miércoles, 24 de febrero de 2010

125 películas imprescindibles de la primera década del siglo XXI (2000-2009) Parte 2

A continuación, por estricto orden alfabético y en cuatro entregas, voy a publicar las que a mi parecer son las 100 mejores películas de la década que junto a las del top-25, sumarán las 125 que el título propone. Las reseñas de las películas serán de longitud muy variable, según si creo que es necesario contextualizar la película (por su director, su género o su país de orígen, etc...) o si por el contrario, no lo considero oportuno, o ya se ha hablado del director o cualquier otro aspecto de interés en alguna película reseñada anteriormente. Sin más preámbulos, os dejo con la primera serie de 25.









26- 4:30 Director: RYOSTON TAN Año: 2005

Ya hace muchos años que el cine asiático ha ido coloreando de matices y exotismo los festivales occidentales. El cine japonés en los 50 con Kurosawa y el chino y taiwanés en los 80 con Zhan Yimou o Hou Hsia-hsien respectivamente, entre otros, se ha ido completando los últimos años con títulos procedentes de Hong Kong ( Wong Kar-wai) y Corea ( Kim Ki-duk o Park Chan-wook). El cine del sudeste asiático ha sido el último en llegar.El sudeste asiático engloba varios países, entre los que cinematográficamente hablando destacan Singapur, Malasia, Filipinas (en el top-25 ya vimos Foster Child), Indonesia y Tailandia, que con directores tan personales y especiales como Pen-ek Ratanaruang y Apichatpong Weerasethakul, merecerá más atención en próximas películas. 4:30, es una película de Singapur y pertenece a un tipo de cine del que llega a los festivales (también hay un cine más comercial en estos países) de poco presupuesto y que habla de las conductas humanas de una forma muy especial y minimalista. Durante la película asistiremos a la "convivencia" entre un adulto y un niño que por diferentes motivos se encuentran aislados en su soledad. Con una bella fotografía, casi siempre en interiores, con diálogos prácticamente inexistentes, con una economía de medios para transmitir sentimientos (la escena con que concluye los momentos en que los abuelos bailan en la plaza es buenísima), con una repetición de situaciones que plasma el aburrimiento del protagonista y un sentido del humor gamberro e inocente, la película nos va calando de manera lenta pero segura. 4:30 no es una película redonda (creo que adolece de ciertas obviedades en su tramo final), pero sí muy recomendable y representativa de una forma de hacer cine muy lejana a nuestra geografía y que nos seguirá llegando con mayor asiduidad en los próximos años.










27- 4 MESES, 3 SEMANAS, 2 DÍAS Director: CRISTIAN MUNGIU Año: 2007

Es muy difícil que una película rumana llegue a nuestras carteleras, aunque en los últimos años también se han estrenado California Dreamin' de Cristian Nemescu, 12:08 al este de Bucarest de Corneliu Porumboiu o Como celebré el fin del mundo de Catalin Mitulescu. 4meses, 3 semanas, 2 días pese a ser tan solo el segundo largometraje del director tras Occident (2002), tuvo el estreno muy fácil tras ganar el máximo galardón en el Festival de Cannes. Película muy dura situada en el siniestro Bucarest de los años 80, aislado bajo el régimen comunista de Nicolae Ceaucescu, nos narra la historia de dos amigas, una de las cuales decide abortar ilegalmente y la otra ayudarla. El director nos hace visitar hoteles cochambrosos, calles fantasmales y conocer a personajes inquietantes para hacernos sufrir la angustia y el terror que sufren la pareja de chicas protagonistas. Cristian Mungiu, con gran austeridad, un estilo influenciado por los hermanos Dardenne, un uso brutal del fuera de campo (la escena de la comida en familia es de antología), siguiendo a las protagonistas y fijándose en sus gestos, sus expresiones, sus miradas, nos sumerge en una auténtica pesadilla, sucia, tenebrosa, ruin, en que el color y el calor de la amistad sin condiciones emerge como asidero para las dos chicas protagonistas y, quizás también, para el espectador devastado.









28- ACACIA Director: PARK KI-HYUNG Año: 2003

El cine de terror oriental (sobretodo el japonés) ha sido uno de los grandes descubrimientos de los últimos años. Renovó el terror mundial con una mirada diferente a principios de la década, para acabar cayendo muy pronto en tópicos, ahora no americanos sino orientales, película tras película. Acacia es un thriller de terror, en este caso coreano, que nadie suele reivindicar, pero que yo creo que es una película brillante. 2 hermanas (2003) es la única cinta de terror coreano estrenada en nuestro país y suele ser la más apreciada por la crítica especializada. Para interesados, yo recomendaría, además, dos películas híbridas entre el terror y el subgénero survival muy interesantes: R-Point (2004) y Spider Forest (2004).
En Acacia, un matrimonio que no puede tener hijos adopta un niño tímido y extraño. Todo cambiará cuando la madre quede embarazada biológicamente y vaya cobrando protagonismo una acacia que domina el jardín.
Aunque el argumento no empieza de forma nada original, si que lo es el desarrollo de la historia, lento, tenso, misterioso, que va enseñando sus cartas con paciencia, para que vayamos reconstruyendo el puzzle de lo sucedido. Los problemas de convivencia, el pasado, los miedos y los celos se asocian al misterio y a un final poético y brillante, para hacer de Acacia un film más que reivindicable.










29- ADAPTATION. EL LADRÓN DE ORQUIDEAS Director: SPIKE JONZE Año: 2002

Spike Jonze sorprendió en 1999 con la película Como ser John Malkovich, poniendo en imágenes un original y estrambótico guión de Charlie Kaufman. Guionista y director colaboraron por segunda y última vez en Adaptation y Jonze desapareció hasta estrenar muy recientemente la, en mi opinión fallida, Donde habitan los monstruos (2009).
Adaptation. El ladrón de orquideas es la mejor película de Spike Jonze hasta la fecha y el mejor guión de Kaufman junto a Olvídate de mi.
La película, compleja, utiliza a Kaufman como uno de sus protagonistas, durante el proceso de escritura del guión que ha de dar paso a la propia película. La historia se desdobla, se desordena, se introduce en los reversos de la mente, en el subconsciente (un recurso habitual en Kaufman), para hablarnos del doloroso proceso de creación y la obsesión por elaborar la "obra total", al tiempo que reflexiona con profundidad sobre las relaciones entre las personas. Temas como la capacidad de emocionarse ante al arte, la felicidad que suponen los intelectuales de aquellos que no lo son y la envidia y desprecio ante la simplicidad del prójimo inferior no consciente de su situación de inferior, salpican la película con líneas de guión en las que te entran ganas de levantarte y aplaudir. El tramo final, que critica los estereotipos que se exigen para hacer comercial una película, es coherente, pero inferior al resto del film. Jonze y Kaufman tejen una película excesiva e irregular, pero con momentos de brillantez sublime.








30- AL OTRO LADO Director: FATIH AKIN Año: 2007


El director alemán de origen turco Fatih Akin, se dio a conocer a nivel internacional con una película, Contra la pared (2004) que ganó el festival de Cannes y el premio a la mejor película europea del año. Cineasta que confiesa haber obviado su origen turco hasta una época bastante reciente y que ahora rueda a caballo entre Alemania y Turquía, por la que profesa sentimientos contradictorios, trasmite en sus películas esta difícil convivencia entre Oriente y Occidente. Si en Contra la pared nos hablaba de ello a través de una dura relación de amor y odio entre dos personajes, en Al otro lado, son las historias de seis personajes las que deambulan entre Bremen y Estambul. Con un guión complejo pero preciso, el cineasta nos muestra a personajes condenados a la soledad, a perderse y a buscarse por los dos países y que en última instancia aspiran a lograr el perdón del prójimo, de aquel que vive al otro lado. Triste, realista y dolorosa, Al otro lado, confirma a Fatih Akin, como uno de los cineastas europeos que debemos tener en cuenta.








31- AMELIE Director: JEAN-PIERRE JEUNET Año: 2001

Amelie, película francesa de Jean-Pierre Jeunet, es uno de los fenómenos populares de la década. Jeunet, que se había labrado un prestigio en los años 90 co-dirigiendo junto a Marc Caro Delicatessen y La ciudad de los niños perdidos y que había dado el salto a Hollywood para dirigir en solitario Alien:Resurección, inicia la década de nuevo en Francia y se recicla hacia la luminosidad en esta imaginativa, colorista y edulcorada comedia en que dibuja a uno de los personajes más populares que el cine ha dado en los últimos años: Amelie Poulain. Tres años después Jeunet intentaría repetir éxito con una película a la estela de Amelie, Largo Domingo de noviazgo (2004), en que ni Audrey Tatou ni algunas escenas de gran belleza lograrían salvar un producto sin personalidad y que no lograba mantenerse en el filo de esa línea entre lo romántico y lo cursi, que sí salvaba Amelie.
La película narra la vida de Amelie y el momento en que por una serie de casualidades decide dedicarse a hacer felices a los demás, al tiempo que nos habla de su especial enamoramiento y las estrafalarias estrategias que adopta para enfrentarse a él. La película está llena de pequeños detalles, de sensibilidad, de encuadres cromáticos que convierten París en un escenario de cuento y momentos de brillante originalidad (el inicio es tan bueno, que la película jamás podrá llegar a ese nivel durante el resto del metraje). Todo ello armonizado por la estratosférica interpretación de la bella y dulce Audrey Tatou, hace de Amelie una película diferente y deliciosa y apta para toda clase de públicos.








32- AMORES PERROS Director: ALEJANDRO GONZÁLEZ IÑÁRRITU Año: 2000

Debut en la dirección de Alejandro González Iñárritu colaborando por primera vez con el guionista Guillermo Arriaga, Amores perros es quizás la película mexicana más famosa e influyente de la década y que mostraría al mundo el talento de sus dos artífices. A partir de un accidente de tráfico, la película narra tres historias de personajes que de alguna manera han estado relacionados en dicho accidente. Con una violencia física y emocional que impregna las historias de dolor, la cámara de Iñárritu empieza con movimientos trepidantes y nerviosos para irse sosegando a medida que las historias van transcurriendo. Inevitablemente tan irregular como fascinante, la fuerza de su guión y de su dirección está acompañada por un gran reparto que daría a conocer a Gael García Bernal y que nos brindaría la mejor actuación (y de largo) de Goya Toledo hasta la fecha. Una película obligatoria, llena de personajes violentos o no, pero llenos de matices, de porqués y de vida.









33- ANTICHRIST Dirección: LARS VON TRIER Año: 2009

La última película del danés Lars von Trier hasta la fecha, que indignó y escandalizó en el festival de Cannes por la violencia explícita de sus imágenes, es una nueva provocación llena de inventiva y de cine con mayúsculas, que en este caso se acerca al género de terror psicológico.
Una primera parte más o menos reconocible en su autor, con temas como la relación de pareja devastada por la pérdida y la culpa filmada en ambientes enfermizos, cerrados y opresivos, da paso a un segundo tramo de en que la película se radicaliza, se enfrenta al elemento fantástico y logra sin duda los mejores momentos de Trier en años. La película fascina por su desmesura, su incoherencia y su violencia y Trier se acerca como nadie lo ha logrado jamás a ese estado de maldad, enfermedad y posesión infernal que afecta a la protagonista (sublime Charlotte Gainsbourg) y a ese caos formal y psicológico que expone el zorro parlanchín, en una escena memorable. El cine necesita polémica, gente que esté al límite de la soberbia y de la locura y se atreva a dar un paso más que el resto sin importarle las consecuencias. El cine necesita a Lars Von Trier. Y lo peor, es que él lo sabe.






34- ASÍ ES LA VIDA Dirección: ARTURO RIPSTEIN Año: 2000

Pocos cineastas hoy en día, se acercan abiertamente a un género tan denostado (y convertido en culebrón de sobremesa) como el melodrama. Uno de ellos es Almodóvar, últimamente lo hizo también Todd Haynes en Lejos del cielo (2002), una película en que homenajeaba a Douglas Sirk, que había realizado melodramas en los 50, y otro es el mexicano Arturo Ripstein. Poseedor de un estilo que mezcla ciertos rasgos comunes del cine independiente hispanoamericano como la austeridad y la metáfora, mezclado con una excesiva estética teatral y con la influencia surrealista que un cierto cine mexicano ha heredado de Buñuel, Ripstein es uno de los directores de México más personales y más solicitado en festivales.
Así es la vida es una adaptación de la tragedia griega de Medea escrita por la guionista habitual de Ripstein, Paz Alicia Garciadiego y filmada por éste en soporte digital. La película resultante es un melodrama pasional, sucio, tremendista y teatral, que llama la atención por el tratamiento que se hace de la cámara durante la narración, como si fuera un personaje más. Sus movimientos y su manifiesta presencia denotan protagonismo más que sutilidad, hasta el punto que en ocasiones los actores la miran, le hablan, se dirigen a ella. Incluso director y cámara aparecen en un encuadre reflejados en un espejo en un auténtico experimento de metacine. Además Ripstein tiene detalles de dirección surrealistas y diferentes que dan un toque de originalidad y riesgo a la película. El guión está cargado de monólogos, algunos auténticos tratados filosóficos vitales e incluso posee un sentido del humor muy soterrado. En el fondo la película es un tratado sobre la locura y por ello se representa de manera exageradamente claustrofóbica y enfermiza. Una propuesta tan diferente como difícil, tan recomendable como arriesgada.








35- AVATAR Director: JAMES CAMERON Año: 2009

Es innegable que James Cameron tiene un talento visual revolucionario y un don para atraer a la gente al cine. Titanic (1997) y Avatar son dos de las películas más taquilleras de la historia, prácticamente en todo el mundo. Tras doce años de silencio y con la intención de revolucionar el visionado 3-D, Cameron nos trae Avatar, una película con admiradores y detractores enfrentados irremediablemente. A mi Avatar no me parece una obra maestra, pero me encuentro claramente entre sus defensores, porque consigue que las imágenes 3-D den un salto artístico brutal en comparación a películas anteriores y porque me distrae de principio a fin sin condiciones. Es cierto que el guión es sencillo y los personajes simples, sin profundidad psicológica, pero esto ocurre en todo el cine de acción de Hollywood, un cine que no aporta nada más que repetición e indiferencia y que muchos no parecen atacar con la virulencia con que atacan Avatar.
Cameron logra sumergirnos en el mundo de Pandora, crea unas imágenes bellas, poéticas, que respiran y logra transmitir un mensaje ecologista que llega a todo el mundo, sin más pretensiones que advertir y entretener, que no es poco. Avatar es imprescindible porque visualmente revoluciona el cine, porque es uno de los acontecimientos de masas y opiniones de los últimos años y porque meses después de su estreno ya está adquiriendo la condición de futuro clásico.





36- BIG FISH Director: TIM BURTON Año: 2003

Tim Burton es uno de los mejores directores de cine norteamericano actual y poseedor de un estilo personal e inconfundible. Es cierto sin embargo, que aunque durante esta década ha realizado cinco películas más que interesantes, ha bajado considerablemente el nivel de la década pasada en la que tiene auténticas obras maestras como Eduardo Manostijeras (1990), Ed Wood (1994), Mars Attacks! (1996) o Sleepy Hollow (1999). Sin ir más lejos empezó la década con el remake El planeta de los simios (2001) que aún y siendo distraída se encuentra entre lo peor de su carrera, continua con Big Fish (2003), la colorista y divertida Charlie y la fábrica de chocolate (2005), la extraordinaria cinta de animación La novia cadáver (2005) y Sweeney Todd (2007), un musical gótico excelente pero en el que da la sensación de repetirse en exceso.
Big Fish es una película extraordinaria y quizás el film más luminoso de su director. Cambia a su actor fetiche, Jonhy Depp por un inocente Ewan Mc Gregor y un genial Albert Finney (interpretando al mismo personaje de joven y de viejo). William (Billy Cudrup) se ha cansado de que su padre explique historias a sus familiares y amigos como reales pese a su escasa credibilidad, perdiendo el tiempo en defenderlas y descuidando otras funciones más adultas que se le presuponen como padre. Sin embargo, la noticia de su enfermedad le hace ir a visitarlo y replantearse el motivo que los llevo a distanciarse.  Es la típica historia del cuenta cuentos que plantea cual es la realidad en la que queremos creer, la monótona de nuestras vidas o la paralela, la que inventamos, la que sentimos y disfrutamos. ¿Quiénes somos en realidad? ¿Las personas que confirman nuestros actos o las que viven escondidas en nuestras fantasías? ¿Son los pasajes que recordamos de nuestras vidas tal y como pasaron o el tiempo los ha ido cambiando a nuestro antojo hasta considerarlos reales tal y como los hemos modelado? La película resulta ser una fábula mágica, tierna, imaginativa y que vuelve a mostrar un personaje burtoniano, lleno de claroscuros, de matices, el héroe antihéroe, interpretado con maestría por Albert Finney.










37- BOWLING FOR COLUMBINE Director: MICHAEL MOORE Año: 2002

No se le puede negar a Michael Moore haber popularizado un género a priori tan minoritario como el documental. Ególatra, excesivo, manipulador, Moore ha reinventado el documental y cuenta con admiradores y detractores enfrentados visceralmente. Él es el gran protagonista de sus documentales y los lleva al terreno que considera necesario para intentarnos transmitir su verdad. No es que sea mentira lo que explica, pero es parcial. Sin embargo sus películas son divertidas e irreverentes y se pueden ver con una amplia sonrisa en los labios. Bowling for Columbine (2002), que ganó el Oscar a la mejor película documental, nos descubre a un Moore que aún no era la gran estrella a la que le catapultó su siguiente película Farenheit 9/11, un fenómeno que recordemos ganó en Cannes. En Bowling for Columbine y tomando como origen la matanza del instituto a que el título alude, Moore se deja divagar por varios terrenos para intentar buscar los orígenes de esa maldad y focaliza sus iras en la posesión de armas y en el miedo que se infunde a los ciudadanos desde los medios de comunicación y el gobierno. Si la película ya es de por sí recomendable, pasará a los anales del cine la escena con Charlton Heston, que parece mentira que no sea ficción de genial como es, y que para desgracia del actor permanecerá en la memoria colectiva de muchos espectadores como su escena más recordada, tras los largos años de carrera y cine que el fallecido actor acumuló tras sus espaldas. Es una clara victoria de Moore, pero es que además, quizás sea justo.










38- BUSCANDO A NEMO Director: ANDREW STANTON y LEE UNKRICH Año: 2003

En Buscando a Nemo, un padre sobreprotrector afectado por una tragedia que le hizo perder a su familia, se debe enfrentar a la desaparición de su hijo, Nemo, que ansioso por demostrarle a su padre su independencia y valía, se ha alejado demasiado de los lugares comunes y ha sido pescado por los humanos. El padre, llamado Marlin, iniciará una trepidante aventura para recuperar a su hijo. Pixar vuelve a crear una película sublime, más cercana al público infantil que algunas películas posteriores, con una animación prodigiosa, un cromatismo del fondo del mar inolvidable y con personajes tan divertidos como Dory, el pez sin memoria. Una hora y media de mucho arte y de diversión total para toda la familia, ya que lo pasarán tan bien los niños de dos años como los adultos de cualquier edad. Y digo yo, que eso no debe ser sencillo.









39- CACHÉ Director: MICHAEL HANEKE Año: 2005

Michael Haneke, director de cine austriaco que suele diseccionar desde diversos ángulos la violencia a través de su cine, es uno de los más importantes y prestigiosos directores de la actualidad. Todas las películas realizadas a lo largo de la década son de recomendable visión y generalmente, de difícil digestión: Código desconocido (2000), La pianista (2001), El tiempo del lobo (2003), Caché (2005), el remake un poco innecesario de Funny Games (2007) para el cine americano y La cinta blanca (2009).
Aunque con su última película está recibiendo todos los premios habidos y por haber, yo prefiero claramente Caché, para mi, su mejor película tras Funny Games (1997).
El inicio de Caché es muy lynchniano. Georges, de profesión periodista, empieza a recibir vídeos, rodados a escondidas por alguien en la calle en los que se le ve con su familia. Los videos van acompañados por extraños e inquietantes dibujos difíciles de interpretar. No sabe quién se los manda. Poco a poco, el contenido de los vídeos se hace más personal. Georges empieza a pensar que se trata de alguien que le conoce desde hace mucho tiempo. Siente que tanto él como su familia están amenazados. Por desgracia, dicha amenaza no es explícita y la policía rehúsa tomar cartas en el asunto. La amenaza hace que en el protagonista aflore una violencia que lleva implícita y que mantenía escondida, así como problemas en las relaciones con su mujer y aspectos del pasado que había querido mantener ocultos. La violencia, tan palpable como inespecífica se va adueñando de la película, sin que podamos intuir si acabará estallando o no. Una obra maestra de Haneke, tan difícil como explosiva, tan misteriosa como brutal.





40- CAMINO A LA PERDICIÓN Director: SAM MENDES Año: 2002

Después de sorprender con su debut cinematográfico American Beauty (1999), Sam Mendes emprende la realización de este ejercicio de estilo enmarcado en el cine negro y de gangsters , que adapta la novela gráfica del mismo titulo. Aunque tanto Jarhead (2005) como Revolutinary Road (2008) son interesantes, es Camino a la perdición una película superior al resto de su cinematografía, gracias al texto original y al virtuosismo en la dirección de Mendes que esculpe fotogramas que respiran clasicismo, poesía y belleza, al tiempo que resultan desbordantes de melancolía y tragedia.
En la película, Michael Sullivan y su hijo de 12 años (que presencia un asesinato que jamás debió de presenciar) se ven obligados a huir de la banda a que el padre ha dedicado su vida. El honor, la venganza, la lealtad y la redención salpican a un espectador fascinado por las imágenes que se le presentan y por la brillante actuación de Tom Hanks y la impecable de Paul Newman que llena la pantalla con su sola presencia, con su mirada, con sus mínimos gestos en la que sería su última actuación para el cine antes de su muerte unos años después. Solo los grandes de verdad, las leyendas, pueden lograr despedirse de forma tan sensacional.










41- CIUDAD DE DIOS Director: FERNANDO MEIRELLES y KATIA LUND Año: 2002

Pese a que Ciudad de Dios es una película co-dirigida, es Fernando Meirelles el director que se beneficiaría de su autoría, consiguiendo dar el salto a la industria americana con dos películas tan interesantes como El jardinero fiel (2005) y A ciegas (2008). Ciudad de Dios es una película brasileña, como sus autores y fue un bombazo de crítica y público. Nos narra la vida y peripecias de varios personajes que sobreviven durante 30 años en las favelas de Río de Janeiro y lo hace con un estilo muy agresivo, que se asemeja a la agresividad propia del lugar, haciendo uso de un montaje acelerado cercano al videoclip y con una espléndida música. Estos rasgos de estilo ayudarían a la película a llegar a diferentes clases de público, incluso a un sector más joven que ve la película como "moderna" y al que quizás bajo otra apariencia, la película no le hubiese interesado. Rodada por exigencia de los lugareños, que se comprometían con ello a permitir y proteger el rodaje, por numerosos habitantes de las propias favelas en papeles secundarios, la película resulta sucia, creíble, agresiva, cargada de violencia y de imágenes brillantes que se quedan en la retina y el cerebro del espectador. Un auténtico chute de adrenalina transformado en buen cine.








42- COLLATERAL  Director: MICHAEL MANN  Año: 2004

Michael Mann es para mí, el mejor director de cine de acción de la actualidad, no solo por la fuerza de sus imágenes, sino por sus pretensiones y logros de trascender el género y llevarlo un paso más allá. Empezó la década con Alí (2001) una película que, pese a las perfectas coreografías de los combates de boxeo, no podríamos adscribir al género de acción, sino al biopic y que resultaba creíble e interesante, continuó con Collateral, para realizar luego la adaptación de Corrupción en Miami (2006), orquestando una sinfonía de imágenes operísticas y logrando una belleza formal clásica que alcanza la perfección y terminó la década con la excesivamente estética, aunque en mi opinión un poco menos lograda Enemigos públicos (2009).
En Collateral un taxista de Los Ángeles, Max (genial Jamie Foxx) vive una vida tan tranquila como aburrida, cargada de sueños que nos parece que no tendrá el valor de realizar. Una noche, le sube al taxi Vincent (Tom Cruise), un hombre seguro de sí mismo que resulta ser un asesino a sueldo con el que pese a su negación inicial, Max deberá compartir la noche. La atmósfera nocturna de la ciudad es sobrecogedora, las imágenes de una belleza marchita y el ritmo puedes ser tan endiablado, como reflexivo. Sin embargo, por encima de la acción, fluctúa la relación de repulsión y fascinación que ejercerá cada uno de los personajes sobre el otro y que dotará de significado y trascendencia a la película a través de mínimas pinceladas (la escena del paso de peatones y el perro corta la respiración). Cine americano de acción, comercial y definitivamente brillante.









43- CYPHER  Director: VINCENZO NATALI  Año: 2002

Vincenzo Natali es un director canadiense que dejó estupefacto al mundo con su ópera prima Cube (1997), una original obra maestra de ciencia ficción realizada con un mínimo presupuesto y con un talento descomunal. Cypher fue su siguiente película, no tan genial pero de gran nivel. Continuó la década con la totalmente fallida y marciana Nothing (2003), para ir recuperando un poco el tono en la más que correcta Splice, vista recientemente en Sitges y aún pendiente de estreno.
Morgan Sullivan es un contable en el paro atrapado por un matrimonio sin futuro y con un solo sueño: dejar atrás su cansina existencia para embarcarse en una vida de libertad y emociones. Buscando una salida a una vida tan poco brillante y para escapar de su dominante esposa, decide incorporarse a la multinacional Digicorp y convertirse en un espía industrial. Adoptando una nueva identidad, es enviado a espiar a distintas convenciones empresariales donde tendrá que recoger, en secreto, todos los detalles y transmitirlos a Ed Finster su desalmado jefe. Pero en el transcurso de una de sus misiones, Morgan conoce a la bella y escurridiza Rita, quien le revelará las verdaderas actividades de Digicorp. Cypher es una compleja y muy vacilona película de ciencia ficción, muy bien dirigida, original y que no nos deja ni un momento de respiro. La fuerza y tensión de sus imágenes se ve reforzada por las interpretaciones de Jeremy Northam y la siempre sensual Lucy Liu y por la capacidad de seducir de un guión tan recargado, con tantas piruetas narrativas, como bien resuelto, culminando en un final sensacional y tan "juguetón" como el resto de la película.










44- DARK WATER  Director: HIDEO NAKATA  Año: 2002

Si a raíz de Acacia, hablábamos de un cine de terror japonés que invadió festivales con sus terroríficas y originales propuestas, sin duda el máximo responsable fue Hideo Nakata que con The Ring en 1998 agitó a las salas con su terror abstracto y sensorial. Pocos años después volvería a mostrar su talento para el terror con Dark Water, donde una mujer que intenta mantener la custodia de su hija se traslada a un lúgubre apartamento donde fenómenos extraños, básicamente relacionados con el agua empiezan a acecharlas. La película, con una fotografía impecable, unos encuadres precisos, un tempo acuciante y una chirriante utilización de los sonidos acompañada de un prodigioso uso de los espacios, es una de las experiencias más terroríficas de los últimos años, capaz de producirnos una profunda ansiedad. Dark water, que parece estar envuelta en un escalofrío, logra acercarse al terror puro.










45- DEATH PROOF  Director: QUENTIN TARANTINO  Año: 2007

Aunque en EEUU se estrenó en sesión doble bajo el título Gridhouse junto con Planet Terror de Robert Rodríguez y algunos trailers falsos realizados para la ocasión, en homenaje a aquellas sesiones dobles a las que la película rinde tributo, en España esa idea original de Tarantino y Rodríguez quedó abortada por las leyes incompasivas del negocio. Estrenadas pues por separado y aún a la espera de una edición en dvd que las una junto a los trailers que solo hemos podido ver por internet, Death Proof es claramente superior a la excesiva aunque divertida película de Rodríguez. En este caso, Tarantino homenajea a un subgénero tan de serie B como el de persecuciones de coches desenterrando del olvido a películas de los años 70 como Gone in 60 seconds, Punto límite cero o Dirty Mary, Crazy Larry. Como siempre Tarantino lleva el género al que rinde homenaje a su terreno y  llena la película de diálogos excesivos, verborreicos y brillantes, en los que se distingue su sello inconfundible y nos fascina con un personaje tan excesivo e inquietante como Mike el doble, con la brutal escena del accidente de coche, con la lasciva presencia de sus féminas, con un humor muy gamberro y con una escena de persecución final en que utiliza una doble profesional (Zoe Bell) como actriz, de una factura técnica impecable. Tarantino es siempre uno de los grandes. Siempre.









46- DESDE EL INFIERNO  Director: ALBERT HUGHES y ALLEN HUGUES  Año: 2001

Película basada en el cómic From Hell, del prestigioso Alan Moore (creador de novelas gráficas tan geniales y profundas como complejas y pretenciosas como Watchmen o V de Vendetta) y por lo tanto, odiada por los fans incondicionales del cómic, la película dirigida por los hermanos Hughes simplifica un poco la trama, la adapta al lenguaje del cine y la saca adelante con inusual brillantez. Historia alrededor de Jack el destripador en la que se plantean algunas direcciones a seguir para desentrañar misterios no resueltos como su identidad y el porqué de su no detención, los protagonistas reales de la película son el único policía que parece querer detenerlo interpretado con solvencia por Jonnhy Deep y la prostituta amenazada con ser su próxima víctima (Heather Graham). Ambos personajes deambulan por un Londres decadente, enfermo y vicioso, donde las drogas y la prostitución son una forma de sobrevivir a la mediocridad y a la suciedad de una sociedad podrida y depravada. Morbosa, elegante, nocturna, barroca y visualmente impecable la película abre más preguntas de las que puede cerrar, guarda más sentimientos que los que los personajes pueden mostrar.








47- DESEANDO AMAR  Director: WONG KAR-WAI  Año: 2000

Considerada por muchos la mejor película de su genial director, Deseando amar es una bella y poética película que desprende arte y melancolía, pasión y belleza por cada uno de sus fotogramas.
Hong Kong, 1962. Chow, redactor jefe de un diario local, y su mujer se mudan a un inmueble habitado principalmente por la comunidad de Shanghai. Chau conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse también en el edificio junto con su esposo. Los breves encuentros que empiezan a unirlos ante la ausencia de sus cónyuges, les llevará a una espiral de amor no materializado, de dolor desgarrador que no se verán capaces de superar. Wog Kar-wai llena las escenas de color y pasión, en esta película de miradas sesgadas y de roces hirientes, aclamada por la crítica y que nos acaba produciendo una amarga sensación de tristeza ante la imposibilidad de los protagonistas de materializar el amor puro, que los une en el dolor, en un amor carnal que los libere.










48- DOGVILLE  Director: LARS VON TRIER  Año: 2003

Tercera y última película de Lars von Trier en la presente lista, Dogville es un pretencioso (como no) ejercicio de estilo cercano al cine negro y de gangsters en que el director danés innova visualmente prescindiendo de los decorados y montando la acción en un pueblo que tiene sus calles, casas y locales dibujados en el suelo a modo de charranca. Lo mismo ocurre con los interiores de las casas, dibujados con tiza en el vacío y donde los personajes resguardan su intimidad del resto del pueblo a través de puertas transparentes. La historia nos habla de Grace, una fugitiva que llega al pueblo de Dogville y que éste acoge, no sin irla degradando tanto física como moralmente. Sin embargo, Trier nos reserva un final en que la bondad y la maldad se vuelven tan relativas y complejas como su película. Con Dogville, Trier quería iniciar una trilogía ultracrítica contra la sociedad estadounidense, a la que finalmente tan solo siguió Manderlay, y construye de nuevo un fascinante y sacrificado personaje femenino (brillantemente interprertado por Nicole Kidman) que se une a su gama de mujeres inocentes maltratadas y devastadas por la sociedad. O quizás no. En definitiva otra genialidad de Trier. Y ya van...









49- DONNIE DARKO  Director: RICARD KELLY  Año: 2001

Richard Kelly debutó en la dirección con Donnie Darko, película que sin ser para nada un éxito de público, siempre fue reivindicada por un sector de cinéfilos que se ha ido agrandando con el tiempo y que ha convertido esta apasionante película en uno de los ejemplos más claros de película de culto de los últimos años. Posteriormente Kelly rodaría la desconcertante Southland Tales (2006) y The box (2009), pero no lograría para nada el prestigio que sí logró con su primera película.
Es muy difícil y muy poco recomendable hablar de Donnie Darko, ya que lo mejor es dejarse llevar por su increíble y paranoica historia que transita entre la ciencia ficción, el terror y el drama psicológico y que está llena de referencias conceptuales, culturales e intelectuales. La película será sin duda de extremos, algunos saldrán fascinados por su visión y otros la encontrarán una estúpida paranoia pseudo-intelectual o peor aún, adolescente. Ya solo por la polémica que crea, merecería la pena verla, pero es que a parte, en mi opinión, la película resulta hipnótica, excitante, bella y misteriosa, engrandecida por sus múltiples lecturas, por el abanico de posibilidades que se abre para su interpretación,  porque un revisionado siempre será nuevo y diferente. Donnie Darko puede dejarte clavado en la butaca mientras ves la película y colgado de sus imágenes y extraña lógica una vez se acaba. Toda una experiencia.









50- EL ARCO  Director: KIM KI-DUK  Año: 2005

Un viejo pescador vive en medio del mar con una muchacha a la que recogió cuando era niña. El viejo pescador espera que ella cumpla 17 años para desposarla. Mientras tanto, prepara la dote, la protege contra los hombres que vienen a pescar a su barco e intentan propasarse con ella. Un día, aparece un barco con un joven bello de quien la chica queda prendada. El viejo empieza a sentir que su sueño ha acabado. El director coreano Kim ki-duk, vuelve a brindar una poesía hecha película, con unas imágenes hermosas, una protagonista preciosa y una historia de amor amarga, dura y tierna. Habla sin demasiados diálogos  sobre los sueños, sobre la posesión, sobre el envejecimiento. Y además salpica la película con violencia contenida y con sentido del humor, así como con grandes dosis de metáforas, llevadas hasta la sublimidad en la escena de cierre, tan críptica como fascinante.

13 comentarios:

  1. Anónimo22:14

    La brecha se va abriendo y cada vez son más las pelis que me faltan por ver....Una de las que me faltaba de la entrega anterior era "Dolls" y realmente después de leer tu crítica y verla, me enojé conmigo mismo al darme cuenta que pedazo de peli me habia perdido hasta ahora. Esta lista promete más de lo mismo. Se me hará costumbre enojarme por no haberlas visto aún? En todo caso será un grato enfado personal. Fabio

    ResponderEliminar
    Respuestas
    1. Anónimo22:33

      Hipster!

      Eliminar
    2. Anónimo22:35

      Moderno!

      Eliminar
    3. Anónimo22:36

      Pastagafas!

      Eliminar
  2. Anónimo23:29

    con tus comentarios consigues que vuelva a ver y emocionarme mas con historias en las que ya no pensaba por la gran avalancha del nuevo cine.
    dolls, el arco, adaptation, mulholand...etc.Tu si que sabes lo que es SENTIR!!!Gracias. Félix

    ResponderEliminar
  3. Veo que tendré que ponerme al día con el cine asiatico.
    Al margen de las que no conozco, muy buena selección de películas. Estupendo que reivindiques la película 'de culto' Donnie Darko, una de mis grandes favoritas, a la que a mi juicio le debe muchísimo una actual serie también de culto, aunque de mas alcance: Lost. Fans de Perdidos, recuperad esta película, os sorprendereis. Por cierto, en la segunda imagen de la siguiente película, El Arco, se ve claramente pintado en una pared... el logotipo de Dharma, la enigmática organización que habita la isla de Perdidos (¿soy demasiado lostadicto o lo has hecho aposta? En cualquier caso la respuesta es sorprendente).
    Y sigues con Von Trier, Tim Burton, Tarantino, Wong Kar-Wai, Kim Ki-Duk (espero que no te dejes Primavera, Verano..): una selección estupenda.
    Solo criticarte que no hayas incluido ninguna española en esta entrega... ¿se te habrá quedado en el tintero?
    A ver para cuando la siguiente entrega!

    ResponderEliminar
  4. Felicidades de nuevo David, por la gran selección de pelis. Como que no sería la cosa divertida si solo te dijera que tienes peliculones en esta nueva lista como 4 meses, 3 semanas , 2 días. Como Antichrist (por cierto la explicación de esta para levantarse y aplaudirte), Deseando amar (la mejor del director, sin duda!), Dogville, el Arco (que pena que kim-ki allá bajado el nivel en sus últimas películas). Tengo que criticar almenos dos o tres películas que considero totalmente fuera de lugar, empezando por "Collateral", que pasa solo como una película más del producto que nos vende Hollywood, comercial y para gente que va al cine sin ganas de utilizar una neurona. También "Death Proof" me parece fuera de lugar, todos sabemos que Tarantino es un maestro, un director sin igual que vale la pena seguir en cualquier momento, pero a veces se pasa de listo y para mi esta película muestra claramente lo que quiero decir, es solo un divertimento suyo, pero a años luz del cine y dialogos a los que nos tiene acostumbrados. Finalmente y mucho más timidamente por considerar que igual necesitaria una segunda revisión por mi parte es "Dannie Darko" que a mi me aburrio tanto, pero tanto, que solo pensar en volverla a ver, me entra un sueño espectacular.
    En todo caso, muchas gracias por la lista! Prometo ver lo antes posible las que me quedan por ver! SALUDOS!

    ResponderEliminar
  5. Gracias a todos por los comentarios, justo después de semana santa colgaré las 25 siguientes, que seguro serán muy polémicas para algunos...
    Tan solo decir, respecto a los comentarios de Álex, que justo considero que la virtud de Collateral es el hecho de estar mucho más allá del cine que al que nos tiene acostumbrados Hollywood,
    como él dice para gente sin ganas de utilizar neuronas. Considero que criticarla en la inclusión de la lista es fácil por ser una película más comercial, pero que el argumento utilizado, es a mi juicio, equivocado.Creo que Collateral habla de temas de los que podría hablar cierto cine de autor, pero la profundidad queda suavemente trazada tras el género que la envuelve. En fin, es mi opinión, o como yo percibo la película, pero me divierte mucho la discrepancia y la discusión, así que gracias de nuevo.

    ResponderEliminar
  6. Como ya dije esto llevara su tiempo,estoy juzgando las películas por su tapa. aunque todavia no las he visto. ¿Que demonios?

    ResponderEliminar
  7. Expléndida 4 meses, 3 semanas, 2 dias, película con una brutal carga dramática. Me encanta que hayas puesto Cypher, la mayoría de la gente sólo piensa en Cube pero Cypher pasó muy desapercibida y es también una obra maestra, mezcla de ciencia ficción mezcla de espionaje. Ciudad de dios y Adaptation grandiosas!! Respecto a Kim Ki-Duk , El arco no la he visto todavía, pero después de ver Hierro 3 y Time quiero revisarme toda su filmografía. Gran lista!! Mola!! Me falta por ver algunas, se me acumulan los deberes!!

    ResponderEliminar
  8. Si te gustó Hierro 3 y Time(que a mi me gusta mucho menos) sin duda debes ver El arco, te encantará. Y también Samaritan girl. Ves con cuidado porque la filmografia de Kim-ki Duk es irregular y tiene alguna película muy fallida. Primavera, verano, otoño, invierno ...y primavera y Aliento, también son muy buenas. Estoy de acuerdo contigo con Cypher, quizás no sea tan fresca como Cube, pero mola tanto. En fin gracias BCNdays y me alegra que tengas deberes tan chulos. Un saludo.

    ResponderEliminar
  9. Anónimo21:13

    Camino a la Perdición es para mí gusto la mejor película de la primera década del siglo XXI.
    JL

    ResponderEliminar