domingo, 6 de abril de 2014

Crónica Atlántida Film Fest 2014 (2)

Sigo totalmente entregado al Atlántida, con propuestas muy estimulantes y tan diversas que cada día me dejo sorprender por una de ellas, improvisando en el último momento por un visionado online del festival. 
En esta segunda crónica voy a aglutinar siete películas, buen nivel general, aunque un par de películas las he suspendido y ninguna película realmente brillante, lejos así de ese primer post donde habían maravillas como El desconocido del lago, Upstream Color o Ain´t Them Bodies Saints. Sin más, las siete películas (de la que más a la que menos me ha gustado) con mis breves opiniones, puntuadas como lo he hecho en la tabla de Jesús Choya que podéis ver aquí.

Is the Man Who Is Tall Happy?: An Animated Conversation with Noam Chomsky , como su título indica, es una conversación con Noam Chomsky animada por Michel Gondry. El mayor hándicap de la película es la densidad de la propia conversación. Pero su enorme calidad intelectual, pese a que en algunos momentos pueda hacerse difícil de seguir con fluidez, la convierte en una película de interés absoluto. Es una delicia escuchar al sabio hablar, como no, de su faceta de lingüista, pero también de filosofía, de sus recuerdos y de temas varios, que le va proponiendo de forma algo anárquica Gondry. Además, el directorn francés, anima con sencillez pero con mucho ingenio, originalidad e imaginación, la conversación con Chomsky. Es imposible, al menos para los que no dominamos el inglés y tenemos que leer, prestar atención a los subtítulos y la animación a la vez. Así, la película se disfruta por exceso y uno debe asumir que solo puede perderse en ella, sin abarcarla. Solo algunos insertos de Gondry explicando sus intenciones artísticas con el film o en forma de apartes de la conversación, me parecen fuera de lugar. El resto, una delicia visual e intelectual, que se debe ver con la mente despejada y receptiva y que se debe asumir inabarcable en su totalidad. Nota: 7'5

Tom à la Ferme también tiene un enorme hándicap. Es la película que Xavier Dolan ha realizado tras Laurence Anyways, una película muy por encima del resto de su filmografía y que el director del Quebec dotó de una madurez y una profundidad alucinantes teniendo en cuenta su corta edad (este hombre nació en el 89). En la película que nos ocupa, sin duda notable y que denota el talento del realizador, Dolan da un paso atrás y vuelve a interpretarla y a dar esa sensación de cierto narcisismo hacia su persona, de un ombliguismo que pese a su talento se interpone entre la historia y su propio yo haciendo que todo funcione un poco menos de lo que debiera. Pero todo ello son sensaciones personales. Tampoco tengo ningún ejemplo demasiado concreto para demostrarlo más allá de sus posturitas varias como actor. Por otro lado, la cinta, juguetona, con una premisa mínima es capaz de mantener cierta tensión y además, la intriga no está exenta de un componente sexual enfermizo y extraño aunque algo autocomplaciente. Obsesiones, miedos, pasados y mentalidades de pueblos dejados de la mano de Dios, se dan la mano en una cinta pequeña, lejos de las grandilocuencias visuales de sus dos anteriores films, donde Dolan, al tiempo que teje un capricho con el que el espectador se entretiene y se angustia, aprende el oficio. Sin duda. Nota: 7

A ritmo de Jess es un documental que también podría decirse que es un making off  de la última película que Jesús Franco completó, la inenarrable Al Pereira vs Alligator ladies. Pero el making off trasciende, no solo por esa cuestión inherente de legado si no además, porque la manera de trabajar de Jess nos muestra el estilo de alguien que siempre fue underground y libre pero que en el final de su vida, aparece especialmente abandonado en su propio delirio por sus compañeros y por supuesto, por una industria que más allá de darle el Goya, jamás le tuvo en cuenta, ni se lo tomó en serio, lo que seguro que a Jess le encantaba. Si no viste la última película de Jesús Franco ni te interesa el personaje, la película puede resultarte sobrante, pero sí te interesaba el director (aunque quizás no lo hiciesen sus películas) y sobre todo si vistes la locura de Al Pereira vs Alligator ladies, la cinta te resultará imprescindible para asimilar de alguna manera el resultado caótico e inexplicable de la película. Jess Franco, a veces seductor, otras totalmente autoritario, quiere rodar para divertirse, probablemente para vivir. Le importa una mierda el resultado final. Y claro, topa con un grupo de actores y actrices que pese a su buena intención terminan sin entender nada. Porque además Jess Franco, como un Ed Wood que juega a ser Welles, quiere controlar e imponer cualquier movimiento, cualquier frase del texto. Su incoherencia, al menos de cara a los demás, se le vuelve en contra. Su cero presupuesto es de risa. Y así, uno no puede evitar, durante el visionado, reír ante el despropósito general, ante esas actrices que se creen que su película tiene un sentido a lo Shakespeare, admirar la dignidad de Franco, solo contra el mundo, que solo quiere divertirse y hasta éso le quitan. Pero al tiempo, la tristeza por un director perdido en su propio delirio, en clara decadencia física, solo, no puede dejarnos de producir una tristeza final infinita. Y pensamos, así le salió Al Pereira, aunque en su universo, seguro que fue casi perfecta. Nota: 7

Rescatando sombras. Cine, muerte y memoria es un documental de una horita con varios fragmentos de entrevistas montados sobre, básicamente, el proceso de conservación y restauración de las películas y la tarea de difusión, que junto con las dos anteriores, hacen las filmotecas. Los contenidos van de lo más básico a lo más técnico, por lo que diría que es un documental que va dirigido a un espectador muy interesado en los aspectos específicos de los campos antes citados. Pero como cinéfilos de a pie podemos sentirnos fascinados por algunas de las explicaciones que se nos dan y por el enorme y paciente trabajo que supone recuperar, restaurar y conservar películas. La película en sí no tiene más que explicar. Hay un nexo argumental entre entrevista y entrevista, al menos en los primeros minutos, con el que se pretende que la cinta tenga una continuidad y una cercanía, dando un papel a la vigilante de seguridad de la Filmoteca, que resulta ridículo, sobrante y fallido. De la misma manera la película adolece de una preocupante falta de ritmo. Sin embargo, el interés de lo expuesto, la dota de especial interés. Se pueden visionar las entrevistas completas y ampliar temas  en la imprescindible web de la película: http://www.rescatandosombras.es/ 
Interesante. Nota: 6

Casting, cinta española muy aplaudida en la edición del 2013 del Festival de Málaga, es una película coral sobre un grupo de jóvenes que se preparan para un casting, que nos sirve de excusa no solo para ver la dureza de los mismos, si no para echar un vistazo de trazo grueso a las vidas, las carencias y las esperanzas de este grupito de actores en potencia. Podríamos enmarcar la película en el grupo de comedia romántica, con toques existenciales. Intenta ofrecer cierto buen rollo (que a veces logra transmitir), una presunta ruptura e innovación formal, que no es tal, ya que utiliza moderneces de postureo antes vistas sin demasiada personalidad y unos personajes cercanos que casi siempre intentan caernos simpáticos. La verdad es que un par de ellos dan vergüenza ajena y son cansinos, como vergonzosas y extremadamente cursis e irreales son algunas de las secuencias de la película. Así pues, objetivamente debería estar machacándola. Pero no. Ese encanto popi, esa predisposición a entretener por encima de todo y cierta frescura, que viene dada por las caras nuevas, por algunas interpretaciones, por los momentos en que consigue el buen rollo pretendido, sumado a que la vi un día que necesitaba éso, distraerme sin pensar, con encefalograma plano total (hay que compensar los días Chomsky) hicieron que Casting, me permitiese obviar sus momentos sonrojantes (que no olvidar) y que prevaleciesen en mi nota final los disfrutables, que los tiene. Nota: 6

Almost in Love es una cinta muy indie americana que se nos vende como una historia de desamor construida a partir de dos planos secuencia. Es cierto que los dos planos secuencia parecen reales y como tales están muy trabajados, sobre todo en su capacidad de enmarcar muchos diálogos alternativos dentro de cada uno de ellos. Una hermosa terraza y una espectacular casa sirven para, separados por un tiempo indeterminado, reflejar esta historia coral de amor y desamor entre tres de sus personajes. Pero más allá de sus logros técnicos la película naufraga por un par de motivos. Uno, creo que bastante objetivo, es que las historias se resienten al estar subordinadas a la intención de estos dos planos secuencia. No están nada cohesionadas y no logran despertarnos ningún sentimiento durante su visionado. No terminamos de entender demasiado los sentimientos de los presentes. Todo es muy inconcreto, muy móntese usted mismo la historia un poco porque sí, sin que yo te dé demasiada coartada emocional, y claro, es difícil implicarse, que la historia tenga fuerza intrínseca. Otro, más subjetivo, es que se me hacen muy antipáticos unos protagonistas tan pijos, tan imbéciles, tan hablando de sus mierdas llenas de gilipolleces, tan narcisistas, tan presuntamente guays. Y tan infantiles. Su estupidez unidaa a esa falta de información general, no solo hacen que pierda interés por la historia si no incluso que, debido a mi antipatía por los mismos, me sienta muy lejos de ellos. Que todo me da igual, vamos. Nota: 4

Y terminamos con la cinta francesa Les rencontres d'après minuit , una película que tiene su legión de fans y que fue considerada la décima mejor película del 2013 por la revista Cahiers du Cinema. Una película que comparan con Almodóvar y Dolan y otros tantos pesos pesados. Quede claro que parece una película de extremos, así que si queréis saber de que lado estáis no os quedará más remedio que verla. Pero como yo aquí estoy para dar mi opinión, os digo que para mí es una auténtica basura. Un aburridísimo y pretencioso cuento, presuntamente provocativo, con unos estrambóticos personajes que nos dan la vara con sus infumables crisis existenciales, todo ello sin guión coherente, envuelto en una amenerada y operística estética kistch muy cargante y una ridícula carga sensual. Está claro que estos mismos argumentos serán usados de forma positiva por aquellos que les ha gustado la cinta. Todo es siempre cuestión de gustos y perspectiva. A mí no me ha gustado nada, me ha aburrido infinitamente de principio a fin, no ha habido ni una sola secuencia que me haya cautivado y me ha parecido todo una paja mental, copia de todo, sin personalidad ni talento, ni gracia. Los amantes pasajeros de Almodóvar es una obra maestra al lado de este desafortunado esperpento. Nota: 2

Por cierto, que chulos la mayoría de los carteles de las pelis, ¿no?
Ya sabéis, tenéis tiempo hasta casi final de mes para participar de este festival y ver cualquiera de las películas que os he comentado en estos dos posts o  del resto que forman su catálogo. Yo sigo. Y volveré a contaros qué tal.

domingo, 30 de marzo de 2014

Atlántida Film Fest 2014: Primeras críticas


Entre el 27 de marzo y el 27 de abril se celebra la cuarta edición del Atlántida Film Fest, de la plataforma de visionados VOD Filmin, que (sobre todo) desde el año pasado se ha erigido en el festival de cine número uno por internet. La programación de la presente edición confirma este acontecimiento internauta que abre una nueva manera de ver festivales, más allá de nuestra localización geográfica y que sin duda, va a ganar en importancia (y probablemente en competencia) en un futuro cercano. Durante un mes, no solo podemos visionar las películas del festival si no, lo que es mejor, compartir con cinéfilos de diversos lugares nuestras impresiones. Algunos votamos en la lista de Jesús Choya de La llave azul. Si os queréis apuntar poneos en contacto con él aquí

El Atlántida consta de 47 películas divididas en tres secciones. La Sección Oficial la conforman 17 películas españolas y latinoamericanas por las que el festival decide apostar, en su mayor número en busca de nuevos talentos. La sección Atlas son 23 títulos internacionales premiados en diversos festivales de forma reciente y finalmente el ciclo reflejos, de seis películas, lo forman documentales que abordan temas y aspectos de la industria del cine. Como decíamos 47 películas, durante 30 días (menos inauguración y clausura que estarán muy poquitos días cada una y alguna otra excepción), 11 estrenos en España, 4 estrenos mundiales y auténticos bombazos con grandes directores como Michael Gondry (que repite), Sion Sono, Errol Morris o Xavier Dolan. 
El Festival además tiene precios muy económicos y podemos disfrutar de 20 películas por 30 euros o de 5 films por solo 10 euros. Ahora solo os queda comprobar la programación en su web, y decidir que podéis y queréis ver según nuestro tiempo y presupuesto. Y luego a debatir entre todos.

Durante estos días, como no podía ser de otra manera, desde este blog vamos a dedicarnos en exclusiva al Atlántida. Para empezar vamos a exponer nuestras opiniones con críticas breves de las dos primeras películas que hemos visto del Atlántida, más las cinco que ya habíamos visto antes de su incio, así pues, siete para empezar. En próximos posts más. Y mientras iremos discutiendo por twitter. Animaos.

Las siete películas vistas hasta ahora del Atlántida, por orden de la que más a la que menos me ha gustado (aunque por ahora no suspende ninguna) manteniendo las valoraciones de la tabla de críticos, blogueros y cinéfilos que antes os he enlazado.

El desconocido del lago inauguraba el Atlántida Film fest, llevando bajo el brazo su premio a mejor director en "un certain regard" de Cannes, su mejor película en Sevilla, sus ocho nominaciones a los César o su número uno en la lista de Cahiers Francia en films del 2013.
Y la verdad es que visto el resultado cualquier premio adquirido es merecido. En un solo espacio, hermoso, el lago en cuestión, un grupo de homosexuales se reúnen para tomar el sol, exhibirse y practicar el cruising. Un grupo que casi se repite día tras día, al igual que se repiten con cierta monotonía los encuentros sexuales (cierto contenido explícito puede asustar a algunos), los saludos y las manías de cada uno. Nosotros seguimos los pasos de Frank, un hombre que se debatirá entre la amistad por Henri, un hombre orondo y marginado del gran grupo que se lo mira todo desde la distancia y se enamora de nuestro protagonista, y la pasión por el inquietante Michel, con quien finalmente tendrá el encuentro sexula deseado. A partir de aquí una película que se movía en los terrenos del drama con toques cómicos muta al thriller de terror. El resultado final es excelente. Un tratado sobre la pasión, el amor, la soledad, que a veces resulta hermoso, las más de las veces triste y al final muy inquietante. El lago, el viento, la oscuridad, las pequeñas acciones sin importancia, todo adquiere relevancia en una película realmente conseguida y que no te abandona tras su visionado. Nota: 8'5

En algún lugar sin ley es el título que se le ha puesto en español al mucho más sugerente Ain't Them bodies saints, una preciosa película que pasamos recientemente en el Festival Americana, al igual que las tres que van a venir a continuación.
El casi desconocido director David Lowery, se rodea de un efectivo reparto encabezado por Casey Affleck y Rooney Mara  para rodar un drama excelentemente fotografiado aprovechando los vastos y semidesiertos paisajes de Texas, que se acerca a los terrenos del western y que explica con lentitud, amplias elipsis y narrativa difusa una historia de crimen y amor en los años 70 que resulta estimulante y muy especial.
El primer tramo nos muestra los actos que llevaran a nuestro protagonista a la cárcel, con algunos planos inolvidables. Pero la mayor parte de la cinta se detiene en el deambular del preso fugado y en la vida de su chica y su hija a la espera del reencuentro. Se explica poco y de forma deslabazada. El director no solo se detiene en los paisajes si no que también en conversaciones puntuales más o menos trascendentes. Pero terminan por surgir las esencias, los dramas íntimos, el dolor y la compasión. Y la experiencia, melancólica, brumosa, a veces casi onírica hace de la película una experiencia íntima y sensorial (atentos a la extraña banda sonora) muy especial. Nota: 8

Los seguidores de este blog ya sabréis que no comulgo con la ópera prima de Shane Carruth, Primer, una película que no solo no entendí demasiado si no que, además, me aburrió en exceso. Nueve años ha tardado su director en volver a realizar un largometraje, con críticas muy diversas, con bastante más presupuestos pero con similares intenciones suicidas.
Y la verdad es que en Upstream Color tampoco se entiende nada. Al menos de forma concreta. Aunque probablemente no haga falta. Por un par de razones. En primer lugar porque ahora Carruth dirige con mimo y logra orquestar una película muy sensorial, muy hermosa en su ejecución, con un halo existencial que de alguna manera te llega, con un montaje y un uso de la música asombroso, rompedor, inquietante, pese a su rotundidad críptica. En segundo lugar porque en esos personajes perdidos, en las vidas que no reconocen, que no son capaces de mirar desde fuera, en su desidia, en como les consume la monotonía, en su dejarse llevar por una realidad que los supera, nos podemos reconocer, me puedo reconocer Así, sin acabar de entender lo concreto, entendemos el mensaje, o al menos yo me he sentido reflejado en un mensaje (en mi segundo visionado) que quizás sea mío, o quizás sea universal o quizás no sea nada. Porque en la abstracción está la interpretación y las experiencias sensoriales son para perderse en ellas, o bien por aburrimiento o bien por fascinación. Ésto último me ha ocurrido. Y dudo que sea la última vez que la vea. Nota:8

The kings of Summer, la aclamada inauguración del Festival Americana, es una comedia dramática amable sobre la adolescencia, la pasión con la que vivimos aquellos años de nuestras vidas que en la edad adulta tenemos tendencia a olvidar, nuestros primeros amores y nuestras primeras decepciones. Una historia iniciática bellamente fotografiada y narrada con la pasión que la edad que relata merece. Nos explica la historia de tres jóvenes que cansados de las limitaciones que les imponen sus padres deciden perderse en el bosque y construir su propia cabaña. Al principio la nueva libertad adquirida es un don que saben aprovechar, pero la irrupción del amor, con sus consiguientes rencillas, celos y deslealtades hará que todo se complique. La cinta no pretende ir mucho más allá en la dureza del asunto y se reconduce hacia lugares amables, de los que permiten terminar el visionado con una sonrisa en la boca. Nota: 7

Prince Avalanche es una cinta independiente muy chiquitita de David Gordon Green (el de Superfumados y otras lindezas) que es un remake de una cinta islandesa que desconozco titulada Either way y que parece que es algo superior a la americana. Es muy irregular pero me ha gustado bastante y se puede considerar una grata sorpresa. Dos hombres de distintas edades y objetivos en la vida trabajan aislados pintando las lineas de una carretera casi desierta que atraviesa un bosque que sufrió un terrible incendio. Los dos hombres hablan, filosofan, se odian y claro, van tejiendo un vínculo de amistad difícil pero definitivo. Nada es demasiado original ni sorprendente pero el buen rollo de la propuesta unido a algunos puntos álgidos, como el momento en que se explica lo que es la paternidad o la aparición de una mujer fantasma, convierten a Prince Avalanche en una curiosidad muy indie y muy disfrutable. Nota:6,5

Los inocentes es una película realizada por los estudiantes de la ESCAC a modo de práctica pero que ha tenido estreno en festivales como el de Sitges o el Atlántida que nos ocupa. Se trata de una película realizada por trece directores y que pretende ser un homenaje al slasher americano ochentero. El referente más claro, al que en ciertas ocasiones literalmente se plagia es Viernes 13, pero los amantes de estas películas encontrarán otras muchas referencias. Lo que ya es una forma de distraerse. Lo que más chirría de la película son algunas interpretaciones realmente muy malas que te sacan un poco del meollo del film. Hay otras que no están mal. La ambientación está conseguida. Y pese a dos escenas originales (la del orgasmo cerebral es la ostia) nos da lo que suelen dar estas pelis. Algún susto, una trama risible pero distraída, dosis de imaginación (aunque imaginaciones que tuvieron otros) en las muertes, bastantes sangre y algunas tetas (como buen homenaje al cine de los ochenta de terror). Una cinta tan prescindible como divertida. Ayuda su corta duración. Nota: 6

La última cinta del polémico y excesivo cineasta japonés Sion Sono, Why Don't You Play in Hell pretende ser una de las películas más desfasadas que uno haya visto en mucho tiempo (lo que ya es un intento habitual en tan extremo director). Empieza como una comedia salvaje y estúpida, de estas niponas con jóvenes agresivos, medio locos y llenos de violencia y pajas mentales con la que me cuesta mucho conectar. Y las historia entrecruzadas se repiten y se suceden y el humor de trazo grueso no cesa y yo me aburro cada vez más y su excesiva duración me empieza a pesar como una losa. Y así hasta la media hora final en que Sono saca su artillería de sangre y locura y cinefilia y cinefagia y me divierte, pero ya es demasiado tarde y algo previsible y relativamente dejà vú pese la contundencia. Sigo sin ser fan de Sono. Y cada vez lo veo más difícil. Nota: 5,5

viernes, 28 de febrero de 2014

Duelo de Titanes: Critica. Her de Spike Jonze



All You Need is Love, por Ciudadano Noodles

Dejemos claro desde el principio el camino a elegir. La última gran película de Spike Jonze, Her (la anterior era un desastre y ahí si coincidimos amigo), la podemos apreciar de dos maneras. Unos promulgan el sentido distópico de la historia. Un cuento futurista en donde la tecnología campa a sus anchas absorbiéndolo todo. Las personas han dejado casi de serlo para dar paso a una revolución de las máquinas. Es curioso, como otro nombre importante como el de Terry Gilliam basa su discurso de su nueva y excelente película The Zero Theorem en eso, en la extrema esclavitud tecnológica. Pero lo que nos atañe ahora es la película de Jonze, con una ambientación a caballo entre lo vintage y por qué no decirlo diseño Ikea, trasportándonos a un futurista y triste Los Ángeles en cromado color pastel y repleto de rojo y naranja, sol y atardeceres. Ciudad perfecta en la que no apreciamos coches y en donde los  apartamentos son perfectos. En este aspecto mucho tiene que ver la excelente  fotografía de Hoyte van Hoytema. Ambientación y vestuario (¡esos impagables pantalones por encima de la barriga!) se mezclan de manera notable. Pero donde sobresale Her por encima de todo y es el camino que hay que coger y aferrarse fuertemente a él, es en la historia de amor y soledad con mayúsculas que nos cuenta. Y es que en las cosas más sencillas es donde radica la belleza, y si no que se lo pregunten a Jep Gambardella.

Spike Jonze ha creado una extraordinaria historia de amor. En Her asistimos a las múltiples facetas que ofrece este sentimiento tan maravilloso y doloroso al mismo tiempo. Porque no solo habla del amor de un tipo extraño y una máquina, no. Habla de la ruptura, de cómo superarla, del posible amor que tenemos a la vuelta de la esquina, y como no de la soledad. La pérdida del amor genera un angustioso sentimiento de soledad tan grande como el mismísimo LA.

El personaje de Theodore interpretado (otra vez) de forma excepcional por Joaquin Phoenix es uno de tantos seres solitarios y melancólicos en plena transición de ruptura, que deambula en busca de amor o de sexo, o de lo que diantres sea en sus días melancólicos y noches solitarias. Como decía antes un tipo raro y especial,  pero como dice un personaje en la película “¿no son raros todos los que se enamoran?, una locura socialmente aceptable”. Phoenix nos ofrece una desgarradora interpretación llena de emoción y sentimientos que vuelve a proclamar al actor como uno de los mejores de su generación. 


Dos amores secundarios, el pasado encarnado en Rooney Mara,  y el futuro-posible en el papel de Amy Adams. Dos papeles que aportan a la vida de Theodore el desasosiego y el consuelo, sencillos pero necesarios. Y luego, claro está, el amor principal, Samantha. Y oh! Sorpresa, es un sistema operativo al cual presta la voz Scarlett Johansson, y que vemos literalmente. Porque al igual que un libro nosotros tenemos ventaja, sabemos quién es y ponemos imagen a la tecnología.

La relación comienza con incertidumbre, pero poco a poco vemos cómo se va gestando una historia de amor tan especial como bella y delicada. Una historia universal en donde hay cabida para el amor, el sexo y los celos. Momentos, secuencias y escenas tan extraordinarias como la primera noche de amor, que acertadamente el director funde en negro para dejarles a solas, o el terrible alquiler de un cuerpo para hacer efectiva su relación. Una secuencia que directamente nos provoca terror y lástima. 

Al igual que otros no humanos como Hal 9000 de 2001, o el replicante Roy de Blade Runner, este sistema operativo, Samantha, intenta revelarse y ser algo más. Busca la vida real, el contacto con la persona amada, su aliento, su calor.  Samantha anhela y ama un sueño, al igual que Theodore, el cual busca su salvación a través de la tecnología. Dos metas difíciles de conseguir, flirteando con la no-realidad pero encontrando el amor más apasionado.  Y es que Spike Jonze nos muestra una conexión-desconexión emocional primorosa, rodada con una especial delicadeza y melancolía que se apodera de nosotros. El fino humor que ligeramente aparece queda enterrado ante la apasionada historia de amor y soledad que se nos muestra.  

Jonze rueda este nuevo enamoramiento como un nuevo proceso de aprendizaje, tanto para el humano como para la máquina, indagando en todo aquello que la vida nos ofrece y que debemos percibir en nuestros sentidos. 

Her no es ciencia ficción, es una realidad reconocible. Es amor, es el peligro ante una de las peores condenas para el ser humano, la soledad. Son los recuerdos, tan presentes una y otra vez en cada una de nuestras vidas. Pero sobre todo es gran cine, una pequeña y sencilla historia de amor aderezada con el estímulo de un hipotético futuro. 

Her acaba en una azotea con dos seres perdidos en el universo pero más cercanos de lo que ellos piensan, tan solo una pared les separa. El amor tan caprichoso como siempre. 




Moverse en el filo y caer al precipicio: la superficialidad anodina de Her por David Amorós

Los dos primeros largos dirigidos por Spike Jonze nos revelaron uno de los caracteres más alucinantes y talentosos del reciente cine americano. Tanto Cómo ser John Malkovich como Adaptation. (El ladrón de orquídeas) nos explicaban historias de egos terribles y de procesos de creación dolorosos que pese a la correcta dirección, no nos engañemos, basaban la mayor parte de su genialidad en un guión muy original y que funcionaba en lo íntimo pero también en lo universal. Pero Charlie Kaufman (guionista de ambas y  de otra maravilla que por aquí se tituló ¡Olvídate de mí!) dio el salto a la dirección (con un resultado mucho menos genial que en las películas aludidas) y dejó a Jonze y a su otro gran beneficiado, Michel Gondry, con la obligación de construir sus propios guiones para sus películas. Y claro, nada fue lo mismo.

Dejemos a Gondry que hoy no toca y hablemos de Spike Jonze y en especial de su última película, la mediocre y fallida Her (tras la también bastante lamentable Dónde viven los monstruos que hacía presagiar que el Jonze escritor era insulso y falto de talento). En Her, Jonze nos propone una temática a priori muy atractiva pero que, por moverse en los límites de la credibilidad, necesita de un tacto genial a todos los niveles para no caer en lo ridículo. En un futuro cercano un hombre sensible que ha sufrido una ruptura amorosa se convierte en un solitario inadaptado y termina por enamorarse de un programa informático de última generación con voz de mujer que en su afán por asemejarse a los humanos también se enamora (o cree haberse enamorado) de él. La idea de mostrar como en el futuro nos vamos aislando con la tecnología hasta el grado que la película explica podría haber resultado francamente genial y reveladora. Pero el resultado deja mucho que desear. 


Para empezar tenemos que ubicar al personaje de Joaquin Phoenix (lo siento, pero me parece muy sobreactuado, como tantas veces). Y claro, el tío era un hombre genial y vital y la alegría de la huerta hasta que fíjate tú, la buena de Rooney Mara lo abandonó. Para mostrar tan terrible desgracia vamos a tirar de flashes, cada uno de los cuales es un vergonzoso tópico, acompañados de una lamentable fotografía teóricamente preciosista con mucho rayos de sol (cuánto daño ha hecho Malick al cine reciente), pero permitidme, muy cursi, muy poco personal, en que se vea lo doloroso de la ruptura y nos haga sentir la pena necesaria por ese ser que ahora es el pobre Phoenix, devastado. Como está tan solo termina por mantener una relación de cierta amistad con un programa informático con voz de chica (la de Scarlett Johansson) de la que termina por enamorarse. Todos los tópicos de robots que ansían tener sentimientos están aglutinados en la intención de la Scarlett por sentir, por amar, por descubrir las cosas de que gozamos los humanos y los sistemas operativos se pierden (sic). Muy original todo, como podéis ver. Y la voz de Scarlett de pavoneo continuo (incluso su torpe canción), chirriante, indigna de un “ser” teóricamente superior, no hace más que estropear el presunto encanto de esa señorita ¿artificial? que ansía evolucionar a otro estado. Pero aún y así podría haber buenos momentos. Jonze no dirige mal, el tema podría llegar a ciertas verdades, a momentos de tristeza generacional. Pero no. La mayoría son ridículos. Esa escena con fundido a negro con los dos amantes haciendo el amor da tanta vergüenza ajena que me sentí incómodo en mi butaca de cine. El Phoenix loco de desamor corriendo y tropezando por ese LA brumoso (un acierto de la película, que por cierto ya se ha hecho en 2574 ocasiones en cine) es de traca y ese picnic con otra pareja ni os cuento. Los ataques de celos de la señorita instalada en el ordenador no tienen ninguna justificación. No solo tiramos de tópicos si no de trazo grueso en todos los aspectos de la película. Tiene que haber celos, pues los hay, aunque estén metidos con calzador. Solo el buen hacer de Amy Adams podría conmoverme (si no fuese porque su historia está mal construida y con golpes de efecto interesados). En fin, un despropósito, una pena que me desilusionó muy pronto y que me aburrió de forma escandalosa. Y lo peor, ya no confío demasiado en lo siguiente de Spike Jonze. Veremos…


viernes, 21 de febrero de 2014

Animac 2014: Alguno de los cortos que se pueden ver en Lleida

Cada año me apetece ir al Animac de Lleida pero siempre, por compromisos varios, laborales o sociales, debo renunciar a lo que se me antoja sería un gran fin de semana rodeado de animación. Acabaré cumpliendo, pero hace tres o cuatro años que al llegar estos días me vence la frustración por no poder ir. Así que, cada año, me pongo a buscar alguno de los cortos (más de cien) que se proyectan por internet. Este año, entre los largos (siempre muy pocos) destaca el último de Jirí Barta (al que le dedican una retrospectiva) del año 2009 titulado Aventuras en el desván, ¿quién cumple años hoy? y un largo uruguayo titulado Anina
Los cortos siempre son un alucinante y adictivo cajón de sastre en el que seguro es un placer sumergirse en sus muy diversas sesiones. Como decía, al no poder asistir, me apetece siempre buscar alguno de ellos por internet y casi cada año termino por compartirlo con vosotros. Para que los que no podáis ir por la distancia o por lo que fuere os entren ganas y los que si podéis os animéis. Así que para un fin de semana con pinceladas de animación, doce cortos (más tres) de los que se podrán ver en el Animac. (Dani, si te animas la mayoría no están en Filmaffinity jaja)

Os dejo en primer lugar este breve corto japonés que me ha parecido hermoso...


Uno para los más pequeños...


Ahco On The Road from YELLOWSHED on Vimeo.

Más extremo es este corto experimental con  fragmentos animados en diversas técnicas, muy amateur y libre, para buscadores de rarezas y nuevos talentos. Tiene subtítulos en catalán, pero ya os digo que de importancia casi nula.

 
A Home In Progress Film: The Film from laboratorium on Vimeo.

Pasamos a uno corto de 1924 para interesados en los orígenes de la animación. Por aquella época era normal agrupar los trabajos en series. Este corto pertenece a la serie "Alice comedies" y agrupó 41 cortometrajes que Disney realizó entre 1923 y 1927 mezclando animación e imagen real (algo muy habitual en aquellos años).


Y ahora un abstracto, surreal, especial y onírico corto español, como podéis ver con montones de premios y festivales a sus espaldas.


Astigmatismo from Troshinsky on Vimeo.

Un corto colombiano, aunque trata de la Guerra Cívil española. Se trata de una entrevista que luego se dibuja con diferentes técnicas de animación e insertos. Con posterioridad se hizo una serie de televisión de doce capítulos con otras entrevistas, según el mismo esquema que vemos en ésta. 

Cuentos de viejos (shortfilm , 2011) from PIAGGIODEMATEI on Vimeo.

Interesante corto suizo sobre el miedo humano a la diferencia y por lo tanto sobre nuestra absoluta estupidez. El corto es chulo y el final ayuda.


Un breve corto francés, mucho más tradicional, sencillo y tierno...



Desde Chile nos llega este colorista corto, lleno de personajes variopintos y crítica social sobre religión, dinero, sexo y poder.



Un corto francés en stop-motion inusualmente tétrico y oscuro...



Continuamos con un corto peruano documental (la animación documental en largos y cortos se esta extendiendo), ganador de un certamen de teléfonica lo que me ha producido un cierto déjà vú...



Y terminamos donde hemos empezado, en Asia, pero en este caso en Corea del Sur con un corto que quizás deje indifernte o quizás todo lo contrario...



BONUS TRACK (1):

Como decía al inicio Animac Lleida rinde un homenaje al reconocido animador checo Jirí Barta. Una de sus obras más reconocidas (siempre en todas las antologías del género de animación), que por su duración de 53 minutos debemos incluir en la categoría de mediometrajes es Krysar (El flautista de Hamelin). Si aún no lo habéis disfrutado lo podéis hacer a continuación. No tiene subtítulos pero los sonidos que escucharéis son balbuceos en idioma inventado, así que no os preocupéis por su ausencia




BONUS TRACK (2):


Y para los fieles que hayáis llegado hasta aquí y no lo hayáis visto cuando lo anuncié en Twitter (seguidme por cierto, el blog lo tengo algo abandonado y así seguirá pero por allí estoy muy activo) os facilito dos de los cortos de animación nominados a los Oscar que hasta ahora era casi imposible de ver (dos son muy fáciles de encontrar y otro se pasó en cines antes de Frozen) y que encontré tras una breve investigación por la red (el japonés está sin subtítulos pero intuyo que son bastates prescindibles). Disfrutadlos.


http://vk.com/video-25903808_167769705 

http://vk.com/video-25903808_167756645

domingo, 2 de febrero de 2014

Programación completa Festival Americana

Si en el post anterior os explicaba los orígenes del Festival Americana y las primeras cinco películas confirmadas, hoy ya os puedo avanzar los cinco films que completan la programación de esta primera edición de Americana, así como la parrilla y otras cositas de interés.

Un hombre y una mujer, una pistola, escenas inconexas y extrañas, vestidos inapropiados. Quizás un plan...que quizás se tuerce. Un divertido homenaje al cine indie con secuencias que no pertenecen a ninguna película pero que nos remiten a una forma inequívoca de hacer cine. El spot de Americana, un claro ejemplo de las miles de imágenes que durante cuatro días inundarán nuestras retinas de experiencias, emociones, sensaciones...



 Y las otras cinco películas que formarán parte de Americana, junto a las cinco confirmadas en el anterior post son:

Nos parecía muy interesante recuperar para el festival algún título de cine mumblecore de los últimos años, inédito en nuestras salas, ya que en este subgénero se engloba lo más marginal y alternativo del indie americano reciente. El cine realmente independiente de la última década. La elegida ha sido la película Audrey the Trainwreck, una pequeña joyita con todas las características y constantes de este movimiento que hace de la falta de recursos una oportunidad y casi un motivo de orgullo.
Como suele ser habitual un grupo de amigos hablan mucho y mezclan conversaciones banales con otras (y en Audrey the Trainwreck existen de verdad) cargadas de trascendencia. Se levantan temprano para trabajar en empleos que no les llenan pero no parecen estar dispuestos a hacer nada por revelarse. Se conforman con sus encuentros y sus fiestas de fin de semana que de alguna manera, destilan tanta monotonía como sus días laborales. En esta espiral de conformismo y de acomodada infelicidad Ron y Stacy se conocen, quizás con la intención de enamorarse y así poder salir de la rutina que los envuelve.




Joe Swanberg, uno de los directores más prestigiosos y prolíficos del mumblecore tras títulos tan importantes dentro de ese movimiento como Hannah Takes the Stairs o Alexander el último, realiza con Drinking Buddies un salto cualitativo en cuanto a presupuesto y también en cuanto a estética y guión, con unos actores y un rodaje mucho más profesionalizado pero sin renunciar a esas historias pequeñas y de esencias y descubrimiento personal que nos trajo consigo el mumblecore.
Lucas y Kate trabajan en una cervecería y tienen una complicidad absoluta. Comparten afición autocomplaciente al alcohol y una visión parecida de la vida e incluso un sentido del humor similar. Ambos tienen pareja. Y los cuatro deciden ir a pasar unos días juntos a la cabaña del novio de Kate. Resulta que las respectivas parejas también tienen aficiones parecidas y sienten cierta atracción y la cosa, claro, se complica. Pero la película, que flirtea con lugares comunes, huye de ellos para con un certero guión hablarnos de las esencias que nos definen como personas y de los frágiles límites entre los sentimientos afectivos. La historia resultante no es tanto una hermosa historia de amor, que lo es, si no sobre todo una hermosa historia sobre la amistad.




Nueve años ha tardado Shane Carruth en realizar su segunda película. Tras sorprender con su revolucionaria cinta de ciencia ficción conceptual, Primer, este matemático reconvertido a cineasta vuelve con Upstream Color. En esta ocasión Carruth nos sumerge en un océano de sensaciones y abstracción que va más allá de sus anteriores paradojas espacio temporales.
Con un estilo mucho más cuidado que en su ópera prima pero con una narrativa igualmente fragmentada y confusa, Carruth teje una historia de amor extraña y onírica compuesta por hermosas escenas difíciles de engranar pero que pueden suponer en su conjunto una experiencia sensorial de primer orden. Una película para dejarse llevar y disfrutarla desde la abstracción o para reconstruir tras su final, intentado unir las piezas del fascinante puzzle.




En los últimos días de la Guerra Civil estadounidense, Will, un adolescente huérfano, emprenderá junto a su perverso tío un viaje hacia el norte para capturar a Nate, un fugitivo de la justicia. El objetivo es entregarlo a una banda de despiadados cazadores de recompensas. Tras localizarlo, los tres emprenden un viaje campo a través entre los coletazos finales de la guerra. En su periplo el muchacho irá perdiendo los recelos que lo alejaban de Nate, dando paso a unos lazos paterno-filiales que le harán dudar sobre la esencia de su missión. A Will se le planteará un dilema ético. Deberá decidirse entre la lealtad y sus sentimientos.
The Retrieval es una cinta que mezcla géneros desde el western, al drama pasando por la road-movie, espléndidamente fotografiada, que huele a clásico y que todavía está inédita en las salas USA. Un privilegio presentarla en Americana.




Finalmente, inaugurando el festival, tendremos una de las películas indies más aclamadas del año, The Kings of Summer, un hermoso y tierno cuento sobre la adolescencia que nos muestra a un grupo de jóvenes que se retiran al bosque a vivir en una cabaña según sus reglas y sin la impositiva supervisión de los adultos. Descubrirán algunas de sus esencias, tendrán los primeros amores, las primeras decepciones, los primeros celos, las primeras rupturas y odios y entre juego y juego irán creciendo, dejando atrás una etapa irrecuperable que vivirán con intensidad y les marcará para siempre.



Las diez películas que conforman el Festival Americana irán a un pase por película entre el viernes 14 y el domingo 16, más una inauguración a la que solo se podrá acceder con invitación de The Kings of Summer el jueves 13.
Para pedir una invitación para la sesión inaugural (tendremos muy poquitas, pero alguna habrá) podéis escribir un mail a info@americanafilmfest.com  dejándonos vuestro nombre y apellido y comentando si queréis una invitación individual o doble para dicha sesión. Recordad que hay muy, pero que muy poquitas a nuestra disposición más allá de sponsors y compromisos, así que no os enfadéis si no os tocan. Para éso hemos repetido el domingo peli el domingo.

La parrilla es la siguiente:

Jueves 13
20:30 Inauguración + The Kings of Summer (93')

Viernes 14
16:30 Audrey the Trainwreck (85')
18:30 The Motel Life (85')
20:30 The Retrieval (92')
22:30 Drinking Buddies (90')

Sábado15
18:00 American Promise (142')
21:00 In a World... (93')
23:00 Short Term 12 (96')

Domingo 16
18:00 The Kings of Summer (93')
20:00 Upstream Color (96')
22:00 Ain't them Bodies Saints (93')

Las entradas para cada sesión se podrán adquirir al popular precio de 4 euros en taquillas o en en la web de Ticketmaster y además, disponible hasta un día antes de empezar el festival en Atrápalo, un abono de 5 películas a 15 euros.

Ahora ya solo queda disfrutarlo. Recordad la web para cualquier nueva información y para completar la oferta del festival (el concurso Fes l'indie, nuestros cursos en La Escuela del Cine, la lista de canciones de cine indie americano en Spotify...):

http://americanafilmfest.com/es/





miércoles, 15 de enero de 2014

Festival Americana: Avance programación, fechas, cartel y más...

Supongo que a estas alturas los habituales del blog ya sabéis lo que es el Festival Americana pero en previsión de nuevos visitantes y como recopilatorio, hoy que Americana toma forma, os lo vuelvo explicar. Americana es un festival ideado y dirigido por los blogueros de Después de 1984 en el que tengo el lujo y el privilegio de participar como parte del equipo del mismo junto con otros excelentes compañeros que podéis consultar aquí
Todo empieza con un concurso de Movistar Artsy que pretende impulsar proyectos culturales diversos en Cataluña. Nos presentamos algo tarde, el día 8 de agosto y os pedimos que colaboréis con vuestros votos a que el proyecto tome cierta envergadura. Pese a las difíciles fechas desde el principio nos sobrepasa vuestro cariño y en poco días Americana alcanza la tercera plaza en voto popular (que se cierra un par de semanas después) con 2520 votos. Algunos seguro recordáis el vídeo...




Luego tras días de incertidumbre por fin el premio. Nuestro proyecto forma parte de los 4 ganadores. Así pues Americana se convierte en un futuro festival del que hoy ya os podemos avanzar fechas, lugar de celebración, cartel, películas confirmadas y algún otro avance o acto paralelo del mismo.
Todo lo que debéis saber del festival irá apareciendo por nuestra web (http://americanafilmfest.com/es/) donde os podéis apuntar a la newsletter (la primera ya está enviada, pero la podéis recuperar en la pestaña noticias) y en la que en breve se podrán pedir las acreditaciones para prensa. Es una web que irá creciendo en pestañas y contenidos en los próximos días, paulatinamente, conforme vayamos teniendo informaciones que ofreceros. Los próximos días, a parte de presentar el resto de películas que formaran parte del festival (aún por cerrar, aproximadamente 10) os presentaremos el spot que está saliendo del horno y el concurso Fes l'indie (haz el indie) en el que podréis enviar fotos y vídeos que representen alguna película indie americana. Además el hashtag #feslindie será el oficial que utilizaremos en twitter desde ya. Y recordad que también estamos en redes sociales como Facebook o Instagram  y próximamente incluso nos vamos a ver por Spotify.

A partir de hoy empieza la campaña para llegar al máximo número de personas posibles, así que obviamente agradecemos cualquier difusión a pequeña escala con la que podáis colaborar. Al fin y al cabo, lo que sentimos es que ésto podemos hacerlo crecer un poco entre todos. Por el momento ya estamos en Fotogramas:
http://www.fotogramas.es/Noticias/Nace-un-festival-de-cine-USA-inedito/

El cartel del festival, diseñado por Gloria Bonet con la participación de los actores Raquel Salvador y Pol López quiere representar una escena cualquiera, sugerente y difusa, de una película de cine indie americano que no existe o que creemos que no existe, como las miles de escenas que desconocemos y que van a inundar nuestras retinas a partir del próximo 13 de febrero. Un cartel muy ligado al futuro spot del festival, que va en la misma filosofía.
El festival se celebrará en los Cinemes Girona del jueves 13 de febrero al domingo 16 y contará con aproximadamente 10 películas y se otorgará un Premio del público a la cinta favorita de los espectadores de esta primera edición según sus votos.

Las películas confirmadas hasta la fecha son cinco:

Short Term 12 es una multipremiada película, nominada a tres Independent Spirit Awards, Gran Premio del Jurado y Premio del Público en el Festival de Austin y en nuestro país ganadora del Premio del Público en la Seminci, entre otros muchos galardones. La película nos narra la historia de Grace, una trabajadora social de veintitantos años que canalizará sus demonios a través de su pasión por ayudar a jóvenes adolescentes en riesgo de exclusión. Una película emotiva que levanta pasiones allá por donde pasa.



The Motel Life, basada en la popular novela de Willy Vlautin es un examen punzante y profundo de la fraternidad, situado en la frontera de Sierra Nevada entre California y Nevada en un periodo atemporal con un espléndido reparto en el que destacan Emile Hirsch, Dakota Fanning, Stephen Dorff o Kris Kristofferson. Una película de atmósfera melancólica en la que la belleza y la esperanza surge en los rincones y de los recursos narrativos menos esperados.



American Promise es un muy especial documental rodado a lo largo de trece años. En 1999 unos realizadores afroamericanos, padres de familia, empiezan a grabar a su hijo y un amigo de éste en el inicio de la vida académica de ambos. El rodaje se alarga los años citados y sirve para trazar un estudio de la educación en EEUU y de las diferencias entre escuela pública y privada, a la vez que nos muestra la vida de dos familias afroamericanas que quieren ofrecer la mejor educación para sus hijos. Una película que está haciendo un tour por Estados Unidos con debates y actos paralelos sobre la educación en el país y que nos parece imprescindible rescatar para Americana.



Ain’t Them Bodies Saints, de próximo estreno comercial en nuestras salas y que tenemos el lujo de pre-estrenar en nuestro país, es una cinta muy especial, lánguida y preciosista, situada en los vastos parajes del Texas de los años 70 que narra la historia de amor y redención de dos personajes interpretados por Casey Affleck y Rooney Mara. De atmósfera evocadora y de narración difusa, la cinta es una experiencia sensorial y emotiva de primer nivel, especialmente apropiada para amates del cine esteticista.



Finalmente nos place confirmar la presencia en el festival de una  de las comedias del año, In a world…, el debut tras las cámaras de la actriz Lake Bell, una de las comedias más originales y divertidas del año sobre el universo del doblaje que se alzó con el premio a mejor guión en Sundance.




En poquito más noticias y un original programa gentileza de nuestra imprenta y patrocinador Printnic.

Y ya os podemos avanzar uno de los actos paralelos al festival, un taller de crítica y un seminario que se pueden combinar según los precios con una acreditación para todo el festival y que se realizará en La casa del cine, con cursos impartidos por Manu Yáñez y Sergio Morera

TALLER DE CRÍTICA + acreditación AMERICANA
El crítico al desnudo: la crónica de festival

PROGRAMA

4 de febrero: Tipologías de festival. Relación entre los festivales y la crítica de cine. Críticos/programadores.
5 de febrero: Tipologías de crónica. La crónica diaria, la crónica bloguera, la crónica post-festival...
6 de febrero: El festival como espacio para la creatividad crítica. Diferentes maneras de vivir un festival. Preparación de los ejercicios a realizar durante el festival.
13, 14, 15 y 16: AMERICANA Festival de Cinema Independent Nord-Americà de Barcelona. Cinemes Grirona de Barcelona.
19 y 20 de febrero: Comentario/corrección de los diferentes ejercicios - Discusión sobre la experiencia vivida en el Americana Film Festival.

Profesor: Manu Yáñez
Fechas: 4, 5, 6 , 19 y 20 de febrero
Horario: 19h a 21h


CALENDARIO Y MATRÍCULA

 

Taller crítico al desnudo + seminario + acreditación: 150€

Taller crítico al desnudo + acreditación: 100€

Seminario + acreditación: 70€
Reserva de plaza: info@lacasadelcine.es

   

 SEMINARIO + acreditación AMERICANA
Funambulistas americanos

PROGRAMA

¿De qué hablamos cuando hablamos de cine independiente americano?
Esta es la pregunta (aparentemente sencilla) a la que trataremos de responder en el marco de este seminario de 6 horas de duración.

Tras una breve introducción (orígenes del cine independiente, influencias del direct cinema, cinéma vérité, John Cassavetes...), se analizarán los personajes y obras principales que configuraron el movimiento cinematográfico denominado New Hollywood, semilla del cine indie americano.

Después realizará un breve resumen de las personalidades más destacables que han trabajado el terreno entre la ficción y el documental como Lionel Rogosin, Robert Kramer, Kent McKenzie o Errol Morris.

Repasando el cine independiente neoyorquino y la figura de Jim Jarmusch, se llevará a cabo un estudio de las mutaciones que ha sufrido el cine indie estadounidense desde el triunfo de filmes como Sexo, mentiras y cintas de vídeo o Pulp Fiction en los 90, hasta llegar al presente (centrándonos sobretodo en el movimiento “mumblecore”).

Profesor: Sergio Morera
Fechas: 11, 12 y 18 de febrero
Horario: 19h a 21h


A partir de ahora las noticias se sucederán pues en menos de un mes el Festival Americana va a tomar forma. Contamos con vosotros. Estáis en el punto de mira...

martes, 14 de enero de 2014

Blog Festival Americana: Las mejores películas americanas estrenadas durante el 2013

Hace unos días que está activa la nueva versión de la web del Festival Americana, una web que irá ampliando sus pestañitas en los próximos días conforme vaya habiendo material (concursos, programación, noticias...) y en la que podéis apuntaos a la newsletter que os tendrá al día de cualquier novedad. Mañana enviamos la primera así que si no estáis apuntados, espabilad. 


De momento hoy hemos abierto la pestaña del blog, un blog que durante el festival ofrecerá contenidos del mismo pero que pretendemos funcione durante el año y sea muy participativo. 
Hoy lo inauguramos con un post sobre las mejores películas americanas estrenadas en salas durante el 2013 elegidas por gran parte del equipo del festival. Podéis echarle un vistazo:


Falta ya menos de un mes para que Americana se estrene, abra sus puertas e inaugure, así que a partir de ahora atentos a la web y a las redes sociales porque ahora sí que sí que Americana is coming...




Mail: info@americanafilmfest.com