125 películas imprescindibles de la primera década del s.XXI (2000-2009) Ultima entrega

101- ONE POINT 0  Director: JEFF RENFROE, MARTEINN THORSSON  Año: 2004

Pude ver hace ya unos años One Point 0 en el Festival de Sitges y me quedé muy impresionado y bastante aparanoiado, por lo que el estreno lamentablemente en dvd (jamás se estrenó en salas) con el título Paranoia 1.0, me pareció tan descriptivo como vulgarmente explícito. One point 0 es una película oscura e inquietante que nos hace seguir los pasos de un informático que trabaja obsesivamente para una compañía de la que no se nos da demasiada información y que empieza a perder los nervios cuando comienza a recibir por correo paquetes vacíos. A su estado anímico no ayuda la extraña comunidad en la que vive, con unos vecinos sórdidos y extraños, especialmente inspirados están dos actores ya de por sí inquietantes, Udo Kier y Deborah Kara Unger, ni su obsesión por el trabajo y por las posibles conspiraciones sobre él. Paranoica visión de un microcosmos aislado por la tecnología y la inevitable soledad, que puede funcionar como metáfora de una sociedad enferma y enfermiza, One point 0 es una obra tan extraña como reivindicable, tan lúgubre, oscura e incomprensible, como lúcida y visionaria.

102- PAPRIKA  Director: SATOSHI KON  Año: 2006

Por desgracia, debo cambiar la filosofía de la crítica que estoy comenzando. Mi intención era hablar de un gran director, Satoshi Kon, que había llegado tras algunos intentos irregulares a la plenitud con Paprika y al que a partir de ahora debíamos seguir la pista como uno de los más grandes y personales creadores del cine moderno, sin embargo, la muy reciente y repentina muerte del director, nos hace enfocar esta crítica desde el más sincero y triste homenaje y la filmografía cerrada. Satoshi Kon, director que flirtea con el mundo real y otros mundos como el virtual, el de los sueños o el imaginario comenzó su andadura en los largometrajes con Perfect Blue (1998), una historia innovadora y arriesgada que tiene grandes méritos y un tramo final muy polémico, a continuación realiza Millenium Actress (2001), una película que parte de una muy interesante premisa para, según mi opinión, irse desmoronando conforme avanza el metraje, sin dejar por ello de hacer la película recomendable por sus intenciones y su atrevimiento. En el 2003 da una tregua a sus mundos paralelos para realizar la poética Tokyo Godfathers una deliciosa aventura con grandes dosis de humor y diversión que es un bello canto a la tolerancia. En el 2006 realiza su mejor película que es por desgracia, su última obra completa. En Paprika, el psiquiatra Atsuko Chiba ha desarrollado un método de terapia revolucionario denominado "PT", un prototipo de máquina experimental gracias a la cual es posible introducirse en la mente de los pacientes para tratar sus ansiedades. Pero uno de los modelos de PT es robado del laboratorio del Dr. Atsuko, y comienzan a utilizarlo para invadir las mentes de sus creadores, destruyendo sus personalidades mientras duermen. Película onírica que transcurre en gran parte en el mundo de los sueños, su atrevimiento, su estructura, su gama cromática, su exceso y su desproporcionada genialidad la hacen una obra maestra contemporánea para un espectador atento, receptivo y abierto de mente, no solo del cine de animación sino del cine en general. Satoshi Kon nos ha dejado y la cantidad de talento que puebla el mundo es hoy sin duda, un poco menor.

103- PONYO EN EL ACANTILADO  Director: HAYAO MIYAZAKI  AÑO: 2008

La última película de ese artista japonés casi heptagenario con alma de niño que tanta gente adora, que tanto ha influenciado a los grandes directores de la animación de hoy en día y que responde al mítico nombre de Hayao Miyazaki es una obra claramente retro que necesita de muy poco para emocionar. Rodada con el método de animación tradicional de colorear los fotogramas a mano, utilizando la acuarela para dar más textura a los fondos marInos y con un argumento tan sencillo e infantil que a veces recuerda (sin llegar a su nivel, claro) a Mi vecino Totoro, Miyazaki demuestra que domina el medio a la perfección y que logra un efecto de sencillez, para una película cuya realización lleva sin duda muchas horas y años de trabajo. Ponyo en el acantilado narra la historia de amor y amistad entre un niño y una extraña pececita con poderes mágicos que quiere convertirse en humana. La película, muy recomendable para los niños, ya que como siempre en la obra de Miyazaki se habla del respeto a la naturaleza y el valor de los sentimientos, es un artístico, depurado y emocionante lienzo que nos sumerge en un bello mundo del que no querremos salir.

104- PUNCH-DRUNK LOVE  Director: PAUL THOMAS ANDERSON  Año: 2002

Por desgracia Magnolia, una de las más grandes películas que ha dado el cine americano reciente es de 1999 y no podemos incluirla en esta lista. Su director, Paul Thomas Anderson, que ya había realizado dos obras tan interesantes como Sidney (1996) y Boogie Nights (1997) emprendía su nuevo proyecto, el primero del siglo que nos ocupa con todas las miradas y las esperanzas puestas en él, sin embargo, el resultado, Punch-drunk love, era tan extravagante que dejó a gran parte de la crítica francamente desconcertada. La película, una comedia sobre un hombre vulgar interpretado con solvencia por Adam Sandler, que vive sometido a sus siete hermanas y cuyas emociones se disparan y dispersan cuando el amor entra por sorpresa en su vida, es una comedia marciana que produce tanta hilaridad como trascendencia, que formalmente innova con encuadres ilógicos y descentrados y que explora nuevos campos para llevar a un género tan denostado y hoy en día estúpido como la comedia más allá de sus límites, buscando su redención o reinvención como género. Paul Thomas Anderson, al igual que otros autores como Trier o Aronofsky es todo menos humilde y como siempre la linea que separa la pretendida genialidad del ridículo es tan leve como opinable. Punch-drunk love está ahí, para que la veas y la juzgues, pero Paul Thomas Anderson ya está por otra cosa.

105- RENAISSANCE  Director: CHRISTIAN VOLCKMAN  Año: 2006

En 2054, París es un laberinto donde todo movimiento es seguido y grabado. Aislada del mundo por su propia protección, la ciudad ha continuado no obstante expandiéndose. Ahora, los rascacielos del siglo XXI recubren las obras maestras centenarias de la arquitectura clásica. Haciendo sombra a todo lo demás se encuentra la compañía más grande de la ciudad, Avalon, que se introduce en cada aspecto de la vida contemporánea para vender su principal producto de exportación: juventud y belleza eternas. Cuando la joven Ilona de 22 años, una de las más prometedoras científicas de Avalon, es secuestrada, Avalon llama a Barthélémy Karas, un policía de París con la merecida reputación de ser capaz de encontrar a cualquiera, sin importar los sacrificios que tenga que hacer para lograrlo.

Película francesa de animación con una estética muy cuidada en un sorprendente blanco y negro, enmarcada en el cine de acción y ciencia ficción claramente influenciada por los cómics de Frank Miller y el cine y novelas de ciencia ficción conspirativa, Renaissance es una sorpresa y una rara avis en la animación europea, que pese a cieros tópicos en su argumento, logra unos resultados exquisitos tanta argumental, como sobretodo estéticamente. Una pequeña joya casi desconocida de la filmografía vecina para auténticos fans de la animación adulta.

106- RETRIBUTION  Director: KIYOSHI KUROSAWA  Año: 2006

El director japonés Kiyoshi Kurosawa, especializado en cine fantástico, es uno de los directores de género más interesante y personal de los últimos años. Podríamos compararlo un poco con el cine de Shyamalan, ya que como él, utiliza el marco del terror para trascenderlo y hablarnos de temas profundos como la culpa, el dolor, la soledad o los problemas de pareja. Durante la década ha ofrecido películas interesantísimas como la que nos ocupa, Seance (2000), Kairo (2001), película con la que se dio a conocer en Occidente y para muchos, su mejor película o su última obra, en este caso totalmente alejada del fantástico Tokyo Sonata(2008).

En Retribution, el detective Yoshioka intenta atrapar a un peligroso asesino en serie. La investigación toma un rumbo inquietante cuando sus propias huellas y varios objetos que le pertenecen aparecen en el lugar de los crímenes y hasta en los cadáveres de las víctimas. Kurosawa se toma su tiempo, usando largos y estáticos planos marca de la casa, para explicar una historia tan inquietante como extraña, con instantes de auténtico escalofrío y que nos sumerge en la mente de su protagonista, en su locura, en su culpa, en su soledad. Un estimulante ejercicio de estilo muy recomendable para conocer una de las voces más personales y coherentes del nuevo cine nipón.

107- SARABAND  Director: INGMAR BERGMAN  Año: 2003

Ingmar Bergman, uno de los directores más grandes de la historia del cine, que murió a los 89 años de edad en julio de 2007, nos regaló pocos años antes de morir Saraband, una película rodada para televisión (como venía haciendo desde Fanny y Alexander en el 82) pero que en nuestro país se estrenó en cines. La película, una continuación de Secretos de un matrimonio rodada en 1973, es decir treinta años atrás, retoma a su protagonistas. Tras divorciarse, Johan y Marianne perdieron el contacto durante muchos, muchos años. Johan, ahora un profesor jubilado, acude a su casa de verano en Dalarna. Marianne, que prosiguió su carrera como abogada, decide pasar a visitarle. Pequeña pieza de cámara, teatral, sustentada en el guión y en las excelentes interpretaciones, Saraband es una especie de epílogo a los temas que Bergman ha tratado durante toda su vida. La mirada del maestro en plena vejez es serena, sencilla, directa y humilde, aunque continúe siendo dolorosa. Bergman vuelve a hablarnos de él mismo, de sus miedos, de sus miserias, de sus obsesiones, de su incapacidad para amar, del sentimiento de culpa que ha arrastrado durante toda su vida y lo hace con un guión duro y preciso, que consigue captar el alma y el dolor de sus personajes. Bergman fue uno de los grandes y Saraband, muy superior a sus últimas producciones para televisión, una auténtica guinda de caviar para cerrar su filmografía.

108- SECRET SUNSHINE  Director: LEE CHANG-DONG  Año: 2007

El director coreano Lee Chang-dong, que ya había realizado tres películas de extrema dureza y que habían conseguido gran prestigio en festivales especializados, consigue con su cuarta película Secret Sunshine, que se estrena en nuestro país, ponerse en lo más alto de la órbita cinéfila, presentarle en Cannes y ganar el premio a a mejor actriz. Su última película Poetry, también ha sido seleccionada para la Sección Oficial de Cannes de este año, donde además se llevó el premio al mejor guión.

Secret Sunshine es una película dura e inusual y un auténtico descenso al más extremo dolor del alma humana, sus consecuencias y aquello a lo que el ser humano se agarra para sobrevivir. Interpretada de forma sobrehumana por Jeon Do-Yeon, la película se divide en dos partes, la que se produce el dolor y la parte en que la actriz hace lo posible por buscar sentidos a su vida. La soledad, los intereses creados, la religión como tabla de salvación pese a sus intereses mezquinos, lo que queda cuando no queda nada; todos estos temas y muchos más son tratados por el director coreano con parsimonia, sin estridencias melodramáticas, sin acentos en los discursos a los que se dirige la película. Una película que no se parece a nada, que reinventa de alguna manera el melodrama y que nos sublima a un director al que deberemos seguir sí o sí.

109- SIN CITY  Director: ROBERT RODRÍGUEZ y FRANK MILLER  Año: 2005

Sin City, es la adaptación a la pantalla grande de una serie de cómics de Frank Miller, que el mismo co-dirige junto a Robert Rodríguez y dicen que con la colaboración de Tarantino, lo que visto el resultado, no seria de extrañar. La película más que una adaptación del cómic, es una auténtica plasmación del cómic tal cual es a la pantalla. Sin city es una ciudad sin reglas, recargada, barroca, donde los maleantes campan a sus anchas y donde la hiperviolencia y el sexo están a la orden del día. La película se centra en tres historias del cómic más una cuarta a modo de prólogo. La potencia visual de la película, casi al en blanco y negro al 100% es realmente espectacular y las historias que cuenta, aunque irregulares, tienen la fuerza suficiente para mantener el pulso a las imágenes. Hipnótica, fascinante y sexy, Sin city es acción y cine negro en viñetas de celuloide, con un espectacular reparto y diversión a raudales. Solo queda esperar la segunda parte que esta anunciada para 2011 y esperar que continúe manteniendo el nivel de la primera.

110- SPIDER  Director: DAVID CRONENBERG  Año: 2002

El superior director canadiense David Cronenberg, de quien ya hablamos en el top-25 a raíz de Una historia de violencia, comienza la década con la también sublime Spider, que nos cuenta la historia de un esquizofrénico, interpretado con solvencia por Ralph Fiennes y sus peripecias para desentrañar ciertos actos y sucesos de su infancia que han marcado su vida pero que se confunden en su mente. Con el rigor, la clase, la elegancia y la sobriedad a la que Cronenberg nos tiene acostumbrados estos últimos años, el director construye un fascinante y laberíntico rompecabezas, ya que la película lo que pretende es introducirse en la mente de un enfermo e ir explicando la historia desde la subjetividad de éste, con todos los nudos, vericuetos y agujeros oscuros que su memoria oculta. Una auténtica pesadilla esquizofrénica que produce tanto terror como ternura y que encumbra, más si cabe a su genial director.

111- STRINGS  Director: ANDERS RONNOW KLARLUND  Año: 2004

Strings es una curiosa película de animación, co-producción entre diversos países nórdicos de Europa, cuyo principal aliciente y novedad es que está hecha con marionetas. Éstas, en vez de ocultar sus hilos, los integran no solo en la espectacular estética del film, sino incluso en la narración. El guión de la película, sobre reyes, celos, venganzas y ansias de poder, nos remite a Shakespeare. El viaje que emprende el protagonista, es un viaje iniciático lleno de sentimientos y aventuras enmarcado en una animación tan bella y poética como original y novedosa. Una película hecha con extremo mimo.Una pequeña joya a descubrir.

112- SWEET SIXTEEN  Director: KEN LOACH  Año: 2002

Pan y rosas (2000), La cuadrilla (2001), Sweet sixteen (2002), Solo un beso (2004), El viento que agita la cebada (2006), En un mundo libre (2007) y Buscando a Eric (2009), son las películas que ha realizado durante la presente década el prolífico y combativo cineasta inglés Ken Loach. De entre rodas ellas, la mayoría muy recomendables, yo me decanto con claridad por Sweet sixteen (en algunos lugares traducida como Felices dieciséis) como su mejor película de la década. Acompañado por su guionista habitual Paul Laverty (que ganó el mejor guión en Cannes por esta película), Loach nos explica la historia de un joven de deiciséis años, que pretende tomar los mandos de su familia desestructurada, ahora que su madre va a salir de la cárcel, pero que lo hace de la forma equivocada, metiéndose en terrenos peligrosos, de los que quizás después no podrá salir. Loach firma la ilusión y el dolor de este chaval, condenado quizás por su entorno, con el realismo y el lirismo necesario como para poner al espector el corazón en un puño. Lejana de la excesiva  demagogia, de alguna de las más recientes realizaciones de su director, Sweet Sixteen emerge como retrato impactante y brutal de un joven condenado a permanecer en el lado de los perdedores.

113- THE DESCENT  Director: NEIL MARSHALL  Año: 2005

Tras debutar con Dog Soldiers (2002), película de terror que no auguraba demasiadas esperanzas, el realizador inglés Neil Marshall sorprende a propios y extraños con la que es, una de las mejores películas de terror puro y duro de la década. Seis amigas, con algunos traumas y problemas que resolver, deciden pasar el fin de semana haciendo espeolología, pero desgraciadamente quedarán atrapadas bajo tierra y lo que es peor, en los túneles no están solas. Una primera parte cercana a un film de aventuras, da lugar a una segunda parte asfixiante, claustrofóbica, estresante, salvaje y realmente terrorífica. Sin coartadas, sin demasiadas explicaciones, Marshall da paso a un festín brutal de sangre, miedo y desesperación sin tregua para el espectador y consigue una película casi redonda, aclamada y reivindicada desde entonces, por los fans del terror.

114- THE EYE  Director: DANNY PANG y OXIDE PANG  Año: 2002

De película de terror, a película de terror y tiro porque me toca, sin embargo, si quieres ver The eye, debes saber que tu corazón debe ser lo suficientemente fuerte como para soportar el auténtico TERROR. Dirigida por los hermanos gemelos Pang, está película de Hong Kong, ofrece los primeros tres cuartos de hora más terroríficos que yo he visto en mi vida (y lo digo en serio, y he visto muchíiisimo cine de terror). Si realmente quieres vivir la experiencia (yo siempre he creído que una auténtica película de terror debe dar miedo), no confundas esta película con su lamentable remake americano, mírala en versión original con subtítulos (sino no es lo mismo) y mejor que no estés solo en casa, porque sino descubrirás, cuando termine el film, que a veces crees que estás solo y realmente no lo estás. Dirigida con una maestría deslumbrante, logrando los sustos más prolongados, las escenas de tensión más largas y los escalofríos más electrizantes jamás experimentados, los hermanos Pang consiguen una primera mitad brutal, que queda empañada por una segunda mitad que se decanta por el thriller convencional, que entra en terrenos que ya conocemos y que tras la primera parte resulta decepcionante. Sin embargo, como espectadores, incluso quizás agradezcamos esa relativa vulgaridad del segundo tramo. Noventa minutos a aquel ritmo nos hacían padecer por nuestra salud.

115- THE SKY CRAWLERS  Director: MAMORU OSHII  Año: 2008

El realizador japonés Mamoru Oshii, realizador de la mítica película de anime Ghost in the shell, ha dirigido durante la presente década, a parte de la película que nos ocupa, otras dos grandes obras, Avalon (2001) en imagen real y Ghost in the Shell 2: Innocence (2004), la continuación anime de su obra más famosa y que por lo menos, está al nivel de la original. También, sin embargo, ha dirigido películas tan infumables como Amazing Lives of the Fast Food Grifters (2006), que por desgracia, sufrí en Sitges.

En The sky crawlers, Oshii traza un triste retrato de animación futurista, donde las guerras no existen, aunque se mantienen como espectáculo, como deporte, podríamos decir. La película se detiene en la vida de los "especiales" niños que protagonizan estas guerras, y lo hace retratando sus tiempos de espera entre batalla y batalla, sus dudas, su melancolía, su falta de motivación y de esperanza. Con una animación espectacular en las escenas de acción aérea y de languidez mate en el resto de secuencias, el director nipón nos brinda una película que como es habitual en él, se acerca a la filosofía, a la esencia misma del desencanto y nos muestra la paulatina evanescencia de los sentimientos en las vidas que retrata. Una obra mayor y bellamente triste.

116- TODO O NADA  Director: MIKE LEIGHT  Año: 2002

Hace tiempo, una mañana, perdí mis gafas de sol que había comprado años atrás en un mercadillo. Al llegar al trabajo comenté la noticia con tristeza y una compañera me preguntó "¿eran buenas?", a lo que yo contesté tras una breve reflexión y con cierta indignación. "No, pero eran las mías". Un poco es lo que le ocurre a la familia de Todo o nada. Y es que Mike Leight, un prestigioso director británico que durante esta década también realiza las apreciables El secreto de Vera Drake (2004) y Happy-Go-Lucky (2008), nos presenta en Todo o nada una familia al borde del precipicio, a los que la espiral de la vida ha vencido y ha robado gota a gota la autoestima, a los que la esperanza de una vida mejor se les ha vertido por las alcantarillas de la autocompasión, de la parsimonia, de la falta de confianza. Una familia con miembros obesos rendidos a su físico, con trabajos vulgares rendidos a su suerte, a los que la derrota ha agriado el carácter hasta hacerse daño entre ellos mismos. La familia de Todo o Nada no son más que unas gafas de mercadillo, pero es lo que tienen y se quieren sin planteárselo, pese a que sea un hecho desgraciado el que revitalice sus relaciones e incluso sus pretensiones. Dice un amigo que el final, relativamente feliz, es el más triste de la historia del cine porque impide a sus protagonistas la ruptura que necesitan como necesaria para darles la oportunidad de cambiar. No sé si estoy de acuerdo, pero como tema para filosofar con unos cubatas, es fantástico.

117- TROPICAL MALADY  Director: APICHATPONG WEERASETHAKUL  Año: 2004

Apichatpong Weerasethakul es un director de cine tailandés que acaba de hacerse recientemente con la Palma de Oro en Cannes con su última película Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (2010) y que representa un tipo de cine radical no tanto formal como conceptualmente  adorado por la crítica más intelectual tan difícil de asumir como de explicar en palabras. Vamos a hacer un esfuerzo. Tras llamar la atención en 2002 con la rompedora y contemplativa Blissfully yours, Weerasethakul irrumpe dos años después en Cannes con la película que nos ocupa y llena las plateas de opiniones encontradas y desconcierto.

Tropical Malady es una película compuesta por dos partes sin aparente conexión argumental, pero que quizás podrían estar unidas desde un punto de vista conceptual, siendo una la pesadilla y los miedos sugeridos en la otra, o quizás el encuentro personal de uno de los dos protagonistas con sus propios temores, o con sus ancestros o con las leyendas populares de su pueblo o quizás no tengan nada en común y nuestros esfuerzos por darle coherencia sean culpa de nuestra mente racional.

La primera parte nos habla con cierto desdén narrativo de una historia de amor homosexual que se nos muestra tan natural que se hace extraño en una sociedad en la que no abundan las libertades. La segunda parte es el deambular de uno de los protagonistas por el bosque sin otro motivo aparente que la supervivencia. Weerasethakul hace cine vanguardista y radical y desestructura la narración hasta límites nunca vistos, creando una sensación de absoluto aburrimiento para la mayoría, pero de sublime y misteriosa fascinación incorpórea para otros. Una película recomendable para cinéfilos abiertos, atentos y capaces.

118- UN HOMBRE SIN PASADO  Director: AKI KAURISMÄKI  Año: 2002

El director finlandés Aki Kaurismäki es uno de los directores más originales del cine de autor europeo actual, con un estilo tan peculiar como reconocible en todas y cada una de sus películas. Un hombre sin pasado es la mejor película suya de una década, en la que solo nos ha regalado otro largometraje, Lunes al atardecer (2006) que es un poco inferior.

La sinopsis es la siguiente: un hombre que ha perdido completamente la memoria debe reiniciar su vida en una zona marginal, junto a seres humanos apartados de la sociedad. A partir de aquí, el director finlandés muestra sus marcas de estilo características, personajes artificialmente pasivos tanto en sus gestos, como a la hora de mostrar sus sentimientos, un humor tan flemático como marciano, un quietismo formal aliñado de momentos determinantes en que la acción sucede fuera de campo y una parsimonia exagerada que invade las acciones y reacciones de unos personajes que parecen pasear por la película ajenos a todo, incluso a sus propias vidas. La sensación que recibe el espectador, mezcla la estupefacción con la sonrisa, el lirismo con la ternura. Pensé en su momento seriamente incluir a Un hombre sin pasado en el top-25 y pese a que acabé descartándola quiero recomendarla muy fervientemente porque seguramente, en su momento, me equivoqué.

119- UP  Director: PETE DOCTER y BOB PETERSON  Año: 2009

La última película Pixar de la década es, como no podría ser de otra manera, una nueva obra maestra. Nos explica la historia de un viejo gruñón a quien quieren demoler la casa y un joven explorador, condenados a vivir una aventura en común. Publicitada como película en 3D, aunque con un sutil y elegante uso del mismo, la película, tierna, triste, alocada, divertida, cuenta con un inicio brutal, de una tristeza feroz, en que se nos resume sin palabras la vida del anciano y su relación con su mujer, para girar después hacia una divertida, pero no tan genial aventura, más cercana a otras producciones de Pixar y también más cercana al público infantil al que también quiere dirigirse y que no entenderá la dimensión de los primeros minutos hasta muchos años después de su primer visionado. Con Pixar solo cabe esperar que se mantengan y Toy Story 3, parece que va a seguir con el nivel de la compañía.

120- V DE VENDETTA  Director: JAMES McTEIGUE  Año: 2005

Me enfrenté a la película V de Vendetta, sin haber leído el cómic del genial Alan Moore en el que se basa, así que a diferencia de otras películas basadas en sus cómics como Watchmen (en la que sí lo había leído), me pude enfrentar a la película como tal, como cine y sin los prejuicios y comparativas de quien antes  ha leído la obra en la que se basa. Dicho esto, y sin poder comparar por lo tanto si la película es mejor o peor que el cómic, V de vendetta es una de las mejores películas basada en un cómic de la década y una de las ideológicamente más revolucionarias. Los que conozcáis a Allan Moore, ya sabréis que su estilo es pedante, intelectual y sobretodo moralmente ambiguo. En esta ocasión la crítica política es el centro del relato y el héroe, como también ocurría en Watchmen, se toma la justicia por su mano, aunque para ello deba ejercer el terrorismo. ¿Está entonces el héroe por encima del bien y del mal? ¿Podemos diseñar una historia a partir de un héroe terrorista? La película te sacude y te hace pensar en temas morales al límite mientras te brinda un espectáculo de acción con imágenes oscuras y muy cuidadas y una brutal interpretación, rapada de cabeza incluída, de la maravillosa Natalie Portman.

121- VEINTE AÑOS NO ES NADA  Director: JOAQUIM JORDÀ  Año: 2005

Joaquim Jordà, es uno de los mejores documentalistas que ha dado el cine español, aunque como siempre se ha mantenido al borde del sistema, no se le ha dado la publicidad que merecía. Fallecido en el año 2006, Jordà nos deja dos espléndidos documentales durante la década De nens(de niños) en el 2003 y Veinte años no es nada, más otro documental que dejó medio terminado antes de su muerte, Mas allá del espejo (2006) que también merece la pena. Los dos primeros documentales citados son de un nivel brutal y sí he incluído este entre las 125, es porque su digestión es más sencilla, sin embargo, si queréis ver un documental brutal y claramente antisistema, inclinaos por De nens.

La experiencia autogestionaria de los trabajadores de la fábrica Numax, a finales de los setenta, quedó recogida en un documental que ellos mismos decidieron que se hiciera, y que encargaron a Joaquim Jordà en el momento en que estaban a punto de cerrar. Se tituló Numax presenta... (1979). Aquellas imágenes, recuperadas, junto con la situación de los trabajadores tantos años después, conforman Veinte años no es nada y llevan a reflexionar sobre las últimas e intensas décadas que nos ha tocado vivir, para descubrir la fragilidad de los ideales de juventud y ofrecer "una historia de transición" con minúsculas. Una película que Jordà lleva al terreno de confesión que requiere y que muestra el devenir de los años y la pérdida de los ideales o el conformismo, con la sutilidad de quien lo vive sin darse casi cuenta, con la tristeza de quien lo sufre en la ignorancia.

122- VOLVER  Director: PEDRO ALMODÓVAR  Año: 2006

La tercera y penúltima película de Almodóvar en la década, es quizás la que de forma unánime más ha gustado a público y crítica. Y no es de extrañar, ya que se trata de una película casi perfecta y hermosa. Nos habla de tres generaciones de mujeres y sus problemas para tirar adelante, sus miedos, sus esperanzas y sus secretos. Con unas imágenes made in Almodóvar donde cada plano es arte, un guión menos rocambolesco de lo habitual (aunque sea el guión creíble o no, Almodóvar lo usa siempre como vehículo para hablar de sentimientos), dosis de drama, dosis de humor y surrealismo y una música hermosísima, Almódovar crea un tierno canto a la vida, al perdón y a la mujer que queda gravado en la retina y en la memoria. En cuanto a las interpretaciones todas están espléndidas (Carmen Maura, Lola Dueñas, Yohana Cobo, Blanca Portillo), pero lo de Penélope Cruz es superlativo (no sé si existe una palabra más superlativa que superlativo), camina, se mueve, ríe, se pone seria, llora, corta pimiento, se lanza a cantar (en una escena que trasciende emocionalmente hacia lo sublime) y compone un personaje vivo y real, de gran vida interior, de grandes matices, en una de sus mejores actuaciones, elevando a la película de su amigo Pedro, a un nivel aún superior al que su director buscaba.

123- WHISKY  Director: JUAN PABLO REBELLA y PABLO STOLL  Año: 2004

Película uruguaya dirigida por los jóvenes Rebella y Stoll, tras la también exitosa 25 Watts (2001), y que desgraciadamente es la última película que podrá dirigir Juan Pablo Rebella, que se suicidó dos años después.

Montevideo, Uruguay. Jacobo Köller es el dueño de una modesta fábrica de medias y eso parece ser lo único en su vida monótona. Marta es su empleada de confianza. La relación entre ellos nunca excede lo laboral y está marcada por el silencio y la rutina. Esta monotonía se ve súbitamente amenazada por el anuncio de una inesperada visita del hermano de Jacobo, Herman, residente en el extranjero, con quien no parece tener contacto desde hace años. Whisky comienza cuando Jacobo se permite pedirle ayuda a Marta para sobrellevar la situación. A partir de sutiles detalles y de una parsimonia tan excesiva que parece impostada, los directores consiguen explicarnos la historia de estos personajes vulgares y torpes, moviéndose entre el humor flemático y la tristeza infinita. Heredera directa del cine del maestro finlandés Aki Kaurismaki, la película se nos antoja, básicamente triste, quizás porque verla ahora nos remite al suicidio de uno de los dos directores y la tristeza de los personajes, se funde con la suya.

124- Y TU MAMÁ TAMBIÉN  Director: ALFONSO CUARÓN  Año: 2001

Pese a haber hecho una película tan apreciable como Grandes esperanzas (1998), Alfonso Cuarón sorprendió al inicio de la década con la excepcional Y tu mamá también, película isla en su filmografía no sólo por su temática y su filosofía sino por su enorme calidad, que no consigue superar hasta ahora pese a realizar con posterioridad otra gran película titulada Hijos de los hombres (2006).

Y tu mamá también, es una road movie mexicana con los dos actores más de moda del pais, Diego Luna y Gael García Bernal, a los que se une la española Maribel Verdú. Los tres realizan un extraño viaje en busca de una playa apartada del mundo que es tan iniciático, como concluyente. Los hechos que vivirán serán únicos, intensos, efímeros y los separarán para siempre. Tratado muy sincero sobre los límites de la amistad, los tabúes sexuales, las esperanzas que se pierden por el camino, las pasiones que nos unen y los secretos que nos separan, la película no solo muestra la peripecia de los tres protagonistas, sino que deja aparecer tangencialmente a algunos personajes que se cruzan con ellos y a los que la cámara sigue un momento para abandonar a continuación. Todo ello da una sensación de vida que fluye, de historias que podríamos tratar pero que abandonamos, que enriquecen una película brillante, sensual y triste, con interpretaciones brillantes y una bella y sexy Maribel Verdú en estado de gracia.

125- ZODIAC  Director: DAVID FINCHER  Año: 2007

Aunque para muchos quizás la película de la década del apreciable director David Fincher sea El curioso caso de Benjamin Button (2008), según mi opinión la coherente y valiente Zodiac, está muy por encima del resto de películas de la década del director.

Thriller sobre el famoso "Asesino del Zodiaco", un asesino en serie que entre los años 1966 y 1978 asesinó a un número indeterminado de personas en la zona de San Francisco, al tiempo que enviaba cartas con pistas, a modo de juego, a los medios de comunicación. La historia se centra en las largas pesquisas de dos detectives que intentaron darle caza, así como las de dos periodistas que intentaron averiguar su identidad...

La película renueva a su manera los cimientos del thriller, ya que nos muestra la larga y densa búsqueda del asesino, más que los actos del asesino en sí. Valiente en una propuesta que el director consigue llevar hasta el final, obsesiva y desasosegante, Zodiac, se toma su tiempo para explicar una historia de investigación y búsqueda, donde la policía y los periodistas están tan desconcertados y avasallados por la información, como los espectadores en algunos momentos del metraje.

APÉNDICE

Todo listado de películas depende de la subjetividad de cada uno, pero además, hay un punto de azahar y de decisión final, que hace que finalmente incluyas o no una película en un listado de estas características. Para reparar cualquier tipo de injusticia he decidido incluir en la lista 75 títulos más, con algunas películas que finalmente fueron descartadas y  otras con las que pretendo que se abran nuevos campos en cuanto a géneros o directores. Obviamente faltarán películas, algunas que a vosotros os gustarán quizás a mi no me han gustado y otras quizás no las he visto, porque aunque he visto mucho es imposible abarcarlo todo. Con estas 75 películas, la lista asciende a 200 películas imprescindibles de la década y ha sido un proyecto muy cuidadoso con el que he pretendido dar a conocer el cine de la década intentando dar cabida al máximo de países y de géneros, sin por ello traicionar mis gustos y preferencias. Han sido muchas horas de trabajo, pero creo que el resultado vale la pena. Cualquier aportación que vosotros hagáis, con películas que faltan según vuestro criterio a esta lista, sumará en diversidad y hará más interesante el listado actual. Espero que lo hayáis disfrutado.

126- 21 gramos (2003). La segunda película de Iñárritu es una devastadora historia de culpa y redención con el estilo fragmentado y desordenado que impone el guionista Arriaga.

127- Ab-Normal Beauty (2004). Malsana historia de terror psicológico dirigida por uno de los hermanos Pang con la solvencia visual que les caracteriza, acompañada en este caso de un buen guión.

128- Avalon (2001). Incursión de Mamoru Oshii en el cine de imagen real, con una película de realidad virtual que remite a Matrix y a Existenz de gran poder de fascinacion.

129- Bing-bang love juvenile A (2006). Uno de los directores más salvajes, revolucionarios y sin complejos del nuevo cine nipón, ofrece una de sus películas más experimentales y nos habla de una historia de amor, crimen y redención en un contexto gay y con una estética elaboradísima.

130- Borat (2006). A falta de largometraje de South Park en esta década, la película de humor más gamberra y radical. Humor muy bestia y muy políticamente incorrecto.

131- Brother (2000). Primera película de Kitano en la década que nos ocupa y la única de cine de yakuzas, al estilo violento e hiperbólico a que nos tenía acostumbrados, aunque en este caso, con ausencia de poesía.

132- Caótica Ana (2007). Médem ofrece una de las mejores horas de cine español de la década, para ir bajando el nivel y terminar con veinte minutos imposibles de justificar.

133- Charlie y la fábrica de chocolate (2005). Una de las más estimulantes películas infantiles de la década, pasada por el universo Burton.

134- Código 46 (2003). Apasionante película de ciencia ficción del ecléctico Winterbottom, con ideas muy interesantes y un futuro oscuro, desolador y lo que es peor, creíble.

135- Contra la pared (2004). Desgarrador drama con el que el director alemán Fatih Akin, se dio a conocer en el panorama cinéfilo.

136- Corrupción en Miami (2006). El genial Michael Mann ofrece imágenes orquestadas de forma sinfónica en una de las películas de acción más elegantes de la década.

137- De nens (de niños) (2003). Jordà nos habla de la pederastia y de los problemas de la justicia y de los juicios paralelos de la prensa, en una obra valiente que arremete contra el poder y que se atreve incluso a tratar temas moralmente difíciles de reflexionar. Un documental brutal e imprescindible, solo apto para quien sea capaz de, al menos plantearse, mirar de otra manera

138- El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007). Larguísimo western muy estilizado formalmente, que posee un tramo final que se encuentra entre lo mejor visto en años.

139- El castillo ambulante (2004). La, probablemente,  peor película de Miyazaki de la década es muy superior a casi todo el cine de animación realizado durante estos diez años. Otra más del gran genio japonés.

140- El experimento (2001). Antes de El hundimiento, Oliver Hirschbiegel realizó este claustrofóbico drama carcelario, en que las más bajas pasiones del ser humano, quedan terroríficamente retratadas.

141- El hombre que nunca estuvo allí  (2001). La segunda película de los hermanos Coen en la década, es este ejercicio de cine negro en esteticista blanco y negro, que se llevo la mejor dirección en Cannes de aquel año, ex-aquo con Lynch.

142- El jardinero fiel (2005). Tras ciudad de Dios, Meirelles se pasa al inglés en esta crítica al poder de las empresas farmaceuticas que huele a cine clásico.

143- El luchador (2008). Darren Aronofsky dirige esta película ambientada en el mundo de la lucha libre donde Mickey Rourke ofrece la mejor interpretación que yo he visto en años, tan sublime que cualquier adjetivo le queda pequeño.

144- El protegido (2000). Brillante película del entonces infalible M. Night Shyamalan, inferior a El sexto sentido, pero superior a casi todo lo que ha hecho después.

145- El tiempo del lobo (2003). Una de las películas menos valoradas de Haneke, que ofrece una apocalíptica historia realista y brutal que puede producir pesadillas.

146- En la cama (2005). El chileno Matías Bize realiza este sexy drama con golpes de efecto que es fresco, auténtico y posee unas escenas de cama rodadas con bella y original sutileza.

147- Gerry (2002). La película más radical de la década de Gus Van Sant, un radical ejercicio de estilo sobre la desesperanza vital y abstracta.

148- Ghost in the shell 2: Innocence (2004). Brillante y filosófica continuación de fundacional Ghost in the shell. Un ejercicio visual e intelectualmente brillante.

149- Gomorra (2008). Realismo sucio italiano para retratar el mundo de la mafia actual italiana, la camorra, en una película que se aleja de la visión glamorosa con que el cine retrata a la mafia.

150- Hable con ella (2002). La película con que Almodóvar se llevó el Oscar al mejor guión, no está entre mis favoritas del director, aunque sí entre las mejores de la década.

151- Haze (2005). Brutal mediometraje de Shinya Tsukamoto, claustrofóbicoy salvaje.

152- Idiots and angels (2008). Película de animación del irreverente Bill Plympton, mucho más poética y menos splastick, que sus anteriores películas.

153- In this world (2002). Agobiante falso documental de Winterbottom, sobre unos afganos que quieren cruzar la frontera ilegalmente. Necesaria, valiente y muy bien realizada.

154- Intacto (2001). Uno de los mejores thrillers de la década del cine español, dirigido por el debutante Juan Carlos Fresnadillo y que cuenta con algunas secuencias espectaculares y memorables, un guión meritorio y novedoso y una realización muy eficaz.

155- Kairo (2001). Fantasmas tecnológicos y gentes condenadas a la soledad en la película que dio a conocer a Kiyoshi Kurosawa en Occidente.

156- La mala educación (2004). Almodóvar consigue una crítica pésima con esta película pasada de vueltas, mucho más reivindicable que alguna de las pretendidamente serias del realizador, en las que pierde parte de su encanto salvaje y pulp.

157- La teta asustada (2009). Película peruana de la interesante Claudia Llosa, que trata con mimo, poesía y realismo mágico, un tema tan duro como los traumas que suceden a una violación.

158- La vida en tiempos de guerra (2009). Solondz retoma a los personajes de Hapyness, interpretados por otros actores, en una película que es digna predecesora de la obra maestra de Solondz, y éso ya es mucho.

159- Lilja 4-ever (2002). El interesante director sueco Lukas Moodysson, realiza este brutal alegato sobre la prostitución ilegal, tan tremendista como impactante.

160- Los espigadores y la espigadora (2000). Agnès Varda realiza un espléndido y original documental donde va elevando la anécdota a lo sublime y la grabación digital a arte.

161- Los mundos de Coraline (2009). El director de Pesadilla antes de navidad, realiza una personal, inquietante y oscura película de animación, en espléndido 3D.

162- Los ríos de color púrpura (2000). Mezcla de thriller y cine de acción e incluso terror en una película francesa que tiene escenas de lo más sobradas y excesivas y que es reivindicable como entretenimiento sin prejuicios.

163- Los tres entierros de Melquíades Estrada (2005). Tommy Lee Jones dirige con sobriedad este western crepuscular tocado por la varita del guionista Guillermo Arriaga.

164- Los viajes del viento (2009). Producción colombiana en que el joven Ciro Guerra aleja la acción de las grandes ciudades y la trama de drogas, para mostrarnos pueblos, exquisitos y bellos paisajes y la tradición musical de un país, a partir de una historia de amistad entre un juglar y su discípulo parca en palabras y en que los sentimientos fluyen con elegancia sutileza.

165- Mar adentro (2004). Alejandro Amenábar se pasa la melodrama, gana un Oscar y consigue hacernos llorar con el biopic del tetrapléjico Ramón Sampedro y su lucha por una muerte digna.

166- Million dollar baby (2004). Oscar para Clint Eastwood y su película, en esta historia de boxeo y gente dura con tema polémico en el tramo final de su metraje, dirigida con la elegancia y la sobriedad del cine clásico.

167- Mind game (2004). Deliciosa, innovadora y colorista película de animación japonesa, un auténtico regalo para los sentidos.

168- Monstruos, S.A (2001). Otra gran película de Pixar, donde mira de forma diferente la relación entre los niños y los monstruos y dirida, mayormente al público infantil.

169- My blueberry nights (2007). Wong Kar-wai da el salto a Hollywood con esta película de estética fascinante e interpretada con sutil delicadeza por la cantante Norah Jones.

170- New blood (2002). Película de terror de Hong Kong con una fantasma de lo más terrorífico que se ha visto en los últimos años.

171- No direction home (2005). Larguísimo documental de Scorsese sobre los primeros años de Dylan, que no desmerece el arte de ninguno de sus dos artífices. Interesantísimo.

172- No such thing (2002). El muy personal Hal Hartley nos ofrece esta especie de personal y poética revisión del mito de la bella y la bestia, consiguiendo una película especial y cautivadora.

173- Oblivion island (2009). Bella película de animación infantil japonesa con estética 2D, sobre el tránsito de la infancia a la adolescencia.

174- One missed call (2003). El prolífico e imprevisible Takeshi Miike, lleva a su terreno un guión qe nos recuerda a muchas películas de terror, pero que el transforma en una película personal con momentos muy inquietantes y otros en que parece tomar distancia para cachondearse de sí mismo y el género.

175- Open range (2003). Bello y espectacular western rodado e interpretado por Kevin Costner que huele a sensibilidad y a clasicismo. Quizás el mejor western de la década.

176- Persépolis (2007). Película de animación en blanco y negro, adaptación del autobiográfico cómic de la iraní Marjane Satrapi, sobre los prejuicios de la mujer y la ausencia de libertades en Irán y la manera de una joven por encararlos y salir adelante.

177- Primavera,verano, otoño,invierno...y primavera (2003). Bella, esteticista y budista película con la que Kim Ki-duk se dió a conocer en Occidente.

178- ¿Qué hora es allí? (2001). Primera película de la década y espléndido cuento sobre las soledades del interesante y contemplativo Tsai Ming-liang.

179- Ratatouille (2007). Otra espléndida película de Pixar, esta vez enmarcada en el mundo de la alta cocina y los críticos gastronómicos. Un buen plato para cualquier hora y edad.

180- Red Cliff (2008-2009). Rodada en dos partes por John Woo y estrenada vergonzosamente en nuestro país como Acantilado Rojo con la mitad de metraje, una auténtica filigrana visual con momentos de batalla épica espectaculares y otros de un minimalismo poético espléndido. Un auténtico lujo.

181- Serbis (2008). El filipino Brillante Mendoza radicaliza su discurso con esta película sobre los ruidos de Manila y una familia de falsa moral que regenta un cine porno. Escandalosa y subversiva, es auténtico aire fresco para el cinéfilo convencido.

182- Shara (2003). Otra extraña, espiritual y etérea película de la realizadora japonesa Naomi Kawase.

183- Shrek (2001). La productora Dreamworks sorprendía con esta irreverente cinta de animación que invertía con mucha mala leche los cuentos clásicos y que hoy día queda empañada por el cansancio que producen sus insulsas secuelas.

184- Soñadores (2003). Interesante película sobre un triángulo amoroso ambientado en el mayo del 68, con la solvencia de un gran director como Bernardo Bertolucci, que trata el tema de los ideales contrapuestos a la realidad, en esta extraña y sensual historia de amor a tres bandas.

185- Spiderman 2 (2004). Auténtica exhibición de virtuosismo formal por parte de Sam Raimi, en esta segunda parte de Spiderman, la mejor de largo de la saga, en parte debido a un guión que se toma su tiempo con la historia y los personajes.

186- Star wars. El ataque de los clones (2002) y La venganza de los Sith (2005), cierran la polémica trilogía precuela de la guerra de las galaxias, con más revuelo mediático que espectadores y buenas críticas. En todo caso, obligadas para fans y curiosos y completistas de la saga.

187- Steamboy (2004). Única, pretenciosa y espléndida, película de animación de la década de Katsuhiro Ôtomo, el realizador de la mítica Akira.

188- The jacket (2005). Interesante y paranoico thriller fantástico, con una deliciosamente sobreactuada Keira Knightley.

189- The promise (2006). Espectacular aventura épica, enmarcada en los mundos de leyenda del realizador chino Chen Kaige, tan romántica y visualmente bella que te dejará fascinado.

190- Thirst (2009). Park Chan-wook entra de lleno en el fantástico con esta extraña película de vampiros de inusual potencia final y con un final espectacular.

191- Tokyo godfathers (2003). Espléndida comedia de aventuras del recien desaparecido Satoshi Kon. Una delicia.

192- Tres monos (2008). Última película del turco Nuri Bilge Ceylan, uno de los cineastas más interesantes del panorama actual, que realiza una película de inusual fuerza estética e interesante conflicto moral.

193- Una película hablada (2003). El portugués Manoel de Oliveira, que acaba de cumplir 101 años y sigue haciendo películas, nos brindó este film pausado, literario, lento e intelectual, ideal para descubrir su cine atemporal.

194- Vals con Bashir (2008). Especie de autobiografía y documental que utiliza el género de la animación para explicar las brutalidad y el conflicto moral de un combatiente en la guerra del Líbano en el 82. De imágenes tan brutales como bellas, una película diferente a todo.

195- Vampire Hunted D: Bloodlust (2000). Entretenida y espectacular película japonesa de animación dirigida por el director de la mítica Ninja Scroll.

196- Wallace & Gromit: la maldición de las verduras (2005). Salto al largo de la mítica y artesanal animación con plastelina del estudio Aardman, con sus personajes Wallace y Gromit metidos en una original, surrealista y divertida aventura.

197- Wonderful town (2007). Romance y drama se dan la mano en esta película tailandesa post-tsunami, en que el peso de la tragedia y las vidas mermadas sobrevuelan sutilmente una pantalla llena de imágenes sutilmente impactantes.

198- Working man's death (2005). Brutal y físico documental de denuncia, sobre algunos de los trabajos más extremos que se realizan a lo ancho y largo del mundo. Impactante, estremecedor y en ocasiones, inapropiadamente bello.

199- XXY (2007). La argentina Lucía Puenzo debuta con esta prometedora película sobre secretos, sexualidad y sensualidad, brillantemente interpretada y rodada con inusual belleza decadente.

200- Yi Yi (2000). La película del realizador taiwanés Edward Yang, es un fresco familiar de casi tres horas tan sutil, que no te darás cuenta de lo buena que es sino estás lo suficientemente receptivo para observar en el detalle, en el matiz, la auténtica verdad de todo.