martes, 3 de mayo de 2016

Crónica D'A 2016 (y 3)

Últimos días del D'A con todavía algunos títulos destacados que pasan a formar parte de mis favoritos. En esta ocasión, en lugar de reseñar las últimas películas vistas paso a exponer mi top-10 y resumo mis preferencias de esta quinta edición del festival, así como premios y otros aspectos de esta edición de programación muy notable y organización casi perfecta.


Mi top-10 del D'A 2016

1-Kaili Blues
2-Sangue del mio sangue
3-Chronic
4-Ahora sí, antes no
5-Tres recuerdos de mi juventud
6-Taklub
7-Demon
8-El tesoro
9-600 Millas
10-Sunset Song








Y ahora disecciono un poco mis favoritos:

Mejor película: Obviamente la china Kaili Blues, tan imperfecta como fascinante.
Mejor director: Marco Bellocchio, sobre todo la primera mitad de su película es portentosa.
Mejor actor: Tim Roth, al que hemos tenido por partida doble en dos películas mexicanas con Michel Franco de por medio (Chronic y 600 Millas) y con dos papeles tan hieráticos como potentes con su sola presencia.
Mejor actriz: Pues aquí voy a poner un capricho, Lidiya Liberman, fascinante en Sangue del mio sangue


Mejor guión: Sin duda el de Hong Sang-soo en Ahora sí, antes no; una nueva vuelta de tuerca a su cine habitual, pero que te deja pensativo.
Mejor secuencia. El larguísimo plano secuencia de Kaili Blues. Una locura.
Mejor Fotografía: Sunset Song, sin duda.
Mejor final: Dejadme acabar con los finales en un año en que muchos han brillado. El poético de Kaili Blues; el desconcertante de Sangue del mio sangue; el muy coherente pese a algunos comentarios de Chronic; el reflexivo de Ahora sí, antes no; el jugetón de 600 millas o el sorprendente de Mountain. Pero es que El tesoro posee uno de los finales más hermosos y entrañables que haya visto en tiempo. El premio para su final apoteósico. 



Los premios del D'A

Premio Talentos al mejor director a Andrés Duque por Oleg y las raras artes. No la he visto.
Mención especial de la sección talentos para John From "por su apuesta por una ficción original, vibrante y liberadora" Y en mi opinión, muy fallida.
Premio del público para la película japonesa de más de cinco horas Happy Hour. Desconozco el número de asistentes al único pase de esta película que han decidido este premio. Tras cinco horas en la sala están en su derecho, por valientes. Yo no la vi y me quedé con las ganas. 
Finalmente el premio de la crítica recayó sobre Baden Baden (que tampoco vi) con mención especial de nuevo por Oleg y las raras artes





Lo que me he quedado con las ganas de ver...

Dead slow ahead, una película que muchos adoraron y que se fue de vacío. Se estrenará, así que tendremos ocasión de verla en pantalla grande. Una especie de documental que casi parece un film de ciencia ficción, me dijeron.
Oleg y las raras artes, gran triunfadora de esta edición y que parece nos va a descubrir a algunos el talento de su director, ya con otras película interesantes en su haber, Andrés Duque. 
Callback, de Carles Torras, recientemente galardonada en Málaga.
La propera pell, de Isaki Lacuesta e Isa campo, también galardonada en Málaga, que clausuró el festival y a la que temía. Pero se ve que está muy bien. 
Te prometo anarquía, una de las cintas latinas que causó más revuelo y que me perdí contra mi voluntad.
Y claro, Happy Hour, la japonesa de más de cinco horas. ganadora del premio del público. Puro morbo desde ya.


Y las películas vistas en estos últimos días han sido nueve, cuatro muy bien y que están en el top-10, dos bien sin más y tres impresentables. Las tres malas Ville-Marie, cinta canadiense con Bellucci de historias cruzadas sin credibilidad y culebresca; The fourth direction, una india sobre enfrentamientos bélicos entre dos sectores de la sociedad que se construye a través de absurdas historias minimalistas y Lily lane, cuyo trailer sugerente era lo único a destacar. Un despropósito cuento macabro, obvio y predecible. Las bien sin más Much Loved, una cinta marroquí sobre prostitución en una Marrakech fantasmagórica que empieza potente mostrando las vidas y dramas de las prostitutas en un país de doble moral pero que termina algo obvia, con la historia de amistad algo ñoña entre varias de ellas. Y Mountain, algo mejor. Un pelo sosilla pero consecuente estudio de una mujer sin expectativas en la vida e ignorada por su marido, fascinada por el mundo de la prostitución que descubre en los alrededores de su casa. Con un gran final. Y las cuatro buenas son la hermosa, clásica, elegante pero algo fría Sunset Song ; la a veces terrorífica y siempre inquietante Demon, cine de terror de autor a descubrir; la delirante El tesoro, surrealismo, comedia y lecturas libres con un final brillante y la adictiva 600 Millas, ópera prima de Gabriel Ripstein (hijo de Arturo Ripstein) con una historia de contranbandos fronteriza y amistades imprevistas, seca y algo juguetona en su final. 

Esto ha sido todo lo que ha dado este espléndido D'A 2016. Ya hay fecha para el 2017, del 27 de abril al 7 de mayo, por si alguno se las quiere ir ya reservando. Yo lo haré seguro.



miércoles, 27 de abril de 2016

Crónica D'A 2016 (2)

Seguimos en el D'A y en esta segunda crónica vamos a comentar cinco películas más, con resultados algo desiguales pero con dos obras enormes. En la tercera y última crónica además de las películas restantes haremos un top del festival. Si queréis ir teniendo información día a día recordad que en twitter no paramos.



Sangue del mio sangue (2015)  Nacionalidad: Italia  Director: Marco Bellocchio

Dando tumbos a la cabeza sale uno tras asistir a la proyección de la nueva película del veterano Marco Bellocchio, Sangue del mio sangue, una críptica historia de oscuridad, ambientada en una misma localización, Bobbio (lugar en que el director rodó hace 50 años su ópera prima) pero en distintas épocas, que en principio solo tienen en común el escenario. La primera historia, ambientada en 1630, nos muestra el martirio de una monja acusada de brujería. Sedujo a un caballero que se suicidó por lo que no puede ser enterrado cristianamente, a no ser que la monja sea el demonio. El hermano del fallecido, un joven de armas, busca que sentencien a la monja para contentar a su madre. Pero no cuenta con enamorarse de ella. Y todo se vuelve confuso entonces. La siguiente historia es en la actualidad y es mucho más dispersa y desconcertante. Un grupo de vampiros hastiados por el devenir del mundo moderno malviven escondidos y apesadumbrados. En las dos historias hay, además del mismo escenario, oscuridad, sociedades impositivas e injustas, sexo reprimido, pasión mal entendida, fanatismo religioso, maldad. Y poco más. El montaje, la fotografía y la música son fascinantes. Y uno termina por no poder abarcar todos los nexos comunes de lo explicado pero sí muy inquieto por el devenir de una historia que fascina y que solo quieres poder revisionar. 




Trois souvenirs de ma jeunesse (2015)  Nacionalidad: Francia  Director: Arnaud Desplechin  

Delicada, intensa y afectada película, con la actuación casi testimonial de Mathieu Amalric que en un momento de su vida recuerda los tres hechos de su infancia y adolescencia que realmente han marcado la persona que a día de hoy es. Una persona de la que poco sabremos pero que por un par de retazos intuiremos infeliz, melancólica, incluso algo rendida a un futuro sin demasiadas expectativas. Y los tres instantes son uno breve sobre la infancia y el trauma de una madre enferma, un segundo en clave casi de thriller sobre una incursión con un "trabajo" en la URSS comunista y un tercer recuerdo, el más extenso con mucha diferencia, que nos habla de su amor por Esther. Así familia, amor y amistad (el encargo de la URSS lo acepta por seguir a un amigo) son los tres recuerdos encontrados. Y ese principio que apuntaba a Resnais y Marienbad pronto se materializa en una trama intensa, de amor total pero imposible de mantener en el tiempo, de crecimiento personal, que nos remite mucho más a Truffaut, por poner un ejemplo. Pero Desplechin tiene carácter propio e hilvana una historia de necesidades, locuras y corduras, apegos y desapegos y amores totales que sobrepasan su duración temporal y que nos gritan desde un pasado perdido para incordiarnos con la imposibilidad de recuperarlos, al amor y al pasado. Tres recuerdos. Las cosas que han importado en nuestras vidas y nos han forjado. para bien o para mal. Para ser lo que somos.

Louisiana (The other side)  Nacionalidad: Francia, Italia  Director: Roberto Minervini

Si en su anterior documental, Roberto Minervini partía la narración en dos mitades, una que hacía referencia al rodeo y otra al integrismo religioso, en este caso son también dos caras de la misma moneda las que nos muestra The other side, tan contrarias como complementarias. En la más corta y anecdótica, se nos muestra un grupo de ex-soldados cargados de adrenalina que entre tiros, masculinidades y fiestas pretenden volver a los EEUU a su esplendor. En el tramo más largo del documental la película también se centra en un ex-soldado. En este caso vencido, abandonado, viviendo al margen de la legalidad en territorio de nadie y rodeado de perdedores condenados a la muerte. Minervini nos muestra de forma fría y objetiva escenas de drogradicción y pinchazos, sexo y algunos otros momentos más tiernos y familiares. Mete su cámara al lado de los protagonistas, se convierte en su sombra y consigue llevarnos muy al límite, de lo moral, de lo sensacionalista. Es lo que hay. Encerrados en la sala solo podemos o bien salir de ella, o bien mirar. Y miramos. Con ese horror entre el morbo y la fascinación, el dolor extremo y la ternura.





Nasty Baby (2015)  Nacionalidad: EEUU  Director: Sebastián Silva

Tanto Magic, Magic como La nana eran dos películas de Sebastián Silva que me gustaban mucho, así que la decepción con este Nasty Baby ha sido mayúscula. Nos situamos en Brooklyn y vemos como una pareja gay y su mejor amiga desean tener un hijo de parto natural. Como el semen de uno de los miembros de la pareja no consigue dejar embarazada a la chica, muy necesitada de un hijo, el otro hombre, más recelosos en un principio termina por hacerse donante. Todo ello aderezado por la presencia inquietante de un vecino homófobo y con problemas mentales que les amarga la vida. El trío protagonista pasea sus neuras y sus estupideces de gente egoísta y ensimismada con su vida más o menos acomodada durante una hora de cinta, con una estética y una dirección muy pobres, más cuando la historia en esta primera hora carece de interés. Entonces llega el golpe de efecto. Pero el giro es tan previsible como ridículo. Visto mil veces y explicado mejor y con más nervio. La conclusión: que son todos unos ególatras de cuidado. Como la película. De un ombliguismo cargante. Una pena. 



John From (2015)  Nacionalidad: Prtugal  Director: Joao Nicolao

Una de las historias más raras y personales de esta edición del D'A, pero a mi entender, absolutamente fallida. Es verano y una adolescente que ya empieza a no serlo pasa las horas muertas junto a una amiga, sin demasiado que hacer. Planos largos, tedio y un cierto aire lacónico pinta de sopor el sopor que las protagonistas viven en la ficción. Pero entonces llega un vecino fotógrafo por el que nuestra adolescente se siente fascinada. Y el director vuelve a pintar, en este caso tonalidades cromáticas muy diversas y luminosas para meter la película en un delirio de fantasía y realismo mágico, sin dejar ese humor extraño, en su mayor parte debido a ese tono lacónico que no abandona la película en esta segunda mitad. Y es lo que nos cuenta John From. O entras, o no. A mí no me funcionó nunca y encontré que el marcianismo era muy impuesto, no fluía, no hacía avanzar la historia y causaba más desapego e indignación que fascinación. Pero en la sesión hubieron algunos aplausos. Y pocos hay tras las proyecciones. así que lo de siempre...


lunes, 25 de abril de 2016

Crónica D'A 2016 (1)

Un año más, el festival D'A, Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona, nos trae durante diez días una selección del mejor cine independiente mundial. Cintas que han triunfado por los festivales más prestigiosos del mundo y algunas apuestas personales forman el global de un certamen que no solo está consolidado desde hace años, si no que además acostumbra a tener un nivel de programación muy alto y cuidado. Sin ir más lejos, de las siete películas que he visto hasta ahora en esta edición, cuatro me parecen brillantes y solo una francamente floja. Pero más allá de mis opiniones personales, el ambiente general que se respira entre los asistentes al D'A es que la programación, año tras año, colma las expectativas de un público entregado, pero exigente. 
Sin más parafernalia, voy a compartir con vosotros mis breves impresiones de lo visto hasta ahora, ordenando las películas vistas de la que más a la que menos me ha gustado. Un lujo estar de nuevo por aquí...




KAILI BLUES (2015)  Nacionalidad: China  Director Gan Bi

Apuntad el nombre de Gan Bi, porque si sigue por este camino, a buen seguro va a ser uno de los directores referencia de la nueva hornada del cine de autor asiático en los próximos festivales. ¿Y qué es esta ópera prima que causa fascinaciones y renuncias? Pues siento no estar muy seguro y poder daros una respuesta concreta. Kaili Blues es ante todo una experiencia. Primero un conjunto de planos más bien estáticos, de estética decadente, de colores tenues e interiores sórdidos que construyen una historia a base de informaciones confusas y caóticas. Una familia disfuncional, un niño abandonado por su padre y un hospital en que trabaja el tío del niño. Es quizás la parte más complicada de asumir. Pero entonces comienza el viaje. El tío a la búsqueda de su sobrino y de un antiguo amor de su compañera de trabajo. Entonces aparece el título, como hacía Apichatpong Weerasethakul cuando cambiaba la película a la mitad de Blissfully Yours. Y vaya si la cambia Gan Bi. El viaje que emprende nuestro protagonista, en su mayor parte un fascinante plano secuencia, cargará la película de misterio, de poesía, de un onirismo fantasmagórico que unirá pasado y presente, realidad y ensoñación, materialismo y espiritualidad, Los trenes cobran importancia. Y nos acordamos de aquel extraño tren que aparecía en la primera parte y que no logramos entender. Y la cobran los relojes, que también estuvieron presentes al principio. Y uno solo desea volverla a ver para intentar sacar más información de lo que quizás no la tiene. Un sueño en una China perdida en las montañas, tan sucia como fascinante. Una película que crece y crece. Una joya de las que cuesta encontrar.




CHRONIC (2015)  Nacionalidad: México, Francia  Director: Michel Franco

Si con Después de Lucía el director Michel Franco logró estremecernos por la dureza de la trama de su película y ese estilo seco y austero que nos dejaba francamente impactados, en Chronic sigue por la misma vía y acrecenta incluso, la dureza global del conjunto obteniendo una película casi perfecta, pero de una dificultad de visionado considerable. Un brillante y omnipresente Tim Roth, con un pasado durísimo a sus espaldas, cuida a enfermos terminales. Intenta acompañarlos, darles cariño y atenuar su dolor. Se entrega a su trabajo, que es su vida. Porque él es un vivo terminal, sin ninguna otra expectativa que cuidar a estos moribundos, como si ejerciese de vampiro y consiguiese succionar un poco de vida de aquellos que mueren, para poder seguir adelante. Otra vez seca, austera, implacable, pausada, cercana al estilo documental, sin escatimar algunas escenas muy duras pero sin hincapiés emocionales, Franco logra aterrarnos y conmovernos y tratar temas colaterales como el abandono de los familiares a sus enfermos y la incapacidad de asumir el cariño que puede brindarles su cuidador, además de alguna otra temática moral que subyace y que al final sale a flote en el film. Con un final que muchos tildan de absurdo pero que es muy consecuente con sus últimos minutos, Franco termina por desmoronarnos. Una experiencia dura que se fabrica a base de gran cine.




AHORA SÍ, ANTES NO (2015)  Nacionalidad: Corea del Sur  Director: Hong Sang-soo

El incombustible Hong Sang-soo vuelve con una de sus variantes a su eterno tema, en una de sus películas que dejan más espacio a la reflexión y al debate, una vez finalizada. Un director de cine de autor, como no, va a dar una charla tras la proyección de una sus películas. Por ello se desplaza al lugar donde tendrá lugar la sesión. Pero llega un día antes y conoce a una chica de la que se enamora. Charlan, cenan, beben, por supuesto. Y se muestran al otro de la manera que consideran adecuada para llegar a culminar una noche de amor. Hong Sang-soo nos muestra dos variantes de un mismo encuentro y sus posteriores consecuencias con variaciones notables pero encuadradas en un mismo marco y en unas mismas condiciones. Las historias acabarán distintas o no, pero las variantes harán que cambien las actitudes, incluso el flujo vital de las personas que se dan cita en esta breve historia. Hong Sang-soo parece decirnos que las decisiones pequeñas cuentan, que la predisposición anímica es fundamental en nuestras vidas, que no es lo mismo fracaso rencoroso, que fracaso tierno, que a veces es más importante el cómo que el qué. O simplemente juega y se divierte con una de sus ficciones desdobladas mientras nosotros buscamos explicaciones. En cualquiera de los dos casos, como en una de sus películas desdobladas, el resultante es estimulante. 




TAKLUB (2015)  Nacionalidad: Filipina  Director: Brillante Mendoza

El director filipino Brillante Mendoza, se acerca a una ciudad que un año atrás fue arrasada por el tifón Haiyán, uno de los más devastadores de la historia de Filipinas, para acompañar, entre la ficción y el documental, a sus supervivientes. Y lo que nos muestra es poco esperanzador. Familias descompuestas que han perdido a varios miembros de su familia y viven con ese dolor y esa impotencia, otras con hogares en la ruina sobreviviendo casi a la intemperie. Y mientras la burocracia inoperante e insensible incapaz de ayudar, con los papeles mezclándose consecuencia del viento, en una gráfica y magistral secuencia que sirve de metáfora del aspecto burocrático de la realidad que se vive allí. Pese a los dramas, pese al siempre presente caos de las películas de Mendoza, pese al terror interiorizado de que la catástrofe se repita, pese al dolor latente, como siempre, Mendoza lograr sacar algunas chispas de esperanza, de emoción, de belleza quizás decadente, pero belleza al fin y al cabo. En su intención de denuncia, quizás pueda cometer algún exceso tremendista, pero seguro que justificado, seguro que para nada inferior a las realidades de las personas víctimas del tifón, cuyas vidas reales se mezclan con las que el director filipino ficciona, allí, en la ciudad devastada, en la ciudad olvidada por los medios. Y Brillante Mendoza denuncia y arropa desde el respeto y la humanidad. 



CEGADOS POR EL SOL (2015)  Nacionalidad: Italia, Francia  Director: Luca Guadagnino

Una feroz indignación que no comparto, causó mayoritariamente la cinta inaugural del D'A, Cegados por el Sol. Antes que nada decir que yo no he visto La piscina de Jaques Deray, película que toma como base para realizar un libre remake, así que la juzgo por lo que su visionado me ha sugerido y sin comparar. Y Cegados por el sol ante todo me parece un capricho, sensual, de verano, siguiendo las andanzas de una gente ya de por sí caprichosa y ensimismada en su mundo. Y creo que parte de la incomprensión surge de ese modo de ver el mundo de sus protagonistas, todos ellos sumamente antipáticos. Un muy pasado de vueltas Ralph Fiennes y su ex, la cantante Tilda Swinton en un retiro casi espiritual, se encuentran unos días en la isla de Lampedusa, en la que la cantante estaba con su nueva pareja, el soso Matthias Schoenaerts. Fiennes llega acompañado de su hija, la joven Dakota Johnson y claro, la sexualidad, sentimientos y tentaciones estallan. La inconsciencia de sus protagonistas los lleva a disfrutar de la isla y sus posibilidades, turísticas, gastronómicas, al tiempo que dudan sobre su futuro y sus relaciones, afectivas y sexuales, incluso vitales. Pero dudan mientas siguen haciendo el gilipollas, para que nos entendamos. El tramo final varía con la entrada del elemento thriller, pero no cambia en su absurda desidia, en el ensimismamiento de unos personajes que resultan ridículos. En el tramo final el humor y el desapego por unos personajes a los que ya todos detestamos se hace obvio en las decisiones de guión y dirección. Y el carpe diem y el infierno se enfocan casi igual. Como si pasaran por allí mientras las estrellas y allegados siguen con su vida al margen. Capricho calenturiento y visión decadente de un extracto de la sociedad muy concreto, pero quizás más o menos extrapolable al resto. Nada mal, la verdad. 




CHEVALIER (2015)  Nacionalidad: Grecia  Directora: Athina Rachel Tsangari

Muy en la linea del delirio y surrealismo del cine griego de lo que llevamos de siglo, la directora Athina Rachel Tsangari sitúa la acción del film en un barco en el que un grupo de hombres compiten por cosas de lo más absurdo, desde quien tiene una analítica más sana, a quien duerme en mejor posición o lleva una vida familiar más modélica. Obviamente, detrás de cada uno de los protagonistas, a cual más perfecto, se esconden un grupo de amargados e infelices en que quizás el único que se salva es el invitado de última hora y menos acorde al modelo macho varonil triunfador al que quieren aspirar el resto. Formada desde el absurdo por un conjunto de gags y ocurrencias, la película tiene en su contra una preocupante falta de ritmo y obviamente es irregular según la gracia y el acierto del gag en cuestión. A su favor, la cinta es consecuente desde el inicio al final, sin salidas de tonos, sin giros de última hora, sin más estridencias que la que el propio film plantea. Si hay lectura o no política o social, no lo tengo tan claro. Ahí cada uno que lea lo que pueda o quiera. En mi opinión es curiosa y consecuente, con algunos gags divertidos pero en su conjunto, fallida.




BANG GANG (2015)  Nacionalidad: Francia  Directora: Eva Husson

La única decepción sin peros de lo que hasta ahora llevo visto en el D'A es Bang Gang (une histoire d'amour moderne) , una presunta película polémica y de alto contenido sexual que al principio se deja ver, para poco a poco ir cayendo en la repetición y la estupidez y al final hasta en la vergüenza. Pongamos que vamos a hacer un Kids maistream en que un grupo de jóvenes se van a tirar al exceso de drogas y sobre todo de sexo y en que algunos ya son experimentados en la materia pero otros son principiantes. Pongamos que si en Kids el exceso se llevaba hasta las últimas consecuencias, aquí pronto vemos que las historias de adolescentes de amor y amistad tienen más importancia que las de sus adicciones y sexualidades. Las orgías (de contenido sexual nada explícito, por si os interesa saberlo) son una excusa, primero para narrar una historia de celos y enamoramientos y amistades muy básicas, pero, y lo que es peor y a contrapronóstico, terminar con un discursito a modo de moraleja final muy retrógrado y conservador. Unos créditos finales difíciles de creer ya provocaron la risa de la sala. Entretiene durante, no voy a negarlo, pero el resultado final es obvio, deficiente y de un conservadurismo hiriente. Yo prescindiría. 



martes, 16 de febrero de 2016

Cine de terror mudo (1895-1929): 12 propuestas


El propósito de hoy es hablar de cine de terror pretérito, es decir, de aquel rodado entre los orígenes del cine y el 1929, que podríamos englobar poco más o menos dentro de la etapa muda del cine. 
Buscando listados por internet de esta época me he dado cuenta de que los mismos brillan por su ausencia. Los años 30 son otra cosa y ya podemos encontrar varios blogs y revistas digitales que le dedican apartados al cine de terror de estos años. Pero el terror mudo está muy poco tratado por estas lares y mi intención es, con un personal top-12, aportar mi pequeño granito de arena para llenar este hueco.
Lo primero que caber decir es que salvo contadísimas excepciones, el género de terror en los primeros años del cinematógrafo es un género que probablemente no se concibe como tal y que por lo tanto, visto desde los ojos viciados de hoy día, a veces cuesta delimitarlo. Además de nuestra perdida de la inocencia las fronteras genéricas en estos primeros films son muy tenues y se suele mezclar ciertos aspectos terroríficos con otros que nos acercan al drama o incluso a la comedia. A la hora de elaborar esta lista me he basado en mi absoluta subjetividad y he descartado películas que me cuesta ver como cintas de terror incluyendo otras que quizás os cueste ver a vosotros, pero como toda lista es opinable y solo pretende ser un primer paso para que quien quiera profundizar más en el cine de terror de estos años.
Cabe decir que en estos primeros años se suele considerar que el expresionismo alemán contiene algunas de las características que luego desembocarían en el cine de terror que conocemos. En algunos casos incluiré cintas expresionistas por parecerme cercanas a este terror citado y en otros (Fausto y todas sus versiones y variantes, El Golem, Waxwords, etc...) no lo haré pues me cuesta ver en ellas más allá de ciertas estéticas una relación demasiado directa con el terror. También he obviado algunas otras películas porque no me gustan (caso de Las manos de Orlac, por ejemplo) o porque pese a sus títulos no tienen ningún elemento que yo pueda considerar que las acerca al género de terror (como Genuine: A tale of vampire o Los ojos de la momia, así como los títulos de Méliès o Segundo de Chomón) Pero conste que cada uno lo verá a su manera. Sin más, mi top-12 de cine de terror desde los orígenes del cine hasta 1929 en orden ascendente. Espero continuar algún día con estas listas.


12- Frankenstein (1910) de J. Searle Dawley

Breve apunte: Varios cortos mudos, la mayoría de Mèliés o Segundo de Chomón incluyen personajes cercanos al terror pero su tratamiento es más bien cómico. Sin embargo, este Frankenstein de uno de los discípulos de Edison sí tiene la intención de inquietar y es sin duda una muestra de lo que podemos considerar el cine de terror más pretérito. La muy libre y muy breve adaptación de la obra de Mary Shelley contiene un monstruo y algunas escenas, como la de su aparición, que debieron resultar inquietantes para la época.

Lo mejor: El deseo de inquietar, las apariciones del monstruo.

Lo peor: Que hoy pueda provocar más risa que miedo y sin duda, ese final tan de la época que visto ahora da vergüenza ajena.


Podéis ver la película completa en Youtube con subtítulos en español.







11- L'inferno (1911) de Giuseppe de Liguoro, Francesco Bertolini, Adolfo Padovan

Breve apunte: Es cierto que este Infierno basado muy libremente en la Divina Comedia y con un pie en el surrealismo está muy alejado de lo que hoy día podríamos considerar una cinta de terror pero las trabajadas secuencias del infierno no pretenden otra cosa que provocar pavor en el espectador. Pavor al infierno. Y quizás para una persona creyente de la época nada más terrorífico que esta aproximación a visualizar por primera vez en cine lo que hasta entonces había imaginado y solo había sido mostrado o descrito por otras disciplinas artísticas.

Lo mejor: Varias secuencias muy inquietantes y curradas para la época, como la de los cuerpos enterrados de los que solo vemos la cabeza.

Lo peor: Sus decorados, obviamente hoy son de cartón piedra y se ve más como curiosidad que otra cosa. 



Se puede ver en Youtube con intertítulos en inglés y calidad justita. Está editada en dvd y también se puede descargar por la red fácilmente con subtítulos en español.




10- La chute de la maison Usher (La caída de la casa Usher) (1928) de Jean Epstein

Breve apunte: La adaptación del famosos cuento de Edgar Allan Poe (hay un cortometraje anterior absolutamente surrealista y muy alejado del terror) prueba de emular algunos de los rasgos góticos, decadentes pero poéticos del relato. Al relato le cuesta arrancar y funcionar en el arte narrativo del cine porque en sí las imágenes tampoco logran llenar la pantalla. Pero es un buen intento y tiene un gran momento de aparición bastante terrorífico.

Lo mejor: El citado momento fantasmal y el ambiente gótico en general

Lo peor: Complicada de adaptar en imágenes, la película se resiente y en algunos fragmentos resulta tediosa. 





En este caso está por Youtube con subtítulos en francés. Pero como la anterior es fácilmente descargable por la red y hay subtítulos en español.





9-The penalty (El hombre sin piernas) (1920) de Wallace Worsley

Breve apunte: Drama, cine de gangsters e historia de amor se unen en esta cinta en que el terror viene dado por la inquietante interpretación de Lon Chaney buscando venganza y por esa brutal representación del tullido. Multigenérica y amena solo se pierde en ciertas incongruencias de guión pero se disfruta mucho. Se puede considerar de terror muy por la tangente hoy en día. Pero ubicados a inicios de los 20 seguro que lo era. Mantiene cierto rollo inquietante.

Lo mejor: Lon Chaney, brutal y la sorprendente verosimilitud de su estado sin piernas

Lo peor: El guión a veces se lía en exceso. Y la moralina final, claro.






Os dejo uyna excelente versión en HD del Youtube, con intertítulos en inglés, pero vamos, muy fáciles incluso para los que no dominamos mucho. Y si no ya sabéis, la bendita red...





8- Garras humanas (The unknown) (1927) de Tod Browning

Breve apunte: Tod Browning, que sería el director de cine de terror más importante en los años 30 junto a James Whale, realiza con The Unknown su primera gran película (la anterior, la mítica y desaparecida London after midnight no podemos valorarla). Más que terror se trata de un cuento muy cruel, una historia de amor y dolor terrible en el entorno del circo donde de nuevo, el punto inquietante lo pone un siempre terrorífico (y en este caso tierno) Lon Chaney.

Lo mejor: Sin duda las caras de Lon Chaney, un auténtico recital. Pero también esa escena de cuchillos dejando en ropa interior a una sexy Joan Crawford en una secuencia muy atrevida o la tensión que se logra en esa escena final con los caballos. Mención aparte los enormes escenarios de la nefasta operación a la que se va someter nuestro protagonista.

Lo peor: Un final repentino con moraleja. Que sabe a poco.

En este caso no la he localizado para visionarla online, pero la podéis encontrar sin problemas por la red, subtítulos incluidos. Os dejo un excepcional fragmento, para que veáis lo que hace el bueno de Lon Chaney con su rostro...




7- Dr. Jekyll and Mr. Hyde (El hombre y la bestia) (1920) de JohnS. Robertson

Breve apunte: Prematura versión del tan aprovechado por el cine relato del Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Una historia de poder, de amor y pasión pero también que deja al descubierto los instintos más primitivos del hombre. Sin llegar a los niveles de atrevimiento de su posterior versión en los 30 la película ya plantea sin deamasiado pudor esa creciente ansia sexual del protagonista que termina por perderle.

Lo mejor: Este atrevimiento a incluir componentes sexuales en la trama. La actuación de John Barrymore. Esa transformación que hoy vemos tan arcaica pero que está cargada de encanto.

Lo peor: Es muy irregular y no puede prescindir de la moralina tan habitual en aquella época. Tiene minutos muertos.




La podemos ver en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/dr-jekyll-y-mr-hyde

Os dejo la transformación...





6- Suspense (1913) de Phillips Smalley, Lois Weber

Breve apunte: Muy sorprendente este cortometraje de apenas 10 minutos co-dirigido por una mujer por varios motivos. En primer lugar por sus planos arriesgados y vanguardistas (pantalla partida en 3, retrovisor, ladrón visto desde arriba...). En segundo lugar por mostrar una situación terrorífica que después se mostrará en cintas de terror hacia la saciedad: la mujer que se queda sola en casa y es amenazada por alguien que logra colarse dentro. Es obvio que la intención de la película se aleja del terror como lo conocemos hoy en día, pero es más aproximada al género que muchas de las así consideradas con posterioridad. Y muy desconocida. Descubrirla.

Lo mejor: Sus planos experimentales, arriesgados, vanguardistas y a veces imposibles que la acercan al onirismo.

Lo peor: Su inocencia. 




Aquí no hay más texto que una breve carta en inglés. No os la perdáis.




5-The cat and the canary (El legado tenebroso) (1927) de Paul Leni

Breve apunte: Una historia en donde se juntan mansiones encantadas, fantasmas, locos fugados del manicomio y un testamento que puede hacer de cualquiera de sus posibles receptores un potencial asesino es sin duda digno de figurar en un lugar de honor en esta lista debido a la vigencia de los muchos temas que trata y por lo que intuyo ha influenciado a posteriores películas que se han ido influenciando respectivamente hasta nuestros días.

Lo mejor: Sin duda esa casa encantada con múltiples escondrijos y esa mano terrorífica atacando a sus ocupantes.

Lo peor: El conjunto respira mucha irregularidad y a veces parece no saber muy bien a dónde ir. Además hoy en día su previsibilidad es obvia. 




La podéis encontrar en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/el-legado-tenebroso .
Os dejo una secuencia.






4- Häxan: la brujería a través de los tiempos (1922) de Benjamin Christensen

Breve apunte: Para todos aquellos que penséis que esos híbridos entre documental y ficción tan de moda hoy en día son un fenómeno reciente echar una mirada a esta cinta danesa de hace 92 años. De rotunda modernidad, mezcla documental didáctico con documental ficcionado y nos habla de la "brujería" y de sus consecuencias en distintas épocas. Tampoco faltan culto a demonios, iglesia, locuras y patologías varias, instrumentos de tortura incluidos. Una extraordinaria rareza.

Lo mejor: Su plasmación del imaginario telúrico con demonios y brujas usando sobreimpresiones, animaciones y extraordinario maquillaje.Los episodios 3 y 4, estremecedores, donde vemos el modo de actuar de la Inquisición y que nos tememos se parecía mucho a lo mostrado.

Lo peor: Pierde bastante interés en sus últimos capítulos

Se puede ver en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/haxan
Os dejo el trailer.





3- The phantom of the opera (El fantasma de la ópera) (1925) de Rupert Julian

Breve apunte: La primera versión que conocemos del famoso fantasma tiene muchos aciertos y quizás es una de las primeras películas que podemos considerar de terror puro de la historia del cine. Un loco deformado que secuestra a una chica a las catacumbas de la ópera y que quiere forzarla a que le ame y un final que seguro después influenció a Frankenstein años después.

Lo mejor: Esas trampillas, pasadizos secretos, cristales con un mundo detrás que llenan las catacumbas de la ópera. El juego de luces y sombras de la película y por supuesto, una vez más, el omnipresente y magnífico Lon Chaney. El momento en que se descubre su cara...

Lo peor: Cierto exceso amoroso melodramático, muy de aquella época, así como también el típico humor de contrapunto que hoy en día casi nunca resulta. 




También esta en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/el-fantasma-de-la-opera-1925
Os dejo la escena en que se le ve a cara a Lon Chaney...




2- El gabinete del doctor Caligari (1920) de Robert Wiene

Breve apunte: La más radical muestra de ese movimiento que empezaría a conocerse como expresionismo alemán, El gabinete del doctor Caligari es una película única que más allá de su estética se adelanta a su tiempo componiendo una historia en la que el plano real y el de la locura se solapan y se retroalimentan. Su influencia seguirá hasta nuestros días con muchísimo cine incluido Lynch o Shutter Island de Scorsese.

Lo mejor: Sus escenarios cartón piedra alucinógenos e irreales, el onirismo de la feria, el fascinante manicomio lleno de locos  y obviamente el secuestro por los tejados

Lo peor: Muy poca cosa, pero diremos el hecho implícito del expresionismo, con sus exageraciones interpretativas que puedan echar a alguno para atrás o un pequeño bajón climático en el segundo tercio de la cinta.



También en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/el-gabinete-del-doctor-caligari
Os dejo un trailer.




1- Nosferatu (1922) de F.W.Murnau

Breve apunte: Una de la varias obras maestras de F.W.Murnau, adaptación encubierta del Drácula de Bram Stoker que después le traería al director problemas por no haber comprado los derechos del libro. Obra clave del expresionismo alemán y relato fiel en esencia, sobre todo de la primera parte de la novela, la cinta de Murnau se puede considerar uno de las únicas películas de terror puro de la etapa del cine mudo.

Lo mejor: La terrorífica interpretación y caracterización de Max Schreck animalizando al vampiro de forma magistral. Las escenas del barco, con Nosferatu levantándose o en la cubierta. Nosferatu succionando largo rato, de forma terrorífica, el cuello de la chica. La ambientación. La vaporosidad. La irrealidad onírica. Como logra capturar la esencia del terror.

Lo peor: Quizás decae un poco en la primera parte del quinto acto, con el tema peste. Y ese Nosferatu andando a la luz del So, ¿es un demérito, un fallo o hay algo más? Un demérito que tiene el encanto de llenar páginas y páginas de críticas, opiniones e interpretaciones.

Obviamente, también en Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/nosferatu
Hay un trailer fantástico...

















Y como bonus, si queréis ver algunas de las primeras imágenes de monstruos del cine, os dejo un vídeo compendio, con escenas de películas que van del 1896 al 1910 (excepto Frankenstein no hay ninguna en la lista), que vistas así y con música tienen su rollo terror pero vistas en su conjunto poquito. En cualquier caso la primera semilla del cine de terror, sin ninguna duda está en estas películas pioneras.