jueves, 28 de febrero de 2013

Animac 2013

Iniciándose hoy jueves 28 de febrero y hasta el próximo domingo 3 de marzo se celebra en Lleida la 17ª muestra de cine de animación, Animac 2013. Un festival ideal para pasar el día en la ciudad catalana que se llena con una oferta de cortometrajes, largometrajes, conferencias, actos para niños y conciertos. Podéis consultar todo el programa y actividades en la web del festival.
Como sabéis los asiduos, en este blog somos muy aficionados a la animación, así que vamos a aprovechar la ocasión para hablar un poco de este festival, promocionarlo, invitaros a asistir y proponeros una sesión con     alguno de los cortos que el festival va a exhibir en esta edición, para que os animéis si la disposición y la geografía os es propicia o para que al menos podáis disfrutar de alguno de los trabajos que por allí se exhibirán si por un motivo o por otro os es imposible asistir.

Cortometrajes 

El plato fuerte del festival son sus sesiones de cortometrajes agrupadas en una sección oficial, una sección infantil, algunos cortos clásicos y otros recientes agrupados en una sección bajo el lema "a través de la realidad", una sección televisiva y finalmente, una de nuevos talentos. Asistiendo a algunas de las sesiones uno puede hacerse mucho la idea del estado del cortometraje de animación actual, ya que los estilos y las intenciones del conjunto son muy variadas y diversas. 

Como tenéis todo el fin de semana por delante, por si os queréis distraer y vivir en parte el festival desde casa, os voy a proponer esta sesión de cortos en la que vamos a visionar alguno de los participantes de la edición de este año. 

Primero, os voy a acercar un corto de los que tenemos dentro de la sección oficial titulado Ego Sum Petrus, una película francesa sobre un poeta que ha tenido que cerrar su tiendecita por falta de clientes y que busca, amargado, la inspiración para escribir. De estética muy especial y de poco más de tres minutos resulta realmente curioso.



Dentro de la sección de futuros talentos, con cortometrajes de estudiantes de todo el mundo, os acerco la película española El gato baila con su sombra, un cortometraje colectivo de poco más de cinco minutos con música espléndida y que utiliza diferentes técnicas y material cinematográfico existente para realizar un estimulante homenaje al cine.



Dentro de la sección Petit animac, destinada a los más pequeños podemos disfrutar del corto coreano de poco más de un minuto How to eat your apple. Yo lo veo más daliniano que infantil, pero la verdad es que merece mucho la pena (si no va el video, pinchad aquí)



También dentro de estas sesiones para los más pequeños, pero en este caso más infantil de veras (no os dejéis engañar por el inicio) podemos disfrutar de la danesa Ride of Passage, un bienintencionado y colorista corto de cinco minutos escasos muy disfrutable también para los mayores.



Dentro de esa sección que agrupa cortos bajo el lema "A través de la realidad" hay una sub-sección titulada "Visiones íntimas" al que pertenece este corto danés de 4 minutos titulado 12 drawings a day cuya sinopsis dice "durante 3 años (2008-2011) Denis ha estado haciendo 12 dibujos de animación todos los días, lo que suma un segundo de película. Yo no tenía planes de lo que sería antes de iniciar el primer dibujo. Y luego, cada uno de los días siguientes, tomé los últimos tres dibujos del día anterior y seguí animándolos. Yo uso un bolígrafo no borrable, y dibujé en la parte posterior de un papel A4 usado". Curioso y muy, pero que muy artesanal.




Si tras visionar este último film aún os animáis a seguir con esta sesión de cortos que os propongo, señal que sois bastante eclécticos en gustos y seguramente definitivamente cinéfilos. Así que vamos a terminar con dos trabajos solo aptos para los más entusiastas y curiosos. Dentro de la sección de cortos clásicos (que tiene una sesión) os voy a presentar el más clásico de todos. Americano y del 1918 es este Sinking of the Lusitania del gran Winsor McCay, detalladísimo dibujo animado del hundimiento del barco inglés por un submarino alemán. La historia tuvo tal impacto mediático en la época (comparable al hundimiento del Titanic) que ayudó a la participación estadounidense en la I Guerra Mundial. Hay que retrotraerse mucho para saber disfrutarlo como se merece.


Vamos a terminar con un corto del autor búlgaro Theodore Ushev al que el festival rinde una retrospectiva. La obra fértil de Theodore Ushev (ahora trabajando en Canadá) no ha dejado nunca de mirar atrás, hacia sus orígenes eslavos. Piezas como el  Drux Flux que nos disponemos a visionar, elaboran crónicas alucinadas del crecimiento tecnológico -y su colapso - enraizado en la estética del constructivismo ruso y las geometrías abstractas. Ushev es también un cineasta poderosamente musical, capaz de traducir visualmente la banda sonora de una película con animaciones rítmicas y efectos de sinestesia. Total, que una abstracción total solo para muy , pero que muy cinéfilos, vamos.



Largometrajes

Dentro de la sección de largometrajes el festival cuenta con tres películas recientes:
La producción sueco alemana Tito on Ice, del año 2012 y dos películas de las que ya hemos hablado en este blog, ya que hemos visto en los fesivales de Sitges y l'Alternativa respectivamente y que merecen mucho la pena. Alois Nebel y Crulic
Otros tres espléndidos largometrajes forman la retrospectiva de largos de animación del fesival:
La tumba de las luciérnagas, Persépolis y Vals con Bashir, tres clasicazos que siempre merece la pena volver a ver y por supuesto, dado el caso, descubrir.




Música

Y si os pasáis por allí el sábado, con el abono de día podréis disfrutar a partir de las 23'00h. del concierto de Manos de Topo. ¿Os gustan? El grupo quizás más odiado del pop español y uno de los que provocan más burlas, a causa de la "especial" voz de su cantante, personalmente me parece una de las bandas más interesantes, estimulantes, fascinantes y adictivas de nuestro país. La histriónica voz de su líder me parece que va acorde con esas letras y esas constantes del grupo, muy extremas, muy críticas con la realidad que nos rodea, sucias, provocativas, insolentes, surrealistas, llenas de una vulgaridad aparente pero repletas de una carga de protesta, a veces de asco, de malestar cercana al vómito social. Y sí, la voz del tipo me encanta y creo que le queda bien a los temas.  Pero supongo que este grupo muy de culto no tendrá muchos adeptos entre vosotros. Que le vamos a hacer. Yo aprovecho y dejo ahí un vídeo, del que quizás es uno de sus temas más emblemáticos "Es feo" y mi canción favorita de ellos "Ballas en Dallas". Disfrutadlos u odiadlos. De indiferencia nada...




Pues poco más que añadir. Buen fin de semana y ciudadanos de Lleida o alrededores o deseosos de una excursión en un entorno fantástico en el que disfrutar de buen cine de animación, sabed que, el Animac 2013 ha abierto sus puertas.

miércoles, 27 de febrero de 2013

Searching for Sugar man

La flamante ganadora a mejor película documental en la recién pasada edición de los Oscar fue Searching for Sugar man. No pensaba verla antes de la Gala por falta de tiempo (la insistencia de Después de 1984 y Ciudadado Noodles me convencieron de lo contrario) ni pensaba dedicarle ninguna reseña. Pero dado que es la segunda película en obtener las cinco estrellas (y la única en que no lo dudé) en mi barra lateral donde voy puntuando los estrenos del año 2013, me ha parecido oportuno dedicarle esta breve pero merecida entrada.

Searching for Sugar man es un documental musical emotivo y alucinante que os recomiendo veáis sabiendo lo mínimo de la misma, así que si tenéis intención de hacerlo, yo de vosotros dejaría la lectura de está breve crítica para después de hacerlo.

Dicho ésto, vamos allá. Searching for Sugar man nos habla de la figura del músico Sixto Díaz Rodríguez, hijo de inmigrantes mexicanos instalado en una fantasmal Detroit que en los inicios de los 70 grabó un par de discos "Cold fact" y "Coming for reality" que hablaban con enorme carga poética de la realidad complicada de una ciudad como Detroit y de las gentes que debían sobrevivir en ella. El artista fue descubierto por unos productores que estaban seguros de tener en sus manos un artista comparable en calidad letrística a Bob Dylan. Sin embargo, ninguno de los discos consiguió casi vender ninguna copia, así que la carrera musical del artista llegó a su fin, fracasada. O no...

A partir de aquí nos encontraremos con una alucinante historia real que no voy a revelar pero que la película aprovecha perfectamente para emocionarnos al tiempo que trata temas como la casualidad o lo que algunos llamarían "la fuerza del destino", la fina linea no ajena al azar que separa el éxito abrumador del fracaso absoluto, la dignidad de las personas sean cuales sean sus circunstancias, la felicidad de sentirse realizado, los mitos que la sociedad necesita construirse a su medida y otros muchos temas totalmente trascendentales que están intrínsecos en una película que además se ve de forma ligera y que provoca casi inevitablemente la emoción.
Y además nos permite descubrir la música setentera de estos discos de un hombre que quizás en aquella época debió ser una estrella en EEUU pero que no logró salir del más absoluto anonimato. Os dejo un par de temas para que los escuchéis, atención a "Cause"(aquí podéis leer su letra en inglés)...



Searching for Sugar man es para mí, y de largo, la mejor película estrenada en estos dos meses que llevamos de año. Un consejo, no os la perdáis.

sábado, 23 de febrero de 2013

Premios Oscar 2013 (3): Películas, actores y guiones.

Pues terminamos estas dos semanas entregados a los premios, primero a los de nuestro país y después a los de los americanos, con este tercer post sobre los Oscar. Hoy tocan nominadas a mejor película y actores y guiones. No he podido visionar las películas documentales, pero os remito a Después de 1984 que ya o en breve tendrán colgado un post al respecto.
Las nominadas están ordenadas, de las que más me han gustado a menos. Se admiten debates, por supuesto. Quien ganará en el fondo me interesa poco, así que no me voy a mojar. Las quinielas y los favoritos, por otro lado, coinciden bastante.
En este caso la noche de los Oscar no estaré en twitter, ya que veo la ceremonia hace años con amigos y sería una cierta falta de respeto estar abducido (porque si me pongo me abduce) por la red social. Así que como mucho os leeré de vez en cuando. Quizás pase a saludar a media noche, ja,ja. Disfrutadlo.

Empiezo con las nueve mejores películas. Me ha apetecido hacer el post recopilando textos que ya he escrito sobre las películas por si alguno de vosotros aún no los ha leido y le interesa hacerlo. De muchas de ellas he hablado en mi blog y recupero la crítica, otras solo las he citado y poco más. De algunas he hablado en otros blogs. Así que algunas serán muy largas y otras muy cortas. Lo más probable es que los lectores habituales del blog ya lo hayáis leìdo todo, así que podéis mirar los cartelitos y todo éso que os ahorráis. Vamos allá...


Mejor película

1- Zero Dark Thirty

Hablé de ella en mi sección Mi película de la semana. Aunque la peli de la semana y la crítica más extensa fue para The master.
La noche más oscura es la nueva película de la directora Kathryn Bigelow tras arrasar en la edición de los Oscar del 2009 con su anterior film En tierra hostil. Puede que repita este año. Si su anterior película era realmente notable, La noche más oscura es sin duda un peliculón. Relata la obsesión de una mujer de la CIA, interpretada con mucha solvencia por la bella Jessica Chastain, por capturar a Bin Laden desde el atentado de las Torres Gemelas hasta su caza definitiva. Tema tan polémico podría haber sido tratado con ese tufo patriótico tan habitual en el cine estadounidense. Ni por asomo. Es obviamente una película subjetiva, siempre contada desde el lado de los americanos, pero que no emite en ningún caso juicios de valor. No sé que tanto por ciento habrá de cierto en esas supuestas filtraciones de agentes de la CIA en las que se basa, pero el resultado resulta de lo más creíble. Uno de los fuerte de La noche más oscura es su preciso y transparente guión que de entrada, nos sirve para entender a la perfección la historia que se nos explica. Súmale un reparto excelente, lleno de personajes secundarios interpretados por actores de enorme categoría y sobretodo una dirección magistral, en la que se alternan escenas intimistas con otras de acción rodadas con estiloso verismo, en la que siempre parecen haber las tomas y las escenas necesarias, sin que sobre ni falte nada. Una dirección cargada de tensión, de ritmo, de verdad, de fuerza, de personalidad. Y un gran plano final.


2- Beasts of the sothern wild

La vi y hice la minicrítica en el festival de Sitges.
Bestias del sur salvaje se trata de una cinta independiente americana muy especial y que levanta opiniones muy contrapuestas. La cinta nos habla de una zona arrasada por las inundaciones en un lugar pobre de EEUU (el lugar es inventado, pero la metáfora es obvia) desde la mirada de una niña. Uno de los puntos más fascinantes de la película es esa mirada inocente a un mundo muy salvaje, muy pobre, que a parte de esa inocencia la carga de una estética muy onírica, muy difusa, muy vaporosa que la diferencia del resto de propuestas sobre estas situaciones. La película nos habla de la libertad, de los sentimientos primitivos, básicos, de la parte netamente animal que poseemos en nuestra esencia y nos muestra una relación padre-hija de amor sin afecto que tiene un par de momentos en los que es muy difícil no emocionarse. Una joyita, muy pequeña y muy especial. Y es una ópera prima. Muy prometedor.


3- Django unchained

Fue mi película de la semana.
Tras rehacer a su manera el cine negro, el de gángsters, el blaxplotation, el de artes marciales, el de persecuciones de coches y el bélico, en esta ocasión, el único e irrepetible, para bien o para mal y guste o no, Quentin Tarantino, se anima a homenajear, plagiar y en última instancia reinventar, uno de sus géneros favoritos, el spaguetti western. En realidad Tarantino cita a Django del año 1966 como su gran referencia para hacer ésta película (o quizás solo la aluda como su favorita, ya que en realidad ya copió la escena del corte de oreja para su ópera prima), sin embargo, argumentalmente poco toma de ella, más allá de su intención de tratar el tema del racismo, en el caso de aquella con los mexicanos, aquí con los negros. Luego toma el tema inicial que comparten ambas películas y un cameo del protagonista de aquélla, Franco Nero. Y ya está. Porque de donde Tarantino copia es de todo el género western. Tanto del spaguetti western como del clásico americano. Del primero el trazo grueso, cierta caricatura, movimientos de cámara nada sutiles y ese tono hiperbólico y desmesurado muy lejano a ningún realismo. Del segundo ciertas relaciones humanas, ciertos espacios naturales grandilocuentes, cabalgadas y personajes que se buscan a sí mismos. Pero en realidad, como siempre, Quentin Tarantino toma todo ésto para mezclarlo con su propio universo, con su propia concepción del cine. En esta ocasión no se dedica tanto a sus diálogos marca de la casa (el del Ku Klux Klan y los agujeros en las capuchas es sensacional) sino, como ya hacía en Malditos Bastardos, a esas escenas que se convierten en pequeñas películas en sí mismas y que alarga y alarga con ingenio hasta que resuelve de repente de la manera más bizarra que se le antoja.
Porque Tarantino a su manera, macarra, gore, referencial, hiperbólica, pretende hacer con sus películas la justicia que sus propios personajes llevan a cabo. Si en su anterior film reinventaba la historia para vengarse de los nazis y del propio Hitler, en este caso lo hace de los blancos que comercian con negros esclavos, dos años antes de la guerra civil americana. Y Tarantino, para vengarse, para reescribir la historia, para dejar constancia por defecto de lo que en realidad ocurría, monta una ficción larga, brillantemente interpretada por todo su reparto (en especial Christoph Walz y un Samuel L. Jackson que ha de verse en versión original) con algunos momentos hilarantes, otros muy sangrientos, otros surrealistas, otros humanos, otros muy caricaturescos y que él sabe llevar a buen puerto debido a su brutal y especial dominio de la dirección y a su desmesurado sentido del espectáculo.
Creo que la película de Tarantino está lejos de lo que para mí son sus tres mejores obras (Reservoir dogs, Pulp Fiction, Kill Bill) pero también confirmo que hasta ahora, este hombre nunca ha merecido por mi parte una nota menor a notable alto y siempre me ha hecho sino vibrar, al menos divertirme horrores en una sala de cine.
Se ha extendido la opinión de que a la película le sobra metraje. Yo no estoy de acuerdo. Quizás le faltan momentos de genialidad absoluta como en algunos de sus films, pero en mi opinión es hasta regular y además, esa hinchazón de las escenas, como decía arriba, es parte de su intención estilística desde su anterior película. Tarantino gusta a muchos, tiene fans incondicionales y varios que no pueden ni verle, ni con su cine, pero levanta expectativas como pocos en algunos y en la mayoría de los casos, las cumple. Tarantino es de los mejores directores americanos del momento. Django desencadenado no es su mejor película, pero merece mucho la pena.


4-Argo

A Argo la puse la 14ª película del año pasado con esta breve nota:
"Porque el talento dirigiendo de Ben Affleck dota a esta historia de cine y espionaje de la credibilidad necesaria y de un ritmo y una tensión dignas de los grandes. Y porque el guión, sin fisuras, es de los mejores del año". Es breve pero suficiente.


5- La vida de Pi

En este caso la situé la 16ª del año anterior. Y aún fui más breve:
"Porque su 3D y su fotografía es brillante. Porque la aventura se ve con entusiasmo y complicidad y porque el golpe de efecto de la tesis de la fe es de lo más brillante que he visto este año".  Ya se ha hablado mucho sobre ella. Ahí lo dejo.


6- Amour

Hice una extensa crítica tras su visionado:
Hoy, a diferencia de lo que suelo hacer, voy a desvelar muchos SPOILERS de la película que pretendo comentar, Amour de Michael Haneke, así que si no la has visto, casi que te recomiendo (si piensas verla) dejar esta lectura para otra ocasión. Advertido ésto, vamos allá:
Hay una secuencia, a mitad de la película de Haneke, en que su protagonista, Jean-Louis Trintignant, que antes nos había informado de que alguien había intentado forzar la cerradura de su domicilio, oye el timbre de su puerta. Pregunta quien es, pero nadie contesta. Así que abre la puerta y se aventura al exterior. El terror nos invade. Los pasillos se vuelven opresores, inquietantes, la tensión se puede cortar en el ambiente. Nos falta el aire. La secuencia lamentablemente será tan solo un sueño de su protagonista, pero me servirá para recordar cual es el cine que más me gusta del director austríaco. El que nos habla del miedo al mal, sea abstracto como en La cinta blanca o Caché o concreto como en Funny Games o El video de Benny. La secuencia, un poco a medio camino entre ambas, terror concreto y abstracto, me aterroriza.
Hay otras cosas que me gustan de Amour, la última película de unos de mis directores favoritos. Todo el retrato psicológico de personajes en una situación dura, que les desborda, es mucho más que interesante. La forma de ocultar la enfermedad de la mujer, por orgullo, por no querer sentirse una vergüenza conmueve. También son geniales algunas de las secuencias que quieren profundizar en la psicología del marido (ese cerrar con llave para ocultar a la enferma, esa bofetada y posterior mirada estremecedora) e incluso podríamos destacar como buenas algunas secuencias como la visita del músico. Todo ello me remite a otras cintas de Haneke de indagación y profundización en mentes que padecen una presión extrema como hizo en la genial La pianista.
Me gustan también, son lo mejor de la película, las interpretaciones geniales de sus protagonistas. Emmanuelle Riva esá sensacional, pero es que Jean-Louis Trintignant me parece sublime. La dirección está realmente bien. No solo Haneke sabe rodar espacios claustrofóbicos con maestría sino que además coge una distancia con la narración necesaria para no caer en el ridículo de un melodrama de segunda. Porque la película no está lejos de serlo y en manos de otro director sin el talento de Haneke, sin duda hubiese caído del lado del desastre.
Porque hay cosas de la película de Haneke que no me gustan nada. Algunos dirán que su narración es realista y para nada sensacionalista. Mentira. Es sensacionalista desde su título, desde esa elección por mostrar ciertas escenas de deterioro (la de la ducha es vergonzosa) y omitir cualquier atisbo de luminosidad. Es sensacionalista y poco valiente al poner ese final, bonito sí, pero totalmente falso con lo que terminamos de ver. ¿No quieres llevarnos a la más absoluta depresión Haneke? Pues sé consecuente y no pongas ese pegote de final poético y feliz que además incluso católicamente puede ser absurdo, ya que son almas condenadas al infierno, ¿no?
No me gusta el personaje de Isabelle Huppert, que parece deambular en un papel sin sentido, de convidado de piedra, que no aporta nada a la narración y que demuestra que Haneke no sabe como llenar los espacios de lo que realmente pretende contar, ese deterioro físico de la protagonista para zarandearnos en nuestra butaca estremecidos. Con una enfermedad terminal es fácil estremecer, señor Haneke. No me gusta la absurda paloma, metáfora obvia de esperanzas o almas o necesidades de amor que me parece poco cuidada, poco profunda y demasiado larga en su ejecución. No me gusta la escena en que despide a la criada, llena de trazo grueso y sensacionalismo barato. Haneke declaraba estos días su desprecio por las falsas comedias románticas americanas cursis. Supongo que esas que dicen "te quiero más que a mi vida y sin ti muero de tristeza". De acuerdo señor Haneke. Yo también odio estos films. Pero le digo una cosa, decir "deseo que cuando seas mayor y no puedas defenderte alguien te trate igual que tú has tratado a mi mujer" es igual de tendenciosa y vergonzosa que la frase cursi. No por estar en el extremo opuesto y cambiar la estupidez optimista por el dolor vamos a tragar con ella.

Amour es una película difícil de valorar objetivamente. Es tan grande el estado de conmoción que logra producirte en algunos momentos que uno puede no ser capaz de valorar sus métodos. Y éstos son demasiado manipuladores, poco sutiles, demasiado autocomplacientes. Haneke ha querido con Amour hacer la gran película del dolor, de la enfermedad, del sacrificio y del amor. O de un amor en cierta etapa y condiciones de nuestras vidas. Son obvios ciertos méritos y ciertos logros. No voy a dejar pasar ciertas mentiras y desajustes ocultas sabiamente en un todo del que es difícil salir ileso. Yo prefiero el otro cine de Haneke. Éste me parece demasiado obvio. Sin embargo es difícil salvarse de cierta persecución de algunos de los momentos de la película a las horas, los días de finalizar la proyección. De alguna manera te marca. De alguna manera te persigue. De alguna manera pese a todos esos defectos que le alejan muy mucho de la obra maestra va ganando ciertos enteros con la reflexión. Yo le he puesto un 7 en filmaffinity (después de mi 6 inicial tras terminar la proyección). En definitiva apreciable, pero a mi parecer lejana a la genialidad de ciertas cintas del director austríaco.



7- Lincoln

No hice ninguna valoración tras verla. La comenté en el blog Viajes por la sala oscura que le dedicó aquí una estupenda y entusiasta crítica:
Hablando pues de la película por sí misma, creo que siendo interesante, en mi caso, sí que me parece que esa falta de concesiones al espectador que citas me pasa factura. Y sobretodo todo el primer tramo se me hace muy denso y difícil de digerir (en este caso concreto, la VOS no ayudó mucho, que digamos). Me gustan los momentos más humanos de Lincoln, con su hijo, con sus dudas respecto a las decisiones que está tomando. Me gusta mucho el momento de la votación o la intervención de Tommy Lee Jones, todos ellos momentos en que la película deja un poco de lado la mera explicación de los mecanismos intrínsecos de la política para dar algo de emoción y vistosidad al relato.

Entiendo que para según que espectadores, conocedores de la historia que se explica, la cinta puede ser muy estimulante. En mi caso me estimuló a veces y me aburrió en otras y considero que quizás como película, sobretodo destinada a un público extenso, debió no adulterar, pero quizás sí simplificar la trama en su densidad para hacerla más llevadera.



8- El lado beno de las cosas
Hablé de El lado bueno de las cosas en una minicrítica tras su visionado.
Mucho menos interesante, aunque distraída si la vemos sin demasiado juicio analítico, es El lado bueno de las cosas. El otrora prometedor David O. Russell demuestra que ya no es un enfant terrible, sino un director absolutamente engullido por la filosofía Hollywood, aunque tanto él como su industria se esfuercen en colarnos que lo suyo es distinto. Permitidme que os diga que poco. El lado bueno de las cosas es diferente por un par de momentos hilarantes que se salen de la norma, cierto, pero en el fondo es la comedia romántica de toda la vida, previsible y más de lo mismo. La presunta profundidad debido al tema de la enfermedad del protagonista (que es bipolar) se deja pronto de lado, sin profundizar en ella, incluso banalizándola para ir a lo que realmente le interesa a la película. Una historia de amor algo freak de unos personajes a los que rodean unos secundarios aún más freaks. El resultado como digo es divertido si uno se limita a ver una comedia romántica de consumo y buenas interpretaciones (en especial de la sorprendentemente sexy Jennifer Lawrence) pero poco más. La aureola de película superior, sinceramente, la encuentro injustificada. Y sus nominaciones a los Oscar, me indignarían sino fuese porque yo me tomo a los Oscar como un circo para  divertirme y si puede ser (y casi siempre se puede) rajar.


9- Los miserables
Jamás hablé de Los miserables. Y casi que mejor porque la hubiese liado. Puse un breve comentario aquí cuando Mario la reseñó aquí en Nenúfares efervescentes.
En mi caso fue un aburrimiento enorme de principio a fin y hasta cierta indignación en muchas de sus partes, que me parecen de un sensacionalismo ofensivo y que no me convencían nada como espectáculo. Los dos personajes cómicos me parecieron patéticos y colmaron mi paciencia. Russell Crowe me pareció no solo que estaba fatal sino que cantaba fatal y que su personaje era de trazo grueso y ese final me pareció muy poco justificado. Me gustaron la Hathaway y el Jackman, éso sí, pero vamos, que la suspendo y con contundencia.


Mejor director

La estúpida e injustificada ausencia de Affleck, Bigelow y Tarantino en esta categoría empaña el resultado final. De entre los nominados me gusta la dirección concisa y fría de Haneke que hace que la película se aleje del telefilm que en que hubiese caído dicha historia en otras manos, me gusta el equilibrio que Ang Lee sabe mantener entre efectos e historia en La vida de Pi y su desparpajo y valentía para adaptar tan difícil obra. La película de Spielberg técnicamente es impecable, pero la falta de ritmo es totalmente achacable a su director, así que para mí no lo merece y la nominación de David O. Russell es un poco de risa para una película tan plana en su dirección. Así que yo se lo daría a Benh Zeitlin, que en su ópera prima sabe imprimir de una atmósfera onírica muy especial a su historia y dotar a su film de una personalidad propia. Y se sale airoso de un proyecto con gran riesgo.


Mejor actor principal

Me gusta Bradley Cooper en El lado bueno de las cosas pero no tanto como para darle un Oscar. Denzel Washington está bien, a veces incluso brillante en la patraña titulada The flight,  Joaquim Phoenix a veces está bien y a veces muy sobreactuado en The master, Hugh Jackman es de lo poco que se salva de Los miserables y está realmente bien tanto cantando como actuando, pero es que Daniel Day-Lewis deja por una vez de sobreactuar y se convierte en un Lincoln que se presta a todos los matices interpretativos de un grande. Lo merece él sin duda.







Mejor actriz principal

Todas están espléndidas. Emmanuelle Riva nos conmueve en su difícil y sutil papel de Amour, la niña Quvenzhané Wallis está brillante y te conmueve con su gracia y su mirada, Jessica Chastain está espléndida en su obsesivo papel en La noche más oscura y Naomi Watts nunca falla y en Lo imposible, en un papel en el que de nuevo le toca sufrir, pues no podía hacerlo. Pero se lo voy a dar a Jennifer Lawrence, no solo porque está genial en El lado bueno de las cosas sino porque su sola presencia es capaz de mantener un cierto nivel en una película que no da para mucho. Sin su sorprendente actuación la película perdería muchos enteros.





Mejor actor de reparto

Robert de Niro no me gusta demasiado en El lado bueno de las cosas. Estaba mejor en Luces rojas. Los otros sí que me gustan. Alan Arkin tiene un papel bombón y está fenomenal en Argo, pero no deja de ser un papel algo menor. Tommy Lee Jones tiene un par de las mejores escenas de Lincoln y se luce. Philip Seymor Hoofman vuelve a brillar una vez más en su papel de líder religioso con problemas de autoestima. Pero mi favorito es Chistoph Waltz. Porque este hombre es de otro mundo. Está en otro nivel.






Mejor actriz de reparto

Pues no me gusta demasiado el papel de Amy Adams en The master, Sally Field en Lincoln está correcta pero poco más y la nominación de Jacki Weaver por El lado bueno de las cosas denota mala conciencia por no habérselo dado por Animal Kingdom, ya que su actuación en esta película es totalmente insuficiente para atesora por ella ninguna nominación. Nos queda Helent Hunt que está genial, elegante y valiente en su difícil y descarado papel en la muy mediocre Las sesiones. Y muestra una naturalidad muy difícil de lograr. Pero la verdad es que pese a mi manía por Los miserables, Anne Hatahaway tien un par de escenitas con canción que la chica se lo curra. Imposible no dárselo. Y ella, al terminar de cantar, ya lo sabe.
Vaya, he terminado por premiar dos actrices guapas. Quizás...


Mejor guión original

Vamos a terminar este repaso por los dos premios de guión. En original, de manera vergonzosa, está nominada El vuelo, con el final más asquerosamente moralizante que se ha visto este año, luego la cosa mejora. Amour de Haneke tiene un guión sobrio que logra trasmitir lo que quiere, Moonrise Kingdom está dotado de la originalidad necesaria para divertir y destacar, pero creo que está lejos de la perfección o incluso la frescura de otros guiones de Wes Anderson. Lo mismo diría de Tarantino, guión original y diferente pero lejos de algunas de sus genialidades. Por ello creo que el mejor guión, perfecto a la hora de explicar una trama compleja y al mismo tiempo una obsesión y hacerlo todo llevadero, disfrutable y entendible es el de La noche más oscura.



Mejor guión adaptado

Pues en este caso no tendría ninguna duda en dárselo a Argo, un guión preciso y bien contado que hace creíble lo increíble y que se toma el tiempo necesario en argumentar sin faltar a su pretensión de espectáculo. Lincoln es demasiado denso y naufraga y todos los males de la película son causa del recargado guión, El lado bueno de las cosas es un guión insultantemente mediocre, La vida de Pi no es que tenga demasiado guión, la verdad, aunque lo que explica lo hace bien y Bestias del sur salvaje se basa mucho más en sus imágenes que en su texto a la hora de lograr el fantástico resultado que logra. Así que indudablemente Argo.





Pues es todo. Disfrutad de la Gala los trasnochadores y la semana que viene cambiamos radicalmente de tema y volvemos con otra cosita que me hace especial ilusión. Hasta entonces.

jueves, 21 de febrero de 2013

Premios Oscar 2013 (2): Canciones y película de habla no inglesa

Pues hoy vamos a hablar de un par más de categorías de los premios Oscar que se van a entregar la madrugada del domingo al lunes (hora española). Por un lado os voy a poner las cinco canciones nominadas, un premio que en esta edición parece que promete glamour ya que las interpretaciones durante la gala estarán sobradas de estrellas y por otro lado, voy a reseñar, como siempre según mis preferencias de más a menos, las cinco películas nominadas a mejor película de habla no inglesa, que ya he podido ver. Seguro que había mejores...


Mejor canción original

Quizás la canción más mediática es la que cantará Adele, correspondiente a la última película Bond Skyfall  titulada con el mismo título del film.


Pero cuidadín que Adele no será la única estrella con gran voz de la Gala. La hermosa Norah Jones también estará presenta para interpretar el tema "Everybody's Needs a Best Friend" de la película Ted.



Y otra estrella, en este caso una actriz que hace poco ha iniciado sus pinitos como cantante, Scarlett Johansson, es la intérprete de la tercera canción que forma parte del documental Chasing Ice y que se titula "Before my time".



Y claro, no podía faltar el tema de Los miserables, en este caso interpretado por otro actor, dotado de gran voz. Obviamente hablando de Los Miserables nos referimos a Hugh Jackman. El tema "Suddenly".



Finalmente la nota exótica la pone Yayashi, que interpreta el tema "Pi's lullaby" de la película de Ang Lee Life of Pi.




Mejor película de habla no inglesa

No, de Pablo Larraín (Chile)

Sorprende que tras dos películas tan oscuras en los que el tema de la dictadura de Pinochet era, de forma algo más metafórica, el principal de la trama, el cineasta Chileno Pablo Larraín incida sobre el tema desde una vertiente mucho más luminosa. No, nos acerca a la campaña publicitaria que el año 1988 se hizo durante el plebiscito a que debió someter Pinochet al país por presiones internacionales. Obviamente se centra en la campaña de los que creen y confían que la votación se saldará con el triunfo de los detractores del dirigente, como finalmente ocurrió.
La película toma imágenes documentales de la época que el cineasta envuelve en ficción de estética acorde a las imágenes conservadas que, siendo una opción estética coherente, creo que a veces juega en su contra.
Y también combina comedia y drama pero, milagrosamente, consigue una empatía con los personajes y la trama en la que el espectador, vive de primera mano las ilusiones de éstos, sus esperanzas.
Al final nos queda la mirada limpia, luminosa, transparente de un fantástico Gael García Bernal mirando al frente y la cancioncilla de "Chile, la alegría ya viene" que se engancha a nuestro ADN y que nos sorprendemos canturreando a las horas del visionado, quizás con la ilusión de que en breve, alguien sea capaz de infundirnos también esperanzas a nosotros, en estos tiempos turbios que nos está tocando vivir.


Amour, de Michael Haneke (Austria)

Dediqué una crítica completa a Amour aquí, con además muchísimas opiniones de blogueros que enriquecieron mucho el debate. Así que interesados en un análisis más profundo os remito allí.
Resumiendo, la última cinta de Michael Haneke, un director al que admiro, es para muchos una obra maestra y para otros una película realmente atrevida y valiente. En mi caso, admirando la brillantez de las actuaciones y el talento de Haneke para filmar espacios claustrofóbicos, la cinta me parece como mucho notable. Considero que es de lo menos motivante de Haneke y lejos de destacar su valentía, me parece que es su cinta más facilona y menos sutil. Creo que Haneke, como en todo su cine, manipula, pero en este caso, cuando  el tema que trata es tan fácil para manipular emocionalmente, no puede dejar de molestarme.
Sin embargo es obvio que la austeridad y el calado emocional juega a su favor ya que con el paso de las horas, uno no puede dejar de reflexionar y no termina de sacarse la película de la cabeza.
Al final, lejos de toda objetividad, las prioridades personales de cada uno de nosotros están llenas de temáticas, estéticas o planteamientos varios. Y a mí este tipo de películas casi siempre terminan por ofenderme.


Kon-tiki, de Joachim Renning (Noruega)

Film de aventuras de corte clásico, en parte minimalista y con cierta tendencia a documentar, basado en un hecho acaecido en 1947, en el que el explorador noruego Thor Heyerdahl cruzó el oceano Pacífico en una balsa de madera.
La cinta tiene su encanto gracias a esa forma de narrar démodé y a esos efectos algo naif, pero esa misma narración algo falta de ritmo y que confía en un par o tres de escenas intensas termina por, en términos globales, jugar en contra de la película.
Al final se ve con agrado, se disfruta en algunas secuencias, se alarga en exceso en otras y se olvida con cierta premura. Éso sí, te entran ganas de ver el documental que realizó el propio explorador tras su viajes, con el mismo título, y que ganó el Oscar a mejor documental en 1950, ya que la historia real es muy impresionante.


A royal affaire, de Nicolaj Arcel (Dinamarca)

Este drama de época danés, que se inspira en la historia del rey de Dinamarca Christian VII y un triángulo amoroso que sufre cuando su mujer se entiende con su médico, sorprende en primera instancia por su admirable factura técnica, a la que no haría ascos la poderosa industria americana.
Más europeo es el ritmo y la cinta se toma su tiempo, sin aburrir para nada, en explicar la historia de esa mujer que llega a la corte, se casa con un rey inestable y cercano a la locura al que sufre pero al que da un hijo y termina por enamorarse irremediablemente del médico personal de su marido, un intelectual sumido en las modernas y renovadoras ideas que proponía el pensamiento ilustrado, allá por el siglo XVIII.
Toda la primera parte del film, con los personajes sufriendo sus relaciones personales y amorosas, funciona muy bien. Los interpretes están geniales y saben trasmitir la pasión, el amor, la locura, la fragilidad, incluso cierta sensualidad.
La segunda mitad, consumido el adulterio, pierde fuelle. Se pretende mostrar ciertas tendencias y realidades de la vida de entonces, instaladas en el medievo, contrapuesta a los cambios que el pensamiento ilustrado quiere promover. No deja de ser interesante, pero no logra compaginarlo con la personalidad que hasta entonces se había dotado a los personajes. La trama termina por mutar hasta un dramatismo muy previsible y algo maniqueo en su planteamiento. Muy déjà vu. Algo decepcionante para lo que en un principio apuntaba.


Rebelle (war witch), de Kim Nguyen (Canadá)

Dura historia que se sitúa en algún lugar del África Subsahariana y que nos muestra los dramas y vicisitudes por los que pasa una niña de los 12 a los 14 años. Yo entiendo que en ciertos lugares de África la existencia es así de dura y que las vidas importan un pimiento. Entiendo pues que si tildo la película de sensacionalista algunos me dirán que no, que es realista. Así que no voy a hacerlo. Pero asumiendo la realidad a la que la película nos quiere trasladar preferiría una historia más cargada de sutilezas que aportase algo más que la mera concatenación de desgracias y dramas. Por ello, más allá de salvajismos, guerras fatricidas y crueldades intolerables, creo que la película emerge y gana muchos enteros en su tramo central, cuando busca cierta luminosidad y nos narrar la dispersa historia de amor entre los dos niños/adolescentes. El resto lo sabemos y lo hemos visto en otras ocasiones y nos repugna y lo lamentamos. Pero me parece insuficiente para halagar a una película. En este caso me inclino por aprobarla. Justito.

lunes, 18 de febrero de 2013

Premios Oscar 2013 (1): Cortos y largos de animación

Pues justo ha terminado la entrega de los Goya y ya empieza la semana de los Oscar y la cuenta atrás hasta la indispensable cita de la madrugada del domingo al lunes que yo hace muchísimos años que no me pierdo, siempre en muy grata compañía (que este año crece...). 
Al igual que he hecho con los Goya voy a realizar tres posts durante esta semana dedicados a los Oscar, desgranando algunas de sus categorías (las que me apetecen, las que he podido ver completas). 
Para empezar este post muy animado donde podéis ver los cinco cortometrajes nominados a mejor corto  de animación (ordenados del que más al que menos me ha gustado) y leer las reseñas de los cinco largometrajes animados, también ordenados según mis preferencias.
Pensaba colgar ese post mañana pero si hace unos días ver los cortos nominados a los Oscar era facílisimo, ahora es tarea complicadísima, ya que youtube los ha retirado, así que buscando durante mucho rato he encontrado esta página en la que en este momento, los tiene todos disponibles para ver online. Así que lo cuelgo ya, antes de que los retiren y no perdáis tiempo si os interesa verlos.
Me encanta la animación, ya lo sabéis y en general, tanto largos como cortos de esta edición son más que disfrutables, si bien es verdad que la genialidad se nos brinda a cuentagotas. Vamos a por ellos:


Mejor cortometraje de animación

1-Paperman: Mi corto favorito es éste que precedía a la cinta de Disney Rompe Ralph!, obviamente de Disney, que logra aunar un cálido romanticismo con una hermosa animación en blanco y negro con una sugerente Nueva York de fondo. Son de aquellos que al  terminar te invitan al "ooooh" en plan algo cursi pero satisfecho.

http://www.filmofilia.com/paperman-full-animated-short-film-135358/

2- Maggie Simpson: Un largo día de guardería tiene todo el humor y todo y el encanto de las animaciones de los Simpson, si bien el hecho de que la protagonista sea la menor de la saga junto con unos cuantos peligrosísimos bebés, le da el toque de originalidad necesario para diferenciarlo de cualquier capítulo de la serie. Muy divertido.

http://www.filmofilia.com/watch-full-oscar-nominated-short-the-simpsons-the-longest-daycare-by-david-silverman-137983/

3- Fresh Guacamole: Un breve y original de corto de lo que podríamos llamar de arte y ensayo cachondo, muy fresco y que está muy lejos de los dos cortos que lo preceden pero no aburre ni se hace largo, cosa que no podemos afirmar de los dos que lo suceden.

http://www.filmofilia.com/watch-full-oscar-nominated-short-fresh-guacamole-by-pes-137992/

4- Adam and Dog: Este corto que nos recrea el jardín del Edén y el inicio de los tiempos, con amistades, amores y destierros, peca de contemplativo. La animación es hermosa y sencilla pero la falta de ritmo es alarmante y la película se hace demasiado pesada para la poca duración que tiene.

http://www.filmofilia.com/watch-full-minkyu-lees-oscar-nominated-short-film-adam-and-dog-137958/

5- Head over heels: Esta cinta muere tras su primera escena, es decir, tras su planteamiento. La historia de una pareja que tras convivir (el desgaste se muestra metafóricamente con el hecho de que uno vive en el suelo y el otro en el techo) se agota en seguida y luego se repite en exceso no pudiendo salvar el aburrimiento del espectador.

http://www.filmofilia.com/watch-full-oscar-nominated-short-head-over-heels-by-timothy-reckart-137971/


Mejor largometraje de animación

1- ¡Rompe Ralph!

De nuevo Disney, en esta edición, se lleva el gato al agua con esta vistosa y divertida historia de un personaje de videojuego que no se siente realizado con su trabajo y va a buscar fortuna y reconocimiento por juegos vecinos. La cinta no es que sea especialmente original ya que tanto películas de Pixar como Monstruos, S.A como otras de acción real como Charlie y la fábrica de chocolate se ven reflejadas claramente entre sus referencias. Sin embargo, Disney sabe otorgar a la cinta vida propia, un ritmo brutal que no deja espacio al aburrimiento, unos personajes entrañables y divertidos, sin duda los mejores del año, unos homenajes (el de Oreo al El mago de Oz es épico) y chistes realmente divertidos y una estética muy colorista y vital, que además juega con el hecho de poder mezclar en una misma película personajes de videojuegos antiguos, con otras de última generación, pudiendo sacar partido a las diferencias de movimientos y resolución que hay entre ellos. La verdad es que es una cinta disfrutable y divertidísima, lo mejor e Disney en muchos, pero que muchos años.


2- Brave

Pese a que la película de Pixar, dadas las expectativas que produce, decepcionó un poco en el momento de sus estreno, la verdad es que tras un segundo visionado (y un tercero y un cuarto...hasta casi el infinito, ya que mi hijo se la puso casi cada día durante un mes...) la película retorma un poco al lugar que merece, que es un segundo escalafón en la filmografía Pixar, pero cierta ventaja sobre cualquier otra propuesta americana de ese mismo año (excepto la sorpresa Disney de éste). Historia técnicamente impecable de jovencita princesa que se rebela conta su destino, la película tiene grandes momentos como todo el tramo inicial, el momento flechas que es sublime o la visita a la bruja Calixta. Por desgracia el segundo tramo de la película se vuelve más convencional y cierta moralina tibia empaña un poco el resultado final. pero el mecanismo de relojería exacto en el guión y ciertas dosis de elevado talento hacen que la película sobresalga y bastante, de la media de películas animadas que se realizan.


3- Frankenweenie

Es cierto que Frankenweenie es quizás la mejor película de Burton en los últimos años (tampoco hacía falta mucho) y es cierto que el homenaje a la Hammer y al propio universo burtoniano está servido con gracia y sentido del espectáculo. Es cierto que la animación en blanco y negro está muy lograda y que la película está dotada de encanto y divierte bastante. Pero no le perdono a Burton que en realidad, su película, sea igual que el corto en que se basa (y que ya realizó en los años 80) en sus mejores momentos y sea peor que el corto en el que se basa en los momentos que exceden el metraje (media horita) del corto original. Conclusión: divertida pero prescindible para todos aquellos que ya teníamos al Frankenweenie original en nuestro corazoncito.


4- El alucinante mundo de Norman

El alucinante mundo de Norman (una muy mala traducción del brillante título original Paranorman) es una película de animación que pretende (y en parte consigue) dar un cierto aire fresco al género, ya que podríamos decir que es un homenaje al cine de terror desde una perspectiva cómica. Una comedia de terror animada, vamos. Y pese a que algunas hay, no abundan. Norman es un niño solitario que ve espíritus y se ve involucrado en la resolución de una antigua condena por brujería que va a levantar a los espíritus implicados y desolar la ciudad. La película tiene su gracia aunque en mi caso me ha parecido que más allá de la premisa inicial y cierto tono humorístico con muchos gags graciosos y frescos, le costaba avanzar en la trama y una vez mostradas sus cartas de homenaje al cine de terror divagaba un poco en su afán de encontrar una historia donde ubicar el homenaje y los chistes. Se pasaba el rato, eso sí.

5- ¡Piratas!

Título que resume a lo básico el original inglés The Pirates! Band of Misfits, la nueva película de Aardman en plastelina se deja ver y se pasa el rato, pero uno no puede evitar cierta sensación de decepción al recordar que la compañía era la misma que nos maravilló con los diversos Wallace y Gromit o Chicken run. Esta comedia de piratas empieza muy bien, con un prólogo y una presentación de los personajes en un claro in crescendo muy logrado pero pronto se adocena y presenta una trama demasiado previsible y lo que es peor, con algunos problemas de ritmo interno que no juegan nada en su favor. Como digo se pasa el rato, lo que ocurre es que como le sucedía a Pixar con Brave, una espera algo más de la compañía responsable del film.

viernes, 15 de febrero de 2013

Premios Goya 2013: Mejor película y mis favoritos.

Pues ya falta poquísimo. El domingo 17 de febrero se va a celebrar la entrega de los Goya de esta edición y ya hemos hecho un par de posts comentando un poco lo que nos venía en gana y lo que podíamos según lo que habíamos visto. Para terminar este resumen incompleto pero creo que suficiente, nos queda valorar las cuatro nominadas a mejor película, todas ellas de un nivel aceptable pero poco más (quizás excepto Blancanieves, sin duda superior al resto aunque imperfecta) y además, voy a proponer una tanda de premios entre los que podían optar a estatuillla en esta edición (y siempre teniendo en cuenta que no lo he visto todo, claro). Si queréis ver quienes optaban a premio en estos Goya y por lo tanto, entre quien se podía elegir, visitad la página oficial de los Goya aquí.

Solo volver a comentar que desgraciadamente ha sido otro año de calidad muy escasa de películas realizadas o producidas en nuestro país y que en los últimos años, si no hay película de Almodóvar, las posibilidades de que haya una película realmente brillante son muy, pero que muy escasas.
La persecución cultural con el IVA al 21% tampoco ha ayudado mucho, claro. Pero en nuestro país la única cultura que parece importar es aquella de la que se puede hacer uso político, tanto desde un lado como desde el otro, cuidado. Cultura que lo sea o no conlleva la tortura y por ello, desde algunos territorios intentamos prescindir de la misma. Pero las mayorías populares hace tiempo que están en crisis ante nuestros políticos...
Retomo el tema. Os dejo para empezar con el trailer de la gala, que da un miedo que ni os cuento (además yo no puedo con Eva Hache) y con las cuatro nominadas, ordenadas según mis preferencias (de más a menos) y brevemente comentadas. Finalmente mis premios particulares, es decir, los buenos, claro :)

Trailer de la gala



Nominadas al Goya a mejor película

Blancanieves, la segunda película de Pablo Berger, es un muy estimulante ejercicio estético con el fin de hacer una versíón muy personal del cuento de los hermanos Grimm. Muda y rodada en una espléndida fotografía en blanco y negro, la película, pese a tener vida propia es un extenso pastiche de referencias cinéfilas que van desde el cine español de la época muda más popular (con toros y sevillanas, por supuesto) hasta un final que recuerda inevitablemente al Freaks de Tod Browning. Además de su cautivadora estética, la película se ve favorecida por su espléndida banda sonora (incluida esa saeta de Silvia Pérez Cruz de pelos de punta) y las geniales interpretaciones de su reparto, sobretodo femenino y en especial una brillante (como siempre) Maribel Verdú, aunque tampoco están nada mal la Blancanieves Macarena García (todo un descubrimiento) ni en sus breves papeles la hermosísima Inma Cuesta, la veterana Ángela Molina o la niña Sofía Oria. A distancia el reparto masculino, solvente, encabezado por Daniel Giménez Cacho y Josep Maria Pou. El único problema que yo le encuentro a Blancanieves es que, tras la fascinación estética del principio, la historia va perdiendo fuelle, sobretodo a partir de la aparición de los enanos, hasta volverse incluso algo monótona y falta de ritmo. Éso sí, por el plano final habrá merecido aguantar ese bajón de la segunda mitad del metraje. Sin duda una propuesta destacable, interesante y cargada de encanto.


El artista y la modelo es la nueva película de uno de nuestros directores más prestigiosos, el ganador de un Oscar (que aún no se cree ni él) Fernando Trueba. He de decir que Trueba me parece una persona muy inteligente y con unos gustos culturales exquisitos y un tío de lo más interesante, pero creo que no está dotado del talento necesario para ser un grande del cine y que está muy sobrevalorado. Tengo la sensación de que con la edad hasta él lo ha asumido y en sus dos últimas obras ha reducido o cambiado sus pretensiones. En la anterior, el espléndido film de animación Chico&Rita delegó gran parte de la responsabilidad en el resultado final a Mariscal y no le fue nada mal. En ésta me parece que asume que no puede ya con que según que proyectos algo grandilocuentes y se nos va a la esencia de su cine y probablemente de su alma. Y nos habla del proceso de creación, de la imposibilidad de realizar la obra perfecta, de la fascinación por la belleza, sea un paisaje o una mujer y muy de pasada introduce por ahí el tema de la guerra, que sin duda está de más y que con la valentía suficiente se podría haber ahorrado y hubiese logrado una película más anticomercial aún, pero más perfecta. Y cuidado, ya que la película me parece muy interesante y de lo mejor de su filmografía. Sobretodo por esa honestidad que explicaba. Además está muy bien interpretada por Aida Folch en un papel muy valiente y por Jean Rochefort (y de ese encanto algo pop que le da siempre a un secundario Chus Lampreave). No me gusta nada el final, ya que lo encuentro muy excesivo para el tono intrascendente dentro de la trascendencia que se le quería dar al relato, pero la película es mucho más que correcta.


Grupo 7 es el nuevo largometraje del interesante director Alberto Rodríguez. Pero interesante sin más ya que ninguna de sus películas logra un notable obvio, situándose a medio camino entre el aprobado y ese plus que, por originalidad y algunas dosis de talento, lo acercan a ese puesto de cierto privilegio entre nuestros cineastas. Grupo 7 no es la excepción. Nos habla de un violento comando de policía en la Sevilla que prepara la Expo'92 y que se dedica, con métodos muy excesivos, a erradicar la droga de las calles del centro de Sevilla. La película tiene escenas de acción y violencia bastante logradas pero en general huele a copia americana, incluso a copia de pelis de nuestra más reciente filmografía con mejores resultados. Ciertos momentos de infelicidad intrínseca a la profesión y métodos de los protagonistas elevan un poco la calidad del film, pese a que esos momentos íntimos nos resulten en el fondo muy previsibles. Pero están bien realizados, con el suficiente material previo para conmovernos un poco y además están bien interpretados tanto por Antonio de la Torre como por Mario Casas (que está realmente bien, pese a quien pese). En definitiva una película apreciable pero que en una filmografía potente, más allá de estar nominada a nada pasaría a formar parte claramente de lo que se viene a llamar "del montón". Sin embargo, creo que en el futuro Alberto Rodríguez puede darnos un film, por lo menos, abiertamente notable. Veremos.


Lo imposible, la segunda cinta del director J. Bayona, es una cinta con la que tenía serios prejuicios. Y es que hacer espectáculo de un hecho real tan reciente me parece bastante censurable, pues al final se trata de hacer dinero con una macrodesgracia ajena de las que ponen los pelos de punta. Y además, en este tipo de películas, manipular y emocionar es tan fácil que carece de mérito y según todo el mundo decía Bayona manipulaba mucho. Tras el visionado he de decir que me postulo entre los defensores de la película. No es que me haya encantado, pero dentro del género la encuentro bien hecha y apreciable. Es cierto que se le va la mano en alguna escena con excesos melodramáticos (pero mucho menos de lo esperado) y que la música pone nervioso de tan marcadamente sensacionalista como es, pero no creo que la realidad a la que Bayona se debe difiera mucho de lo que el relato nos muestra. Además, como todo el mundo coincide, la escena del tsunami es brutal y técnicamente, el dominio de nuestro joven director es apabullante. Además, las interpretaciones de Naomi Watts, que vuelve a sufrir mucho, de Tom Holland y de Ewan McGregor son sensacionales, así que, poco que reprochar. Ha arrasado en taquilla, ha arrancado millones de lágrimas y emociones y ha indignado a los críticos y espectadores supuestamente más cultos. Excepto en ésto último (y no sé...) yo diría que objetivo cumplido. Sin embargo, en mis gustos personales, prefiero otro tipo de cine...


Mis premios para esta edición

Voy a repartirlo un poquito...

Mejor película: En este caso dejadme decir que hubiese nominado a las cuatro siguiente, El bosc, Els nens salvatges, Extraterrestre y Blancanieves. Y mi Goya es para... El bosc.

Mejor director: Rodrigo Cortés por Luces Rojas

Mejor director nóvel: Paco León por Carmina o revienta

Mejor actor protagonista: Un año realmente falto de interpretaciones grandes, así pues, se lo doy a Mario Casas por Grupo 7, ni que sea para tocar las narices.

Mejor actriz protagonista: Ex-aquo para Maria Molins por El bosc (en VO con ese dialecto del catalán de la franja de Aragón alucinante) y Leticia Dolera por Rec 3. Genesis (que claro, es de terror y sería un desprestigio para tan prestigiosos premios...). Aunque en esta categoría Maribel Verdú, Aida Folch y sobretodo Marina Comas, bien lo merecerían también.

Mejor actor de reparto: Eduardo Noriega (que no me gusta casi nunca) por Una pistola en cada mano

Mejor actriz de reparto: Candela Peña por Una pistola en cada mano (por fin una nominada...)

Mejor actor revelación: Àlex Monner (también nominado) por Els nens salvatges

Mejor actriz revelación: Carmina Barrios por Carmina o revienta

Mejor guión original: Una pistola en cada mano (se lo daría a Albert Sánchez Piñol por El bosc, pero no entiendo que sea original si está basado en un propio cuento del escritor, la verdad)

Mejor guión adaptado: Pues lo dejo desierto ante la mediocridad estremecedora de los candidatos y el hecho de no poder dárselo a El bosc, como parecería lógico, en esta categoría

Mejor música original: Blancanieves

Mejor canción original: "No te puedo encontar" de Blancanieves

Mejor dirección de producción: Lo imposible

Mejor direccón de fotografía: Blancanieves

Mejor montaje: Blancanieves

Mejor dirección artística: Blancanieves

Mejor diseño de vestuario: El bosc (que en esta categoría esté nominada El artista y la modelo me da la risa..., ¡bravo Aida Folch!)

Mejor maquillaje y/o peluquería: Rec 3. Génesis (que atención, señores, no está ni nominada)

Mejor sonido: Lo imposible

Mejores efectos especiales: Lo imposible

Mejor película europea: The turin horse

Dejo sin premiar la mejor película de animación, la iberoamericana y la documental, ya que casi no he visto ninguna de las candidatas. Lo mismo con el cortometraje documental.

Mejor cortometraje de ficción: Mejor que cualquiera de todos los nominados es el candidato Desayuno con diadema (mirad aquí). No es que sea genial, ni mucho menos, pero tiene sus cosas.

Mejor cortometraje de animación: ¿Por qué desaparecieron los dinosaurios?

Pues es todo. Ahora vendrán los premios de verdad. Los que quedarán para la historia. Los míos también quedaran. En mi modesto blog. Espero que al menos, pasemos el rato los que nos atrevamos con la ceremonia. Nos llemos por twitter durante la misma...