 1973 - la historia de una pareja aparentemente insignificante y sin encanto. El protagonista es un anodino empleado de la morgue que compatibiliza el recuento de las riadas de muertos en las horas posteriores al golpe del 11 de septiembre -incluyendo el del presidente derrocado- con la obsesión amorosa por su vecina, una bailarina que representa un amor imposible e idealizado. Gélida autopsia de un país en colapso, con una impecable factura visual y unas interpretaciones sobresalientes, la nueva película de Pedro Larraín es más osada y cruda que su anterior y exitosa Tony Manero. Con solo algunas escenas (y un uso magistral del fuera de campo), es capaz de transmitir toda la brutalidad, la violencia y los efectos devastadores de una jornada que cambió la vida de Chile para siempre. Con solo tres películas en su haber, Larraín es desde luego uno de los directores a seguir en el nuevo y emergente cine latinoamericano.


PABLO LARRAÍN
Nace en Santiago de Chile en 1976. Estudió Comunicación Audiovisual en la UNIACC. Es socio fundador de Fabula, compañía dedicada a la producción de cine, TV y comerciales publicitarios. En el 2005 dirige su primer largometraje, Fuga. En el 2007, dirigió su segunda película Tony Manero, estrenada en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes y que luego entró con éxito en el circuito internacional de festivales. Post Mortem es su tercer largometraje.