ÀSIES
Esta sección ofrece un programa con cinco de las mejores películas asiáticas del año que incluye nombres de maestros indiscutibles como Takeshi Kitano y su última obra Outrage, un regreso al cine de yakuzas que lo hizo famoso, o Hong Sang-soo con Oki's Movie, una nueva revisión de la lucha de sexos desde la óptica de sus característicos personajes dislocados. El tailandés Aditya Assarat, que con su primera película Wonderful Town ganó un Tiger a Rotterdam 2008 y ahora vuelve con Hi-So, y el director chino Wang Quan'an, que con su nueva obra, Apart Together, ganó el premio al mejor guión en la Berlinale 2010. Como guinda del pastel, uno de los autores de culto que más pasiones despierta: Sion Sono y su nueva obra, Cold Fish, tan personal y bizarra como Love Exposure (Premio del Público en el BAFF 2009) pero con un baño de sangre final que hará la delicia de todos los aficionados al género.
China, 2010. 35 mm, 93 min.
Director
Wang Quan'an.
Guión
Wang Quan'an, Na Jin.
Intérpretes
Lisa Lu, Ling Feng, Xu Caigen.
Sinopsis
La proclamación de la República Popular China en 1949 causó la dolorosa separación de muchas parejas debido a su militancia política. Muchos exiliados tuvieron que partir hacia la isla de Taiwán. Esta película se basa en una historia real, la de los exiliados que no pudieron regresar a la China continental hasta 1987, es decir, casi 50 años después. El film parte en el punto en que el hombre exiliado regresa y se encuentra con la mujer que amaba. Esta ha formado una nueva familia y, pese a todo, él quiere recuperarla y regresar junto a ella a Taiwán. Con una sutil manera de narrar los hechos, el director de La boda de Tuya crea escenas donde los personajes se reúnen alrededor de la mesa para brindarnos todo un espectáculo de miradas y comunicación no verbal, de palabras no dichas pero subyacentes. Wang Quan'an dice que lo que le interesa en el cine es tratar de comprender la vida, observando a la gente simple y sencilla. Esta es, sin duda, la clave de un film que huye del tono de las grandes epopeyas para centrarse en la esencia de los sentimientos.
WANG QUAN'AN
Miembro de la Sexta Generación de directores chinos, Wang Quan'an nació en la ciudad de Yan'an en 1956. Se graduó en la Academia de Cine de Beijing en 1991 y enseguida entró a trabajar en una productora de Xi’an. Su debut llegó con Lunar Eclipse (1999) y con La boda de Tuya logró el Oso de Oro en Berlín 2006. Con Weaving Girl (2009) se alzó con el Premio Especial del Jurado y el Fipresci en el Festival de Montreal. Apart Together inauguró la Berlinale de 2010, donde se hizo con el Oso de Plata al mejor guión.
Japón, 2010. HD, 145 min.
Director
Sion Sono.
Guión
Sion Sono.
Intérpretes
Mitsuru Kukikoshi, Denden, Asuka Kurosawa.
Sinopsis
Director de culto indiscutible y reconocido icono surgido del cine underground japonés, Sion Sono ha traspasado las fronteras del cine de género por su radicalidad, su desbordante creatividad, su insobornable compromiso ético con una forma de hacer cine y su indiscutible capacidad para crear imágenes emblema de su tiempo. Desde su salto a la fama internacional en 2002 con ese hito que es Suicide Club, no ha dejado de estar presente en los festivales internacionales, incluido Venecia donde se presentó su (ya) penúltima obra, Cold Fish. La película sigue las andanzas de un apocado vendedor de peces tropicales que se ve envuelto en una espiral de violencia cuando confraterniza con un colega de profesión. El exceso y lo bizarro siguen siendo marca de la casa, en una película que mira de frente sin pestañear a la violencia y que contiene alguna de las imágenes más impactantes del año. Sin llegar a ser una obra maestra del calibre de Love Exposure, seguro que no defrauda a sus muchos seguidores mientras consigue conquistar a nuevos fans por el camino.
SION SONO
Nació en Yokoyama en 1961. Poeta desde los 17 años y fundador del proyecto artístico Tokyo Ga Ga Ga, dirigió diversos cortos en super-8 antes de dirigir su primera película, Bicycle Sighs (1990), presentada en el Forum de la Berlinale. En 2003 dirigió Suicide Club, con la que ganó el premio del Fant-Asia Film Festival y desde entonces su nombre es seguido con devoción por los aficionados al cine de género. En 2008 dirigió Love Exposure, que ganó el FIPRESCI en el Festival de Berlín y el Premio del Público en el BAFF 2009.
Tailandia, 2010. 35 mm, 102 min.
Director
Aditya Assarat.
Guión
Aditya Assarat.
Intérpretes
Ananda Everingham, Cerise Leang, Sajee Apiwong.
Sinopsis
Con este su segundo largometraje, el director tailandés Aditya Assarat parece haber dado un salto de gigante con respecto a su precedente, la laureada Wonderful Town. Pese a seguir siendo fiel tanto a su estilo pausado y sutil de rodar como a la localización donde se sitúa la primera mitad de Hi-So, la costa tailandesa posterior al tsunami de 2004, Assarat nos ofrece un tratado de arquitectura cinematográfica con marcados tintes autobiográficos, dividido en dos mitades simétricas que conviven en perfecta armonía. La primera mitad nos presenta al actor tailandés Ananda, que vuelve a su país natal para rodar una película, y a su novia americana, que viaja a Tailandia para hacerle una visita. Pronto surgen los primeros desencuentros, y al tedio de ella se sumará la sensación de desarraigo de él, que no acaba de encajar en ese mundo que antes era su hogar. Tras una elipsis de seis meses, la segunda mitad de la película transcurre en Bangkok, con el rodaje de la película ya terminado y en fase de promoción. Pero Ananda sigue sin encontrar su lugar en el mundo.
ADITYA ASSARAT
Nacido en Bangkok, estudió producción de cine en Estados Unidos. Su primer corto, Motorcycle (2000), fue el primer filme tailandés en competir en festivales como Clermond-Ferrand y Sundance. Tras unos años como cortometrajista, en 2006 creó la productora Pop Pictures con el objetivo de producir su primer largometraje, Wonderful Town, que fue galardonado con un Tiger en Rotterdam y ganó el New Currents Award en Pusán. Hi-So, cuya premiere europea tuvo lugar en la pasada edición del Festival de Berlín, es su segundo largometraje.
Corea del Sur, 2010. 35 mm, 80 min.
Director
Hong Sang-soo.
Guión
Hong Sang-soo.
Intérpretes
Lee Sun-kyun, Jung Yumi, Moon Sung-keun.
Sinopsis
La capacidad del director coreano Hong Sang-soo para darle una nueva vuelta de tuerca a sus temas eternos parece no tener fin. Para los familiarizados con su obra, sus películas pueden leerse como sucesivos capítulos de un mismo film, que, con pequeñas variaciones, avances y giros, indagan en la condición humana y las relaciones entre sexos. Sus personajes recurrentes– muchas veces trasunto del propio cineasta - son individuos confusos que rondan la torpeza emocional, el exceso alcohólico, que parecen siempre abocados al desastre y ante los que nos asalta un cierta vergüenza ajena. Con su característica mirada sarcástica y un estilo reconocible a la legua, Hong Sang-soo ha ido desnudando su cine de referencias para quedarse con la esencia, algo aparentemente fluido y sencillo, pero cargado de misterio. En su nueva película además la novedad es que los cuatro fragmentos que la conforman (películas dentro de la película) están narrados desde el punto de vista de la protagonista femenina para contarnos la historia de un triángulo amoroso a lo largo del tiempo, en el que cada nueva relación es como un eco de la anterior.
HONG SANG-SOO
Nació en Seúl en 1969 y estudió cine en la Universidad de Chungang para seguir luego estudios en California y el Art Institute de Chicago. Con su arrollador debut, The Day a Pig Fell into a Well (1996), fue aclamado internacionalmente y ganó el Tiger Award en Rotterdam. Su reconocimiento como uno de los más importantes autores del cine coreano ha ido creciendo tras competir en festivales de todo el mundo. En 2010 ganó el premio de la sección Un certain regard de Cannes con HaHaHa. También ha obtenido diversos premios FIPRESCI.
Japón, 2010. 35 mm, 109 min.
Director
Takeshi Kitano.
Guión
Takeshi Kitano.
Intérpretes
Beat Takeshi, Kippei Shiina, Ryo Kase, Tomokazu Miura, Jun Kunimura.
Sinopsis
Yakuza, violencia y un Beat Takeshi con cara de malas pulgas: Kitano is back. Después de un proceso de introspección en su obra, durante el que nos deleitó con tres films que ahondaban en su rol de autor y creador, el aclamado director nipón regresa a las andadas con Outrage. El film cuenta la historia de varios clanes mafiosos que se disputan el poder en el mundo de los Yakuza, argumento que sirve al autor para crear nuevas maneras de reflexionar sobre la violencia y representarla. En el film, Otomo es un Yakuza que lleva muchos años en la profesión y ha visto la ascensión de muchos rivales, desde los inicios marcados por la violencia callejera, los tatoos y la ostentación al control de las finanzas y la influencia de carácter político. Sin embargo, a la par que va escalando hacia la cima, el reguero de cadáveres y amputaciones crece de forma exponencial. Como reza en el tráiler, esta es una película de villanos, no hay hueco para los héroes.
TAKESHI KITANO
Kitano debutó como director en 1989 con Violent Cop, filme del cual también era el actor protagonista. Autor polifacético donde los haya, Takeshi Kitano es uno de los directores japoneses más populares. Ha dirigido multitud de películas y ha sido galardonado en diversas ocasiones. Con Outrage su filmografía como director suma ya 15 títulos.
PROMESES DE L'EST
Esta sección quiere dar visibilidad al pujante cine realizado en los países del antiguo bloque del este de Europa. Una cinematografía donde brilla con luz propia Rumanía, que lleva algunos años produciendo un nuevo cine lleno de propuestas interesantes con directores jóvenes y comprometidos. De Hungría nos llegan aires bizarros y arriesgados y del gigante ruso, dos películas de corte independiente y mucha alma. Como broche de oro de la sección, la última producción del veterano director polaco Jerzy Skolimovksi, galardonada en el último Festival de Venecia con el Premio Especial del Jurado y el Premio al mejor Actor para su protagonista, Vicent Gallo.
Rumanía, 2010. 35 mm, 181 min.
Director
Cristi Puiu.
Guión
Cristi Puiu.
Intérpretes
Cristi Puiu, Clara Voda, Valeria Seciu, Luminita Gheorghiu, Catrinel Dumitrescu.
Sinopsis
En el segundo de los seis filmes que Cristi Puiu quiere dedicar a los suburbios de su querida Bucarest, nos acercamos a la vida de Viorel, un tipo corriente, con el que nos habremos cruzado en la calle cientos de veces sin ni tan siquiera darnos cuenta de que está allí. Pero Viorel tiene un plan, del que seremos testigos de primera mano. Con una mirada naturalista, casi de entomólogo, retrata los actos que cometerá Viorel en las siguientes 24 horas y, con ello, nos llevará de la mano en su viaje hacia la sinrazón de los países del ex-bloque comunista. Su mirada expresa la perplejidad frente a un paisaje humano ante el que solo queda la sonrisa cínica y el humor como tabla de salvación. Dirigiendo, escribiendo e interpretando el papel principal de esta película, Puiu nos devuelve a la mirada atónita de Politist, adjektiv (2009) de Corneliu Porumboiu y nos clava en la butaca del cine para descubrir la naturaleza cotidiana, casi banal, de la oscuridad del alma humana, emparentándose con Lodge Kerrigan o Jaime Rosales.
CRISTI PUIU
Cristi Puiu empieza a trabajar como guionista y debuta en el largo con Marfa si banii (2001), una road-movie filmada cámara al hombro que fue seleccionada en la Quincena de Realizadores de Cannes. Tras ganar el Oso de Oro de Berlín con su corto Cigarrettes and coffee (2004), se embarca en el rodaje del primero de los seis capítulos que dedicará a los suburbios de Bucarest: La muerte del Sr. Lazarescu (2005), con la que gana 23 premios por todo el mundo, entre ellos, el premio Un Certain Regard de Cannes.
Cristi Puiu empieza a trabajar como guionista y debuta en el largo con Marfa si banii (2001), una road-movie filmada cámara al hombro que fue seleccionada en la Quincena de Realizadores de Cannes. Tras ganar el Oso de Oro de Berlín con su corto Cigarrettes and coffee (2004), se embarca en el rodaje del primero de los seis capítulos que dedicará a los suburbios de Bucarest: La muerte del Sr. Lazarescu (2005), con la que gana 23 premios por todo el mundo, entre ellos, el premio Un Certain Regard de Cannes.
Hungría, 2010. 35 mm, 111 min.
Director
Szabolcs Hajdu.
Guión
Szabolcs Hajdu.
Intérpretes
Orsolya Török-Illyés, Andi Vasluianu, Gheorghe Dinica, Oana Pellea.
Sinopsis
Un cúmulo de desastres lleva a Mona, rumana de origen húngaro, a criar sola a una niña fruto de una surrealista unión con un extraño, para viajar luego a Inglaterra engañada por el armenio Vacariu y dejar a su hija con su tía invidente a quien promete enviar dinero cada mes. Pero todo lo que encontrará a partir de ese momento serán desastres y más desastres: en Inglaterra dará con sus huesos en prisión y será sometida a la trata de blancas, para acabar en la Bibliothèque Pascal, un estilizado burdel que ofrece a sus clientes experiencias únicas con Desdemona, el Principito, Antígona, Oliver Twist, Juana de Arco... Un retorcido e imaginativo cuento de hadas que nos recuerda a Terry Gilliam o a los primeros Jeunet & Caro, a través de un barroquismo que nos muestra la pobreza espiritual de una sociedad enferma y su doble moral, con un crescendo dramático continuo que entra de lleno en el género fantástico. Una promesa del este.
SZABOLCS HAJDU
Nació en Hungría en 1972 y estudió en el Instituto de Cine de Budapest. Desde 1991 compagina la dirección con la interpretación. Debutó en la dirección con el corto Necropolis (1997) con gran éxito de crítica. Sus siguientes obras consiguieron varios premios en festivales de su país, hasta que debutó en el Festival de Cannes con la película autobiográfica White Palms. Bibliothèque Pascal es su quinto largometraje.
Polonia, 2010. 35 mm, 83 min.
Director
Jerzy Skolimovski.
Guión
Jerzy Skolimovski, Ewa Piaskowska.
Intérpretes
Vincent Gallo, Emmanuelle Seigner, Zach Cohen, Iftack Ofir.
Sinopsis
Vincent Gallo, bestia herida. O cómo una película con un protagonista inmenso, que no dice ni una palabra en todo el metraje (y que ganó la Coppa Volpi al mejor actor en Venecia 2010) y que hace el papel de un afgano capturado por las fuerzas norteamericanas en una de sus incursiones en el país, puede convertirse en un trabajo tan intenso. Trasladado a un indefinido país europeo, un golpe de suerte -buena o mala- propicia una fuga que llevará al protagonista a una huida a la desesperada, con Gallo a la búsqueda de algo, lo que sea, para salir del horror de la nada. Un filme que insinúa el horror, que podría haber caído en el torture porn -quién no se imagina Guantánamo?- pero no lo hace; que podría jugar al survival movie pero tampoco; que podría ser una gran película de acción y, en cambio, toma la dirección opuesta. Y en ese camino aparecerá, de manera fugaz, la coprotagonista, una irreconocible Emmanuelle Seigner, uno de los pocos personajes de la película con nombre propio. Una huida hacia adelante en todos los sentidos.
JERZY SKOLIMOVSKI
Con más de veinte películas filmadas, el trabajo del veterano director polaco incluye un Oso de Oro en Berlín (La partida), un Gran Premio en Cannes (El grito) y un León de Oro en Venecia (El buque-faro), festival donde el año pasado ganó con Essential Killing el Gran Premio del Jurado y el premio a mejor actor. Además, ha colaborado con Polanski en el guión de El cuchillo en el agua y ha actuado en Promesas del Este, de Cronenberg, y en Antes que anochezca, de Julian Schnabel.
Rusia, 2010. 35 mm, 124 min.
Director
Alexei Popogrebsky.
Guión
Alexei Popogrebsky.
Intérpretes
Grigory Dobrygin, Sergei Puskepalis.
Sinopsis
Sergei se ha olvidado de la civilización después de pasar tanto tiempo en la estación meteorológica a la que fue destinado hace tiempo. Su trabajo: tomar lecturas sobre la radiación en los alrededores y mandarla a la oficina central, su único vínculo con el mundo exterior. Todo cambiará con la llegada de Pavel, recién graduado, urbanita, y con el encargo de pasar el verano en la estación ayudando a Sergei. Popogrebsky nos lleva al confín oriental de Rusia, un paisaje extremo donde el tiempo y el espacio se han detenido, donde dos hombres dependerán el uno del otro para poder sobrevivir, aunque sean tan antitéticos como nuestros protagonistas. Filmada con una fotografía apabullante, poética e interpretada con intensidad y con una especial sensibilidad por los dos actores, la película nos llevará a lo más hondo de las relaciones humanas. La vida de dos hombres al límite, en una frontera que les pondrá a prueba y que se convertirá en el tercer personaje de esta historia sobre la esencia de lo que nos hace humanos.
ALEXEI POPOGREBSKY
Hijo de guionista, Alexei Popogrebsky irrumpió en Cannes en 2004 con su primera película bajo el brazo (Koktebel, co-dirigida con Boris Khlebnikov) y de ahí se marchó con el premio al Descubrimiento del Año de la FIPRESCI. Con su tercera película (How I ended this summer), volvió a la Berlinale (en cuyo Forum se había proyectado Koktebel) y encandiló al jurado llevándose dos premios: por la magnífica fotografía de su película y por las soberbias actuaciones del dúo protagonista (ex-aequo).
Rumanía, 2010. 35 mm, 100 min.
Director
Marian Crisan.
Guión
Marian Crisan.
Intérpretes
András Hatházi, Yilmaz Yalcin.
Sinopsis
Nelu trabaja como guardia de seguridad en una pequeña ciudad cerca de la frontera entre Rumanía y Hungría. Sus días transcurren plácidamente y con total normalidad: pesca cada mañana, luego se va a trabajar y por la noche vuelve a casa, una granja aislada en el campo. Esta cotidianeidad se ve alterada el día en que Nelu encuentra a un inmigrante turco que intenta cruzar la frontera hacia Hungría. El director Marian Crisan se basó en una noticia publicada en un periódico local y afirma basarse en el Neorrealismo italiano para filmar su filme de debut, que en la pasada edición del Festival de Locarno fue galardonado con el Premio Especial del Jurado y en el Festival de Tessalonika ganó los premios al mejor director, mejor actor protagonista y el premio de la crítica.
MARIAN CRISANNacido en 1976 en Rumanía, estudió cine y TV en la Academia de Teatro y Cine de Bucarest. Dirigió varios cortometrajes hasta que en 2008 ganó la Palma de Oro al mejor corto en el Festival de Cannes con Megatron. Morgen supone su debut en el largometraje de ficción.
Rusia, 2008. 35 mm, 104 min. VOSC.
Director
Mikhail Kalatozishvili.
Guión
Pyotr Lutzik, Alexey Samoryadov.
Intérpretes
Oleg Dolin, Roman Madyanov, Daniela Stoyanovich, Yuri Stepanov.
Sinopsis
El pesimismo y la decadencia parecen ser las notas dominantes del pequeño y solitario pueblo de la misteriosa estepa rusa en el que ejerce el joven doctor Mitya, sin apenas recursos y confiado muchas veces a las supersticiones de sus pacientes, extraños y trágicos personajes dominados por emociones crudas e instintos oscuros. Rodada en unos parajes increíbles, que se erigen casi en silentes personajes, la película toma aires de eastern (¿cómo sino llamar a un western rodado en el Este?) con sus tópicos fronterizos, secundarios silenciosos y carismáticos, amenazas siempre latentes y un elemento mágico y absurdo que contrasta con la sequedad y dureza de la vida en la región. El alma de Wild Field es indudablemente rusa: oscura y existencial, penetrante y distante a la vez, hilarante y trágica simultáneamente. Como un Esperando a Godot rural, crudo, salvaje y al mismo tiempo enigmáticamente bello.
MIKHAIL KALATOZISHVILI
Nació en Georgia en 1959 y se licenció en dirección en el Instituto Nacional de Cinematografía en 1981. Ha trabajado como director de arte, guionista y productor. Desde 1973 vive en Moscú, donde dirige desde el 2000 la Fundación Mikhail Kalatozov, fundada por su abuelo, el único ganador de la Palma de Oro de Cannes con Cuando pasan las cigüeñas (1958). Debutó en la dirección con el corto Mechanic (1981) y Wild Field se presentó en el Festival de Venecia, antes de recorrer festivales de todo el mundo.
RETROSPECTIVA GUY MADDIN
Inédito en las salas comerciales de nuestro país, en el cine del canadiense Guy Maddin cualquier motivo, género cinematográfico o vivencia personal es susceptible de ser metamorfoseado. Su pasado, para empezar, pero también el del mismo séptimo arte. Como si las imágenes de los pioneros del cine (Murnau, Wiene, Vigo, Berkeley o Feuillade) recuperaran el aliento junto a los recuerdos de su infancia en Winnipeg (Canadá), cuna e inspiración para empuñar su Bolex de 16 mm. El Festival de Cinema d’Autor de Barcelona, en colaboración con la Filmoteca de Catalunya, le dedica en su primer año de vida una gran retrospectiva, que se proyectará en la Filmoteca de Catalunya y después viajará al IVAC – Filmoteca de València y al CGAI – Filmoteca de Galicia.
La retrospectiva abarca también todos sus cortometrajes, distribuidos en tres sesiones. A continuación vamos a comentar tan solo los largometrajes. Para más información, como siempre, la web.
Archangel
Canada, 1990. 35 mm, 83 min.
Director
Guy Maddin.
Screenplay
George Toles.
Cast
Michael Gottli, David Falkenburg, Michael O'Sullivan.
Sinopsis
A British soldier has just arrived in the Russian city of Archangel after losing his fiancé, one of his legs and much of his memory. Time has stopped in this place: its inhabitants seem unaware that there are child-devouring zombies walking the streets and don’t even know that the Great War has ended. And so they remain in their trenches, also being quite unaware that the Russian Revolution is about to break out. When the protagonist falls in love with a lady that is the living image of his former beloved, he does all he can to be with her, even though she is the wife of another soldier, who is even worse affected by amnesia. With this looping plot, Maddin’s second film is a hypnotic fable on memories and their absence, which contains numerous examples of the Canadian’s imaginary: ode to the fatherland, mutilations, split personalities, fatal relationships and reasons for amnesia are all set in this wartime melodrama that foretells a universe that has yet to expand, but with a well defined plot and aesthetic horizon. The film won the National Society of Film Critics of the United States Award for the best experimental movie of the year.
Brand upon the brain!
EE.UU., Canadá , 2006. 35 mm, 95 min.
Director
Guy Maddin.
Guión
Guy Maddin, Georges Toles, Louis Negin.
Intérpretes
Gretchen Krich, Sullivan Brown, Maya Lawson, Katherine E. Scharhon, Todd Moore.
Sinopsis
De la filmografía de Maddin, Brand upon the brain! es la única película rodada fuera de Canadá. Toda una aventura para un director atado en la ficción y en la realidad a su tierra natal. Pero, a veces hay que tomar ciertos riesgos. El filme es un proyecto original de The Film Company, que le ofreció a Maddin dirigir un corto siempre que fuera filmado en Seattle, con actores del lugar y durante sólo seis semanas. Así, el canadiense hizo de la limitación virtud y transformó la propuesta en una majestuosa obra silente para ser representada acompañada de orquesta y narración en vivo, en esta ocasión, con la voz de Isabella Rossellini. De nuevo con la autobiografía como material para ser moldeado por la ficción, el largometraje aparece como un viaje edípico hacia el pasado del protagonista, llamado como el cineasta: el joven Guy regresa al faro-orfanato donde se crió para pintarlo por deseo expreso de su madre. Allí, los fantasmas de un pasado misterioso y atroz volverán a tomar forma entre capa y capa de pintura.
Dracula: Pages of a virgin's diary
Canada, 2002. Digibeta, 73 min.
Director
Guy Maddin.
Guión
Mark Godden.
Intérpretes
Zhang Wei-Qiang, Tara Birtwhistle, David Moroni, CindyMarie Small, Johnny Wright.
Sinopsis
En Londres están ocurriendo unos sucesos muy extraños. Lucy Westenra, una dama de la alta sociedad, padece una enfermedad que sólo el doctor Van Helsing puede curar: ha sido mordida por un vampiro. Éste es el comienzo de la lucha entre Van Helsing, los pretendientes de Lucy y el seductor vampiro extranjero.
Singular adaptación del clásico de Bram Stoker al mundo del ballet por Mark Godden y dirigida por Guy Maddin, uno de los directores más originales de la cinematográfica canadiense. Coreografiada por los miembros de la compañía "Canada’s Royal Winnipeg Ballet" (Royal Ballet de la ciudad de Winnipeg), en un principio iba a ser una producción exclusiva para la televisión. Película muda con música de Gustav Mahler, y rodada en blanco y negro con destellos de rojo sangre, obtuvo el premio a la mejor película en el Festival de Cine Fantástico de Cataluña.
My winnipeg
Canadá , 2007. 35 mm, 80 min.
Director
Guy Maddin.
Guión
Guy Maddin, Georges Toles.
Intérpretes
Ann Savage, Louis Negin, Amy Stewart, Darcy Fehr.
Sinopsis
Documental sobre un recuerdo, ficción alrededor de una ciudad, My Winnipeg fluctúa entre ambos formatos para erigirse en un largometraje libre y emocionante que homenajea a la ciudad del cineasta, fría capital del estado de Manitoba, a su familia, al cine y a la memoria. La película nació como un encargo del Documentary Channel y acabó como el capítulo final de su trilogía de la autoficción, definido, por el propio cineasta, como una docu-fantasía. El resultado es un viaje al corazón de la hiperbórea urbe, escenario físico y a la vez mental, que nos invita a subirnos en un tren fantasmagórico desde donde se proyecta el pasado del director y se construye el mito fundacional de Winnipeg a través de múltiples estrategias: dramatizaciones, tomas de archivo, grabaciones en Super 8, bólex de 16 mm o en cámara de móvil… Capas de historia, recuerdos o delirios ucrónicos, todas esas imágenes emergen en el filme como reflejos de las obsesiones de Maddin, aceleradas pulsiones puestas en escena con el fin último de evitar el olvido.
Tales of the Gimli hospital
Canada, 1988. Betacam, 70 min.
Director
Guy Maddin.
Screenplay
George Toles.
Cast
Kyle McCulloch, Michael Gottli, Angela Heck.
Sinopsis
Hospital Gimli, Islandia. Mientras su madre se encuentra en su lecho de muerte, dos niños escuchan la historia de Einar el Solitario de boca de su abuela. Años atrás, en ese mismo hospital, el tímido pescador Einar fue ingresado víctima de una terrible epidemia que asolaba la isla. Allí trabó amistad con Gunnar, un bonachón paciente que atraía a todas las enfermeras con sus magníficas historias. Pero su amistad se verá empañada cuando descubran su pasado común.
The saddest music in the world
Canadá , 2003. 35 mm, 95 min.
Director
Guy Maddin.
Guión
George Toles, según la novela de Kazuo Ishiguro.
Intérpretes
Mark McKinney, Isabella Rossellini.
Sinopsis
La primera película de Maddin basada en un texto ajeno toma la novela homónima de Kazuo Ishiguro para, con la ayuda de su inseparable Georges Toles, situarlo, claro, en Winnipeg, durante la Gran Depresión. Para estimular el consumo de cerveza, la Baronesa de la ídem, Lady Helen Port-Huntley (una estupenda Isabella Rosselllini), organiza un concurso donde se escogerá la canción más triste del mundo, sin imaginar que se reencontrará con sus antiguos amantes, Fyodor y Chester Kent, padre e hijo respectivamente, protagonistas del accidente que la dejó sin piernas. Ambos, junto al otro hijo pródigo de la familia, tratarán de hacerse con los favores de la Baronesa y con el jugoso premio. Entre el melodrama y el noir musicado, The Saddest Music in the World es la cinta de Maddin que ostenta el récord de contener el mayor número de planos por segundo de toda su filmografía. Una cumbre sólo a la altura de esas bellísimas piernas de cristal rellenas de cerveza, sin duda una de las imágenes más logradas del cineasta.
Careful
RETROSPECTIVA GUY MADDIN
Inédito en las salas comerciales de nuestro país, en el cine del canadiense Guy Maddin cualquier motivo, género cinematográfico o vivencia personal es susceptible de ser metamorfoseado. Su pasado, para empezar, pero también el del mismo séptimo arte. Como si las imágenes de los pioneros del cine (Murnau, Wiene, Vigo, Berkeley o Feuillade) recuperaran el aliento junto a los recuerdos de su infancia en Winnipeg (Canadá), cuna e inspiración para empuñar su Bolex de 16 mm. El Festival de Cinema d’Autor de Barcelona, en colaboración con la Filmoteca de Catalunya, le dedica en su primer año de vida una gran retrospectiva, que se proyectará en la Filmoteca de Catalunya y después viajará al IVAC – Filmoteca de València y al CGAI – Filmoteca de Galicia.
La retrospectiva abarca también todos sus cortometrajes, distribuidos en tres sesiones. A continuación vamos a comentar tan solo los largometrajes. Para más información, como siempre, la web.
Canada, 1990. 35 mm, 83 min.
Director
Guy Maddin.
Screenplay
George Toles.
Cast
Michael Gottli, David Falkenburg, Michael O'Sullivan.
Sinopsis
A British soldier has just arrived in the Russian city of Archangel after losing his fiancé, one of his legs and much of his memory. Time has stopped in this place: its inhabitants seem unaware that there are child-devouring zombies walking the streets and don’t even know that the Great War has ended. And so they remain in their trenches, also being quite unaware that the Russian Revolution is about to break out. When the protagonist falls in love with a lady that is the living image of his former beloved, he does all he can to be with her, even though she is the wife of another soldier, who is even worse affected by amnesia. With this looping plot, Maddin’s second film is a hypnotic fable on memories and their absence, which contains numerous examples of the Canadian’s imaginary: ode to the fatherland, mutilations, split personalities, fatal relationships and reasons for amnesia are all set in this wartime melodrama that foretells a universe that has yet to expand, but with a well defined plot and aesthetic horizon. The film won the National Society of Film Critics of the United States Award for the best experimental movie of the year.
EE.UU., Canadá , 2006. 35 mm, 95 min.
Director
Guy Maddin.
Guión
Guy Maddin, Georges Toles, Louis Negin.
Intérpretes
Gretchen Krich, Sullivan Brown, Maya Lawson, Katherine E. Scharhon, Todd Moore.
Sinopsis
De la filmografía de Maddin, Brand upon the brain! es la única película rodada fuera de Canadá. Toda una aventura para un director atado en la ficción y en la realidad a su tierra natal. Pero, a veces hay que tomar ciertos riesgos. El filme es un proyecto original de The Film Company, que le ofreció a Maddin dirigir un corto siempre que fuera filmado en Seattle, con actores del lugar y durante sólo seis semanas. Así, el canadiense hizo de la limitación virtud y transformó la propuesta en una majestuosa obra silente para ser representada acompañada de orquesta y narración en vivo, en esta ocasión, con la voz de Isabella Rossellini. De nuevo con la autobiografía como material para ser moldeado por la ficción, el largometraje aparece como un viaje edípico hacia el pasado del protagonista, llamado como el cineasta: el joven Guy regresa al faro-orfanato donde se crió para pintarlo por deseo expreso de su madre. Allí, los fantasmas de un pasado misterioso y atroz volverán a tomar forma entre capa y capa de pintura.
Canada, 2002. Digibeta, 73 min.
Director
Guy Maddin.
Guión
Mark Godden.
Intérpretes
Zhang Wei-Qiang, Tara Birtwhistle, David Moroni, CindyMarie Small, Johnny Wright.
Sinopsis
En Londres están ocurriendo unos sucesos muy extraños. Lucy Westenra, una dama de la alta sociedad, padece una enfermedad que sólo el doctor Van Helsing puede curar: ha sido mordida por un vampiro. Éste es el comienzo de la lucha entre Van Helsing, los pretendientes de Lucy y el seductor vampiro extranjero.
Singular adaptación del clásico de Bram Stoker al mundo del ballet por Mark Godden y dirigida por Guy Maddin, uno de los directores más originales de la cinematográfica canadiense. Coreografiada por los miembros de la compañía "Canada’s Royal Winnipeg Ballet" (Royal Ballet de la ciudad de Winnipeg), en un principio iba a ser una producción exclusiva para la televisión. Película muda con música de Gustav Mahler, y rodada en blanco y negro con destellos de rojo sangre, obtuvo el premio a la mejor película en el Festival de Cine Fantástico de Cataluña.
Canadá , 2007. 35 mm, 80 min.
Director
Guy Maddin.
Guión
Guy Maddin, Georges Toles.
Intérpretes
Ann Savage, Louis Negin, Amy Stewart, Darcy Fehr.
Sinopsis
Documental sobre un recuerdo, ficción alrededor de una ciudad, My Winnipeg fluctúa entre ambos formatos para erigirse en un largometraje libre y emocionante que homenajea a la ciudad del cineasta, fría capital del estado de Manitoba, a su familia, al cine y a la memoria. La película nació como un encargo del Documentary Channel y acabó como el capítulo final de su trilogía de la autoficción, definido, por el propio cineasta, como una docu-fantasía. El resultado es un viaje al corazón de la hiperbórea urbe, escenario físico y a la vez mental, que nos invita a subirnos en un tren fantasmagórico desde donde se proyecta el pasado del director y se construye el mito fundacional de Winnipeg a través de múltiples estrategias: dramatizaciones, tomas de archivo, grabaciones en Super 8, bólex de 16 mm o en cámara de móvil… Capas de historia, recuerdos o delirios ucrónicos, todas esas imágenes emergen en el filme como reflejos de las obsesiones de Maddin, aceleradas pulsiones puestas en escena con el fin último de evitar el olvido.
Canada, 1988. Betacam, 70 min.
Director
Guy Maddin.
Screenplay
George Toles.
Cast
Kyle McCulloch, Michael Gottli, Angela Heck.
Sinopsis
Hospital Gimli, Islandia. Mientras su madre se encuentra en su lecho de muerte, dos niños escuchan la historia de Einar el Solitario de boca de su abuela. Años atrás, en ese mismo hospital, el tímido pescador Einar fue ingresado víctima de una terrible epidemia que asolaba la isla. Allí trabó amistad con Gunnar, un bonachón paciente que atraía a todas las enfermeras con sus magníficas historias. Pero su amistad se verá empañada cuando descubran su pasado común.
Canadá , 2003. 35 mm, 95 min.
Director
Guy Maddin.
Guión
George Toles, según la novela de Kazuo Ishiguro.
Intérpretes
Mark McKinney, Isabella Rossellini.
Sinopsis
La primera película de Maddin basada en un texto ajeno toma la novela homónima de Kazuo Ishiguro para, con la ayuda de su inseparable Georges Toles, situarlo, claro, en Winnipeg, durante la Gran Depresión. Para estimular el consumo de cerveza, la Baronesa de la ídem, Lady Helen Port-Huntley (una estupenda Isabella Rosselllini), organiza un concurso donde se escogerá la canción más triste del mundo, sin imaginar que se reencontrará con sus antiguos amantes, Fyodor y Chester Kent, padre e hijo respectivamente, protagonistas del accidente que la dejó sin piernas. Ambos, junto al otro hijo pródigo de la familia, tratarán de hacerse con los favores de la Baronesa y con el jugoso premio. Entre el melodrama y el noir musicado, The Saddest Music in the World es la cinta de Maddin que ostenta el récord de contener el mayor número de planos por segundo de toda su filmografía. Una cumbre sólo a la altura de esas bellísimas piernas de cristal rellenas de cerveza, sin duda una de las imágenes más logradas del cineasta.
Canada, 1990. Betacam, 100 min.
Director
Guy Maddin.
Screenplay
George Toles.
Cast
Kyle McCulloch, Gosia Dobrowolska, Sarah Neville.
Sinopsis
En el remoto pueblo alpino de Tolzbad, todo el mundo habla en susurros por miedo a desencadenar una avalancha. Johann, aspirante a mayordomo, es uno de los testigos de las aberraciones mudas que tienen lugar allí, desde el incesto a suicidios furtivos.
Twilight of the ice nymphs
Canada, 1997. Betacam, 91 min.
Director
Guy Maddin.
Guión
George Toles.
Intérpretes
Pascale Bussiéres, Shelley Duvall, Frank Gorshin , Alice Krige.
Sinopsis
Pedro es un político ex prisionero que regresa a su tierra natal. Durante su camino a casa, conoce a la misteriosa Juliana que se desvanece después de “robarle” el corazón. Una vez que llega a su granja, se dirige a ver a su hermana Amelia, que le cuenta la obsesión que tiene por una estatua de Venus, que posee extraños poderes.
Guy Maddin: Waiting for twilight
Canadá , 1997. Betacam, 60 min.
Director
Noam Gonick.
Guión
Noam Gonick.
Narrador
Tom Waits.
Sinopsis
El rodaje de Twilight of the Ice Nymphs casi supone, precisamente eso, el eclipse de la carrera de Maddin, quien siempre confiesa el suplicio que supuso esa experiencia. Las desavenencias con los productores, que le impusieron desde un reparto de caras conocidas, pero ajenas al círculo de intérpretes con el que Maddin trabajaba hasta la fecha, hasta rodar en 35 milímetros, cuando el cineasta siempre había filmado en 16 o Super 8, fueron más que un dolor de cabeza para el canadiense. De algún modo, el documental de Noam Gonick recoge ese malestar vivido y se revela como testimonio de esa extraña atmósfera hasta el punto de recoger de boca de Maddin la peor de las sentencias: “Esta es mi última película”, confiesa el director a cámara, cansado de tantos reveses y tantos molinos de viento. Narrado por Tom Waits y a medio camino del making-off y el perfil reportajeado, el documental es una magnífica puerta de entrada para conocer el universo de Maddin, sus inicios, pasiones, entusiasmos y sus desesperaciones.
AUTORÍA CATALANA
Director
Guy Maddin.
Screenplay
George Toles.
Cast
Kyle McCulloch, Gosia Dobrowolska, Sarah Neville.
Sinopsis
En el remoto pueblo alpino de Tolzbad, todo el mundo habla en susurros por miedo a desencadenar una avalancha. Johann, aspirante a mayordomo, es uno de los testigos de las aberraciones mudas que tienen lugar allí, desde el incesto a suicidios furtivos.
Canada, 1997. Betacam, 91 min.
Director
Guy Maddin.
Guión
George Toles.
Intérpretes
Pascale Bussiéres, Shelley Duvall, Frank Gorshin , Alice Krige.
Sinopsis
Pedro es un político ex prisionero que regresa a su tierra natal. Durante su camino a casa, conoce a la misteriosa Juliana que se desvanece después de “robarle” el corazón. Una vez que llega a su granja, se dirige a ver a su hermana Amelia, que le cuenta la obsesión que tiene por una estatua de Venus, que posee extraños poderes.
Canadá , 1997. Betacam, 60 min.
Director
Noam Gonick.
Guión
Noam Gonick.
Narrador
Tom Waits.
Sinopsis
El rodaje de Twilight of the Ice Nymphs casi supone, precisamente eso, el eclipse de la carrera de Maddin, quien siempre confiesa el suplicio que supuso esa experiencia. Las desavenencias con los productores, que le impusieron desde un reparto de caras conocidas, pero ajenas al círculo de intérpretes con el que Maddin trabajaba hasta la fecha, hasta rodar en 35 milímetros, cuando el cineasta siempre había filmado en 16 o Super 8, fueron más que un dolor de cabeza para el canadiense. De algún modo, el documental de Noam Gonick recoge ese malestar vivido y se revela como testimonio de esa extraña atmósfera hasta el punto de recoger de boca de Maddin la peor de las sentencias: “Esta es mi última película”, confiesa el director a cámara, cansado de tantos reveses y tantos molinos de viento. Narrado por Tom Waits y a medio camino del making-off y el perfil reportajeado, el documental es una magnífica puerta de entrada para conocer el universo de Maddin, sus inicios, pasiones, entusiasmos y sus desesperaciones.
AUTORÍA CATALANA
El Festival de Cinema d’Autor de Barcelona no quiere dejar de lado la producción cinematográfica hecha en casa, por esta razón presentamos una serie de producciones catalanas producidas en 2010 de directores jóvenes que representan la cara más independiente y creativa del cine de nuestro país. En esta primera edición del festival, apostamos por cinco cineastas con personalidad propia, algunos de ellos noveles y otros con una reconocida trayectoria profesional. Contaremos con su presencia en las salas de proyección, presentando y dialogando con el público sobre sus películas. Isaki Lacuesta, Daniel V. Villamediana, Elena Trapé, Félix Fernández de Castro y Lluís Galter son los cómplices de esta sección llamada Autoria Catalana.
Caracremada
España, 2010. DCP, 98 min.
Director
Lluís Galter.
Guión
Lluís Galter.
Intérpretes
Lluís Soler, Domènec Bautista, Aina Calpe, Clara Halo.
Sinopsis
“Caracremada”, apodo utilizado por la guardia civil para referirse a Ramon Vila Capdevila, reflexiona sobre la resistencia libertaria al régimen de Franco a través del que fue su último guerrillero en activo. Cuando en el año 1951 la CNT decretó la retirada de sus hombres, Ramon Vila permaneció en los bosques del interior de Cataluña para reemprender en solitario su lucha. Ramon, último reducto de la vieja resistencia fundacional, se convierte en una sombra que es pura determinación, rechazo y lucidez obsesiva, encarnación de la lucha inefable.
LLUÍS GALTER
Nacido en Figueres en 1983, Galter estudió Comunicación Audiovisual en la UPF. Gran parte de su trabajo se ha estrenado en televisión y ha formado parte de distintas programaciones en varios museos europeos. Caracremada, su primer largo, se presentó en la sección competitiva Orizzonti de la Mostra de Venecia, y también pudo verse en la última edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
España, 2010. DCP, 98 min.
Director
Lluís Galter.
Guión
Lluís Galter.
Intérpretes
Lluís Soler, Domènec Bautista, Aina Calpe, Clara Halo.
Sinopsis
“Caracremada”, apodo utilizado por la guardia civil para referirse a Ramon Vila Capdevila, reflexiona sobre la resistencia libertaria al régimen de Franco a través del que fue su último guerrillero en activo. Cuando en el año 1951 la CNT decretó la retirada de sus hombres, Ramon Vila permaneció en los bosques del interior de Cataluña para reemprender en solitario su lucha. Ramon, último reducto de la vieja resistencia fundacional, se convierte en una sombra que es pura determinación, rechazo y lucidez obsesiva, encarnación de la lucha inefable.
LLUÍS GALTER
Nacido en Figueres en 1983, Galter estudió Comunicación Audiovisual en la UPF. Gran parte de su trabajo se ha estrenado en televisión y ha formado parte de distintas programaciones en varios museos europeos. Caracremada, su primer largo, se presentó en la sección competitiva Orizzonti de la Mostra de Venecia, y también pudo verse en la última edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
España, 2010. 35mm, 90 min.
Director
Daniel V. Villamediana.
Guión
Víctor J. Vázquez, Daniel V. Villamediana.
Intérpretes
Victor J. Vázquez, Minke Wang, Álvarro Arroba, Pepe Grosso.
Sinopsis
La vida sublime cuenta la historia de Víctor, un hombre joven que encuentra la pasión vital que estaba buscando en la figura de su abuelo, “el Cuco”, y en un viaje que éste hizo al sur de España a comienzos de los años cuarenta y que ha permanecido como un misterio familiar. El sur y el abuelo se convierten en objeto de fascinación, un espacio donde rescribir la memoria familiar para poder inmortalizar al “Cuco”. El periplo de Víctor deviene un personal homenaje a la generación perdida del franquismo que no pudo realizar sus sueños. Una búsqueda del mito de lo sublime. una película sobre fronteras, entre el norte y el sur, la imaginación y la realidad, presente y pasado, abuelos y nietos, España y América, la lucidez y la locura...
DANIEL V. VILLAMEDIANA
Licenciado en Historia y doctorado en Historia del Arte, fue uno de los miembros fundadores y co-director de la revista Letras de Cine. Así mismo es profesor de guión, crítica y realización, y colaborador habitual del suplemento Culturas de La Vanguardia. Es socio fundador de la productora El toro azul. La vida sublime es su segundo largometraje.
Blog
España, 2010. 35mm, 90 min.
Directora
Elena Trapé.
Idea original
Elena Trapé, Lluís Segura, Tomàs Aragay.
Intérpretes
Candela Antón, Anna Castillo, Lola Errando, Sara Gómez.
Sinopsis
Interpretado por un puñado de muy jóvenes actrices no profesionales, Blog es la sorprendente historia de un grupo de adolescentes, chicas de 15 años, de clase media-alta, bien educadas, inteligentes, sensibles y conscientes. Un grupo de jóvenes con un plan secreto y un objetivo común, lo que ellas consideran una meta absoluta y una verdad universal: la necesidad de vivir emociones fuertes que las distingan del resto.
ELENA TRAPÉ
Licenciada en Historia del Arte por la Universitat Autònoma de Barcelona, se graduó en la ESCAC el 2004 en la especialidad de Dirección. En 2008 rodó La Ruïna, su primera tele-movie, nominada a mejor película para televisión en los premios Gaudí 2010. Profesionalmente compagina su actividad docente en la ESCAC con la realización publicitaria. Blog es su primer largometraje.
Director
Daniel V. Villamediana.
Guión
Víctor J. Vázquez, Daniel V. Villamediana.
Intérpretes
Victor J. Vázquez, Minke Wang, Álvarro Arroba, Pepe Grosso.
Sinopsis
La vida sublime cuenta la historia de Víctor, un hombre joven que encuentra la pasión vital que estaba buscando en la figura de su abuelo, “el Cuco”, y en un viaje que éste hizo al sur de España a comienzos de los años cuarenta y que ha permanecido como un misterio familiar. El sur y el abuelo se convierten en objeto de fascinación, un espacio donde rescribir la memoria familiar para poder inmortalizar al “Cuco”. El periplo de Víctor deviene un personal homenaje a la generación perdida del franquismo que no pudo realizar sus sueños. Una búsqueda del mito de lo sublime. una película sobre fronteras, entre el norte y el sur, la imaginación y la realidad, presente y pasado, abuelos y nietos, España y América, la lucidez y la locura...
DANIEL V. VILLAMEDIANA
Licenciado en Historia y doctorado en Historia del Arte, fue uno de los miembros fundadores y co-director de la revista Letras de Cine. Así mismo es profesor de guión, crítica y realización, y colaborador habitual del suplemento Culturas de La Vanguardia. Es socio fundador de la productora El toro azul. La vida sublime es su segundo largometraje.
España, 2010. 35mm, 90 min.
Directora
Elena Trapé.
Idea original
Elena Trapé, Lluís Segura, Tomàs Aragay.
Intérpretes
Candela Antón, Anna Castillo, Lola Errando, Sara Gómez.
Sinopsis
Interpretado por un puñado de muy jóvenes actrices no profesionales, Blog es la sorprendente historia de un grupo de adolescentes, chicas de 15 años, de clase media-alta, bien educadas, inteligentes, sensibles y conscientes. Un grupo de jóvenes con un plan secreto y un objetivo común, lo que ellas consideran una meta absoluta y una verdad universal: la necesidad de vivir emociones fuertes que las distingan del resto.
ELENA TRAPÉ
Licenciada en Historia del Arte por la Universitat Autònoma de Barcelona, se graduó en la ESCAC el 2004 en la especialidad de Dirección. En 2008 rodó La Ruïna, su primera tele-movie, nominada a mejor película para televisión en los premios Gaudí 2010. Profesionalmente compagina su actividad docente en la ESCAC con la realización publicitaria. Blog es su primer largometraje.
España, 2010. Digital, 80 min.
Director
Félix Fernández de Castro.
Guión
Félix Fernández de Castro, Ibon Olaskoaga.
Basado en el cómic de Miguel Gallardo.
Sinopsis
María vive con su madre, May, en Canarias, a 3.000 km de Barcelona, donde vive Miguel Gallardo. A veces, se van los dos juntos de vacaciones a pasar una semana en un resort del sur de Gran Canaria, un escenario un tanto inhabitual que no suele acoger entre sus huéspedes a un renombrado autor de cómics que viaja con una hija de catorce años que padece autismo. Esta es la historia de uno de esos viajes y, sobre todo, un relato original y lleno de humor, ironía y sinceridad sobre cómo se convive con una discapacidad.
FELIX FERNÁNDEZ DE CASTRO
Nacido en Barcelona en 1963. Antes de debutar en la dirección, ha llevado a cabo una larga carrera como creativo publicitario. Como creativo, ha ganado todos los premios posibles en todos los festivales de publicidad del mundo, entre los que destacan varios Leones de oro y de plata en Cannes y otros tantos Soles de oro en el Festival de San Sebastián. María y yo es su primer largometraje.
La noche que no acaba
España, 2010. Digital, 80 min.
Director
Isaki Lacuesta.
Guión
Isa Campo y Isaki Lacuesta.
Intérpretes
Lucía Bosé, Paco Miranda. Voces: Charo López, Ariadna Gil.
Sinopsis
Como muchos actores, Ava Gardner odiaba ver sus películas. Decía que la mujer de la pantalla no era ella. Pero todas las películas cuentan dos relatos: el argumento y la historia de los cuerpos filmados. Esta película cuenta lo que sucedió entre dos imágenes: un primer plano de Pandora y un primer plano de Harén, el primero y el último que Ava rodó en España. Seguramente, Ava pensaría que ninguna de esas dos mujeres se parecía en nada a ella misma.
ISAKI LACUESTA
Nació en Girona en 1975. Compagina su trabajo como director de cine con la docencia en la UPF y el Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya. Su primer largometraje fue Cravan vs Cravan (2002), al que siguió La leyenda del tiempo (2006). Los condenados (2009), su debut en el cine de ficción, le valió el Premio FIPRESCI de la crítica internacional en el Festival de San Sebastián.
Director
Félix Fernández de Castro.
Guión
Félix Fernández de Castro, Ibon Olaskoaga.
Basado en el cómic de Miguel Gallardo.
Sinopsis
María vive con su madre, May, en Canarias, a 3.000 km de Barcelona, donde vive Miguel Gallardo. A veces, se van los dos juntos de vacaciones a pasar una semana en un resort del sur de Gran Canaria, un escenario un tanto inhabitual que no suele acoger entre sus huéspedes a un renombrado autor de cómics que viaja con una hija de catorce años que padece autismo. Esta es la historia de uno de esos viajes y, sobre todo, un relato original y lleno de humor, ironía y sinceridad sobre cómo se convive con una discapacidad.
FELIX FERNÁNDEZ DE CASTRO
Nacido en Barcelona en 1963. Antes de debutar en la dirección, ha llevado a cabo una larga carrera como creativo publicitario. Como creativo, ha ganado todos los premios posibles en todos los festivales de publicidad del mundo, entre los que destacan varios Leones de oro y de plata en Cannes y otros tantos Soles de oro en el Festival de San Sebastián. María y yo es su primer largometraje.
España, 2010. Digital, 80 min.
Director
Isaki Lacuesta.
Guión
Isa Campo y Isaki Lacuesta.
Intérpretes
Lucía Bosé, Paco Miranda. Voces: Charo López, Ariadna Gil.
Sinopsis
Como muchos actores, Ava Gardner odiaba ver sus películas. Decía que la mujer de la pantalla no era ella. Pero todas las películas cuentan dos relatos: el argumento y la historia de los cuerpos filmados. Esta película cuenta lo que sucedió entre dos imágenes: un primer plano de Pandora y un primer plano de Harén, el primero y el último que Ava rodó en España. Seguramente, Ava pensaría que ninguna de esas dos mujeres se parecía en nada a ella misma.
ISAKI LACUESTA
Nació en Girona en 1975. Compagina su trabajo como director de cine con la docencia en la UPF y el Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya. Su primer largometraje fue Cravan vs Cravan (2002), al que siguió La leyenda del tiempo (2006). Los condenados (2009), su debut en el cine de ficción, le valió el Premio FIPRESCI de la crítica internacional en el Festival de San Sebastián.
La retrospectiva de Guy Maddin es la sección que más me atrae de todo el festival, además son películas que verlas es muy difícil si no imposible y más en pantalla grande. Todavía tengo que organizarme el tetris de la semana que viene para poder ir a ver algunas. Un abrazo!
ResponderEliminarMe ha interesado bastante el director chino Wang Quan'an, después despiertan mi curiosidad el surcoreano Hong Sang-soo, el tailandés Aditya Assarat y el japonés Sion Sono que tienen ganados premios importantes en Europa y Asia. Takeshi Kitano es de los grandes, quisiera ver “Outrage”. “Aurora” del rumano Cristi Puiu me llama la atención por la sinopsis, también me parece curioso que no solo dirija sino que sea el principal como hace Kitano. “Biblioteque Pascal” parece de esas raras que hay que mirar. Skolimovski lo tengo ya de hace tiempo como tarea. Acá hubo un festival en que presentaron sus películas y no fui por tiempo. Me gusta el afiche de “Morgen” y parece una buena película de éste debutante. También están las cintas rusas, de la que se ve más atrayente “Wild Field”. Las películas de Guy Maddin las tendré en cuenta desde ahora, me apunto todas especialmente la del guión de Ishiguro, Winnipeg y su versión de Stoker. Me encantaría ver las películas de Cataluña, hay propuestas excelentes según se puede leer, vería cualquiera por el placer de disfrutar un cine por descubrir. Y como ves he repasado todos los filmes y ciertamente aunque tienes la gran suerte de presenciarlas lo cual me da gusto por ti creo que sufriría queriendo verlas todas. Pero al caer un festival por acá ya pasaré por ese trance de amor-“sufrimiento”. Te agradezco la información. Un abrazo.
ResponderEliminarMario.
Muy buen post un poco largo tal vez demasiado
ResponderEliminaralgunas partes me las he saltado felicitaciones por tus cien seguidores
Pues que tengas suerte BCNdays. La verdad es que Maddin es tan interesante como cargante si ves muchas, así que yo también intentaré ver alguna(he visto pelis suyas en Sitges) y conocerlo un poco mejor. Un abrazo.
ResponderEliminarTienes razón Mario. Es un estrés de querer ver más cine del que puedes ver. Pero también es parte de las gracias de los festivales. Las planificaciones, los altibajos, los cambios. Yo veré lo que pueda, ya que no dispongo de demasiado tiempo con el trabajo, familia, etc.. Sino no saldría del cine. Un abrazo.
Claro Outsider, para que leerlo todo si no puedes venir. Es más encarado a los que buscan información sobre el festival y quieren decidir que ver. Es tan largo como pelis me quedaban, pero sí, bastante largo. Gracias amigo. Un abrazo.
Tremenda la entrada, David. He estado leyendo algunas de las pelis que pones y tienen muy buena pinta. Me quedé sobre todo con la de Skolianovsky; la presencia de Vincent Gallo, bastante excéntrico en ocasiones, le da más atractivo. La trayectoria de este director polaco no es manca. A tener muy en cuenta. A ver si logro hacerme con algo de él.
ResponderEliminarLa de Popogresky también suena muy bien, y Careful lo mismo. La verdad es que ese festival tiene que ser una pasada. Estas pelis no las encuentras en cines así como así, a no ser en algún cineclub en el que los responsables se arriesguen un poco.
Un saludo, David, y muy buena entrada. Menudo curro que te has dado.
Gracias Javi, la verdad es que coincido totalmente contigo con Essential Killing. Seguro que la veré. Espero que puedas encontrar alguna por ahí. Gracias. Un abrazo.
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