viernes, 16 de abril de 2010

Listado final del Festival de cine asiático de Barcelona (BAFF) 2010 y algunas recomendaciones




SECCIONES Y PELÍCULAS


INAUGURACIÓN

LUCK BY CHANCE
Directora: Zoya Akhtar. India, 2009.
Cine dentro del cine: un viaje lleno de color y mucho sarcasmo a las entrañas de Bollywood, una historia sobre lo mucho que cuesta alcanzar los sueños en la industria del cine indio. De ahí el título: hay que estar en el lugar y el momento adecuado para tener la oportunidad de triunfar entre los miles de aspirantes que cada año se acercan a Bollywood. Pero si procedes de una familia en la que el oficio pasa de padres a hijos, esas oportunidades son más amplias. Añadiendo chispa a la diversión, un montón de cameos con las máximas estrellas del cine indio, y naturalmente, canciones y bailes que añaden polvos de estrella al ascenso a la fama.


SECCIÓN OFICIAL

AT THE END OF DAYBREAK de Ho Yuhang. Malasia, 2009.
Desde su paso por el BAFF 2008 con Rain Dogs, Ho Yuhang es un director en ascenso. En su nueva película parte de un hecho real, el asesinato de dos chicas, para elaborar un drama criminal que dispara a la moral de la sociedad de su país. Las dos actrices ganaron los premios a las mejores intérpretes en los Asian Film Awards.

AU REVOIR TAIPEI de Arvin Chen. Taiwán, 2010.
El premio NETPAC de la Berlinale 2010 es un homenaje a la ruidosa y excitante vida nocturna de Taipei. Una película que se enmarca en el clásico chico-busca-chica salpicado de escenas de comedia alocada que incluyen mercados nocturnos, karaokes, una banda de gángsteres e incluso un secuestro.

AURORA de Adolfo Alix Jr. Filipinas, 2009.
Uno de los directores más destacados de la nueva generación de cineastas filipinos, Adolfo Alix llega a su décima película, después de una carrera meteórica y prolífica que empezó en el 2006. Aquí se adentra por primera vez en el cine político con la historia de una trabajadora social secuestrada por la guerrilla.

BETWEEN TWO WORLDS de Vimukhthi Jayasundara. Sri Lanka, 2009.
Cuatro años después de que acabara la guerra civil en Sri Lanka, que duró 26 años, el director muestra que los restos de la batalla todavía están presentes en muchos ámbitos. Between Two Worlds es un viaje extremo a un universo mágico de la mano de una de las voces más personales del cine contemporáneo, a quien los críticos ya comparan con Apichatpong Weerasethakul.

KARAOKE de Chris Chong. Malasia, 2009.
Obra de debut de su director, Karaoke es un retrato sereno y pausado sobre la pérdida de la ilusión y sobre cómo los sueños se tienen que reajustar a la realidad. Una historia que tiene como fondo la música y las imágenes fantasiosas de un karaoke, quizás la única diversión que queda en un pueblo en el que la industrialización se abre paso de manera salvaje.

LIKE YOU KNOW IT ALL de Hong Sang-soo. Corea del Sur, 2009.
Hong Sang-soo continúa explorando la identidad de una masculinidad contemporánea en horas bajas, la complejidad del deseo y las relaciones sentimentales, todo salpicado con sus reconocibles toques de humor, conversaciones regadas con alcohol y situaciones al límite del absurdo. El Rohmer coreano vuelve a acertar de lleno.

MUNDANE HISTORY de Anocha Suwichakornpong. Tailandia, 2009.
En su debut en el largometraje, la tailandesa Anocha Suwichakornpong ha transformado un drama familiar en un poético y sutil ejercicio de crítica política que reflexiona sobre la inescrutabilidad de la vida y el cosmos. Apadrinada por el mismo equipo de producción de Wonderful Town.

PAJU de Park Chan-Ok. Corea del Sur, 2009.
La directora Park Chan-Ok se convierte, con su segunda película, en una de las revelaciones del año. Un drama de cocción lenta, con un tono preciso y una narración fragmentada y laberíntica, sobre los sucesivos encuentros de una pareja en una historia de crimen y castigo cargada de urgencia.

PARADE de Yukisada Isao. Japón, 2009.
Ganadora de un premio de la crítica en la Berlinale 2010, Parade reúne un reparto de jóvenes actores -entre ellos Tatsuya Fujiwara (Battle Royal) - en una especie de reverso oscuro de una sitcom. La aparición de un joven misterioso en un piso compartido revelará la dimensión verdadera de sus relaciones y apegos.

VILLON’S WIFE de Kichitaro Negishi. Japón, 2009.
Un drama de estética clásica protagonizado por Tadanobu Asano, en un papel alejado de los roles contemporáneos que le han dado fama. Basada en la novela semiautobiográfica de Osamu Dazai de 1947, a su vez inspirada en el poeta francés François Villon, la película retrata el Japón de la postguerra en un momento en el que los cambios parecen inaplazables.

WEAVING GIRL de Wang Quan’an. China, 2009.
La penúltima película de Wang Quan'an (que con su última obra inauguró la Berlinale 2010 es un canto a la esperanza en un contexto, el de la sociedad china, que vive una rápida transformación económica, que los cineastas de la Sexta Generación retratan muy de cerca.

WHERE ARE YOU? de Masahiro Kobayashi. Japón, 2009.
La anterior película de Masahiro Kobayashi era un ejercicio de intensidad extrema, una verdadera catarsis emocional no apta para todos los públicos. Su nueva película se fija por primera vez en su carrera en la adolescencia en un retrato austero y sin artificios sobre la soledad, el abandono y la responsabilidad.

MIS RECOMENDACIONES:

Yo no me perdería la inauguración, Luck by chance, en primer lugar porque las inauguraciones siempre tienen un encanto especial y en segundo lugar porque inaugurar con un Bollywood tiene su gracia y su atrevimiento. De la sección oficial no me perdería At the end of daybreak, que promete ser dura, de un director malayo muy interesante, que ya nos sorprendió con Rain Dogs. Tampoco dejaría pasar la oportunidad de ver la película filipina Aurora, teniendo en cuenta que el cine filipino está dando mucho de que hablar en círculos muy cinéfilos. Yo también vería Between two worlds, pero lo haría por intuición y por el exotismo de ver una película de Sri Lanka. Para terminar, pueden ser también muy interesantes Paju que ha ganado premios en Pusán entre otros festivales y promete ser un thriller coreano tan intenso como sosegado, la china Weaving girl del director que nos brindó la espléndia Tuya's marriage y Where are you? una película japonesa de un director intimista y contemplativo, que ya ha visitado el Baff en pasadas ediciones.







AS (Asian Selection)

CAFÉ NOIR de Jung Sung-il. Corea del Sur, 2009.
Una fascinante película dividida en dos partes sobre las diversas encarnaciones del amor a través de la historia de un joven profesor a quien su amante ha abandonado la víspera de Navidad. Una obra magnética con ecos del romanticismo más clásico. El debut en la dirección de un crítico cinematográfico.

DEAR DOCTOR de Miwa Nishikawa. Japón, 2009.
Una de las revelaciones del cine japonés de este año es la segunda película de la directora Miwa Nishikawa (Sway). La cinta se inicia como una comedia de confrontación generacional a través de la historia de un médico recién graduado que llega a un pequeño pueblo donde el veterano médico local no es quien parecía ser.

FACE de Tsai Ming-liang. Taiwán, 2009.
La nueva película de Tsai Ming-liang trata de un director que no habla una pizca de francés empeñado en rodar en Francia con una figura emblemática de la Nouvelle Vague, Jean-Pierre Léaud. Una obra espectacular, cargada de referencias a los autores que el director admira y a su propia obra. En la película participan también Laetitia Casta, Fanny Ardant, Jeanne Moreau y Mathieu Amalric y los actores fetiche del director taiwanés.

JEONJU DIGITAL PROJECT 2009: VISITORS de Hong Sang-soo, Lav Diaz y Naomi Kawase. Corea del Sur, 2009.
El Festival Internacional de Jeonju reúne cada año a tres directores para hacer un cortometraje realizado exclusivamente en formato digital. En la última edición fueron Naomi Kawase, Hong Sang-soo y Lav Diaz los que se enfrentaron a las posibilidades de este formato, tomando como punto de partida la presencia de un extraño en la vida de sus protagonistas.

MOTHER de Bong Joon-ho. Corea del Sur, 2009.
El director de Memories of Murder retuerce de nuevo los géneros y hace estallar la risa en medio del drama para volver después al thriller más seco y violento en esta película que sigue los esfuerzos de una madre empeñada en demostrar la inocencia de su hijo, una víctima fácil de la incompetente policía local.

ROAD, MOVIE de Dev Benegal. India, 2009.
Una tela blanca en un desierto. Cuando se hace de noche, una multitud se reúne formando un oasis delante de la pantalla para vivir el espectáculo del cine. Así es la pasión por el cine en la India y así es la vida del protagonista de esta película, un conductor de un cine ambulante que recorre el país con una buena colección de filmes clásicos de Bollywood y Hollywood.

RUNNING TURTLE de Lee Yeon-woo. Corea del Sur, 2009.
Las comparaciones del segundo trabajo de Lee Yeon-woo con la adrenalínica The Chaser (2008), de su compatriota Na Hong-jin, son inevitables. Ambas comparten intérprete, el ascendente Kim Yoon-seok, y también la misma fórmula de duelo persecutorio entre los protagonistas, aunque aquí toma la forma de inteligente y divertido filme que sigue las andanzas de un policía chapucero.

THE ACTRESSES de E. J-Yong. Corea del Sur, 2009.
Un reparto de conocidas actrices del cine coreano, que han protagonizado obras como Thirst o Woman on the Beach, se ponen a las órdenes del director E J-Yong (Untold Scandal) para interpretarse a ellas mismas en este largometraje que es un homenaje al universo femenino en toda su plenitud.
Con la presencia del director E. J-Yong

THE DREAMER de Riri Riza. Indonesia, 2009.
Continuación de The Rainbow Troops (BAFF 2009), la nueva película de Riri Riza se reencuentra con sus jóvenes protagonistas unos años después, aunque ahora, ya adolescentes, siguen luchando contras las adversidades. La película ha sido un gran éxito en Indonesia.

THE KING OF JAILBREAKERS de Itsuji Itao. Japón, 2009.
En su debut en la dirección, el famoso actor y humorista Itsuji Itao (Tokio Gore Police, Love Exposure), se aleja del cine de género que lo ha hecho célebre para seguir la vida de un criminal y héroe popular de los años 20, obsesionado con huir constantemente de la prisión.

VENGEANCE de Johnnie To. Hong Kong/China, 2009.
La nueva película de Johnnie To es una pirueta perfecta que reinterpreta el polar clásico en clave Hong Kong y que convierte a Johnny Hallyday en un antiguo sicario en busca de venganza. Acompañado nuevamente del guionista Wai Ka-Fai (Mad Detective), Johnnie To sigue demostrando que es un maestro absoluto del cine negro contemporáneo.

MIS RECOMENDACIONES:

Sin duda lo más esperado de esta sección es el estreno de las últimas películas de dos directores de gran prestigio, Vengeance o la nueva vuelta de tuerca del experto en cine de acción de Hong Kong, Johnnie To (Exiled, Sparrow) y Mother de Bong Joon-ho (Memories of Murder, The Host), un thriller coreano, como casi siempre, llevado al límite. Por otro lado la japonesa Dear doctor promete ser una de las películas sorpresa del festival y la coreana Running Turtle una de las propuestas más entretenidas. Hubiese recomendado Visage, la nueva película de un genio como Tsai Ming-liang, si no fuese porque ya la vi en Sitges y.... bueno, podéis buscar la crónica en entradas anteriores.







 FOCUS EN COREA DEL SUR


GREEN FISH de Lee Chang-dong. Corea del Sur, 1996.
El debut en la dirección de Lee Chang-dong, uno de los ganadores del BAFF 2007 con Secret Sunshine y uno de los autores más contundentes del cine coreano, es un film noir fuera de norma. Un auténtico puñetazo al sistema.

JOINT SECURITY AREA de Park Chan-wook. Corea del Sur, 2000.
Joint Security Area convirtió a Park Chan-wook (Old Boy, Sympathy for Lady Vengeance) en uno de los directores más populares de Corea, y no solo porque fuera un gran éxito de taquilla, sino porque empezaba a presentarlo como un director excepcionalmente personal.

MEMORIES OF MURDER de Bong Joon-hoo. Corea del Sur, 2003.
Considerada una de las mejores películas de la pasada década y ganadora de tres premios en el Festival de San Sebastián, esta obra memorable ha sentado cátedra en su forma de afrontar el thriller contemporáneo. No podía faltar su inclusión en el repaso a lo mejor de la última década del cine coreano.

MY DEAR ENEMY de Lee Yoon-ki. Corea del Sur, 2008.
La última película del director de This Charming Girl es una peculiar comedia romántica sobre los esfuerzos de una chica por obtener el dinero que su ex amante le debe. Una guerra de sexos a la manera de Hong Sang-soo protagonizada por dos jóvenes estrellas del cine coreano, Jeon Do-Youn (Secret Sunshine) y Ha Jung-Woo (The Chaser).

MY FRIEND AND HIS WIFE de Shin Dong-il. Corea del Sur, 2008.
Después de impresionar con su debut en Host and Guest (2005), el director Shing Dong-il llega a la madurez creativa con este drama, aparentemente sencillo y fluido, sobre la relación de tres amigos cuya vida cambia tras un repentino accidente.

THE DAY A PIG FELL INTO THE WELL de Hong Sang-soo. Corea del Sur, 1996.
La primera película que dirigió Hong Sang-soo ya ponía sobre la pista de un director fundamental del cine contemporáneo. Los temas recurrentes de su obra - la creación, las relaciones, la obsesión por la estructura en la narración - ya estaban presentes en su debut, con el que ganó uno de los Tiger de Rotterdam 1996.

ROUGH CUT de Jang Hun. Corea del Sur, 2008.
Kim Ki-duk firma el guión de esta obra con la que debuta en la dirección el que durante mucho tiempo ha sido su ayudante de dirección. Toda una sorpresa del cine coreano, con una película de acción cargada de humor, energía y sentido del espectáculo.

THE COAST GUARD de Kim Ki-duk. Corea del Sur, 2002.
Kim Ki-duk es uno de los directores asiáticos más conocidos por el público occidental y es presencia fija en los festivales de todo el mundo. The Coast Guard es una de sus pocas películas no estrenadas en nuestro país, pero como siempre es una obra turbadora y estéticamente impactante.

THE HOUSEMAID de Kim Ki-young. Corea del Sur, 1963.
Sesión especial que recupera una película coreana de los años 60, restaurada por la World Cinema Foundation. Un clásico coreano que es un envidiable ejercicio de terror psicológico y claustrofóbico, en una película hipnótica y sorprendentemente moderna.

MIS RECOMENDACIONES:

En esta sección es fácil recomendar, ya que podemos ver películas primerizas de cuatro grandes directores.
De Lee Chang-dong, el brillante director de Secret Sunshine, podemos ver Green Fish, su ópera prima. También podemos disfrutar de la ópera prima de Park Chan-wook, director de Old boy y Thrist, titulada Joint Security Area. Del maestro Kim Ki-duk se proyecta The coast Guard, su octava película, justo anterior a la que le lanzó a la fama internacional: Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera. Para terminar este poker de ases, se proyecta la segunda y hasta la fecha mejor película de Bong Joon-hoo, Memories of Murder. Si sois seguidores del cine asiático seguro que ya la habéis visto, y si estáis leyendo este reportaje y no habéis visto prácticamente cine asiático y tenéis curiosidad por iniciaros pero dudáis que escoger, hacedme caso, ésta es vuestra película.






SUDESTE ASIÁTICO


15 MALAYSIA de varios directores. Malasia, 2009.
Los jóvenes cineastas de la nueva oleada de cine malasio se unen en este proyecto que pretende dar una visión plural de la realidad de su país. Entre los directores destacan Ho Yuhang (presente este año en la Sección Oficial del BAFF) y otro viejo conocido del festival y toda una institución del cine independiente malasio, James Lee. A destacar el cortometraje póstume de Yasmin Ahmad.

CHILDREN METAL DIVERS de Ralston G. Jover. Filipinas, 2009.
Guionista de diversas películas de Brillante Mendoza, Ralston Jover debuta en la dirección con un film próximo al documental que retrata la dura vida de los niños que recogen metal en la bahía de Manila.

INDEPENDENCIA de Raya Martin. Filipinas, 2009.
Ajustada descripción del colonialismo que sufrió Filipinas, el filme sigue a una familia que huye hacia la selva e intenta sobrevivir alejada de la civilización. Rodada en blanco y negro, Independencia profundiza en la historia de las Filipinas con una puesta en escena que rinde homenaje al cine de la época.

MANILA de Raya Martin y Adolfo Alix Jr. Filipinas, 2009.
Raya Martin (Independencia) y Adolfo Alix Jr. (Tambolista, Aurora) firman conjuntamente este díptico. Mientras la primera parte está inspirada en Manila by Night, de Ishmael Bernal (que también se proyecta en esta edición del BAFF), la segunda parte se basa en Jaguar, del director clásico Lino Brocka.

MANILA BY NIGHT de Ishmael Bernal. Filipinas, 1980.
Pertinente recuperación de esta película del año 1980 dirigida por Ishmael Bernal, uno de los padres espirituales del nuevo cine filipino. Un recorrido por la vida nocturna de la capital filipina donde los conflictos urbanos se mezclan con las drogas y la prostitución.

MANILA SKIES de Raymond Red. Filipinas, 2009.
El director Raymond Red vuelve al cine después de nueve años de silencio con la historia de un hombre que llega a la gran ciudad buscando una vida mejor y que acaba perdiendo el trabajo y uniéndose a una banda de criminales.

SQUALOR de Giuseppe Bede Sampedro. Filipinas, 2009.
Ganadora de cuatro premios en el Cinemalaya Independent Film Festival y de una mención en el festival de Pusán, el debut en la dirección de Giuseppe Bede Sampedro es una película en cuatro partes sobre hombres en plena crisis de masculinidad.

MIS RECOMENDACIONES:

El cine filipino, que como dije anteriormente está en el punto de mira cinéfilo, arrasa en la sección del sudeste asiático. Yo no me perdería las dos películas de Raya Martín, Independencia y Manila que co-dirige, ya que este joven filipino tiene la etiqueta de polémico y despierta a menudo la pregunta que a mí tanto me gusta y me excita de "¿genio o impostor?".




 EMERGENTES


BEIJING IS COMING de Bono Lee. China, 2009.
Un retrato fresco y sorprendente de la supermoderna Pequín en el proceso de convertirse en sede olímpica, con todas las transformaciones arquitectónicas y la conmoción que supone para los habitantes de la ciudad. Una película de debut cargada de lirismo y sentido del humor, realizada desde la independencia más absoluta.

EATRIP de Yuri Nomura. Japón, 2009.
Un documental sobre el placer de cocinar y comer que nos introduce en la riqueza de la cocina japonesa y en tradiciones como la ceremonia del té (protagonizada por Tadanobu Asano). La película termina con un espectacular banquete que la directora preparó para todos los protagonistas del filme.
Con la presencia de la directora Yuri Nomura

ELBOWROOM de Ham Kyoung Rock. Corea del Sur, 2010.
Una obra impactante que tiene como protagonista a una chica con una discapacidad mental y que, rodada con un enfoque casi documental, se centra en las aspiraciones de la protagonista para alcanzar cierto grado de felicidad.

FLOODING IN THE TIME OF DROUGHT de Sherman Ong. Singapur, 2009.
El videoartista y cineasta Sherman Ong es presencia fija en festivales y museos de todo el mundo. A partir de un encargo de la Bienal de Singapur, Ong se adentra en el mundo de los inmigrantes a través de la historia de ocho parejas en el Singapur de hoy en día.
Con la presencia del director Sherman Ong

I’M IN TROUBLE! de So Sang-min. Corea del Sur, 2009.
Gran premio de la sección New Currents del Festival de Pusán, I’m In Trouble! retrata las dudas de un joven aspirante a poeta cuya vida se encuentra en una encrucijada vital y es incapaz de tomar ciertas decisiones, como continuar o no con su novia o buscar un trabajo estable.
Con la presencia del director So Sang-min

OUR BRIEF ETERNITY de Takuya Fukushima. Japón, 2009.
Entre la ciencia-ficción y el drama romántico, Takuya Fukushima dirige su segundo filme partiendo de una premisa muy contemporánea: un extraño virus se ha extendido por el mundo y provoca que los infectados pierdan sus recuerdos más valiosos.
Con la presencia del director Takuya Fukushima y Tamaki, una de la protagonistas de la película.

PYUUPIRU 2001-2008 de Daishi Matsunaga. Japón, 2009.
Crónica de una metamorfosis que ha durado ocho años, este documental sobre la artista Pyuupiru en una transformación de género, identitaria y, por extensión, vital. Nacida en un cuerpo de hombre, Pyuupiru documenta en sus obras de arte su transformación física.
Con la presencia del director Daishi Matsunaga

THE MOUNTAIN THIEF de Gerry Balasta. Filipinas, 2009.
Melodrama al servicio de la denuncia social, The Mountain Thief es el retrato de un padre y su hijo que viven en un vertedero, recogiendo basuras para sobrevivir. Su suerte cambiará cuando después del asesinato de un hombre acusen al padre.
Ganadora del Premio del Jurado del último San Francisco International Asian American Film Festival.
Con la presencia del director Gerry Balasta

TO WALK BESIDE YOU de Ishii Yuya. Japón, 2009.
Con sólo 27 años, el director Ishii Yuya ya ha dirigido cuatro películas y es una de las más firmes promesasdel cine japonés. En su nueva obra se inspira en el teatro rakugo, en el que lo patético y lo ridículo se unen sin complejos, para contar una historia de amor platónico entre un adolescente y su maestra.


MIS RECOMENDACIONES:

Si hacer recomendaciones del Baff es arriesgado, la sección emergentes se lleva la palma, ya que suelen ser trabajos de autores aún desconocidos, muchos rodados en digital y muy, pero que muy independientes. Por mojarme elegiría To walk beside you, que ya tiene un cierto recorrido por festivales y Flooding in the time of drought del prestigioso videoartista Sherman Ong.




BAFF ANIME

5 CENTIMETERS PER SECOND de Makoto Shinkai. Japón, 2007.
Makoto Shinkai está considerado el nuevo Miyazaki y su nueva película es una auténtica maravilla sobre dos amigos de la infancia separados por los avatares del destino. Una película alejada de las temáticas de ciencia ficción de los mangas más al uso.

EUREKA SEVEN: MOVIE 2009 de Tomoki Kyoda. Japón, 2009.
Tres años después de acabar su aventura televisiva, la serie Eureka Seven da el salto a la gran pantalla. Dirigida por el creador de la serie y también de RahXephon Movie, la película cuenta con la participación del director de efectos especiales Yasushi Muraki (Ah! My Goddess: The Movie, The Skull Man).

MY DEAR COFFEE SAMURAI de Chang Hyung Yun. Corea del Sur, 2008.
Ganadora de varios premios en el Festival de Cine Fantástico de Puchón y en el Festival Internacional de Animación de Seúl, una historia fantástica que mezcla amor y comedia con una imaginación desbordante, al tiempo que consigue trazar un retrato fiel de la ciudad coreana contemporánea.

ONE PIECE FILM: STRONG WORLD de Munehisa Sakai. Japón, 2009.
Estreno en Europa de One Piece Film: Strong World, el taquillazo japonés del año coincide con el décimo aniversario de la serie creada por Eiichiro Oda, implicado en la supervisión y el guión de esta película. La serie se estrenó en la televisión japonesa en 1999 y llegaron a emitirse 410 episodios, dando el salto a la gran pantalla a razón de un largometraje por año y vendiendo más de 158 millones de manga en todo el mundo.

RED LINE de Takeshi Koide. Japón, 2010.
Presentada en el festival de Locarno en el verano de 2009, Redline es la esperada conjunción de los talentos de Katsuhito Ishii con el animador Takeshi Koike, con quien ya había colaborado en The Taste of Tea. Estreno en España.

SUMMER WARS de Mamoru Hosoda. Japón, 2010.
Una de las mejores películas de animación de los últimos tiempos, ganadora del premio al mejor largometraje de la sección Anima’t en Sitges 2009. Mamoru Hosoda vuelve a contar en su nueva película con buena parte de sus colaboradores más recientes, entre ellos Yoji Takeshige (que realizó la dirección artística en El Viaje de Chihiro, La Princesa Mononoke o El Castillo Ambulante).

FREEDOM de Shuei Morita. Japón - 2006.
Basada en los personajes diseñados por Katsuhiro Otomo (Akira), Freedom está ambientada en el siglo XXIII. Tres adolescentes nacidos en la Luna descubren un terrible secreto e intentan descubrir la verdad que se oculta tras Edén, la organización que gobierna la colonia lunar.

EL VERANO DE COO (de Keiichi Hara. Japón - 2007.
Dirigida por uno de los mejores animadores de su generación, El verano de Coo relata una historia de amistad entre un chico y una criatura acuática mitológica llamada Coo, y las aventuras que viven mientras buscan a la familia de esta última.

THE SKY CRAWLERS de Mamoru Oshii. Japón - 2008.
Mamoru Oshii (Ghost in the Shell) nos cuenta, fiel a su estilo, una historia ambientada en una especie de mundo alternativo donde las guerras están controladas por las multinacionales y donde niños que no pueden crecer son utilizados como pilotos para combatir en conflictos bélicos.

EVANGELION 1.0 YOU ARE (NOT) ALONE. Japón - 2007
El creador de Neon Genesis Evangelion codirige la primera entrega de una tetralogía que versiona la famosa serie de los 90. Un Japón apocalíptico es testigo del enfrentamiento entre unos monstruos gigantes que asolan la ciudad y las fuerzas paramilitares que tienen que defenderla.

TOKIO MARBLE CHOCOLATE de Naoyoshi Shitani. Japón - 2007.
Esta hermosa historia de amor, narrada desde los diferentes puntos de vista de los dos amantes protagonistas, supuso el debut como director de Naoyoshi Shiotani, que ya había cautivado al público con las técnicas de animación empleadas en Fullmetal Alchemist y Blood+.

SWORD OF THE STRANGER de Masahiro Ando. Japón - 2007.
Llena de secuencias de acción magníficamente orquestadas, luchas de espadas y veloces movimientos, la película sigue a un asesino que quiere dar caza a un misterioso niño y a un espadachín sin nombre que se verá obligado a defenderle.

MIS RECOMENDACIONES:

Hay dos propuestas antiguas, que de no haberse visto, son ultrarecomendables. The sky crawlers, una auténtica obra maestra de un genio como  Mamoru Oshii (Ghost in the shell) y la OVA Freedom, basada en los personajes creados por otro maestro, en este caso Katsuhiro Otomo (Akira). En la sección de novedades destacan Summer Wars, una película que viene precedida de grandes críticas con las que no estoy de acuerdo (la pude ver en Sitges) y Redline, que promete innovación y espectáculo.




Para más información podéis consultar la págine del Baff, donde tendréis resúmenes más amplios de cada película, fotografías, trailers y los horarios del festival:

http://www.baff-bcn.org/es/

Si queréis ampliar información también podéis consultar la siguiente página, con monográficos excelentes sobre las películas del Baff, además de quizás, el mejor blog sobre cine asiático que yo haya encontrado en español:

http://elpozodesadako.blogspot.com/search/label/Festivales%20Muestras%20y%20Demas%20en%20Espa%C3%B1a

jueves, 1 de abril de 2010

125 mejores películas de la primera década del siglo XXI (2000-2009) (Parte 3)







51- EL BOSQUE  Director: M. NIGHT SHYAMALAN  Año: 2004

M. Night Shyamalan sorprendió en 1999 con El sexto sentido, una película de terror exquisita y que como toda obra maestra influenciaría a todo el cine posterior para bien o para mal. Durante esta década ha realizado cinco películas. El protegido (2000) que es espléndida, Señales (2002) que podría haber sido una obra maestra si no se viese lastrada por su lamentable final, El bosque (2004), la bella pero fallida La Joven del agua (2006) y la correcta y entretenida, pero lejana a la genialidad El incidente (2008).
En El bosque, Shyamalan nos narra la historia de un pueblo aislado del resto del mundo, temeroso de atravesar un bosque que los uniría al mundo real y al que ningún habitante puede acercarse, por temor a las terroríficas criaturas que lo habitan. El bosque es un cuento tenebroso que flirtea con el terror, aunque en el fondo es una metáfora sobre el miedo y la manipulación. Shyamalan nos explica la historia mostrándonos las cartas despacio, usando adictivos giros argumentales y desconcertándonos ante la extrañeza de los acontecimientos. La dirección, como siempre en sus películas, es de una brillantez incontestable, de una elegancia clásica que alterna pausa y belleza con momentos de tensión o terror apabullantes. Una auténtica joya para disfrutar desde la sutileza, el desamparo y la tensión.




52- EL HUNDIMIENTO  Director: OLIVER HIRSCHBIEGEL  Año: 2004

Berlín, abril de 1945. Una nación está a punto de sufrir su hundimiento. Una encarnizada batalla se libra en las calles de la capital. Hitler (Bruno Ganz) y su círculo de confianza se han atrincherado en el búnker del Führer. Entre ellos se encuentra Traudl Junge (Alexandra Maria Lara), secretaria personal de Hitler. En el exterior, la situación se recrudece. A pesar de que Berlín ya no puede resistir más, el Führer se niega a abandonar la ciudad.
Oliver Hirschbiegel, que ya había sorprendido con la impactante El experimento (2001), narra con clase y solvencia los últimos días de Hitler y lo hace desde el punto de vista de su secretaria, inmersa en una vorágine que es incapaz de comprender y procesar. Polémica por su imparcialidad a la hora de mostrar los acontecimientos, por no denunciar unos hechos que se denuncian por sí solos (y en no insultar a la inteligencia del espectador está uno de sus méritos), por humanizar a Hitler, espléndidamente interpretado por Bruno Ganz que sabe matizar tanto sus sentimientos, como su monstruosidad y su locura, la película es imprescindible por sus valores cinematográficos y por su rigurosa aportación histórica. Una película redonda, dura y brutal que nos dejará respirar muy cerca de aquellos que jamás debieron haber existido.





53- EL NIÑO  Director: JEAN-PIERRE y LUC DARDENNE  Año: 2005

Tras la prodigiosidad de El hijo (en el top-25), los hermanos Dardenne vuelven a ofrecer otra muestra de su cine en la brillante El niño que se alzaría con la Palma de Oro de Cannes, segunda vez tras Rosetta (1999), en que los hermanos ganarían tan prestigioso galardón.
Bruno tiene veinte años. Sonia, dieciocho. Los dos viven, en el suburbio de una ciudad francesa, gracias al subsidio de ella y de los robos que cometen Bruno y los chicos de su banda. Sonia acaba de dar a luz a Jimmy, el hijo de ambos. Entonces surge la duda sobre si Bruno será capaz de comportarse como un buen padre, o seguirá siendo tan despreocupado y viviendo como hasta entonces, con la única preocupación de seguir con sus trapicheos.
Con su estilo nervioso de siempre, sus primeros planos agresivos, sus travellings tras la nuca de los protagonistas, su realismo sucio y alguna escena en que aflora un terror ambiental desasosegante, los hermanos Dardenne construyen una película sobre dos personajes de los suburbios tan dura como tierna, en esta historia sobre la paternidad, la culpa, los límites del amor y la capacidad de cada uno de salir, o no, de aquello a lo que parece predestinado para reinventarse. Como siempre en los Dardenne, un peliculón.




54- EL PIANISTA  Director: ROMAN POLANSKI  Año: 2002

Tras algunos años de sequía artística, el polémico director Roman Polanski, adapta las memorias del músico polaco Władysław Szpilman, en esta película brillante que ganó la Palma de Oro y que dio el Oscar a su director y a su magistral intérprete Adrien Brody. 
La película nos explica la vida del músico cuando aun  vive felizmente con su familia en Varsovia, para luego narrar las condiciones de terror y persecución a las que tienen que sobrevivir los judíos progresivamente hasta ser recluidos en el gueto de Varsovia y posteriormente llevados al campo de exterminio de Treblinka. Cuando el protagonista es salvado in extremis de la muerte y separado de su familia, comenzará una odisea solitaria de degradación y supervivencia que Polanski narrará con mano firme, con tanta brutalidad como belleza formal, con tanto desasosiego como deshumanización. Brody compone un magnífico trabajo de animalización de un hombre vencido por el terror pero que conserva algo tan humano como el arte y Polanski nos muestra de manera directa y brutal el terror y el dolor que los judíos sufrieron en aquellos días de una forma muy intimista y lejana al sensacionalismo. Ideal para ver en programa doble con El hundimiento y vomitar ante el horror que los hombres somos capaces de generar.





55- EL SABOR DE LA SANDÍA  Director: TSAI MING-LIANG  Año: 2005

Tras salir de ver El sabor de la sandía en el festival de Sitges, oí comentar a una mujer en la cola que tan solo los enfermos y pervertidos (la película tiene un fuerte contenido sexual) podían disfrutar de una película como ésta. Yo pensé que tan solo los enfermos, no pueden trascender las escenas de sexo y disfrutar de la hermosa película sobre la soledad que el director chino plantea, porque solo ellos (los enfermos) son capaces de dar tanta importancia a algo tan natural como el sexo y rodearlo de agrio resentimiento y no lograr ver más allá.
Tsai Ming-Liang, director chino afincado en Taiwan, es un realizador de películas muy extremas, muy contemplativas, que puede fascinar o aburrir hasta el infinito. Creador de films tan apasionantes como The Hole (1998) o ¿Qué hora es allí? (2001), en El sabor de la sandía se sirve de un argumento sobre la sequía y la necesidad de los protagonistas para encontrar agua, para hablar de lo que realmente le interesa siempre, de la extrema soledad que sufre el ser humano y de su incapacidad para comunicarse. Tsai Ming-Liang lo explica con un estilo exageradamente contemplativo, que rellena con gestos, con miradas, con silencios, con extraños números musicales y con insistentes escenas de sexo. El sabor de la sandía no es una película apta para todo estilo de públicos, pero verla y disfrutarla, te hace emocionalmente y cinéfilamente más sabio.




56- EL SECRETO DE SUS OJOS  Director: JUAN JOSÉ CAMPANELLA  Año: 2009

Auténtico fenómeno de público en Argentina y recientemente galardonada con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, El secreto de sus ojos es un claro ejemplo de cine emocional, de cine sentimental, llevado con dignidad y maestría. El habitualmente cursi Juan José Campanella, sabe controlar aquí sus excesos (o casi) y nos brinda una película de geniales y precisos diálogos, con una trama policial que remueve recuerdos, amores, rencores y culpas y que nos aproxima al pasado reciente y convulso de Argentina. Todo ello acompañado de personajes secundarios de lujo tanto en su desarrollo como en la interpretación de los actores (Soledad Villamil, Guillermo Francella), con fragmentos tan originales y excitantes como la escena de bar que acaba en un estadio de fútbol y que a mi me parece de una genialidad insultante y con la presencia soberbia de Ricardo Darín, que no solo borda su personaje sino que borda el mismo arte de actuar. Una hermosa película, tan contenida como emocionante y apta para todos los públicos.




57- EN LA CIUDAD DE SYLVIA  Director: JOSÉ LUIS GUERÍN  Año: 2007

El siempre interesante, intelectual, contemplativo y minoritario José Luis Guerín, nos brinda esta experimental película con que abandona el cine documental para realizar una ficción en que lo que importa no es el argumento, sino las sensaciones.
Un joven vuelve a la ciudad de Estrasburgo, en la que se encaprichó de Sylvia (aunque quizás de lo que se ha encaprichado es de su recuerdo) cuatro años atrás, para buscar a la chica y recuperar aquel mágico momento. Sin mucho más que hacer  que esperar y deambular, el protagonista dibuja rostros de mujeres sentadas en la terraza de un bar, pasea, conoce a otras mujeres y se deja seducir por una ciudad que nos resulta tan ajena como cercana. Esta oda a la observación, contrapuesta a nuestro estresante estilo de vida, nos ofrece la visión de un director que sabe hallar el placer y la poesía ante un rostro, ante un sonido, ante una incertidumbre. Interpretada por un hermoso Xavier Lafitte y por una Pilar López de Ayala que irradia luminosidad y que nunca ha desprendido tanta belleza, Guerín nos muestra otra forma de enfrentarnos al mundo, tan pausada y extremamente opuesta a la nuestra como apetecible y nos dibuja una singular película que debemos dejar fluir, con la calma propia de un tranvía que chirría largamente mientras se detiene, de un rayo de luz solar que pretende entrar en las próximas horas, progresivamente, a través de nuestra ventana. 




58- EXILED  Director: JOHNNIE TO  Año: 2006

Johnnie To es un prolífico y prestigioso cineasta de Hong Kong, que hace que los thrillers de acción (género favorito del país), tomen una envergadura que lo distancian de la mayoría de cineastas de su patria.
Exiled es quizás hasta la fecha su mejor película. En ella, dos asesinos a sueldo, llegados a Macau para ejecutar a un colega que pretende empezar una nueva vida, se enfrentarán a un dilema cuando otros dos antiguos socios intenten trastocar su misión. Abierta la negociación, aparecerá un quinto asesino que pondrá en peligro la incipiente tregua. Secuela de The Mission (1999), lo que allí era la observación de los tiempos muertos de una banda de asesinos antes de actuar, se transforma aquí en acción pura y dura. Con unas coreografías de acción muy trabajadas, un poético uso de la cámara lenta y una historia sobre la amistad, la lealtad y sus límites, Johnnie To nos impacta con unas imágenes que no dan tregua al espectador, que lo fascinan, que lo vacilan y hace de esta sublime película de acción una pequeña obra de arte.




59- FEAR X  Director: NICOLAS WINDING REFN  Año: 2003

Entre las películas del danés Nicolas Winding Refn, la mayoría prescindibles, encontramos esta pequeña joya, un thriller psicológico interpretado por John Turturro y que es la mejor película heredera del maestro Lynch que yo haya visto.
Harry es un vigilante de seguridad de un centro comercial en el que su mujer fue asesinada. Incapaz de asumir su pérdida, empezará a observar videos compulsivamente con el fin de encontrar una pista que le lleve al asesino. A medio camino entre la realidad y la pesadilla, Turturro conocerá a excéntricos personajes y vagará por hoteles de un rojo carmesí agresivo intentando dotar de lógica y sentido un sinsentido que le afecta de forma vital. Con un estilo muy heredero de David Lynch, el director muestra angostos pasillos sin final, de profunda oscuridad, se acerca a la mente del protagonista con zooms que se desenfocan y resuelve la película con  la máxima coherencia a que aspira: la incoherencia. Aspirante a película de culto, pero tan poco conocida que puede ser devorada por el olvido, sirva mi reseña como un granito de arena ante el abismo de su pérdida.



60- FRONTIÈRE(S)  Director: XAVIER GENS  Año: 2007

El cine fantástico y de terror francés lleva unos años reclamando un lugar de privilegio en el panorama internacional. Caracterizado normalmente por una brutalidad, un realismo sucio y un exceso de gore no apto para todos los estómagos, algunas propuestas han sido realmente novedosas y son realmente recomendables. A parte del título que nos ocupa, podríamos destacar la excelente fantasía visual que nos regaló Vidocq (2001), las terroríficas Ils (2006) y À l' intérieur (2007) y las irregulares, salvajes y polémicas Haute Tension (2003) y Martyrs (2008).
Frontière(s) no es una película apta para todos los públicos ya que su brutalidad y su exceso tanto formal como interpretativo hacen que su visionado pueda resultar desagradable. Heredera directa de La matanza de texas (1974), la película culmina con inteligencia el subgénero de familias degeneradas que calman su locura con la tortura y el asesinato. Reflejo tridimensionado de una sociedad racista, violenta y enferma, la película toma como origen unas elecciones y los disturbios raciales que le suceden (los disturbios en Francia estuvieron al orden del día), para electrizarnos con una hiperbólica y desmesurada pesadilla que va mucho más allá de la racionalidad, cruzando los límites en que el ser humano libera su animalidad salvaje. Agresiva, desagradable, excesiva, sobreactuada, la película se disfruta desde la radicalidad de la propuesta o se sufre con virulencia. ¿Os atrevéis a probar?




61- GANGS OF NEW YORK  Director: MARTIN SCORSESE  Año: 2002

Martin Scorsese es uno de los directores americanos más interesantes del panorama actual, pese a que sus grandes películas se dieron en décadas anteriores. Durante esta década ha alternado las películas de ficción con los documentales musicales. Comenzó la década con Gangs of New York, a la que siguó la correcta El aviador (2004), el monumental e interesantísimo documental sobre Bob Dylan No direction Home (2005), la brillante e intensa Infiltrados (2006) y el documental en que filma un concierto de los Rolling Stones Shine a light (2008).
En Gangs of New York, Scorsese logra rodar una de sus películas más ansiadas. La historia de la ciudad de Nueva York desde 1863, cuando la hoy cosmopolita ciudad era el caldo de cultivo de bandas callejeras que querían hacerse con el poder a toda costa. La película, la más cara en la carrera del director acaba resultando un pretencioso fresco grandioso, con enormes decorados, numerosos extras, grandes figuras en el reparto (Lian Nesson, Daniel Day-Lewis, Leonardo Di Caprio, Cameron Díaz) y mucha épica, que alterna súblimes momentos de cine con mayúsculas con otros en que el guión deviene un poco atropellado, sobretodo en su tramo final (se dice que los productores, los temibles hermanos Weinstein tuvieron parte de culpa al acortar el metraje en el montaje final). En definitiva una película tan excesiva como su propio director, tan fascinante para algunos, como aborrecible para otros.





62- GÉNOVA  Director: MICHAEL WINTERBOTTOM  AÑO: 2008

Michael Winterbottom es un prestigioso y prolífico director inglés (ha realizado diez películas esta década), de filmografía tan amplia como ecléctica, ya que toca prácticamente todos los géneros. Entre sus logros de esta década según mi parecer están el falso documental In this world (2003), la espléndida película de ciencia ficción Código 46 (2003) y el fallido pero apreciable intento de acercarse al cine porno con el que escandalizó en 9 canciones (2004).
Génova es una extraña película, no perteneciente a ningún género en concreto que me cautiva y fascina. Tras la trágica muerte en accidente de su mujer, un padre se traslada con sus hijas a Génova, para huir del pasado y empezar una nueva vida. A partir de este mínimo argumento Winterbottom rueda una película ténue, evanescente, más sobre los miedos que asaltan a su protagonista que sobre los hechos que le acontecen. Pasea su cámara con el mismo desconcierto que asalta a los personajes por las laberínticas calles de una ciudad tan amable como amenazante y nos crea una desazón inconcretable, casi existencial. Una película bella y triste, aunque la tristeza sea tan dispersa que nunca sepamos por donde nos asalta en realidad.




63- HEDWIG AND THE ANGRY INCH  Director: John Cameron Mitchell  Año: 2001

Tras triunfar durante algunos años con su versión teatral, John Cameron Mitchell, director de dicha versión, autor del guión y actor que da vida al personaje principal, adapta en el 2001 su extraño musical al cine convirtiéndose de inmediato en un éxito de crítica y una película de culto. No es para menos, ya que la película es absolumente magistral y de un ingenio y originalidad apoteósicos. Hedwig es una cantante de Glam Rock que tras una fallida operación de cambio de sexo de la que le queda un sexo indefinido del que se averguenza, se dedica a exhibirse en cutres conciertos con su banda mientras un ex-amante triunfa con canciones que le robó en la época en que convivían. La película lo tiene todo: una bella historia sobre la amistad, sobre las dudas y los miedos que pueden generar una tendencia sexual "diferente", una banda sonora original y maravillosa, unas actuaciones geniales, sobretodo la del actor y director que compone una Hedwig descarada y tierna, de una belleza tan femenina como masculina, números musicales que producen un subidón adrenalítico altísimo y mucha, mucha ternura hacia sus personajes, tan marginales como próximos, tan distintos a nosotros como cercanos en sus objetivos vitales.
El director, unos años después dirigiría Shortbus (2006), una provocativa película a años luz de Hedwig, ya que trata exactamente de lo mismo pero en que cambia la sutileza y originalidad de la primera por una autocomplacencia difícil de digerir. Sin embargo, si no has visto Hedwig and the angry inch hazlo, porque te puedes llevar una grata sorpresa. Sin duda alguna, una de las películas más apasionantes de la década.




64- HISTORIAS MÍNIMAS  Director: CARLOS SORÍN  Año: 2002

El director argentino Carlos Sorín sorprendió en festivales y cines de autor en el año 2002 con la película Historia mínimas. Como el título indica, la película, que esta situada en la vasta Patagonia argentina, sigue a tres personajes y nos explica sus pequeñas historias, cotidianas, quizás insignificantes o quizás las más importantes que jamás se hayan explicado en una película. Un hombre que quiere comprar una tarta de cumpleaños para el hijo de la mujer a quien ama, un abuelo que busca un perro que desapareció años atrás y una joven pobre que viaja con su hija hacia el estudio de un programa de televisión para recoger el robot de cocina que ganó en un concurso. Tres historia y un paisaje. A partir de aquí, una road movie con personajes reales, actores no profesionales en su mayor parte y mucha sensibilidad y mucha verdad. Lejos del sentimentalismo excesivo a que otras producciones argentinas que llegan a nuestro país nos tienen acostumbrados, Historias mínimas es una película deliciosa, pequeña y triste que ofrece personajes reales, con ilusiones reales y con sentimientos reales, lo que, creo yo, no es poco.




65- INFILTRADOS  Director: MARTIN SCORSESE  Año: 2006

Scorsese, tras muchísimas nominaciones a los Oscars y una larga lista de vergonzosos desagravios (Rocky ganó a Taxi driver en la edición de 1977), consiguió por fin la estatuilla con Infiltrados, que no es su mejor película, pero que está muy por encima de la mayoría de películas que se hacen en EEUU y sobretodo que ganan el Oscar. La película es un remake de la producción de Hong Kong Infernal Affairs y trata de la infiltración de un policía novato en la mafia, para lograr atrapar a su gran jefe. Con un espectacular reparto en que brillan Jack Nicholson, Mark Wahlberg, Matt Damon y sobretodo un espléndido y siempre infravalorado Leonardo Di Caprio, Scorse nos absorve con una película en que el brillante guión con sus giros y su suspense nos lleva a algunos momentos de una tensión e intensidad tan vibrantes como difíciles de alcanzar. Infiltrados, que alcanza tan altas cuotas de genialidad, es inevitablemente irregular, pero su sombría y violenta historia es muy disfrutable y derrama talento por sus cuatro costados.




66- INLAND EMPIRE  Director: DAVID LYNCH  Año: 2006

David Lynch ya lleva unos años experimentando con su cine e incluyendo en sus películas una gran cantidad de metraje que en realidad no ocurre, o ocurre en un mundo paralelo, entiéndase el de los sueños, o el del subconsciente. Media película de Carretera perdida no ocurría en el plano de la realidad. Y en Mulholland drive el índice de no realidad se disparaba. Viéndolo así, Inland Empire es una evolución lógica en el cine de Lynch, ya que rompe de forma extrema con la realidad y radicaliza su estética y su discurso para filmar tres horas de cine digital que se desenvuelve en lo abstracto para componer una pesadilla sin asideros a los que volver a la calma que nos proporciona la lógica.
Una actriz (espléndida Laura Dern) recibe la oferta de realizar un papel para una película maldita, que tuvo que suspenderse años atrás. A partir de ahí la realidad se desvanece y la pesadilla-ficción se alarga, de difumina, se estremece y se descompone.
La película no es para nada apta para todos los públicos y la disfrutarán los buscadores de rarezas, los seguidores del cine experimental y los fans de Lynch, siempre que estén abiertos a dar un paso más allá en la locura/genialidad del director. Para mi no es su mejor película, pero Lynch siempre vale la pena y la suma de visionados siempre juega a su favor.


 

67- IRREVERSIBLE  Director: GASPAR NOÉ  Año: 2002

Lo hace, y lo hace con talento y nos remueve en nuestra butaca y nos crea fascinación por la historia y repulsión por lo que vemos y nos estremece y nos encanta. Otra cosa es que Gaspar Noé se sirva de ella para su beneficio y provocar el escándalo. El hecho de mostrarla de forma tan brutal te hace aborrecerla mucho más. Jamás he visto una película en que la violencia resultase tan estúpida, tan deplorable, tan destructiva. Algunos acusaron a Gaspar Noé de apología de la violencia.
Siendo la más escandalosa no es la única escena difícil de digerir ya que en toda la película, la violencia y la agresividad son brutales tanto físicamente como por el estado de nervios a que nos condiciona una cámara totalmente fuera de control en sus movimientos. La gran polémica vino con la escena de la violación, con plano fijo, de más de diez minutos y de una brutalidad jamás vista en la pantalla y difícil de soportar. Mónica Bellucci y Vincent Cassel interpretan a un matrimonio un poco excesivo que acude a una fiesta de la que ella se va antes, es violada salvajemente y él busca el culpable para vengarse. En Irreversible, Gaspar Noé nos cuenta una historia al revés, es decir empieza por un violento final para acabar por la calidez del principio.
Recientemente se ha podido ver en el festival de Sitges Enter the void (2009) en la que de nuevo busca el escándalo y realiza una película arriesgada en la que su talento brilla durante dos tercios, para caer de forma abrupta en su tercio final. Pero no consiguió del todo su objetivo hasta 2002 cuando estrenó en Cannes Irreversible, y recibió un abucheo monumental así como todas las portadas de la prensa francesa mostrando su indignación por la película, Gaspar Noé había vencido. En el año 1991 revolucionó Cannes con su mediometraje Carne que completaría con su continuación en 1997 Seul contre tous. Gaspar Noé, director de origen argentino afincado en Francia es un provocador total de breve filmografía.







68- JUNO  Director: JASON REITMAN  Año: 2007

Juno fue la película revelación del 2007, no solo en taquilla sino a nivel crítico e incluso fue nominada a cuatro oscars, incluido el de mejor película. Es una comedia independiente dirigida por Jason Reitman (que acaba de dirigir la previsible Up in the air) y escrita por la excéntrica Diablo Cody (que volvió al guión en Jennifer Body abriendo la sospecha que en Juno sonó la flauta). La película nos explica la historia de una adolescente, la Juno del título, que queda embarazada por un compañero de clase y que tras tantear la opción de abortar, decide tener el niño y darlo en adopción. Siempre en un tono de comedia y moviéndose al filo de lo irreverente y políticamente incorrecto, la película salpica al espectador entre risa y risa de grandes verdades sobre las relaciones de pareja, sobre la paternidad, sobre el miedo a crecer, sobre las dificultades para relacionarse, sobre los límites difusos entre la edad adolescente y la edad adulta. Todos los personajes acaban resultando tan complejos como tiernos y están muy bien interpretados, pero por lo que a mi parecer la película trasciende mucho más allá que otras del mismo género es por la brutal interpretación de Ellen Page, que sabe dar a su personaje una profundidad escalofriante, una mezcla de frescura y madurez, de levedad y profundidad tan asumible en un personaje que con su edad se enfrenta a un embarazo, que logra emocionar al espectador mucho más allá del director cumplidor o del guión que amaga escandalizar para acabar, en cierta manera, edulcorando. Ellen Page construye un personaje creíble, cercano y frágil, lleno de matices y de sentimientos. Una auténtica obra maestra de la interpretación.




69- KANDAHAR  Director:  MOHSEN MAKHMALBAF  Año: 2001

El cine iraní fue el rey de los festivales en los años 80 y sobretodo en los 90. Sus películas compitieron y ganaron en muchos de ellos encabezados por los dos grandes realizadores del cine de este país Mohsen Makhmalbaf (El silencio, Gabbeh) y Abbas Kiarostami ( ¿Dónde está la casa de mi amigo? , El sabor de las cerezas). A ellos se añadirían otros nombres propios como Jafar Panahi (El globo blanco) o Majid Majidi (Niños del cielo). El cine iraní aprovechaba los áridos paisajes que su país proporcionaba para rodar y solía usar a niños para explicar historias minimalistas que burlasen la censura religiosa y política del país. Sus dificultades y nulo presupuesto eran solventados con mucha sensibilidad e imaginación y no hubo año en los 90 en que no hubiese película iraní en un festival grande. Con la llegada del nuevo siglo el cine iraní ha pasado a un segundo plano (quizás es ahora el cine filipino el más ultracinéfilo) debido en parte a la radicalización formal de Kiarostami y al semiretiro de Makhmalbaf, que ha dejado camino a sus dos hijas: Samira (La manzana, La pizarra) y Hana (Buda explotó por verguenza).
En Kandahar, Mohsen nos acerca una de sus últimas películas y cambia a los niños protagonistas por una mujer y la inocente percepción de la realidad de  éstos por una mirada mucho más atroz, que peca al principio incluso de sensacionalista (aunque quizás está en su derecho) pero que mezcla costumbrismo, con un humor surrealista desconcertante y  brutalidad con imágenes de una poética sublime. Makhmalbaf nos muestra la realidad de un Afganistán de antes de la guerra con EEUU, cuando una mujer que se exilió en Irán decide acudir al rescate de su hermana que permaneció en la capital afganesa, Kandahar, y que ya no soporta tanta opresión. Una bella mirada cubierta por un burka, un hermoso paisaje lleno de devastación, gente encerrada en una cárcel sin rejas, gestos, colores. Una propuesta tan pequeña como necesaria.




70- LA CINTA BLANCA  Director: MICHAEL HANEKE  Año: 2009

Michael Haneke lleva veinte años diseccionando la violencia. Su cine, busca los orígenes o las consecuencias de las conductas humanas más extremas y suele exponerlas con tanta fríaldad, que transmite en el espectador una incontrolable sensación de desamparo, de nihilismo existencial. La violencia que expone en su cine puede ser tanto física, como en la brutal Funny Games, emocional como en Caché, o autodestrutiva como en La pianista. Su nueva película La cinta blanca, se mantiene fiel a su estilo y a su temática, estilizándola un poco más si cabe. Rodada en un blanco y negro tan imparcial y objetivo como la historia que se nos cuenta, Haneke nos habla de la vida hérmetica y de educación severa de un pueblo en la Alemania previa a la Primera Guerra Mundial. Quizás el pueblo simbolice el microcosmos de una sociedad enferma que a nivel europeo se dirige inexorablemente hacia la Gran Guerra. Porque la película, pausada, fría, inquietante, trata de éso, de una sociedad enferma y de su maldad abstracta, instalada a sus anchas, inconcretable. Cuando La cinta blanca termina uno tiene la sensación de que aquello de que acaba de ver es muy bueno, media hora después piensa que se ha quedado corto y al día siguiente todavía siente un gusto a hiel recorriendo sus dientes.




71- LA FUENTE DE LA VIDA  Director: DARREN ARONOFSKY  Año: 2006

La fuente de la vida es una historia de ciencia-ficción que aborda la odisea de un hombre y su lucha a través del tiempo para salvar a la mujer que ama. Desde la España del siglo XVI hasta el profundo espacio del futuro siglo XXVI, el héroe de este filme intentará encontrar el árbol de la vida, la entidad legendaria que otorga la vida eterna a aquéllos que beben su savia, para intentar salvar la vida de su esposa enferma de cáncer.
Tras la brutal Requiem por un sueño, Darren Aronofsky realizó esta película fuente de grandes controversias y acusada por algunos de vacua, pretenciosa o disparate. La poesía no está al alcance de todos. Aronofsky realiza el poema visual más bello de los últimos años, cargado de  barroquismo formal y cromatismo alucinógeno para contar una historia de amor eterno y de apego a la vida. Triste, hermosa, tierna, una auténtica experiencia sensorial que necesita, en la medida de lo posible, ser disfrutada en una pantalla de cine.




72- LA NOVIA CADÁVER  Director: TIM BURTON  Año: 2005

Tim Burton dirige su primer largometraje de animación (Pesadilla antes de Navidad era una historia suya con personajes suyos pero dirigida por Henry Selick), acorde al universo que lo caracteriza y logra crear una auténtica joyita de grandes momentos.
Ambientada en un pueblecito europeo en el siglo XIX, esta película de animación fotograma a fotograma cuenta la historia de Victor (a quien pone voz Johnny Depp), un joven que es llevado de repente al infierno, donde se casa con una misteriosa Novia Cadáver (con la voz de Helena Bonham Carter), mientras que su verdadera novia, Victoria (a quien pone voz Emily Watson) espera en el mundo de los vivos. Burton se adorna en este argumento para crear una galería de personajes inadaptados, sus monstruos con sentimientos y contraponer la oscuridad y seriedad de una realidad de estricta educación victoriana con el color y el desenfreno de "la otra vida". Para ello, dibuja unos personajes de trazo gótico y siniestro pero llenos de humanidad y se beneficia de la música siempre espléndida de un genio como Danny Elfman. Una divertida y ocurrente historia de amor que matiza la distancia entre los adaptados que siguen las normas y los "freaks" que las vulneran, entre los vivos y los muertos, ya sea real o metafóricamente.




73- LA PESADILLA DE DARWIN  Director: HUBERT SAUPER  Año: 2004

Si lo que deseas es hacer una denuncia de la injusticia que comete el primer mundo con el tercero, si aquello que quieres mostrar es tan repulsivo y degradante que resulta difícil de soportar para nuestras miradas acomodadas, si quieres convulsionar al público del primer mundo sobre toda la mierda del tercero, solo hay una forma de hacerlo dejando huella en nuestra indiferencia: sumergiéndote en esa mierda. Éso es lo que hace Hubert Sauper, viaja a Tanzania y nos empieza explicando una historia que sirve como metáfora de una sociedad desigual. Durante los años sesenta, un pez exótico fue introducido en el Lago Victoria a modo de experimento científico a pequeña escala. La perca del Nilo resultó ser un feroz depredador para las especies autóctonas, a las que no tardó en arrasar, reproduciéndose a gran velocidad y amenazando el equilibrio ecológico de las extensas aguas. Sin embargo, la exquisita carne de aquel animal abrió un nuevo filón para las empresas extranjeras, y, en la actualidad, alrededor de la perca gira una industria multimillonaria que abastece a algunos países de Europa y Japón, donde este pescado es de consumo común. A partir de aquí, de una historia del pez grande y depredador comiéndose al pequeño, se ramifican las consecuencia de dicho abuso y el director nos muestra, como quizás jamás se nos mostró antes, las inhumanas condiciones de vida de la gente de Tanzania y nos enfrenta cara a cara con la enfermedad, la muerte, el hambre, la putrefacción y el abuso. Un documental tan rabioso e impecable como brutalmente duro de ver y casi imposible de olvidar.




74- LA ÚLTIMA NOCHE  Director: SPIKE LEE  Año: 2002

Spike Lee es un director afroamericano tan interesante como irregular que se ha convertido en la voz de  la lucha de la comunidad negra en el cine de Hollywood. Desde sus inicios con Nora Darling (1986), Lee ha hecho películas en las que actuan negros, en la mayoría para a través de sus vidas denunciar las dificultades extras de una comunidad para salir adelante por su color de piel. Películas como Fiebre salvaje (1991), Malcolm X (1992) o Get on the bus (1996) eran de un gran nivel. Sin embargo, cuando Spike Lee ha estado brillante ha sido cuando ha dejado de lado el tono panfletario y ha hecho películas que van más allá de los problemas raciales para tratar sobre la violencia , en la sensacional S.O.S Summer of Sam (1999) o sobre la redención en La última noche.
En La última noche, Edward Norton interpreta a un personaje que tras ser un traficante viviendo como una estrella en la ciudad de Nueva York, se enfrenta a su última noche en libertad antes de cumplir una larga condena de siete años. Antes de ingresar en prisión querrá recuperar la relación con su padre, amigos y una novia, que quizás lo delató. La película nos sumerge en una atmosférica ciudad de Nueva York post
11-S (con una escena del vacío que han dejado las torres escalofriante) para hablarnos de la angustia existencial de un personaje que vivió al margen de la ley y al margen de los suyos y que busca un último asidero para engancharse a la vida. Una gran película.




75- LAS HORAS  Director: STEPHEN DALDRY  Año: 2002

Historia de tres mujeres que viven en tres épocas distintas y a las que unen sus anhelos, sus miedos y quizás algo más, Las horas es una película con mayúsculas, con un guión de aquellos que surge muy de tanto en tanto y que capta la esencia de la vida. Filosófico, triste y cargado de verdad se beneficia además de las interpretaciones de tres mujeres que son actrices sublimes: la siempre certera Meryl Streep, la sensacional Julianne Moore y una Nicole Kidman, que interpreta a Virginia Wolf, en estado de gracia y que transmite tristeza infinita en todas y cada una de las esquivas miradas que le roba la cámara. Dirigida por un efectivo Stephen Daldry (Billy Elliot, El lector) que cede el protagonismo a actores y guión, la película se disfruta desde la pesadumbre. Dice el personaje que interpreta Meryl Streep que hay un día en que te levantas y las perspectivas de vida que se abren son buenas y que crees que a partir de entonces vas a ser feliz sin darte cuenta, que ése es el momento de gran felicidad, y que se te va a escapar, inevitablemente. No dejéis que esta película se os escape sin disfrutarla porque proporciona la felicidad de lo brillante. En cuanto a los momentos en que os sentís cerca de la felicidad, creo que lo mejor es que los aprovechéis al máximo, por si acaso fueran los realmente felices.