sábado, 31 de mayo de 2014

Crónica DocsBarcelona 2014 (1)

Pues ya estamos sumergidos en el Docs 2014. En un par de posts pasaré a comentar y analizar lo que vamos a ver durante este festival, que como cada edición, está ofreciendo un nivel muy notable e interesante. Como siempre de lo que más a lo que menos me ha gustado.

Ai Weiwei: never sorry

Aunque el festival estrena la segunda parte de la historia del artista chino, para los que como yo aún no habían visto la primera (que incluso se estrenó comercialmente) DocsBarcelona la reponía. Y la verdad es que quedé muy impresionado y fascinado por la persona y por extensión, por la película. Es cierto que quizás la cinta tiene un pequeño altibajo en su tramo central y que queriendo o sin querer mantiene algunos claroscuros sobre el personaje de Ai Weiwei, como esa colaboración en la construcción de El Nido con el Gobierno chino o esos asuntos económicos algo turbios. Pero cualquier pequeño defecto de narración queda eclipsado por la potencia de la historia y de Ai Weiwei. Porque la cinta no solo habla de un artista fascinante (lo de las pipas es brutal) sino de un activista que poco a poco se va posicionando contra el gobierno chino hasta que (aún en la actualidad) paga las consecuencias. La cinta es un canto a la libertad de expresión, a la valentía de unos pocos, un clamo contra la injusticia del gobierno y sobre todo nos muestra una forma de vivir y pensar artística, de genio. Hay momentos de piel de gallina, como toda la historia del terremoto y su investigación y exposición posterior. Es de esas películas que te abre mundos y te quieres poner a ver todo lo que ha hecho ese hombre, documentales y obras y lo sigues en twitter y te interesas por como está hoy en día y te estiras de los pelos por no haber visto su exposición de Berlín, que quizás jamás se repite. Un personaje grande, hipnótico, que hace de la película una auténtica maravilla imprescindible. 

Coach Zoran and His African Tigers

Después de muchos años de guerra civil, el Sudán del Sur se independiza del Sudán del Norte. En la ilusión por emerger como estado deciden fundar una selección nacional de fútbol que se enfrente al resto de países africanos y que intente llegar al mundial. Para tal utópica labor eligen a un experimentado entrenador en llevar equipos africanos y asiáticos, un personaje tan extremo como entrañable y sobre todo leal y consecuente, el serbio Zoran Djordjevic. La búsqueda de talentos por el país se convierte casi en una odisea pero se lleva a cabo con la ilusión del entrenador y de un grupo de hombres que ansían triunfar en el fútbol y cambiar su destino y el de sus familias. Pero los propósitos son rotos por la realidad. La pobreza del nuevo país, las enfermedades y la desidia de las autoridades acaban con el proyecto. Nadie se salva del fracaso, ni los jugadores, ni los mandatarios, ni el entrenador, ni el país. Así, la cinta es una desesperanzadora muestra del fracaso, de los sueños rotos, de como la corrupción y los odios rompen en dos a países del tercer mundo y sus proyectos. La cara pobre del fútbol, del deporte, de la vida.

Locos por las partículas

Se ha montado un pollo en el mundo físico. Un invento que ha sido construido durante varios años está a punto de ponerse en funcionamiento. Como resultado se pretende encontrar el verdadero sentido del universo. El pasado y el futuro. Se busca la partícula de Higgs, también conocida como la partícula de Dios. Poco importa que la película esté cargada de terminología técnica que se nos escapa. Al final, lo importante es seguir un grupo de personas apasionadas por su trabajo. La pasión por la ciencia se nos muestra de una forma jovial y directa, pegadiza. Poco importa perderse en algunos tramos de la explicación. Se pretende evolucionar. Llegar al fin. Obtener todas las respuestas. Y ocurre lo predecible. La respuesta formula aún más preguntas. Y de nuevo surge la pasión por responderlas. Y éso lo entendemos todos. Como se dice al final de la película "las cosas que menos importan para nuestra supervivencia son precisamente las que nos hacen humanos". Arte y ciencia de la mano. Adictiva a ratos. Otros algo espesa.

Confesiones de un banquero

En primera persona un banquero nos explica como desde los años 70 llevan practicando negocios al límite de la legalidad que han terminado por desencadenar la crisis actual y la diferencia brutal entre unos muy pocos ricos y unos muchísimos pobres. Y detrás de la crisis se esconden, según sus declaraciones, no solo negligencias y egoísmos sino muchos intereses que no serían tan difíciles de atajar. La película, que solo concreta en un discurso denso y a ratos aburrido todo aquello que a grandes rasgos ya sabemos, funciona como película casi de terror. La economía mueve al mundo, un mundo que ha perdido el rumbo y la dignidad. Y no hay demasiado arrepentimiento de los que están arriba del sistema, pero lo que es casi peor, el dinero tampoco les ha hecho demasiado felices. Así que perdemos todos y gana el capitalismo feroz. Una película serena y que tiene un momento brutal. Una elipsis obligada por el entrevistado que no quiere explicar algunos temas delante de la cámara y que por ello se nos antoja lo peor. Peor que lo narrado. Lo que es difícil. Mejor no ver si uno no quiere terminar de mal humor.

Ai Weiwei :the fake case

Y terminamos por donde emepzamos. Pero decepcionados. La continuación de la historia de Ai Weiwei sigue los pasos del artista  en su arresto domiciliario. Su vida, a lo Panahi, es algo deprimente. Intenta luchar ligeramente contra el sistema pero sin demasiada fuerza. En el fondo ha perdido el punch. Ha ganado el sistema. Y éso me indigna. Porque el héroe de la primera película me ha durado 24 horas. Ha perdido. Y no tenemos tantos héroes. Además de esta decepción personal también he de decir que la cinta tiene poco que explicar e intenta aprovechar el filón y el tirón de Ai Weiwei para realizar una segunda película por ahora innecesaria. Quizás se habría tenido que esperar a que algo pase. Algo de verdad. Que es problable que ocurra. Y el cartel un timo por cierto. No me sirve apoyarse en lo de fake para justificarlo. Una auténtica decepción.

Nos quedan algunos títulos aún por ver. En la segunda crónica terminamos de reseñarlos. El Docs aún continúa todo el fin de semana en Barcelona. Os esperamos.

miércoles, 28 de mayo de 2014

10 propuestas para el DocsBarcelona 2014

Aunque desde el lunes hay pases para prensa y actividades, hoy se inaugura oficialmente el DocsBarcelona 2014, uno de nuestros festivales favoritos, al que tenemos mucho cariño. Y se lo tenemos porque año tras año demuestran una profesionalidad excelente, un trato con nosotros ejemplar y una programación que es raro que baje del notable. Y además detrás hay un equipo de profesionales que durante todo el año trabajan potenciando proyectos y distribución relacionada con el mundo del cine documental. Así pues, estos cinco días es la punta del iceberg de un trabajo ejemplar y muy necesario.

Otra cosa que me gusta del Festival DocsBarcelona es que a la hora de visionar películas, pocos nombres conocidos nos harán ir hacia un lado u otro de la bastante extensa programación y así, terminaremos por ver cintas y por introducirnos en mundos muy diversos y que quizás minutos antes desconocíamos o no teníamos pensado profundizar. 

Aquí diez propuestas para disfrutar de este festival que durará hasta el domingo, aunque lo mejor es que cada uno elija sus favoritas pasándose por la web del mismo y consultando la programación aquí

Y para todos aquellos que no seáis de por aquí, podéis aprovechar a ver alguna de las películas que participan en esta edición a través de Filmin y recuperar títulos que han triunfado en anteriores ediciones, entre ellas la imprescindible ¡Vivan las antípodas!

Os dejo con el spot de esta edición y a continuación con 10 de las propuestas si ningún orden de preferencias.





Título: The Good Son
Director: Shirly Berkovitz
País: Israel 2013 52min
Sinopsis del festival: ¿Qué pasa por la cabeza de un joven que decide cumplir su sueño a cualquier precio? ¿Dónde está el límite entre la realización personal y la fidelidad y honestidad hacia tu familia?
Nos unimos a la increíble historia de Or, un chico de 22 años que, mintiendo a sus conservadores padres, decide seguir adelante a cualquier precio. ¿Será capaz después de afrontar las duras consecuencias de hacer su sueño realidad?
Sección: Inauguración
Trailer:

The Good Son - Official Trailer from Noam Pinchas on Vimeo.



Título: Five Days to Dance
Directores: Rafa Molés, Pepe Andreu
País: España 2014 77min
Sinopsis del festival: Una pareja de bailarines aparece una mañana en el aula de un instituto. Es lunes y anuncian a un grupo de adolescentes que tienen cinco días para subirse a un escenario y bailar. Una semana para cambiar las cosas. Un pequeño plazo pero un gran reto: mover a las personas cuando el mundo nos paraliza.
La danza obliga a esos jóvenes a romper sus roles justo en el momento de sus vidas en el que los roles sociales se están forjando. El líder deja de ser el más admirado, el tímido da un paso adelante... Bailar les obliga a tocarse. Se comunican, se igualan. Alguno no se liberará hasta el último instante.
Wilfried Van Poppel y Amaya Lubeigt son los coreógrafos. Él holandés, ella vasca. La danza es el lenguaje común. No importa el lugar. Cinco días, una clase de adolescentes, un microcosmos en el que sucede un pequeño big-bang.
Sección: Clausura
Trailer: 


Título: Ai Weiwei – The Fake Case
Director: Andreas Johnsen
País: Dinamarca 2013 79min
Sinopsis del festival: Tras pasar 81 días en prisión completamente aislado, el artista chino Ai Weiwei es puesto en libertad bajo arresto domiciliario. 18 cámaras lo vigilan constantemente, la policía sigue de cerca todos sus movimientos y su proceso judicial contra el gobierno chino parece no tener fin. Ai Weiwei está trastornado, padece alteraciones en el sueño y pérdida de memoria, pero buscará sin cesar nuevas maneras de provocar y burlar a las poderosas autoridades chinas en su lucha incansable a favor de los derechos humanos. Cree firmemente que China está preparada para un cambio, y hará cualquier cosa que esté a su alcance para conseguirlo.
Sección: Oficial
Trailer: 

Título: Bugarach
Directores: Ventura Durall, Sergi Cameron, Salvador Sunyer

País: España, Alemania 2014 90min
Sinopsis del festival: Bugarach es un pequeño pueblo del sur de Francia que vive tranquilo y aislado del mundo hasta que los medios de comunicación internacionales anuncian que será el único pueblo de la tierra que sobrevivirá al día del Juicio Final. La llegada de excéntricos forasteros empieza a incomodar a los vecinos: el alcalde intenta controlar la situación; Slide, un niño mago, encuentra la oportunidad perfecta para ser famoso; Uranie es un milenarista que tiene un plan para su propia salvación; Mirko es un niño obsesionado con las armas que quiere proteger al pueblo y Monsieur Pouce, un estudioso de la región que asegura haber encontrado el cuerpo de Cristo bajo la montaña. Todos ellos, junto con cazadores y campesinos de la zona y la gente que acude al pueblo para salvarse o por simple curiosidad, configuran un paisaje de vacío existencial al que cada uno de ellos se enfrenta a través de sus sueños y sus miedos
Sección: Oficial
Trailer:

Título: Demonstration
Directores: Victor Kossakovsky y 32 estudiantes
País: España 2013 70min.
Sinopsis del festival: 2012, un año de protestas masivas en todo el mundo, España es escenario de dos huelgas generales contra los planes de austeridad del gobierno. En Barcelona, los manifestantes se congregan en diversos puntos de la ciudad y la policía utiliza balas de goma para controlarlos. Las tiendas y oficinas cierran, unas por voluntad propia, otras forzadas por los acontecimientos. En el mismo momento, en el Teatro del Liceu, se representa el ballet Don Quixote de Ludwig Minkus.
En los dos días de huelga general, 32 estudiantes del Master en Documental de Creación de la Universitat Pompeu Fabra se lanzan a la calle con sus cámaras para registrar los hechos desde diferentes puntos de vista, siguiendo las indicaciones del director ruso Victor Kossakovsky. El resultado es un film-ballet en que los personajes, los sonidos y las situaciones encontrados se combinan con la música de Minkus en una mezcla reveladora que produce un efecto imprevisible
Sección: Oficial
Trailer: En esta web 

Título: Belleville Baby
Director: Mia Engberg
País: Suecia 2013 73min.
Sinopsis del festival: Después de 8 años de silencio, Mia recibe una llamada. Ella le ha intentado olvidar, ahora ya es otra persona, pero esta conversación telefónica, y todas las que seguirán, la harán viajar al París donde se enamoró locamente.
Una película de amor sobre el tiempo y las cosas que se perdieron por el camino. Llamadas entre antiguos amantes y viejas grabaciones de la ciudad de la luz. Un universo íntimo, pasional, bello y tortuoso.
Sección: Nuevas miradas
Trailer: 

Título: My Stuff
Director: Petri Luukkainen
País: Finlandia 2013 80min
Sinopsis del festival: Petri tiene 26 años y se siendo completamente perdido. Abandonado por su novia, acorralado por una enorme hipoteca y con una tarjeta de crédito al límite, Petri siente que su vida está vacía mientras su piso está lleno de cosas.
Hay algo que echa de menos, así que decide averiguar qué es lo que realmente le falta embarcándose en un experimento con tres reglas: durante un año todas sus pertenencias materiales estarán en un almacén, sólo podrá recuperar una cada día y estará prohibido comprar nada de nuevo.
Sección: Nuevas miradas
Trailer: 

Título: Particle fever
Director: Mark Levinson
País: EEUU 2013 99min
Sinopsis del festival: Imagina cómo debió ser el momento en que Edison encendió la primera bombilla, o cuando Franklin recibió su primera descarga de electricidad. Locos por las partículas ofrece a los espectadores un asiento en primera fila para presenciar el descubrimiento científico más significativo e inspirador de nuestra generación: El “Gran Colisionador de Hadrones”, un acelerador de partículas que permite recrear las condiciones que existían unos instantes después del Big Bang y que da respuesta a la pregunta universal: ¿Qué somos y de dónde venimos?
10.000 científicos de más de 100 países se unen para presenciar el gran momento. Pero nadie dijo que fuera fácil.
Un retrato apasionante y humanizador de la élite científica, a menudo incomprendida.
Sección: Sesiones especiales
Trailer:


Título: Coach Zoran and His African Tigers
Director: Sam Benstead
País: Reino Unido 2013 75min
Sinopsis del festival: El Sudán del sur se independizó en julio de 2011, después de haber vivido más de 50 años de guerra civil. A pesar de que las memorias de un gran número de víctimas de la violencia todavía están presentes, la nueva nación busca conseguir un lugar dentro del mundo del fútbol formando su primer equipo nacional. El hombre encargado de realizar esta tarea es el serbio Zoran Djordjevic, un entrenador veterano, dinámico y muy ambicioso. El film sigue el equipo durante su primer año, desde la búsqueda de nuevos jugadores hasta la compra de la mascota - la oveja Champion - pasando por los primeros partidos internacionales. El estilo agresivo e incluso dictatorial de Zoran provoca conflictos con la federación de fútbol y varios políticos. Mientras la euforia de la independencia se apaga, el equipo se encuentra afectado por peleas internas, malaria y la crisis económica que también afecta el nuevo estado. Un retrato único y lleno de comicidad oscura del nacimiento de una nación.
Sección: Sesiones especiales
Trailer: 



Título: Land in Sicht
Directores: Judith Keil, Antja Kruska

País: Alemania 2013 93min
Sinopsis del festival: Abdul, de Yemen, Farid de Irán y Brian de Camerún viven en Brandeburg (Alemania) bajo el asilo político del gobierno. A pesar de estar dispuestos a buscar una vida mejor se encuentran atrapados en este pequeño pueblo. Sin permiso de residencia, la vida fuera del asilo les es prácticamente imposible.
Durante un año seguimos a los tres protagonistas y su lucha por acceder a la educación, el trabajo, el amor y el gran anhelado derecho de residencia. Sus vidas chocan constantemente con la idiosincrasia alemana: en fiestas populares, en la administración, en las discotecas de Berlín… Una visión próxima, reveladora y con sentido del humor de una extraña nueva patria.
Sección: Sesiones especiales
Trailer: 

jueves, 8 de mayo de 2014

Crónica D'A, Festival de cinema d'autor Barcelona (2): Resto de propuestas.

Más allá de Stray Dogs hubieron muchas propuestas en el D'A que estuvieron en el notable o se acercaron. A continuación un pequeño repaso de todos estos títulos ordenados de más a menos según mis preferencias. Todos ellos recomendables. Y al final. Un apéndice con el resto de cintas, menos interesantes.

Ilusión es la ópera prima del guionista Daniel Castro, una cinta de muy poco presupuesto, mucho talento y verdades como puños que nos narra en poco más de una hora las desventuras de un pobre guionista que quiere ganarse la vida como tal y que para ello renuncia (al menos en un principio) a un trabajo convencional, con tal de perseguir su sueño. Pero la realidad se termina imponiendo, más o menos. Con gags antológicos, sin dejar de divertir ni abandonar jamás el tono de comedia, la película logra tocar la fibra de todos aquellos que nos sentimos o nos hemos sentido soñadores vagando por un mundo que nos corta los sueños. Es muy difícil lograr trascender sin dejar jamás el gag y ser gracioso, así que Ilusión se coloca como la mejor comedia española del año hasta ahora (y dudo que alguien, a no ser Paco León le arrebate el puesto una vez finalizado el año). A parte del guión y la dirección, la interpretación del propuio Castro es un hallazgo, gracias a su vis cómica entre tierna y patética. Aire fresco. Genial.


Hong Sang-soo, un cineasta coreano que no solo juega con la repetición dentro de cada de sus películas, si no además entre todas ellas, se desmarca muy poco de su cine habitual en Our Sunhi, una historia sobre tres hombres enamorados de la misma mujer (fíjate tú que uno es profesor y otro director de cine con una peli en su haber) que le manifiestan su amor después de consumir cantidades preocupantes de alcohol y visitar bares varios. Las repeticiones más allá de la cierta artificialidad onírica de The day he arrives, se toma aquí como un ingrediente más del genial humor que impregna el relato. Y es que Our Sunhi es la película más cómica de Hong Sang-soo, llena de gags afortunados que esta vez sí (porque se lo llevan diciendo hace mucho) nos recuerdan a Allen. Confusiones varias, personajes muy patéticos y muy borrachos pero que desprenden ternura y una chica muy paranoica pero tan hermosa como siempre, son suficientes ingredientes para que Our Sunhi nos arranque la sonrisa e incluso la risa durante su visionado.


La ópera prima de Justin Malle, interpretada por Esther Garrel, llamaba la atención por la condición de película de hijos ilustres. Pero más allá de un par de bromas algo condescenientes con la novelle vague, Jeunesse es una película con la suficiente personalidad como para tener en cuenta y aislarla de sus predecesores. Es una película de esas que se suelen etiquetar como de aprendizaje,de paso de la adolescencia a la edad adulta. A la mirada serena de Justin Malle ayuda otra mirada, en este caso real, la extrañamente cansada de su protagonista, inapropiada de su edad. Esther Garrel lleva el peso de la película y sale airosa. Su personaje intenta evadirse de todo pero sufre, el amor, la enfermedad de su padre que no quiere asumir, como de alguna manera no quiere asumir esa realidad adulta que cada vez se le acerca más. Sutil y certera, frágil y natural, Jeunesse sin hacer ruido toca la fibra. Una ópera prima notable, muy a tener en cuenta.


Masacrada durante el festival por gran parte del público estuve a punto de renunciar al segundo pase de White Shadow, una película de Tanzania producida por Ryan Gosling sobre la marginación y el peligro al que se enfrentan los albinos en aquel país africano. Suerte que terminé por verla porque me pareció una de las propuestas más estimulantes del festival. Es cierto que el guión, aún no sé con seguridad si adrede o por incompetencia, se diluye durante su metraje. Pero da igual. la película se entiende perfectamente con lo que hay y se disfruta (o éso me ocurrió a mí) como experiencia sensorial, como relato fantasmagórico, artístico, casi onírico que le cae muy bien para explicar una historia que en el fondo es un pesadilla tremenda. Asesinatos, paisajes que parecen sacados del peor de los sueños, crítica social, claro, pero enmarcada en un ambiente de extrañeza y actores en parte amateurs nos relatan esta historia tremebunda, extraña y a veces hermosa. A descubrir.
Esta cinta independiente americana fue una de las películas más disfrutables del D'A que de alguna manera también abría su programación a gente más cercana al cine comercial, pero lo hacía con una película notable y efectiva, con un pie en los relatos de los Coen y otro en el cine de venganzas. Un asesinato del pasado, un hombre con problemas mentales dispuesto a vengarse, una familia desestructurada y mucha violencia componen una cinta efectiva y con mucho ritmo, que parece tener un pie en el cine clásico y otro en el cine moderno de venganzas rocambolescas. Sin descuidar jamás a sus personajes, Blue Ruin te atrapa en su brutalidad y de alguna manera en su humanidad para terminar con la seguridad de que estamos en un mundo enfermo y viciado, donde las cosas tienden a complicarse por nuestra inutilidad a la hora de afrontarlas. Pudo haber estado en Americana. Maldito presupuesto. Lástima.



El cine griego suele ser fuente de polémica desde que Canino irrumpiera recientemente en los festivales internacionales. Ahora, claro, ellos lo saben y aprovechan la circunstancia para intentar provocar al espectador con productos extraños y alucinados. El problema es que muchos de ellos se quedan en la mera provocación sin argumentos. Luton está ahí, ahí. Un montón de actos sin demasiado sentido, alargados, a veces desagradables, nos muestran absurdos retazos de la vida de tres personajes extraños. A su favor, distrae, casi atrapa. En su contra, nos acerca el fantasma de la provocación gratuita. Un acertado giro final parece cambiarlo todo. No solo es brutal, si no que además, de alguna manera viene a justificar el resto del relato, su pausa, su monotonía, su desquiciada rareza. Luton no será del gusto de todos, pero te remueve las entrañas, te extraña, te indigna, te cansa y te sorprende. Hoy en día, muchísimo.


Había visto un par de películas del reputado director canadiense Denis Coté, la experimental Bestiare y la correcta, pero demasiado visra en el cine de autor reciente Curling. Vic+Flo ont vu un ours es mucho mejor que las anteriores pero además es cero previsible, lo que me hace valorarla aún más. Una extraña y pausada historia de amor entre dos mujeres de cierta madurez, sobre todo una de ellas, marcadas por un pasado criminal en un pueblo de mala muerte. Los sentimientos, certeros, muy sutiles, fluyen. Las dos actrices dotan a las protagonistas de una humanidad y una verdad admirables. Todo resulta. Todo parece de un naturalismo perfecto. Pero hay una amenaza. Y todo peligra. Los pasados cuentan. Y la parte final de la cinta es tan sorprendente como terrorífica y en última instancia bella. Una película muy a tener en cuenta para quienes buscan rarezas con sentido.



La primera película que veo del filipino Lav Díaz, en principio era su cinta más accesible. Solo duraba 4 horas (suelen durar el doble) y era mucho menos contemplatica de lo que lo son muchas de sus otras películas. La historia de un asesinato y un falso culpable le sirve al director para hablarnos de las diferencias de clases, de la cobardía de los ideales, del perdón, del extremo sentido de culpabilidad. Algunas secuencias son impresionantes. Otras muy bellas. El mensaje desolador. Pero las cuatro horas (y sabéis que no me afecta el cine contemplativo, que lo es a medias) tienen mucha paja. Hay escenas muy largas que nos muestran momentos de la vida de los protagonistas que rompen, con su duración, el ritmo de la narración. Quizás en una cinta que no explicase casi nada podría resultar, pero aquí se carga el ritmo de la historia. Y la primera hora es difícil de aguantar. Un previo para situarse que pasa factura. Muy interesante. Recomendable, incluso diría. Pero difícil e irregular.

Harmony Lessons, cinta del Kazajstán con muy buenas opiniones por gran parte del público asistente, nos habla con sobriedad y mucha austeridad y frialdad de un caso de tortura a niños por parte de las autoridades locales. Mucha dureza y encuadres muy bien ejecutados para una cinta que según mi opinión tiene el handicap de que ya la he visto en otras ocasiones. Quizás su punto más destacable es esa falta de empatía con el espectador, con ninguno de los protagonistas. Pero también puede girarse en su contra y ser su mayor handicap. Cuando la película, por sus méritos artísticos no te dice demasiado y te echa constantemente de implicarte emocionalmente en la historia, pues cuesta.
Por lo demás, pasajes hermosos mezclados con otros feos. Seca y a veces impactante. Y muy localista. Curiosa, interesante, pero en mi opinión, no mucho más. 



Bruce La Bruce, ese director que llenaba sesiones golfas de Sitges con marcada acento gay con sus cintas de zombies pornos y gores, da un paso atrás en lo explícito y en lo salvaje y nos cuenta una emotiva historia de amor entre un joven y el hombre mayor al que cuida en la residencia. Lo más logrado es la citada historia de amor, que funciona pese a la extrema diferencia de edad entre los dos protagonistas. No me gustan tanto los puntos cómicos o algo morbosos (solo digo algo morbosos) muy autocomplacientes, como para demostrar que el tío autor gay trash de detrás de la cámara no se ha perdido en algo mainstream, cuando la poca provocación sobra por completo. Corta y divertida tiene ese aire de cine de los finales de los setenta, ochenta, cuando cierto cine gay independiente rompía las convenciones, fresco, pero con un acabado técnico muy superior al de entonces. Divertida, a veces tierna y disfrutable.



Y acabamos con las películas más recomendable de esta edición del D'A según mi siempre muy particular opinión con esta extrañísima propuesta que estuvo en internet y gratis hasta hace muy poco en los visionados de #Littlesecretfilm, estas cintas que para llamar la atención se deben rodar en 24 horas y con normas restrictivas a lo Dogma. La vedad es que Uranes es una película muy desconcertante y que puede fulminar a parte del público en sus primeros minutos. Montada a partir de muchas fotografías y algo de imagen real, la película viene a ser una especie de thriller de ciencia ficción alucinado, que coge bastante sentido tras su final y que merece la pena como nueva forma de expresión, en este caso con dinero casi inexistente pero con algo que contar y con ideas diferentes de como hacerlo. Es la muestra que se puede ofrecer algo digno,extraño, que puede gustar más o menos pero que tiene carácter, como cine experimental baratísimo y con sentido.



En principio iba a realizar un tercer post con las películas que menos me han interesado de esta edición, pero como me parece un post muy antipático as voy a aglutinar aquí, en modo de apéndice, con muy breve comentarios. Dentro de las aprobadas por los pelos estarían Curling, la cinta de Coté a la que aludía antes sobre seres perdidos que deambulan con final abierto y que pese a tener su interés me produjo mucho déjà vu, lo mismo que me ocurrió con Medeas, correcta pero excesivamente previsible y que prefiere mirarse el ombligo que profundizar en unos personajes que son tópico y fantoche. Muy admirada por muchos de los espectadores del D'A, no lo comparto. Aunque se deja ver. Ahí en el aprobado dudoso están la cinta francesa de Philippe Garrel La Jalousie, una estupidez ombliguista sobre la fugacidad del amor que se salva por los actores pero que pretende ser lo que no es, The major, una de acción y policías corruptos rusa con nervio pero muy olvidable y Un castillo en Italia, la muy floja inauguración, una comedia dramática de mujer muy insoportable que se queda en terreno de nadie.
Las cinco cintas suspendidas son Bestiare, pero no porque sea mala dado su precepto. Es una cinta experimental y geométrica sobre encuadres de animales en diferentes lugares. Nada más. No me ineteresa pero no engaña a nadie. Innecesaria. Los dueños, una gran decepción argentina mal contada y que alarga una anécdota a una película, sin ritmo ni interés. Lily ojos de gato, una tontería española que pretende ser un retrato generacional y quizás lo sea, pero Dios, líbrame del mal de ser tan cretino y gilipollas. Vacía, mal hecha, mal interpretada, muy mala. Peor aún es la película rumana Cuando cae la noche sobre Bucarest o Metabolismo, tan pretenciosa como su título sugiere y un canto a la vacuidad absoluto. Muy alabada por los cinéfilos presuntamente más concienzudos. Allá ellos. Y VidaExtra, el experimento de deconstrucción del cine, deconstruye mi paciencia y mi cerebro. Postureo. Nada.

Cerramos aquí la cobertura de un D'A que un año más ha demostrado estar a la altura como el festival referencia de los cinéfilos de Barcelona. Hasta la próxima edición. 

miércoles, 7 de mayo de 2014

Crónica del D'A, Festival de Cinema d'Autor de Barcelona (1): Stray Dogs

Con un importante éxito de público y una organización ejemplar (el único pero, ese sistema de entradas que provocó algunos leves retrasos) terminó el domingo la cuarta edición del D'A, un festival que no hace faltar ya decir que está asentado y que es un referente cinéfilo de la ciudad de Barcelona. Más allá de los dos premios (que claro, no he visto, si no habría rota una racha brutal), el del público a Sobre la Marxa (cantado tras las entusiastas reacciones tras su proyección) y el de la crítica al nuevo talento a Mouton, he visto un total de 23 películas (alguna ya la había visto en algún otro certamen) con resultados, como no, variopintos, aunque el nivel general es casi notable y además, muy consecuente con el tipo del festival que representa. Sin más, vamos a ir repasando en los siguientes posts todos estos títulos vistos. Vamos a dividir la crónica en tres partes. La primera está dedicada exclusivamente a mi título favorito del festival, Stray dogs de Tsai Ming-liang. En la segunda aglutinaré los títulos que merecen la pena con críticas mucho más breves y en la tercera y última os hablaré muy por encima de todo aquéllo que para mi, personalmente, no merece demasiado la pena. 

Mi película favorita del D'A, tras estos días de reflexión con mucho diferencia, es la taiwanesa Stray Dogs, de uno de los directores más personales y brillantes de la filmografía mundial actual, Tsai Ming-liang. 
Antes que nada advertir, como muchos ya sabréis, que es una película que siembra la discordia por allí por donde pasa, cosechando más aversiones extremas que elogios convencidos. Y, ¿por qué? Pues es muy sencillo de explicar. Gran parte del mundo, y el cinéfilo es un reflejo más del mundo en el que vivimos, no está preparado para detenerse, por completo, y observar. Tsai Ming-liang no solo rueda con la lentitud contemplativa a la que nos tiene acostumbrados, si no que en esta ocasión, incluso detiene el tiempo y además fragmenta la narración en pasajes que no tienen porque estar ordenados cronológicamente o no tienen porque ocurrir siempre en el plano de lo real. Y por lo tanto el visionado es por un lado exigente para con el espectador y por otro el espectador debe comulgar con esa no narración que más allá de la historia busca y logra captar la esencia. Los que no comulgan con dicha narración, están en su derecho. Los que digan que la película es totalmente vacua mienten, o adrede o eclipsados por su propio tedio.

Vamos a analizar con cierta brevedad, aunque con algo más de profundidad a lo que este blog, sin duda más pop, os tiene acostumbrados, tres de los aciertos por los que considero que Stray dogs brilla y me convence.




Primero, porque a partir de planos secuencia, algunos muy largos y casi siempre con la cámara fija, Tsai Ming-liang nos muestra un mundo desolador y deshumanizado que se ha girado a las personas que lo habitan. Una película muy necesaria en estos tiempos de crisis, pobreza y dificultades económicas que golpean a muchos de los habitantes del planeta. Una cosa es obvia en el argumento de la película y no admite interpretación. El personaje protagonista masculino, malvive ejerciendo su trabajo de hombre anuncio, expuesto a las inclemencias de un tiempo hostil. Su sueldo da para poco. Vivir con sus hijos ocupando algún espacio, comer en la calle, lavarse en lavabos públicos. Todo ello le genera un enorme dolor, una tristeza infinita, como se ve en la acongojante secuencia, larguísima, en que canta y llora desconsoladamente ante la cámara mientras sostiene su anuncio. Pocas veces se ha captado de forma tan certera y cruel el dolor infinito de una persona con sus circunstancias. 




Segundo,como suele ocurrir en todas las películas de Tsai Ming-liang, los personajes se mueven por el mundo como fantasmas, sin relacionarse con el resto de mortales, casi invisibles. Lo que en esta ocasión adquiere un sentido más profundo que nunca, ya que la soledad del individuo no es solo en la búsqueda del amor como en The Hole o El sabor de la sandía, si no es la profunda soledad de un hombre pobre y vencido por la sociedad, ante ella y sus mandatos inexorables pero también ante sus iguales, los que viven situaciones parecidas. Podríamos hacer miles de películas explícitas sobre este momento que estamos viviendo, de puro egoísmo, que nos hiciesen reflexionar y nos tocasen el corazón. Tsai Ming-liang no está para ésto, lo expone sin renunciar a su estilo, tan enajenado como los personajes que habitan la cinta y logra una comunión estilística y conceptual de una cinta que dialoga con él mismo y que en gran parte lo margina, incomprendido por muchos. En esa genialidad absoluta reside otro de los grandes méritos de una película única.





Y tercero (y aquí no leáis los que no queráis spoilers porque hago una interpretación personal de la trama), aludiendo de nuevo a esa característica de personajes fantasmales en las cintas de Tsai Ming-liang, creo que en ésta ocasión en algunas partes de la película los fantasmas lo son en el plano real y justifican mucho de lo que ocurre y  esa renuncia al tiempo, detenido en la eternidad más opresiva. ¿Qué me hace pensar en ésto? Varias secuencias. Quizás algunas secuencias aluden como explicaba antes a esa vida miserable del protagonista mientras estaba vivo, malviviendo, avergonzado. Quizás. Porque quizás también todo podrían ser repeticiones de un alma perdida en el abismo de un mundo (el de los vivos que ya no le pertenece), sin poder pasar al otro. La secuencia clave que explicaría que tanto el hombre como la mujer son fantasmas reales es (muchos se rieron en esa escena) en la que el hombre aniquila una col con la cara de su hija, puede que un reflejo de un asesinato real, para liberar a sus hijos de una vida que considera indigna. Hay varias escenas que me sugieren (y es obvio que es mi interpretación que no tiene por que ser compartida) que en muchos planos los protagonistas son fantasmas que por la culpa o el apego o el rencor no quieren o no pueden dejar atrás el mundo de los vivos y vagan por él. La madre no asume el dolor por la pérdida de sus hijos ni perdona al padre. De ahí que la película se abra con ella observando a sus hijos, sin interactuar con ellos, consumiendo un tiempo irreal que no existe. Mientras el padre, abriendo paredes se cuela en casas de ricos  y se da "el placer" de descansar en ellas, Hay otras secuencias simbólicas, como el padre queriendo ayudar a los niños a atravesar ese río en una barca (es obvio, ¿no?) con la madre impidiéndolo. La mujer necesita perdonar para dar el paso. Asumirlo todo. Y ahí se justifica esa brillante secuencia final que agotó a gran parte del público. ¿Innecesaria? Pues para mí no. A mí cada segundo de la misma me inquietaba y me aportaba algún sentimiento. Y nunca el de tedio. El tedio impide ver la esencia. Una vez logrado el perdón, asumido el drama, los personajes pueden por fin abandonar el mundo. Y en ese momento, de forma clarificadora, se hace el silencio. Todo deja de existir. 

También escuché varias opiniones sobre la ausencia de belleza en las imágenes y los planos de Stray Dogs. Lo dicho, el tedio termina por vencer a cualquier evidencia. Os dejo el trailer...




Stray dogs es una película que exige complicidad y paciencia al espectador, de visionado dificultoso, de interpretaciones a la carta. Stray dogs rebosa belleza en cada plano, al tiempo que dolor. Stray dogs es maravillosa...o lo peor con lo que uno se puede encontrar. Total, imprescindible.