Nuevas confirmaciones Sitges 2012

Pues en esta era de redes sociales, Sitges no quiere dejar de estar el día y va confirmando las películas y las noticias para la edición del 2012 de diversas formas. A la espera de la programación definitiva que según anunciaron en facebook estará a principios de esta próxima semana, usaron también la red creada por Mark Zuckerberg para confirmar que Frankeenwenie se estrenará en Sitges un par de días antes de su estreno en salas. Por su contra por twitter se anunció una de las películas más esperadas por el aficionado al género fantástico, se trata de The Lords of Salem del cineasta Rob Zombie. Pero el grueso de confirmaciones, todas las asiática que son casi 100 películas, nos llegó el jueves. Y Sitges tuvo la deferencia de darle la exclusiva a la web CineAsia Online. Consultad allí si os interesa todos estos títulos confirmados de la cinematografía asiática. Hay de todo (incluso un par de conocidas por aquí como la mediocre War of the arrows y la espléndida Children who chase lost voices).

De entre todas las confirmaciones (insisto en que si os interesan el resto visitéis CineAsia Online) voy a reseñar cuatro que son las que más me interesan, que unidas a las dos primeras vuelven a constituir otra media docena de títulos imprescindibles de esta edición (y ya van...).

Frankeenwenie de Tim Burton

Pues Burton crea y dirige en animación stop-motion, en blanco y negro y en 3D un remake de su propio y espléndido corto de 1984.

El experimento científico que lleva a cabo el pequeño Victor para hacer resucitar su adorado perro Sparky, lo obligará a afrontar terribles situaciones cuyas consecuencias son imprevisibles. (FILMAFFINITY)

A continuación os dejo el trailer de esta película, una selección de fotos y para acabar el corto del 84, por si alguien aún no lo ha visto. Merece mucho la pena.

The Lords of Salem de Rob Zombie

No sé si jamás he explicado en este blog mi amor/odio por Rob Zombie. Amor por sus primeras dos películas, en especial Los renegados del diablo y odio por atreverse a destrozar la obra maestra de Carpenter en un Halloween que a muchos apasiona pero que yo odio con fiereza. Su nueva película es sin duda uno de los títulos más esperados del año por los amantes del cine fantástico y de terror y tendrá su premiere europea en Sitges. Hay mucho secretismo al respecto así que a continuación la sinopsis de Filmaffinity y apenas algunas fotos.

El film se centrará en Heidi, una DJ de una emisora de radio que recibe una caja de madera con una grabación. Heidi escucha y los extraños sonidos le traen inmediatamente flashbacks del violento pasado de Salem ¿Se ha vuelto loca Heidi o son los Señores de Salem que vuelven para buscar venganza en el Salem actual?

The weight de Jeon Kyu-hwan

Hasta ahora no sabía nada de esta película, pero Ángel Sala afirma que va a ser la película más polémica del festival y que es bastante extrema, lo que viniendo de Corea lo hace doblemente morboso. De momento el trailer promete emociones fuertes.

Jo Jae-Hyeon interpreta a Jung, un hombre que encuentra su camino en la vida mediante su trabajo en una funeraria. Mientras sobresale en sus tareas de maquillar a los cadáveres, lidia una batalla contra la tuberculosis y la artritis. Las dosis diarias de medicamentos se combinan con la pasión y la nobleza con la que se afronta a su empleo. Su vida se convierte en una mezcla de realidad y ficción, cuando los cadáveres se convierten en sus amigos y súbditos de su imaginación. (FILMAFFINITY)

The Wolf Children de Mamoru Hosoda

El director de La chica que saltaba a través del tiempo y Summer Wars es reivindicado por algunos como el nuevo genio del anime japonés. Pese a que su anterior película me dejó muy indiferente, en este blog se ama el cine de animación y más el que proviene de Asia, así que esperemos que esta vez cumpla las expectativas.

El film se centrará en el amor entre padres e hijos en una historia que cubrirá 13 años y que empezará con una chica estudiante llamada Hana de 19 años que se encuentra y se enamora como en un cuento de hadas de un hombre lobo. Después de casarse con él, Hana dará a luz a dos niños lobo, una hermana mayor llamada Yuki (nieve), nacida un día en que nevaba, y un hermano menor llamado Ame (lluvia), que nació en un día lluvioso. Los cuatro viven apartados de la ciudad para ocultar el hecho de que los niños son lobos. Sin embargo, cuando el padre muere de repente, Hana decide trasladarse a un pueblo rural mucho más alejado de la ciudad. (FILMAFFINITY)

Outrage Beyond de Takeshi Kitano

Los seguidores de este blog sabéis que soy muy fan de Kitano y muy crítico con la hasta ahora su última película Outrage.Dicen las críticas que esta película se parece mucho a su antecesora, de la que es un remake, así que no es que tenga grandes expectativas de que el film me termine por gustar. Pero tengo una cosa clarísima. Si voy a un festival y hay un Kitano, es imposible que no sea uno de los imprescindibles. Luego ya me decantaré donde tenga que decantarme.

Headshot de Pen-Ek Ratanaruang

Y para terminar uno de los directores más amados y reivindicados de este blog. Nos referimos al tailandés Pen-Ek Ratanaruang que vuelve a Sitges a presentar este thriller que algunos critican de excesivamente convencional por venir de quien viene pero que sin duda merece un visionado en sala grande. Hasta ahora raramente ha decepcionado.

Tul, un asesino a sueldo, recibe un disparo en la cabeza durante una misión. Tras un coma de dos meses despierta para descubrir que lo ve todo al revés, literalmente. Trata de dejar su trabajo, pero el pasado vuelve para acosarle y es entonces cuando conoce a una chica que vuelve aún más su mundo al revés. Además tendrá que descubrir quien intento matarlo antes de que lo intente de nuevo. (FILMAFFINITY)

Pues si Sitges no nos ha mentido y la semana que viene saca la programación definitiva, aquí estaré de nuevo para volver a destacar alguno de sus (espero) suculentos últimos títulos. Quedan 18 días...

Previo Sitges 2012: Harmony Korine

De moda recientemente, pues termina de presentar su última película en Venecia, Spring breakers, con bastante éxito crítico y con el aura de próximo film de culto, Harmony Korine es uno de esos directores muy outsiders, solo reservado al público cinéfilo más arriesgado, o quizás más zumbado, entre los que por supuesto me encuentro.

En realidad este Sitges no tiene película en solitario (al menos de momento), pero suyo es uno de los tres fragmentos del film futurista de estar por casa The fourth dimension y su sola presencia en tal film, levanta sino las expectativas sí al menos la curiosidad sobre el mismo.

Harmony Korine nace en 1973 en California, pero de muy pequeño se traslada con su familia a Nashville, Tenesse, donde pasa toda su temprana juventud. Al cumplir la mayoría de edad aterriza en Nueva York y empieza sus estudios de escritura dramática. Sin embargo su afición al skate, del que quiere hacerse profesional, le lleva a dejar sus estudios para dedicarle el tiempo que considera oportuno al patinaje. Las cosas del destino hacen que mientras practica con sus amigos en el parque de Washington Square se fije en él el fotógrafo y director Larry Clark, que le toma unas fotos. Tras algunas conversaciones Korine se decide a mostrarle un guión que ha escrito, sobre un niño de trece años al que su padre lleva a un prostíbulo. El bueno de Clark flipa en colores y le pide a Korine que realice otro guión para él  que involucre skaters adolescentes, drogas y SIDA (la propagación del virus se encontraba en los niveles más altos en la historia). El resultado fue Kids, una película súper polémica que no dejó a nadie indiferente y que una parte de la crítica ensalzó. Harmony Korine tiene 23 años y su nombre ya toma un cierto estatus de culto.

Entonces, Harmony Korine decide guionizar y dirigir su primer film, otro mazazo lleno de polémico titulado Gummo.

Gummo es una mezcla de ficción y documental en que Korine hace desfilar ante la cámara gente marginal sin una estructura narrativa lineal. Es una provocación en toda regla. Cazadores y maltratadores de gatos se juntan con alcohólicos, dementes, pervertidos, adolescentes traumatizados al ser violados por sus padres, pederastas, padres de familia violentos y otras varias lindezas. La cinta está rodada de modo amateur y tiene unos méritos cinematográficos muy dudosos, sin embargo, es realmente una patada a las entrañas del espectador. Unos pueden creer que la película es tan solo un intento de escandalizar al espectador (y no les faltará razón), otros pueden censurar la dudosa moral de lo que el film muestra, su exhibicionismo (y no les faltará razón, tampoco) pero si Korine, llevado por su juventud algo problemática, lo que quiere es mostrarnos con todas las consecuencias un collage de la América profunda, sin duda logra realizar un film vómito de cierta contundencia. Y como tal tiene su valor.
Los interesados podéis verla completa en el siguiente vídeo con subtítulos en español:

Tras Gummo, Korine logra un cierto prestigio en el cine más independiente y al margen del sistema. Además directores como Gus Van Sant y en especial Werner Herzog, le suben a los altares del nuevo cine americano. Harmony Korine, que no tiene pinta de ser emocionalmente muy estable, piensa en una enorme "genialidad" para proseguir su carrera, un proyecto titulado Fight Harm que nunca concluyó. Dirigido por el ilusionista callejero David Blaine debía provocar peleas callejeras y llevar la situación hasta las últimas consecuencias, y así lo hizo. Después de 6 intentos y terminar hospitalizado con daños gravísimos, Korine abandonó el proyecto aunque comentó que de ser necesario moriría por el cine. En realidad jamás he visto un fragmento de ésto (excepto este breve vídeo  que parece ser parte de dicho proyecto) así que no sé que parte de verdad hay en ello y que parte de leyenda. Dos años después, en 1999, Korine presenta su segunda película, Julien Donkey-Boy. La película se inscribe en el movimiento del Dogma'95 y sigue la tónica de Gummo, aunque su disfuncionalidad provocativa está en ese caso mejor finalizada y también, a mi modo de ver, pierde una parte de originalidad y fiereza. Para realizar la película no solo cuenta, como en la anterior, con la por entonces su pareja Chloe Sevigny (quien merece un post solo para ella, analizando que ha hecho esta mujer por sus novios directores) sino que además, cuenta en su reparto en un papel muy destacado con su admirador y admirado Werner Herzog. La película, que trata sobre un chaval con esquizofrenia, basándose en un esquizofrénico familiar, pues es éso, muy esquizofrénica, muy extrema, muy para minorías, pero tiene su gracia como producto entre el cine de autor y el trash con pretensiones.

                        

Entonces, justo cuando Korine empieza a despuntar como lo que es, como un outsider al que solo unos pocos alaban, pero los que lo hacen, lo hacen con pasión desenfrenada, desaparece del mundo cinematográfico. Dijo posteriormente en declaraciones, que tras su segundo film pasó durante algunos años por una etapa muy oscura. Viendo sus fotos de juventud (arriba), sus ideas y sus guiones y películas, no me quiero ni imaginar lo que pudo hacer el director americano esos años de anonimato, teniendo en cuenta que fueron, según él, muchos más oscuros que los que hemos tratado hasta ahora. Sin duda la noticia es que sobrevive... y llega con actividad a nuestros días. Por cierto, en el 2002, mientras tenemos a Korine sumido en esta etapa de autodestrucción que da miedo de pensar, Larry Clark rescata un guión antiguo suyo y lo convierte en otra película muy, pero que muy polémica (y que a mí me encanta, incluso más que Kids) titulada Ken Park.

Pues llegamos al 2007 y Harmony Korine, tras ocho años de inactividad, regresa con Mister Lonely, sin duda su película más convencional de estas cuatro que hoy tratamos. No solo convencional porque es la única con apariencia de película bien rodada y en celuloide, sino también porque su guión es más "académico" y tiene más o menos una evolución de historia y personajes y porque su reparto está formado por actores de prestigio como Diego Luna, Samantha Morton, James Fox o el actor fetiche de Leos Carax (que también aparece en la película en un pequeño papel, al igual que de nuevo Herzog) Denis Lavant.
El film sin duda es una extrapolación del sentir artístico y existencial del director. Trata de un grupo de imitadores de famosos (desde Michael Jackson, pasando por Marilyn, Madonna y Chaplin hasta Lincoln o la reina de Inglaterra) que son seres marginales, anárquicos, algo locos, pero con una sensibilidad artística extrema que no saben muy bien como focalizar, como mostrar al mundo. La película está hecha a retazos y es irregular, pero en general me parece muy recomendable. Tiene buenos momentos y encuentro en ella muchas de las constantes de Carax, así que no considero casual su inclusión en el reparto ni la de Lavant. Es una película que bebe muy directamente de la sensibilidad del director francés y que como aquél, logra en ciertos momentos la poesía a partir de cierta disfuncionalidad anárquica, a partir de un collage que alcanza instantes álgidos.

Si tras esta película uno tiene la sensación de que Korine está empezando a redirigir su carrera cinematográfica hacia una cierta convencionalidad autoral menos rupturista, su siguiente título, Trash Humpers, lo desacredita. La cinta, rodada en VHS de forma muy amateur vuelve a ser una sucesión de secuencias sin continuidad argumental que vuelven a querer mostrarnos los seres más marginales de la América profunda. Si en Gummo eran actores en casi su totalidad amateurs a cara descubierta, aquí es el propio director y sus amigos y familiares los que se colocan máscaras de ancianos algo inquietantes. Si en su ópera prima la sucesión de imágenes y secuencias nos remitían a hechos concretos que por exceso y por su sucesión producían el efecto de film vómito que comentaba, aquí se pretende hacer lo mismo en abstracto, a partir de personajes que se dedican a follarse objetos inanimados, que tiene conversaciones sin sentido y que destruyen objetos sin ton ni son. Korine quiere ir un paso más allá y animalizar a sus personajes hasta el extremo. Sin embargo la película, tras la sorpresa de los primeros minutos, no logra otro efecto en el espectador (el que como yo no se indigna y no deja la proyección) que el sopor. Un sopor ajeno a cualquier removimiento de conciencia ni a cualquier sensación de angustia. Una estupidez total con que Korine peca de ego y regresa a sus orígenes para empeorarlos con creces y rodar la que es hasta ahora su peor película.

Llegados aquí, uno tendría muchas dudas sobre proyectos futuros del director americano. Además tras Trash Humpers realiza algunos cortos muy en esta linea continuista (Act da fool con subtítulos en español, Umshini Wam,  o Snowballs) pero sus dos siguientes películas, el fragmento que veremos en Sitges (aunque el trailer, en que se reconocen sus fragmentos, deja dudas en cuanto a una cierta renovación en este segmento) y sobretodo, la película estrenada en Venecia que citábamos al comenzar Spring Breakers, deja una puerta abierta a la canalización en positivo de la sin duda fiereza artística de este director que probablemente nos toma el pelo, pero que a mi me excita tanto con tan solo citarlo. Que se le va a hacer...

Para terminar un vídeo con clips de los inicios de Harmony Korine e imágenes de Kids y sus tres primeras películas (si queréis ver imágenes de Trash Humpers os dejo aquí el trailer) acompañadas del hipnótico tema de Steven Wilson titulado con el nombre del director "Harmony Korine".



Por cierto, dedico este post muy especialmente a Alan Smithee (ya ves que he hecho penitencia...) 

Películas que veo con mi hijo: Blancanieves y los siete enanitos

Fue un flechazo. Tras ver completas las dos películas de Miyazaki Mi vecino Totoro y Nicky, la aprendiz de bruja, los intentos de ver películas se sucedieron. Muchas primeras partes, muchos pedazos pero ninguna completa. En cambio fue poner Blancanieves y en un tiempo muy breve para lo que suele ser habitual verla con Gerard del tirón.

Blancanieves y los siete enanitos es el primer largometraje de animación de la Disney. Walt Disney llevaba ya un tiempo probando suerte con bastante éxito, en su carrera de animador. A aquellas alturas ya había realizado varios cortos y, sobretodo los del ratón Mickey, estaban teniendo bastante éxito. Quizás el corto más famoso con el personaje de Mickey en los inicios de la animación fue Streamboat Willie, de 1928, en la que ya logró incorporar el sonido para satisfacer y sorprender a un publico que había alucinado con la reciente irrupción del mismo a mitad de The jazz singer (1927).

Walt Disney era un visionario, un emprendedor, un loco. La animación era considerada un género muy menor (algo que algunos siguen creyendo hoy en día) y el solo hecho de realizar un largometraje era una osadía a la que se atrevían muy pocos. Walt no fue el primero en realizar un largo, pero sí el primero en hacerlo en el interior de la industria.

Se dice que el primer largometraje de animación de la historia es argentino. Titulada El apóstol (1917) y dirigida por Quirino Cristiani, la película por desgracia no se conservó. Los dos primeros largos de animación antes de la Disney conservados son  muy brillantes. Por un lado tenemos la alemana Die Abenteuer des Prinzen Achmed (las aventuras del prícipe Achmed) de 1926, una película de poco más de una hora con una animación realizada a partir de recortes de siluetas en papel negro animados sobre fondos coloridos y que adapta varios relatos de "Las mil y una noches" que fue un importante éxito, sobretodo en Francia, reivindicada por Jean Renoir y René Clair y que es un auténtico prodigio (os dejo debajo el primer acto de la misma). Por otro lado un genio como Ladislas Starewich, tras varios y brillantes cortos concluyó su primer largo Le roman de Renard en 1930 (aunque no se estrenaría hasta el 37). Os dejo a continuación el inicio subtitulado al inglés. Ambas películas, si os gusta lo que veis se pueden encontrar con facilidad. Os la recomiendo mucho.






Pues regresemos a Walt Disney. Tras todos su exitosos cortos y con el valor del entusiasta, empieza a rodar Blancanieves y los siete enanitos en 1934 con un presupuesto inicial de 250.000 dólares. La película la termina tres años después y el presupuesto asciende a 1.488.423 dólares. Disney estuvo a punto de arruinarse pero no era la primera vez. El pase de la película fue un éxito absoluto y pronto Walt Disney empezó a cosechar el cariño de sus contemporáneos. En poco tiempo la película ingresó más de ocho millones de dólares. Por cierto, el hombre que consta como director (no sé si es una pregunta trampa en algún juego de sobremesa) fue David Hand (también director de Bambi).

Para su primer largometraje Walt Disney adapta el cuento popular de Blancanieves muy conocido a partir de la adaptación que de él hicieron los hermanos Grimm. Con ese estilo tan criticado en la posterioridad de un cierto edulcoramiento de la trama (por otro lado lógico a mi entender al ser una película especialmente para niños) y con otros aspectos también criticados hoy como sus momentos altamente machistas (reflejo claro de una época), Disney ejerce de maestro de ceremonias y carga de perfeccionsmo enfermizo su creación. Con tonalidades cromáticas estudiadas para ensalzar la trama, con un guión muy cuidado que procura no caer nunca en punto muerto, con personajes bastante bien definidos y entrañables y con canciones que contribuyen al avance de la trama (también una marca de fábrica Disney hasta hace muy poco), Blancanieves y los siete enanitos es una película espléndida, todo un clásico prodigioso para su tiempo que inicia uno de los mayores negocios y mayores logros artísticos del cine durante muchos años, la animación Disney. ¿Queréis ver la película? ¿O algún trocito al menos? No os da nostalgia. Mirad, mirad...



A Gerard le da igual si Blanacanieves es la primera o la tercera película de la historia de la animación. No sabe que se realizó muchos años antes de Totoro. No la compara a nada ni la ubica en su tiempo. Aún tiene la suerte de mirarla como algo nuevo, algo original, algo único. A él lo que le gusta es cantar las canciones que llenan la película. Gritar Aibó y hacer tonos graves y agudos según si quien canta es Blancanieves o algún enanito. Le fascina, al tiempo que teme, la bruja mala. Solo verla le engancha a la pantalla. La fascinación y la atracción por el mal la llevamos innata, está claro. Y luego le encanta la Blancanieves y casi hace caso omiso al príncipe. Sus preferencias son muy obvias.

Terminada la película le digo, "Gerard, ¿nos hacemos una foto para que el papa la ponga en aquello que hace en el ordenador, con tus muñecos de Blancanieves?" "sí", me responde sabiendo que en las próximas horas voy a desaperecer tras una puerta. ¿Prefieres la Blancanieves o el príncipe?, le pregunto de nuevo. Me mira sonriendo, algo sobrado, decidido. No me queda otra que conformarme...

Ti West y Don Coscarelli. Previo Sitges 2012.

Pues seguimos con esta sección que inicié antes de agosto y que va a tener mucha presencia durante el septiembre en el blog. Hoy voy a reunir dos sesiones dobles de dos directores que tienen un vínculo común. Me han decepcionado bastante. Vamos a tratar dos trabajos de Ti West y dos de Don Coscarelli.

Ti West no tiene una película particular en Sitges, pero su nombre forma parte de dos de las películas episódicas más esperadas del festival, V/H/S y ABC's of Death.

Por su parte Don Coscarelli presenta su última película, con nada más y nada menos que Paul Giamatti en el reparto, titulada John dies at the end.

El objetivo de la sección es ver obras precedentes de directores presentes en Sitges este año, películas que por otro lado yo no haya visto, así que a veces no son las más importantes de estos directores, que sí había visto con anterioridad. Pero vayamos por faena.

Soy (o quizás era) bastante fan de Ti west. Sin contar las dos películas que se estrenan en Sitges la filmografía del director americano se compone de 5 películas. Lo descubrí con su mejor film, House of the devil (La casa del diablo), una cinta con cortes minimalistas marca de la casa y polémico final que me encanta y de la que hable aquí. A continuación, en la pasada edición de Sitges vi la recomendable pero algo inferior The innkeepers que reseñé en el mismo festival. Son la tercera y quinta película del director. Posteriormente vi su justita ópera prima The roost (el cobertizo), un homenaje a la serie "B" y a los capítulos de terror de televisión de minimalismo obligado y excesivo en parte a causa de su paupérrimo presupuesto.

Tenía pues por ver dos films, su segunda película Trigger man y la cuarta Cabin Fever 2.

Trigger man es una tomadura de pelo. Es un survival minimalista y contemplativo, lento y pausado, de filmación amateur y casi sin presupuesto que reta al espectador con su excesiva parsimonia. La película de escasa hora y cuarto aburre muchísimo. Tres cuartas partes de la cinta son tíos caminando por el bosque sin sentido y sin emoción, sin nada que explicar. Los que me conocéis sabéis que no soy reacio al cine más contemplativo, pero me tiene que sugerir algo, causar sensaciones. La única sensación de Trigger man fue el sopor y la indignación ante la resolución final, extremadamente larga y vacía y llana. Un sinsentido. Una tomadura de pelo que quizás sirvió a Ti West para practicar y aprender pero que yo os recomiendo os ahorréis.

Cabin Fever 2 (recordemos que con la uno se dio a conocer Eli Roth) está por debajo de su predecesora, que tampoco era para tirar cohetes pero tenía un cierto ambiente malsano. Divierte en parte en trasladar la acción del virus a la típica fiesta teen de baile de fin de curso (recuerda a veces a Rec 3) y parece que en su primera mitad crea un in-crescendo que confías va a saber rematar en su segunda mitad rompiendo convenciones y llevando la película al extremo de la parodia y la mala leche. Pues no. En la segunda mitad Ti West se desquita de la contención de House of the devil y ofrece un recital de gore y fluidos viscosos que divierte al principio pero cansa enseguida al no tener solución de continuidad. Al final el film es algo disfrutable pero muy mediocre.

Si no habéis visto nada de Ti West yo recomiendo House of the devil... aunque no es para todos los gustos.

El que ya no tiene justificación es el muy sobrevalorado Don Coscarelli. En este caso si había visto Phantasma hacía muchos años y la recordaba pésima. Temeroso de haberme equivocado entonces ante las habituales (no siempre) buenas críticas del film que a veces figura en antologías del terror (...) decidí darle muchos años después (ahora) una segunda oportunidad. Y me reitero.

Phantasma es pésima y no puedo entender su fama ni el porqué es considerada por muchos una película de culto. Esta surrealista historia del año 79 sobre enterradores que vienen de otra dimensión y mundos paralelos cutres ha envejecido fatal y sorprenden sus especialmente pésimas interpretaciones. El guión es muy confuso y si parte de la fama de la película es por lo extraño de su historia quiero aclarar que no es un mérito de la película, la extrañeza viene por causa de un guión pésimamente construido, a retazos, sin sentido. Todo ello muy cutre y casposo. Sería como mucho reivindicable como un producto kistch para disfrutar en sesiones golfas acompañadas de alcohol. Lo de peli de culto le hace mucho daño. Muy mala.

De Phantasma salto a la última película hasta la fecha de Don Coscarelli; Bubba Ho-tep, una mediocre comedia fantástica del año 2002 que parte de una premisa original (Elvis está vivo en un hospital, pues el que murió fue un imitador con el que el propio Elvis cambió la personalidad años antes para vivir tranquilo) y que pese a unos primeros minutos muy malos parace que remonta. Es un espejismo. A diferencia de Phantasma no negaré que la película contiene algún buen momento, sobretodo en la conversación entre los dos ancianos protagonistas (el otro, negro, dice ser JFK) que incluso se acerca a veces a emocionar o a trascender. Pero pronto y de nuevo la película languidece a causa de su guión demasiado débil, demasiado friki, demasiado confuso. Ello, unido a una preocupante falta de ritmo, nos lleva a que mucho antes de que termine la película nos deje de interesar. Casi en absoluto. Muy mediocre.

Películas de otros blogs: Cine latino

Pues hoy voy a aúnar dos secciones de este blog, la que reza el título, es decir, "películas de otros blogs" y la que reza el blog en cuestión de hoy, es decir, la sección de "cine latino" con su habitual sesión doble.

Cine Latino es el blog de mi amigo Daniel Gálvez, que como el título indica está dedicado en exclusiva al cine que proviene de latinoamerica. Es un blog imprescindible para estar informado sobre noticias, premios y rodajes de las películas que provienen de nuestros vecinos americanos. Decir que el blog supera el millón de visitas habla por sí solo. Es un veterano entre los blogs y una referenecia obligada para todo cinéfilo. Además de las citadas secciones informativas, Daniel también hace una espléndida cobertura de muchos de los festivales cercanos a Barcelona (además hace poco estuvo en el latinoamericano de Huelva y en breve se larga a San Sebastián para hacernos su crónica diaria que os recomiendo leer) y tiene colaboradores que nos acercan también festivales del otro lado del charco como el Bafici o el Mar del Plata, colaboradores que por otro lado también nos presentan en primicia críticas de películas estrenadas en sus países. Además, con poca pero destacable presencia, en el blog participa otro amigo y crack, John Prskalo, haciendo la magnitud del blog aún más grande. Junto a todo este "reparto" también conviven en el blog otras secciones tan imprescindibles como entrevistas a actores latinos de éxito ("conoce un poco más a..."), entrevistas a personajes vinculados al mundo del cine para preguntarles sobre cine latino ("qué opinas del cine latinoamericano") y otras varias secciones que os invito a descubrir como cortometrajes e incluso alguna erótico-festiva, Cine Latino es y será referencia para los amantes del cine latino en particular y el cine en general.

Pues bien, hace poco Daniel realizó una lista con las, a su parecer, quince mejores películas del cine colombiano del S. XXI (lista que por una vez y sin que sirva de precedente publicó en su otro blog, mucho más anárquico, Navegando por mi cabeza).

Resulta que de las quince películas yo había visto muy poquitas. Y además ni la primera ni la segunda: Satanás y Perro come perro respectivamente. Así que hoy mi sesión doble de cine colombiano la forman estas dos películas recomendadas en primer y segundo lugar por Daniel Gálvez. Y dejadme avanzar que las dos (y no es peloteo, de hecho Dani y yo solemos discrepar mucho) son películas brillantes y muy recomendables.

Satanás es una película de 2007, ópera prima de Andi Baiz (que con posterioridad dirigió La cara oculta, también en la lista de Cine Latino) e interpretada por el prestigioso actor mexicano Damián Alcázar.

Se me hace muy difícil hablar de Satanás porque creo que es de esas películas a las que es mejor enfrentarse como lo hice yo, es decir sin saber nada de su historia, de los que nos va a mostrar. Pero hablar de la película sin desgranar nada va a hacer que la crítica sea menos contundente de lo que desearía. Lo voy a intentar.

La película se compone de tres historias cruzadas que más allá de su "historia" concreta nos hablan de un tema tan esencial como la dificultad de las personas por alcanzar la felicidad y por encontrar un espacio en el mundo en que se sientan dignos y valorados. Pese a que desde aquí tenemos una cierta tendencia a pensar que todo el cine colombiano habla de drogas y narcotráfico, la película Satanás (como muchas otras) no lo hace, es más, la acción está situada en Colombia pero podría estarlo en cualquier lugar del mundo pues los temas de la película no son para nada localistas sino universales.

Uno de los aspectos más destacable de la película es su brillante dirección, más destacable aún si tenemos en cuenta que se trata de una ópera prima. Yo he de reconocer que me mantengo enganchado a la película de forma brutal desde el primer minuto hasta el último de la misma. Toda ella trasmite tensión agobiante, un algo malsano, un algo extraño, una sordidez adictiva. Prefiero su primera mitad a la segunda, en la que realmente no pasa nada demasiado destacable pero tienes la sensación de que todo va a explotar en algún instante. Ésa es la sensación de agobio a la que me refiero, una sensación realmente lograda. Entre un reparto excepcional destaca sin duda Damián Alcázar que imprime a su interpretación una enorme cantidad de matices, leves, que denotan gran madurez interpretativa. Además, como se suele decir, se come la pantalla y su sola presencia llena de interés la narración.

El film resultante me parece francamente espléndido, cargado de tensión, de dolor, de fiereza pero también de humanidad, de desesperación, de personajes con aristas que buscan la felicidad y están muy lejos de encontarla. Es un película en última instancia violenta, nihilista, cruel, desesperada. Una película muy afín a los tiempos que corren, una película que al igual que Daniel, os recomiendo contundentemente.

Perro come perro, mucho más conocida por aquí porque estuvo nominada a un Goya, sí que de alguna manera trata el tema del tráfico de drogas, pero de forma algo tangencial y novedosa. Es una cinta con mucha fuerza y violencia pero alejada del cine de traficantes y venganzas y adicciones al uso.

En el fondo hay una trama minimalista y alargada llena de personajes atormentados por la culpa, por sus actos y por un patrón metido en negocios sucios varios y muy violento e histriónico. La película está llena de violencia explícita pero sobretodo, y ahí radica una de sus mayores virtudes, de violencia ímplicita. A ello ayuda una dirección muy buena que carga los espacios y las situaciones de tensión, que alarga las secuencias de forma excesiva, enfermiza, llenándolas de angustia, de dolor, de momentos oníricos agobiantes, momentos y espacios que se alargan y se alargan hasta llevar a nuestros protagonistas hasta el límite de la cordura.

Las interpretaciones están muy bien (aunque el malogrado Blas Jaramillo, que estaba genial como cura en Satanás está muy sobreactuado y pese a ser adrede, cuesta de digerir) y la trama, que por momentos parece no avanzar, consume los nervios de los protagonistas casi rendidos, casi entregados a un destino anunciado que no pueden evitar y consume los nervios de un espectador que sufre con sus protagonistas que pese a todo, parecen no tener escapatoria.

Al final la película te atrapa, te inquieta, te noquea y lo que es peor, regresa a tu mente tras su visionado para seguirte atormentando. Una muy buena película.

Pues de momento es todo por hoy. Visto el éxito seguiré viendo películas de la lista de Daniel. De hecho, además, otras tres  película que ya había visto de la lista (Los viajes del viento sobretodo y muy especialmente, María llena eres de gracia y Los colores de la montaña) me parecen muy recomendables. Así que algún día, volveremos con una segunda edición de la lista. Aunque creo que al ritmo que voy de visionados va para largo...

Por lo pronto regresaré en breve por esta sección hablando de cine chileno. Espero que veais algo de cine latino mientras tanto.

Películas que veo con mi hijo: Triplete veraniego en cines

Antes de empezar "temporada" un par de cosas.

Mi intención es empezar a utilizar mucho más el  facebook de Lost Highway Blog, no solo para anunciar los posts del blog (como hacía hasta ahora) sino como complemento de éste, como de hecho muchos de vosotros hacéis hace ya tiempo. En realidad este final de agosto ya he empezado a hacerlo (ahora tenemos por allí trailers de Sitges, el trailer de "The master", el nuevo videoclip de Bob Dylan o el reciente y flamante cortometraje ganador de ayer en Venecia y que os recomiendo no os perdáis). Hace unos meses tuve problemas con el antiguo facebook y perdí todos mis seguidores,aún no he recuperado ni la mitad, así que si os apetece haced un "me gusta" y os prometo noticias e informaciones que por su brevedad caen mucho mejor en facebook que en el blog. El twitter sí que lo vengo usando y va a cobrar especial importancia durante los festivales para haceros llegar opiniones inmediatas, así que será también importante este "año".

Antes de empezar el septiembre he querido actualizar (no lo estaba) la barra lateral con las puntuaciones de los estrenos del año que he visto, no son muchos, sobretodo si los comparamos con los del año pasado, pero no está mal. Ahí está todo lo que no había puesto y lo que he visto este verano, incluída Prometheus :)

Y poco más, empieza septiembre y estoy aquí de nuevo con ilusión y con un mes que ya se va a teñir mucho de Sitges, antes de la crónica diaria de la primera quincena de octubre, una vez esté en el festival. Pero además de previos y noticias de Sitges este mes también voy a recuperar alguna sección del blog que inicié este año y que tengo por ahí medio olvidada. Gracias por seguir aquí y espero que dure. Suerte a todos.

Películas que veo con mi hijo

Pues hace ya muchas semanas que no actualizo esta sección y la verdad es que Gerard, cada vez ve más películas (aunque cuesta terminarlas) y el trabajo en el blog se acumula. Voy a ponerme las pilas y voy a empezar por las tres películas de animación que hemos visto durante el verano... EN EL CINE!!!!

Todo empieza cuando pienso que sería chulo hacer debutar a mi hijo en el cine con Brave de Pixar, sobretodo porque yo no me la pienso perder y la ocasión parece ideal. Pero con poco más de dos años y con lo movido que es la duda de si va a aguantar una película entera en el cine es muy grande. Entonces pienso, vamos a hacer algún previo con películas que no me interesan demasiado para que cuando llegue la de Pixar ya tengamos algún referente de como se va a comportar el niño. Y así lo hicimos. Así que a lo tonto este verano Sandra, Gerard y yo hemos visto tres películas de dibus en el cine, por este orden: Madagascar 3, Ice Age 4 y la esperada Brave. A continuación breves reseñas de las tres:

Pues recuerdo ver Madagascar y pasar el rato pero creo que jamás vi la 2 (aunque no estoy muy seguro), así que la tercera parte de esta saga me importaba más bien poco. La sorpresa es que la película merece bastante la pena y seguramente debe ser la mejor de la saga. Es una película muy libre, con un ritmo trepidante, muy alocada, bastante original y muy alejada del cine de animación anquilosado y cursi que va dirigido a los más pequeños. Con mucho humor, con escenas de enormes explosiones cromáticas que hacen que su animación sea muy destacable y con una historia que estando cerca del cine de animación reciente en general y cerca de la saga en particular, se reinventa a través del exceso, Madagascar 3 es sorprendentemente, una película altamente disfrutable y ciertamente reivindicable.

Algo parecido me ocurrió con Ice Age 4. Estoy seguro de haber visto la primera y creo que ya está. Así que interés relativo en esta cuarta (cuarta!!!) entrega. Sin duda la saga está muy alargada y no da para tanto y esta cuarta parte se resiente de ello. La historia se ve con cierto interés en sus primeros minutos y en realidad uno puede pasar el rato con la película, pero pronto empiezan a aparecer todos los tópicos bienintencionados de las películas de animación familiares lastrando con el mensaje la locura que la película (como hacía la previamente comentada) podría haber servido. La animación está bien (hoy día casi todas lo están) pero bastante lejos de las producciones Disney, de la anteriormente comentada y ya no os digo de la majestuosidad de las producciones Pixar o de la artesanalidad irresistible de Ghibli. En definitiva una historia distraída en su primera mitad pero muy tópica y algo torpe en su segunda parte.

Y por fin llega Brave, la película que más ilusión me hacía ver con mi hijo. La verdad es que luego matizaré mi opinión, pero si tuviese que definir con una palabra mi sentimiento al salir de la sala sin duda el término sería decepción. Si por algo se caracteriza Pixar es por intentar innovar en cada una de sus películas en el aspecto técnico y por arriesgarse con guiones alejados de los habituales en el cine de animación. Incluso la fallida Cars 2 tenía unas secuencias animadas de las diversas ciudades en que se realizaban circuitos (incluso una inventada) que bien valían un visionado. Brave (indomable) es una película distraída que se deja ver pero que no aporta nada al cine de Pixar y se asemeja más a una producción Disney actual al uso que a una Pixar. La animación está bien, claro, pero es bastante funcional y claramente inferior a su predecesora. No se ve ningún avance técnico en ella, sino más bien un cierto estancamiento e incluso retroceso respecto a películas anteriores. El guión empieza bastante bien y los primeros minutos parece poseer parte de la originalidad que se le exige a Pixar, pero pronto empieza a caer en tópicos, en moralinas y en excesos bienintencionados. Además la resolución entre la protagonista y la madre oso no solo es cursilón sino, lo que es peor, precipitado y muy mal finalizado.
No voy a decir que me aburrí en el cine, ni mucho menos, pero en general todo me supo a poco. Divertida sí, pero muy alejada de cualquier mínimo rasgo de la genialidad a que Pixar nos tenía acostumbrados con títulos como Buscando a Nemo, Wall-e (para mí aún la mejor), Up o Ratatouille. Una lástima.

En todos los casos el comportamiento de Gerard en el cine fue parecido. Absorbido los primeros veinte minutos, inquieto la siguiente media hora y muy harto de todo (solo los chupa chups y las patatas fritas nos salvaron del caos) en el último tramo de la película acompañada de la reiterativa expresión "nos vamos". Sin embargo, una vez finalizada las tres sesiones el "más, más" no falló en ninguna ocasión y uno era incapaz de entender nada. En cualquier caso la costumbre de ir al cine está iniciada y siempre que el IVA lo permita, tendrá continuación más allá de las películas que vemos en casa.

Por cierto, en realidad este triplete debía de ser poker. Pero el día que le puse al niño el trailer de "piratas", la película de Aardman que también pretendía ver con él me miró muy serio y me dijo "no me gusta". Insistí con buenos modales e intenté provocarle cierto interés, cierta reacción positiva. "Mira, si es muy chula". Me volvió a mirar sin cambiar la expresión. "No me gusta". Se me aparecieron en mente patatas voladoras y caos. Lo volví a mirar. Seguía serio. No fuimos.

En muy breve una reseña de una de las pelis caseras que vemos con asiduidad. Todo un clásico, Blancanieves y los siete enanitos.