LOST HIGHWAY BLOG

Novedades en el blog... y algo de música

2012-03-08T19:45:00.001+01:00

Pues voy a anunciar algunos cambios en Lost Highway Blog:

1- Como podéis ver he cambiado un poquito el diseño intentando usar plantillas y diseños algo más modernos que el que tenía hasta ahora. El mayor cambio, a parte de lo que veis, será en las respuestas personalizadas en vuestros comentarios. Espero os agraden los cambios.

2- Tuve problemas con el grupo de Facebook e inexplicablemente Facebook me retiró todos los seguidores no sé aún muy bien el porqué. La cuestión es que hace tiempo que quería cambiar mi grupo por una página como Dios manda, y lejos de hundirme, y pese a lo poco agradable que es perder casi 100 seguidores (a los que pido disculpas), hoy inauguro página. Así que los seguidores de la antigua, por favor, volver a hacer un "me gusta" en la nueva y los que no lo eráis y os apetezca, seréis bien recibidos. Tenéis el enlace en el margen derecho del blog (agradecer a Fabio su colaboración en estos dos temas).

3- Esto no es una novedad propiamente dicha, ya que hace más de un mes que me hice cuenta de twitter del blog, pero si no sois seguidores aprovecho para recordar que merecería la pena que desde el margen derecho del blog (aquí al lado) os apuntaseis a mis tweets.

4- Hacía mucho que había pensado en que pese a que este es un blog de cine y principalmente lo seguirá siendo, me gustaría a veces dar entrada a posts de otras temáticas culturales. Aunque no soy experto en música si me gustaría compartir humildemente mis gustos y descubrimientos, así como poder realizar puntualmente recomendaciones de libros (ahora no leo mucho, pero mis estudios me dotaron de cierto criterio) o cualquier otra manifestación artística de la que repente me apetezca hablar. Conste que será puntualmente (al menos eso creo) y que Lost Highway Blog principalmente es un blog de cine, pero tampoco veo porque tengo que reprimirme si me apetece hablar de alguna otra cosa. Aprovechemos los cambios de continente para cambiar también este aspecto de contenidos.

Pues poco más. He pensado que para dar algún interés a este post, más allá del meramente informativo, me iba a estrenar en mi nueva faceta no cinematográfica compartiendo algunas canciones que me agradan. Como el motivo del post, una renovación con nuevas ilusiones, es optimista y dado lo mucho que se necesita el optimismo en los tiempos que corren he decidido compartir cinco temas que provocan mi optimismo. Intentaré que no sean grupos o solistas muy conocidos para que podáis descubrir algo. Muchas gracias por aguantar este previo. Ahí van mis cinco temas:

Para empezar intentando que os enganchéis a esta nueva faceta mía que hoy os descubro os voy a poner un tema muy adictivo. Es de un grupo que mezcla pop, rock n' roll y soul. Se trata del grupo The Milk formado en Essex, Inglaterra. Son unos recién llegados al panorama musical (ni tan solo han editado aún su primer álbum) y sorprenden con este tema tan fresco, optimista y con un cantante con una voz muy, pero que muy sorprendente.

Continuamos con otra debutante, una joven belga nacida en el año 1989 con una voz poderosa que no se asociaría con su imagen y que debuta con un disco que se titula con su nombre Selah sue y que mezcla varios géneros como rock o hip-hop pero donde predominan el soul y el reggae. "Raggamuffin", el tema que pongo a continuación es dulce, bailable y una mezcla de sensualidad con vocación callejera.

El grupo noruego Katzenjammer justo ha editado su segundo disco "A kiss before you". El tema "A bar in Amsterdam" se encuentra en su primer trabajo "Le pop" editado en 2005, año en que se formó esta banda compuesta por cinco mujeres que mezclan rock con música de influencias balcánicas, con una puesta en escena entre cabaretera, circense y eurovisiva que logran tocando más de 25 instrumentos, que más allá de los típicos del rock incluyen acordeones, xilófonos , contrabajos o ukeleles. El resultado es tan espectacular y vital como divertido.

Terminaremos con un grupo y una solista mucho más veteranos pero poco conocidos. El grupo se llama Spoon y es originario de Austin, Texas. Lleva siete LP's en su haber desde su creación en 1993. Es un grupo de indie rock de melodías tarareables, enganchosas y excitantes. El tema que vamos a escuchar es de su penúltimo álbum "ga ga ga ga ga" editado en el 2007. Es de esas canciones que tras escuchar unas pocas veces uno no se puede sacar de la cabeza.

Y terminemos con la solista australiana Kasey Chambers, nacida en el 1976 y que obtuvo bastante reconocimiento con su primer álbum en solitario "The captain" editado en 1999. Tras siete LP's desde entonces en los que lleva mezclando folk, country y rock, vuelvo a su primer trabajo para que disfrutéis de esta muestra de country muy bailable y como el resto de el post, muy optimista y de buen rollo. O esas eran mis intenciones.

Festival D'A (festival de cine de autor de Barcelona). Avance programación(1)

2012-03-06T00:26:00.001+01:00

Ya existen fechas y alguna confirmación para la segunda edición del muy eperado festival de cine de autor de Barcelona. El D’A 2012 se inaugurará el día 27 de abril con el estreno de la nueva película de Mia Hansen-Løve, Un amour de jeunesse (Francia, 2011), la cuarta película de esta joven directora que con su anterior film Le père de mes enfants ganó el premio Especial del Jurado de la sección Un Certain Regard en Cannes 2009.

El festival presentará cerca de sesenta películas de cine independiente que habitualmente no llegan a las carteleras comerciales. Las películas se proyectarán en diferentes secciones, la principal, bajo el nombre de Direccions, recogerá las mejores obras del año que han ido pasando por festivales de primer nivel. Así se podrá disfrutar de los nuevos trabajos de Johnnie To (Life Without Principle, Hong Kong, 2011), Bruno Dumont (Hors Satan, Francia, 2011), Christophe Honoré (Les bien-aimées, Francia, 2011), protagonizada por Chiara Mastroniani y Catherine Deneuve, la nueva película del director norteamericano Jonathan Caouette (Walk Away Renée, EE UU, 2011) o Joao Canijo (Sangue do meu sangue, Portugal, 2011), último premio Fipresci en San Sebastián.

Este año habrá una sección dedicada a directores noveles, que con el nombre de Talents presenta las mejores obras de autores nuevos y emergentes, con un máximo de dos largometrajes en su filmografía.

Después del éxito de la retrospectiva dedicada a Guy Maddin de la edición anterior, este año se dedica una sección a la filmografía de Claire Denis, una directora fundamental del cine europeo que con catorce películas y veinticuatro años de carrera, solo ha llegado a nuestras salas comerciales con su película Una mujer en África(2009). El festival proyectará sus obras de ficción, sus documentales y su último trabajo, el cortometraje realizado dentro del proyecto de cine digital del Jeonju Film Festival, To The Devil(2011).

El D’A 2012 tendrá como sedes las dos salas de los cines Aribau Club y las dos salas de la recién estrenada Filmoteca de Catalunya.

Cortometrajes varios de animación

2012-03-03T18:22:00.000+01:00

Estos días se está celebrando el festival de cine de animación Animac en Lleida. Los interesados que sepáis que hasta mañana tenéis tiempo para pasaros por la ciudad catalana y disfrutar del cine solos o con la compañía de vuestros hijos o niños. El programa, como siempre, lo podéis consultar en el cartel, en el margen derecho de este blog. Yo por desgracia este año no me podré pasar. Para compensar he preparado un post con media docena de cortometrajes de animación, un género lleno de inventiva y muy abierto a experimentaciones y formatos que espero os guste porque es de mucho, pero mucho nivel.

Estos son los seis cortos que he seleccionado:

1- el reciente ganador del Oscar al mejor cortometraje hace menos de una semana: The Fantastic Flying Books of Mr. Lessmore.

2- el ganador del premio al mejor cortometraje en la última edición del Festival de Sitges, un festival que desde hace muchos años, con la sección Anima't es un referente a nivel nacional en cuánto a animación se refiere. El cortometraje ganador fue Dripped

3- la película estrella en el Animac de Lleida es el largometraje Le chat du rabin, vencedora del máximo galardón en el festival Annecy, el más importante del mundo en cine de animación. En la edición del 2011, junto a este largometraje se premió como mejor cortometraje al fantástico Pixels, que podéis ver a continuación.

4- la edición del Animac de este año rinde homenaje a la realizadora Suzie Templeton que en el año 2006 ganó un Oscar por su cortometraje (de media horita) Peter and the wolf. Podéis disfrutarlo a continuación.

5- Y para rematar la faena, ahora que los orígenes del cine están tan de moda debido a películas como Hugo o The artist os propongo descubrir los orígenes de la animación para los que realmente estén interesados en el cine, y por lo tanto, en su historia y sus inicios. En primer lugar os dejo disfrutar de Fantasmagorie del pionero Émile Cohl rodado en 1908. No es el primer corto de animación existente pero si uno de los primeros realmente logrados y uno de los más míticos que existen. De no ser por la tiza de este señor Pixar jamás hubiese existido.

6- Y sin duda mítico es Gertie the dinosaur, realizado en 1914 por el genial Winsor McCay, un dibujante que hacía tiras para la prensa y que hizo evolucionar, y de qué manera, el cine de animación. El cortometraje que os muestro es la versión íntegra y por lo tanto, hasta más o menos la mitad es acción real y la animación entra en su segunda parte. Es un corto absolutamente imprescindible. Si creéis que os emocionasteis con Hugo y The artist y no os emociona revisionar o descubrir estos dos últimos cortos, es que en realidad, la emoción que sentisteis por estas dos recientes películas era muy incompleta, casi por inercia.

Pues más de una hora de cortometrajes de animación. Disfrutad de los que queráis y de la manera como queráis. Y si Lleida os queda a tiro, no os perdáis el Animac. Feliz fin de semana animado.

Mi película de la semana: La invención de Hugo

2012-02-29T01:43:00.002+01:00

Hoy he comprado el fotogramas del mes de marzo y me ha hecho ilusión ver que en el cuadro donde la crítica vota conjuntamente las películas, la primera era La invención de Hugo (segunda era otra obra maestra The turin horse) y además todos los críticos votantes (aún no la habían votado todos) le habían dado la máximo puntuación, las cinco estrellas. No es que me hiciese demasiada falta, pero me han animado más que nunca las votaciones de los profesionales a comenzar la crítica con aquello que realmente siento (y esta vez asumo plenamente las consecuencias). La invención de Hugo, la última película de Martin Scorsese es una obra maestra que se encuentra entre los mejores trabajos de su espléndida filmografía.

Antes de empezar mi crítica y aprovechando que pese a verla el viernes, mi poco tiempo y los Oscar me han impedido hacerla hasta ahora, voy a enlazar algunas de las opiniones o críticas de compañeros blogueros, dejadas en los últimos días. La mayoría son críticas favorables, incluso algunas tan entusiastas como la mía, pero también hay de más negativas que, por supuesto, enlazaré como contrapunto.

Entre las entusiastas me alegra mucho que esté la de Daniel de Cine puro , la de Giancarlo Verástegui de No es un blog habitual y la de C. Noodles en Ciudadano Noodles. También muy entregadas son las de David C. en Cine para usar el cerebro, Javi en Cinódromo y Alan Smithee en Después de 1984 (una crítica que os recomiendo muy especialmente por sus extras sorpresa). También realizan críticas muy favorables Mario en Nenúfares efervescentes y Sidhe en La noche de los wasabis verdes fritos. Laura Uve deja constancia de su disfrute en el apartado de su superpoblada columna derecha y su espacio "la peliculera va al cine..." dentro de su blog U-TOPíA.

Jordicine muestra algo más de indiferencia en su crítica sin ser para nada destructivo. Más críticos son Ricardo Pérez en su blog Esculpiendo el tiempo, Mr. Lombreeze dentro del post sobre películas nominadas a los Oscar del blog De gusanos y lombrices y Juan José Ontiveros escribiendo en El antepenúltimo mohicano.

No os quejaréis de cantidad y diversidad de opiniones. Es mi turno.

La invención de Hugo, la última película de Martin Scorsese, se basa en la novela gráfica "La invención de Hugo Cabret" de Brian Selznick (en este enlace podréis encontrar información del libro e incluso ver y leer sus primeros capítulos) publicada en el año 2007. La película está situada en París en el año 1930 y nos narra la historia de un niño huérfano que vive escondido en la estación de trenes y la de un vendedor de una tienda de juguetes con el que el niño entablará una especial relación.

Para empezar es necesario destacar que la recreación de la estacíón de trenes, los decorados de París y cualquier interior o exterior de la película es sencillamente magistral y mágico. La dirección de Scorsese, apoyado no solo en la brutal dirección artística sino en la brillantez de todos los apartados técnicos es impecable y el uso del 3D logra sorprender sino por su innovación (que solo en parte) sí por su espectacularidad, su constancia y su intención de usarla con un fin que no es otro que el de acrecentar el tono de ensoñación recargada que desprende el relato.

Si técnicamente la película es perfecta (y digo perfecta con conocimiento del significado de la palabra) la historia que narra es hermosa. Como supongo que a estas alturas ya todos lo sabréis no creo que desvele nada si digo que el vendedor y propietario de la tienda de la estación no es otro que el director de cine Georges Méliès, arruinado años después de inventar el cine como concepto de espectáculo y olvidado tras sus años de gloria y fama. Malhumarado, hundido y triste Méliès vive sin esperanzas y apartando el cine de su vida. Un autómata que irá a parar por casualidad en manos del niño huérfano unirá los destinos de estos dos personajes y les dará una nueva dimensión a sus vidas. Cabe decir que la historia de Méliès es auténtica, aunque claro, todo lo del niño es ficción. Pero el pionero francés tras su éxito y quemar su obra se compro una tienda en la estación de trenes de París donde un crítico de cine lo redescubrió y lo rescató de su olvido. Así la película inserta una historia real dentro de una ficción.

Uno de los elementos más discutidos de la película es sus personajes secundarios. Tras un inicio demoledor en cuanto a imágenes y una breve presentación de los dos protagonistas principales, la película incluye entre sus personajes gentes que frecuentan la estación, dando especial importancia a un policía algo tonto interpretado por el polémico Sacha Baron Cohen. Admito que el tramo central de la película no es el más destacado de la misma, sin embargo las excelsas imágenes y el buen hacer de los actores, así como su tono de cuento, hacen que ninguno de los secundarios me moleste, ni tan solo el policía. Además, lo que vendrá en el tramo final del film me hará olvidar y obviar cualquier pequeñita irregularidad que se haya podido producir por el camino.

Y lo que viene al final, un poco por el desenlace y por el compendio de todo lo ocurrido es la más absoluta y pura emoción. Scorsese, con el mimo del que ama al cine, con la credibilidad del que dedica parte de su vida a restaurar películas casi perdidas, no solo me emociona con su bello y sencillo canto de amor al cine, no solo me emociona reivindicando la figura más importante de los orígenes del cine, el creador del cine como espectáculo Gerge Méliès (un director que siempre he adorado) sino que además y sobretodo me emociona con su canto de amor a los que amamos el cine, a los que nos apasionamos con sus películas, a los que nos cuesta imaginar nuestras vidas sin esa pantalla que proyecte nuestros sueños, que nos ayude a evadirnos de un mundo que no nos gusta, que nos haga vivir lo que no vivimos, lo que no viviremos. A aquellos para los que el cine no es un entretenimiento, ni un arte, ni tan solo una pasión, sino el motor de nuestra vida. Martin Scorsese, tras unas cuantas películas irregulares, logra realizar la película de aventuras para niños y adolescentes de la nueva era, bella, emocionante, mágica y con una lectura para mayores cinéfilos contundente. La invención de Hugo formará parte de aquí a unos años de los títulos referencia del género comercial juvenil. Como hoy día lo son ET o La historia interminable o Mary Poppins o Dentro del laberinto. Y si no tiempo al tiempo.

Películas nominadas a los Oscar 2012

2012-02-25T21:12:00.155+01:00

Pues hoy es un día largo. Sobre las 2'30h. de nuestra madrugada se inicia la entrega de premios más glamourosa y mediática de nuestro planeta. Obviamente hablamos de los Premios Oscar. Si el año pasado dediqué varios posts previos a la ceremonia y fui confeccionando otro en riguroso directo durante la misma, este año, debido a diversos motivos he optado por el semiretiro. Así que realizaré este post con mi valoración de las nueve películas nominadas, aprovechando que las he visto todas y mañana me dedicaré a disfrutar de la misma con la gente que vengo haciéndolo durante los últimos (muchos) años, olvidándome de mis "obligaciones" como bloguero (quizás algún tweet furtivo se me escape :). Como casi siempre, y este año más si cabe, la selección final de películas es más que dudosa. Al fin y al cabo, los Oscar son un espectáculo y para nada una valoración del cine que los cinéfilos tengamos que tomarnos muy en serio. Sí creo en cambio que puede servir como referencia a aquellos que se inician en el cine y que desean ver algo más de lo estrictamente comercial y juvenil. En fin, de las nueve películas tres me encantan, cuatro me parecen recomendables, una es un poco rollo y una infumable. Estas son las películas nominadas ordenadas de más a menos según mi valoración.

1- La invención de Hugo

La vi ayer en el cine y en 3D y hablaré de ella brevemente (pues espero dedicarle la próxima semana una crítica más extensa). La verdad es que para mí La invención de Hugo es puro espectáculo, con unas imágenes y un 3D fascinantes, unas interpretaciones hermosas y una historia que es un canto de amor al cine y a uno de los directores que supieron darse cuenta que el cine era un espectáculo, una máquina para recrear los sueños. La emoción y el amor incondicional que Scorsese muestra por el séptimo arte, así como el canto de amor a que cada uno pueda ejercer su pasión y sentirse realizado me emocionó hasta la lágrima. Yo, a día de hoy, creo que La invención de Hugo es una de las mejores películas que he visto en los últimos años y una obra maestra moderna (y hoy lo digo convencido de ello).

2- The artist

Pues otro hermosos homenaje al cine, en este caso al cine mudo. Realizada con mucho cariño, mucha clase, con un reparto en estado de gracia, unos gags muy divertidos y una dirección exquisita, The artist ha logrado el milagro de convocar al cine para ver una cinta muda a un público que desgraciadamente nada sabe de cine silente y a gran parte (algunos tienen reticencias) de otro que sí adora el cine en sus orígenes. Yo disfruté mucho con una película blanca, un homenaje tierno que ni es ni pretende ser una obra maestra comparable a los grandes clásicos de la época muda (aunque alguien debería recordar que existen mudas muy mediocres, también). En definitiva un ejercicio de amor al cine hermoso y aunque ahora parezca que no, de extremo riesgo comercial que se ha ganado el corazón de la mayoría.

3- Medianoche en París

Esta fabula con viajes en el tiempo, divertida y ocurrente del gran Woody Allen situada en un París de ensueño, pero que al fin y al cabo produce la infelicidad de los que lo habitan, sea cual sea la época en que lo hacen, me parece la mejor película del veterano director de los últimos años, junto a Match Point y a la ya lejana Desmontando a Harry. Algunos dicen que es una película menor, pero yo no estoy de acuerdo. De hecho hace tiempo que Allen hace un cine menor y más de divertimento comparado con su etapa de los años 70 u 80, pero la genialidad en el guión de esta película destaca muy por encima de la mayoría de sus últimos trabajos y vuelve a reciclarse en genio sin necesidad de innovar mucho con respecto a su filmografía.

4- El árbol de la vida

Me alegra que alguien se atreva a hacer una película como El árbol de la vida en un cine tan adocenado como el actual cine americano. Es una muestra de orgullo, de principios. Pero también de un extraordinario ego. Y el ego a veces no calcula del todo las consecuencias de sus actos. Esta historia de familia americana media que pierde un hijo y que mezcla religión, creación del universo, paraísos terrenales y espirituales y hasta el infinito y más allá está rodada de manera extraordinaria y preciosista, aunque al final su preciosismo termina por cansarme. Lo mismo ocurre con la historia. A ratos me interesa, algunas veces me conmueve y me apasiona, pero al final me produce gran indiferencia afectado por el hecho de percibir que la película termina por ofrecer mucho menos de lo que pretende y se pierde en su propia grandilocuencia. Y creo que podría haber sido la película del año, de mucho. Es sin duda la película que consigue reacciones más enfrentadas y más airadas, sobretodo debido a que parte de sus fans son muy "fundamentalistas" con respecto a los que la critican o como los que yo tienden a encontrar pros y contras. Por lo tanto, como polémica, la película es necesaria. Éso sí, me mantengo que a mi parecer con aciertos pero en su conjunto, fallida. Aún y así superior a muchas de las nominadas y según mi punto de vista, entre recomendable y casi obligatoria.

5- Criadas y señora

Esta película situada en el Mississipi de los años 60 y que nos narra los problemas de racismo y la diferencia de clases sociales con tanta elegancia como efectismo tiene a su favor el hecho de estar muy bien rodado, con elegancia e interpretada de forma sublime por une extenso elenco muy convincente. Es un tipo de cine que me recuerda a películas y maneras de hacer de hace unos años, al estilo Tomates verdes fritos, elegantes pero inocentes, pero que ya no se estilan, quizás porque a estas altura todos hemos perdido la inocencia que nos quedaba. Su visionado, al final, si no pensamos mucho, resulta tan intrascendente como agradable. Recomendable, sobre todo para ver con las madres, o las suegras, o las abuelas si aún tenéis la fortuna de disfrutarlas.

6- Los descendientes

Creo que el principal problema de Los descendientes es que no aguanta un análisis profundo. La buena interpretación de Clooney y algún momento en que sobresale el guión (muy inferior y menos ocurrente que los anteriores de Payne) no pueden ocultar un excesivo melodramatismo impúdico (bien escondido) y una cierta ligereza con respecto a los caracteres de unos personajes que cambian más y más rápido que los colores de un camaleón, según convenga. La película gana en sus silencios y en la creación de algunos personajes y se puede ver con cierto gusta pero dista mucho de la obra maestra que algunos han querido ver. Siempre según mi opinión, por supuesto. ¿Recomendable? Sí, pero tampoco pasa nada si te la pierdes.

7- Moneyball

La verdad es que en sus primeros minutos Moneyball me estaba atapando, pero poco a poco la originalidad de la historia de este equipo de béisbol que usa métodos revolucionarios para lograr un buen equipo se va difuminando. Entonces queda algunos momentos de buen guión y la buena interpretación de sus protagonistas. Pero la historia es tan previsible como poco apasionante. No tengo nada muy malo que decir sobre ella, pero ni me indignó ni me emocionó ni recuerdo ya demasiado de la misma. A éso se le llama indiferencia. Quizás recomendable para una tarde de domingo o para algún momento algo intrascendente. Si no la veis... pues nada.

8- War horse

Hay dos maneras de tomarse la nueva película de Steven Spielberg, como una de sus películas serias y salir brutalmente indignado ante su exceso de azúcar y de momentos increíbles o como una aventura para adolescentes estilo Spielberg, con su brillantez visual y su excesivo edulcoramiento pero también su buen hacer. Yo, muy advertido, preferí tomarla como una película de aventurillas adolescentes y pese algún que otro sonrojo logré salvar la indignación. El problema es que ni así Spielberg logra distraerme en exceso y su película se me hace algo larga pese a algún buen momento. Al final, fotografía impecable y grandes alardes de dirección empleados en una historia prescindible y mediocre. Cada vez cuesta más encontrar un Spielberg bueno. Este año, muchísimo mejor Tintín.

9-Tan fuerte, tan cerca

Y cierra mi lista particular este bodrio, inclasificable y vulgar del otrora buen director Stephen Daldry sobre un niño insoportable al que todos querríamos matar que pierde a su padre el día que se hunden las Torres Gemelas y que tras descubrir una llave en el armario de su difunto padre un año después de su muerte empieza una surrealista y lamentable gymkana por las calles de Nueva York en busca de la caja que abra su llave. Por el camino se encuentra personajes prototipos, mal construidos, histéricos (aunque a él nadie le gana en histerismo) y muy lamentables como el propio personaje interpretado por el pobre de Max Von Sydow. Melodramatismo efectista y desmesurado, tramposo; una historia sin pies ni cabeza que cae una y otra vez en el ridículo y una nueva mala interpretación de Sandra Bullock (menos en una escena) con un final muy azucarado otra vez y no apto para todos los públicos. Una patraña.

Pues nada, recordar que encontamos a faltar películas como Drive y Shame y su reparto y otras como Melancholia, The turin Horse (que ya era mucho pedir), Arriety y el mundo de los diminutos, Un método peligroso o el extraordinario documental ¡Vivan las antípodas!. Otro año será mejor (ja,ja). Feliz noche y feliz gala de los Oscar a todos los noctámbulos empedernidos o sacrificados noctámbulos ocasionales.

Márgenes. I festival español de cine al margen.

2012-02-24T23:03:00.001+01:00

Desde el pasado lunes 20 y hasta el próximo miércoles 29 podéis disfrutar on-line y de manera totalmente gratuita de las diez propuestas españolas muy al margen de la industria que este festival, en su primera edición, propone. De entre los diez nombres de directores propuestos, un servidor solo conocía tres, el inclasificable director filipino Raya Martín, que se lanza con una producción española en Buenas noches España, los directores que se ocultan tras el seudónimo de Colectivo los Hijos que presentan El circo y el ecléctico y extraño director español Pablo Llorca que presenta el documental El mundo que fue y el que es. Admito que no conozco a ninguno de los siete directores restantes, lo que no quiere decir que no puedan estar bien, quizás a veces ocurre lo contrario. La programación entera la podéis consultar en su web y si sois realmente curiosos y teniendo en cuenta que es gratis, quizás os apetezca pasar por allí en los cinco días que quedan. Yo, curioso para con estas propuestas tan extremas, de momento me he lanzado a ver dos películas, de las que hablo brevemente a continuación.

Buenas noches España es la incursión en nuestra cinematografía del joven director filipino Raya Martín acompañado de Pilar López de Ayala, una de las actrices más inclasificables de nuestra cinematografía. Raya Martín es un director que en muchas ocasiones está más cercano al video-arte que a la producción cinematográfica más o menos convencional. Es cierto que cuando se pone a hacer cine como en su ópera prima, el documental The Island At The End Of The World o en una de sus últimas obras Independencia los resultados son al menos reivindicables. Sin embargo ya en su segunda película A Short Film About the Indio Nacional tonteaba mucho con el video-arte y la radicalidad extrema y en la posterior Autohystoria, realiza un engendro ridículo y patoso que ni funciona como película, ni como arte, ni tan solo como vídeo. Sin embargo, a Raya Martín le han reído mucho las gracias y no sabe distinguir sus producciones de cierto talento de sus basuras de rey que sabe más que nadie. Buenas noches España está más cerca de la segunda categoría que de la primera. Es video-arte sin argumento ni sentido (y el hecho de querer justificar la cinta con viajes incorpóreos me paree lo más ridículo) que puede tener una cierta gracia o despertar cierta curiosidad en sus primeros minutos pero que termina por hacerse muy, pero que muy aburrido en su hora y muy poco de duración. Yo reconozco que pese a todo Raya Martín me da morbo. Esta película es para capullos como yo. Para nadie más.

La segunda película que vi es de Los hijos, de los que vi en un festival e Barcelona Los materiales y escribí una de las mayores rajadas (y más justificadas) de la historia de este blog. Pero lo dicho. El morbo me puede y me lancé a ver su película documental Circo. La verdad es que dentro de un contexto muy outsider la película se deja ver con cierta curiosidad. Nos muestra la construcción de una carpa de circo muy pequeño (de solo cuatro miembros, dos adultos y dos niños) su promoción en el pueblo que están instalados, una breve entrevista a sus dos miembros adultos, parte de la representación y como desmontan la carpa. La parte de la entrevista y la representación es realmente curiosa y uno alucina de que existan circos tan patéticos por los pueblos de España. El resto está narrado con planos de gran lentitud que juegan con la paciencia del espectador. Y eso sí, dan su toque de autores rupturistas no subtitulando por expreso deseo de sus autores" los fragmentos que los miembros del circo hablan en francés. Gracias por esa gran aportación a la historia del cine. Por lo demás cierto interés pero poco talento. Eso sí mucho más convencional y muy superior a aquella vergüenza que fue Los materiales.

Quizás vea alguna más tras los Oscar. Si os animáis, entrad en la web que he enlazado al principio. Y ánimo.

Mi película de la semana: Shame

2012-02-21T20:56:00.001+01:00

Desde que vimos Shame mi mujer me mira distinto, un poco como si yo fuese un "bluff". No acabo de entender muy bien el porqué...

Shame es una espléndida película, la segunda del director inglés Steve McQueen, sobre un hombre cuya adicción al sexo le supone una enfermedad que le hace avergonzarse de sí mismo y ese desprecio hacia sí mismo no le permite tener relaciones afectuosas con la gente que le rodea. Para lograr trasmitir al espectador esa frialdad sentimental del protagonista, el director plantea una película gélida, tanto en sus sentimientos como en sus tonalidades, seca y algo deslabazada, como hecha a pedazos sin posible cohesión. Un poco como la vida sexual del protagonista. Dicho estilo es muy meritorio pero tiene un posible handicap como puede ser cierta indiferencia del espectador un poco invadido por la pretendida frialdad del relato. En algunos momentos reconozco sentirme cercano a esa cierta indiferencia. Además, alguna escena me sobra, sobretodo hacia el final, un poco más sensacionalista y donde alguna escena de sexo (sobretodo la última) se alarga de forma injustificada.

Dicho ésto y dejando claro que no la encuentro una obra redonda, como decía al principio, la película es espléndida. Entre sus méritos una puesta en escena precisa, una música subyugante, una fotografía mate que nos muestra un Nueva York entre sórdido e indiferente a sus gentes y una historia arriesgada que termina por resultar un estudio preciso de un hombre enfermo por su adicción al sexo e incapaz de relacionarse de forma emotiva con la gente que le rodea. Es difícil mantener el tono de un relato tan arriesgado, con tanta sutileza y sin caer ni en el ridículo ni en el sensacionalismo barato. Y el director lo logra casi siempre. Pero si algo destaca de la película, por encima de todo, es la interpretación de su pareja protagonista. Carey Mulligan vuelve a estar fantástica, desbordando fragilidad en el papel de hermana del protagonista con problemas psicológicos y carencia de autoestima. Para hablar de Fassbender necesito un párrafo entero...

Michael Fassbender demuestra ser un actor impresionante, cosa que ya venía demostrando en sus últimos trabajos. Pero aquí se coloca entre los más grandes de la actualidad. Cada gesto, cada palabra, cada mirada, cada matiz de su interpretación, casi siempre contenida, ayuda a crear un personaje inolvidable, a veces cargado de sensualidad, otras totalmente hundido, siempre al borde del precipicio moral, siempre al límite de su propia existencia. Fassbender folla, seduce, nos produce asco, ternura, dolor, rabia. Fassbender parece el hombre ideal para en la secuencia siguiente desmoronarse ante nuestros ojos. Fassbender dice todo con una leve mirada, con una solitaria lágrima, con un leve gesto. Pero también con un llanto desconsolado, con una deseperación extrema. El brillante final solo es posible con un actor de su talla. Sobra el guión. Que los miembros de la academia norteamericana no lo hayan nominado al Oscar es un escándalo más repugnante que cualquier momento extremo de la película. Mi teoría es que si una actriz guapa se arriesga en un papel lleno de sexo y desnudos la academia le premia. Pero un actor bueno, obviamente bien dotado y con un papel del mismo riesgo (o más) no merece más que el desprecio y el olvido. Decidme exagerado, pero a mí me suena a machismo retrógrado de un gremio mayoritariamente masculino al que gusta dárselas de moderno pero que está anclado en una mentalidad conservadora asquerosa. Suerte que los amantes del cine ponemos las cosas en su sitio. Shame es una muy buena película. Y Fassbender uno de los grandes.

Películas nominadas a los Premios Goya 2012

2012-02-19T14:18:00.003+01:00

Antes de empezar señalar que he ampliado mínimanmente el post penúltimo al actual incluyendo la canción completa nomonada por La voz dormida y un enlace con fragmentos del BSO nominadas. Por si os apetece verlo.

Pues hoy por fin se otorgan los premios Goya. Si la ceremonia es en riguroso directo iré dando mis impresiones durante la misma en Twitter (si no sois seguidores del blog allí, os animo a hacerlo ahora, en el enlace de la derecha). Mi último post habla de las cinco categorías que se componen de largometrajes. De dos de ellas (animación y documental) casi no he visto nada. Pero de latina, europea y española tengo el pleno, así que en esos casos opinaré de mis preferencias. Esperemos que la Gala sea potable y que dentro de lo posible haga justicia. Éstas son las nominadas.

Mejor largometraje documental

Tras el final de la Guerra Civil, Manuel Cortés, antiguo alcalde de la localidad malagueña de Mijas, no tuvo ocasión de escapar de España. Tras un largo y peligroso camino de regreso a casa, consiguió llegar de noche a su hogar sin ser descubierto. Su mujer, Juliana, le advirtió de los numerosos fusilamientos que se estaban llevando a cabo en el pueblo. Ambos decidieron abrir un pequeño hueco en la pared donde Manuel podría esconderse. Manuel Cortés nunca pudo imaginar que aquel pequeño espacio tras la pared se convertiría en su cárcel particular durante 30 años. Esta es la historia de los llamados “topos de la posguerra”, que tuvieron que sacrificar una vida entera para huir de la represión.

Hace más de veinte años que el pintor Miquel Barceló vive largas temporadas en África. Allí aprendió a pintar entre termitas y escorpiones, antes de que el calor seque la pintura y el viento arrastre las telas. En lo alto del acantilado de Bandiagara, Barceló representa junto al coreógrafo Josef Nadj la performance “Paso Doble” y nos descubre por primera vez los secretos de su taller africano.

Escuchando al juez Garzón es un documental-entrevista de hora y media de duración realizada por el escritor Manuel Rivas al juez Baltasar Garzón. En la película, el magistrado hace un repaso a su trayectoria personal y profesional sin evadir ninguno de los temas comprometidos y mediáticos en los que se ha visto envuelto. Después de la suspensión de su labor como juez de la Audiencia Nacional, Baltasar Garzón, que ejerce su actividad profesional en La Haya, donde colabora con la Corte Penal Internacional, regresó a la capital española para mantener una entrevista con Manuel Rivas, mientras las cámaras de Isabel Coixet recogían el encuentro.

Realización musical donde Enrique Morente desgrana su vida al compás de los cantes elaborados sobre letras de Pablo Picasso y donde a su propia vida se suma la historia del pintor malagueño y el más grande de sus amigos, el barbero Eugenio Arias. Este es el último trabajo en la vida de Enrique Morente, por lo que se ha constituido como su legado musical y de su pensamiento.

Siento no haber visto ninguno de los cuatro documentales, pero estoy casi seguro de que ganará Escuchando al juez Garzón, como premio reivindicativo. Una cosa que me molesta de estos premios a mejor documental es que normalmente no se suele tener en cuenta la calidad del documental y se premia a la película que se quiere reivindicar por su temática. Y lo peor de todo es que si estoy en lo cierto, la Coixet volverá a subir al escenario...

Mejor largometraje de animación

Arrugas es un largometraje de animación 2D para un público adulto basado en el aclamado cómic del mismo título de Paco Roca (Premio Nacional de Cómic 2008). Arrugas narra la amistad entre Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico. Emilio, que acaba de llegar a la residencia en un estado inicial de Alzheimer será ayudado por Miguel y otros compañeros para no acabar en la planta superior de la residencia, el temido piso de los asistidos que es como llaman allí a los desahuciados. Su alocado plan tiñe de comedia y ternura el tedioso día a día de la residencia porque aunque para muchos sus vidas habían acabado, ellos acababan de empezar una nueva.

En el siglo I d.C. Carthago Nova es una esplendorosa urbe del Imperio Romano. La próspera familia Albino se ve en la obligación de entrar en competencia con el poderoso Lucio Andro para lograr la concesión de unas obras. Un conflicto que perdurará durante varios años y que se agravará con el declive económico de la ciudad y con el resurgir popular de los juegos gladiatorios.

Cinco años después del traumático divorcio de sus padres, Dixie se ha convertido en una adolescente arisca, que quiere escapar del odioso mundo en que vive. En la escuela se ríen de ella por su actitud introvertida y su aspecto gótico, e incluso su mejor amiga le esquiva, para poder flirtear a escondidas con el chico que le gusta a Dixie. El padre de Dixie se lleva a su amada hija a la feria en un loable intento por alegrarle las penas, pero las cosas se tuercen de tal manera para Dixie que la niña ya no lo soporta más y acaba estallando. Queriéndose morir, la jovencita huye por el bosque bajo la tormenta. De pronto, un rayo impacta contra un árbol y este se le desploma encima. Al despertar, descubre que se encuentra enterrada dentro de la tumba de un cementerio y es... ¡una zombi! La joven averigua pronto que la vida entre los muertos vivientes no es mucho mejor. Por suerte o por desgracia, existe una manera para dejar de ser un zombi y regresar a su vida de mortal. Se trata de la vieja leyenda del Azoth. Según ésta, un día llegará al cementerio un zombi portador de un amuleto mágico, y usará los poderes mágicos del Azoth para abrir el umbral de regreso. Un portal mágico que permite que los zombis puedan regresar a sus vidas como mortales, exactamente al mismo momento en que la palmaron y poder enmendar así las faltas de su existencia. El colgante que lleva Dixie, el que le regaló su madre antes de marcharse, se parece enormemente al Azoth que describe la leyenda. Descifrar el secreto del Azoth para conseguir que este despliegue sus poderes, parece el único medio que tiene Dixie de volver a la vida. Es así como la joven zombie inicia un viaje repleto de aventuras al amparo de las sombras de la noche. Le acompaña Isis, una joven momia egipcia extremadamente parlanchina, asustadiza y supersticiosa que, no obstante, le ofrece toda su amistad. Y pronto se une Gonner, un zombi pícaro y embaucador, que fuera grumete de un barco pirata, y de quien Dixie se empieza pronto a enamorar. El viaje se complica cuando uno de los espías de Nigreda consigue engañar a Dixie y robarle el Azoth. Con la preciada joya en su poder, Nigreda comienza a preparar su venganza final contra los mortales. La suerte de nuestro planeta queda pendiente de un hilo. Dixie deberá recuperar el Azoth y aprender a reconciliarse con el mundo que la rechazó si es que quiere salvarlo y salvarse a si misma.

Es el premio más cantado. Se lo llevará Arrugas y seguro que con justicia, aunque para ser honesto, como no he visto ninguna de las otras dos no puedo aseverar categóricamente algo tan obvio. Para poder ver un poco la animación de las tres propuestas os dejo los trailers.

Mejor película europea

Las cuatro candidatas me parecen buenas películas. Creo que ganará The artist, de hecho estoy casi seguro. Las he visto todas y las ordeno según me han gustado de más a menos.

Sin duda Melancholia es una de las mejores películas del año no sólo europea sino mundial. El genio Lars Von Trier vuelve a levantar pasiones y odios ante una de sus propuesta más estéticas, más lánguidas y menos radicales. Hice una crítica muy amplia de la película aquí.

The Artist es una hermosa y entrañable película que rinde homenaje al cine mudo de finales de los años veinte y lo hace con una historia muy lejana al intelectualismo, apta para todos los públicos y tratada con sumo cariño y mimo. Podéis leer mi crítica de la misma dentro de este post.

La última película de Roman Poanski Un Dios salvaje, basada en la obra teatral de Yasmima Reza es un retrato de la sociedad burguesa tan cruel como humorístico e histriónico.No es la mejor película de Polanski, pero merece la pena. La crítica aquí.

No estaba nada mal la adaptación de Jane Eyre, sobria, elegante y académica e interpretada por dos actores cada día más reivindicables como Michael Fassbender y Mia Wasikowska. La breve crítica que le dediqué está dentro de este post.

Mejor película iberoamericana

Me enorgullece decir que he podido ver las cuatro propuestas latinas. Dos son realmente buenas y dos muy malas. Creo que ganará Un cuento chino porque es la única que se ha estrenado en nuestro país, porque aparece un reclamo conocido como Ricardo Darín, y porque casi todos los años gana la película argentina. Mi orden es el siguiente:

Aunque la mexicana Miss Bala no trata para nada un tema novedoso, ya que nos habla de traficantes de drogas y mafias y violencia en México, sí lo hace de forma algo original al mostrarnos el deambular subjetivo de su protagonista femenina vinculada al tema de la droga de forma accidental. La película no es nada explicativa sino más bien al contrario, por lo que tenemos que recomponer nosotros la historia. La película es dura y vigorosa y la interpretación de Stephanie Sigman es de una fascinación desbordante. Una película apasionante y adictiva.

Un cuento chino es una película argentina, comercial, divertida y entrañable sobre un gruñón de buen corazón, interpretado magistralmente por Ricardo Darín y su aventura con un chino perdido que necesita de su ayuda para encontrar su lugar en el mundo. De la relación que se va creando entre ambos y de la incursión de una tercera persona de sexo opuesto y que aporta la parte romántica de la película, surge un film sin más pretensión que entretener y emocionar y que esquiva con sentido del humor su propensión a la ñoñería. Nada del otro mundo pero muy agradable de ver.

Violeta se fue a los cielos me produjo una brutal decepción, sobretodo teniendo en cuenta que la anterior película de su director Andres Wood era la muy apreciable La buena vida. La película nos explica la historia de la cantante y artista chilena Violeta Parra, pero el biopic resulta aburrido a más no poder y carga las tintas sobre una interpretación excesiva de su actriz protagonista. Mal explicada, con saltos temporales en la historia que no aportan nada más que confusión, histriónica y caprichosa, cuando en la escena final Violeta se vuela los sesos solo puedo pensar "ya se podría haber ido a los cielos un poco antes"...

Boleto al paraíso es un insuficiente drama situado en el año 1993 en La Habana y que explica las vidas de un grupo de adolescentes que malviven un poco a lo hippie. La película está realizada de forma demasiado plana (aunque en algunas escenas hay cierta voluntad estética) pero sobretodo me echa para atrás el excesivo tremendismo de la historia y un par de escenas y decisiones en los protagonistas que se me hacen muy, pero que muy difíciles de creer. Pese a ello, la película no aburre y se deja ver sobretodo amparada por la buena actuación de la chica protagonista, una prometedora Miriel Cejas.

Mejor película

Reitero que si por mi fuese, las nominadas serían La piel que habito, No habrá paz para los malvados, Mientras duermes y Eva. Dicho ésto creo que ganará la película de Urbizu, menos radical y más acorde a todos los gustos que la de Almodóvar, pero claro, La piel que habito tiene también opciones, así que veremos. Mi orden de preferencias de las cuatro nominadas es el siguiente.

La nueva película de Almódovar es arriesgada, incluso dentro de su filmografía. Capaz de despertar pasiones y odios a mí me gusta bastante, aunque no me parece de las mejores de las suyas. Espectacularmente dirigida y muy bien interpretada, con algún altibajo, es una vuelta de tuerca más para terminar con las mismas obsesiones que el director manchego muestra una vez tras otra en sus películas. Le dediqué una crítica aquí.

No habrá paz para los malvados es un thriller muy oscuro, demasiado pretencioso, pero bastante bien resuelto que nos gana por el tono pesimista, la atmósfera y la nihilista y brutal interpretación de José Coronado. Una película no muy habitual en el cine español a la que dediqué una crítica aquí.

Me parece bien la reivindicación de Blackthorn, aunque ya sabéis mi opinión de las que hubiese nominado. Pero si había alguna película este año que se debía sacar del olvido a que había caído tras su estreno es este western muy crepuscular de Mateo Gil, elegantemente rodado, fotografiado e interpretado, incluso por Eduardo Noriega. La crítica aquí.

La última en discordia, a la que no dediqué crítica porque no vi en su momento, es La voz dormida. Voy a ser breve y algo benévolo. La película de Benito Zambrano sobre los primeros años de postguerra está muy bien realizada y magistralmente interpretada pero no aporta nada nuevo a nuestra cinematografía y además es de una manipulación alarmante. Su subjetivismo es a todas luces excesivo y el personaje tan bien interpretado por María León saca un poco de quicio. Dicho ésto, se ve sin que uno se aburra, pero no merecía la nominación ni de broma.

Nos leemos en la gala Twitteros. Será a las 22'00H. Hasta entonces.

Nominaciones premios Goya: Actores, actrices, directores/as

2012-02-17T21:03:00.000+01:00

Pues seguimos con esta tercera entrega de recordatorio de los Goya. Hoy ya pasamos a actores y actrices en sus tres categorías y directores en sus dos categorías. La última será dedicada a los largometrajes en sus cinco modalidades. Como en la anterior desde Lost Highway Blog haré mi apuesta.

Mejor Director Novel

Son Paula Ortiz por la película De tu ventana a la mía, de la que no tenemos ninguna noticia ni se ha estrenado, Paco Arango por Maktub, que sinceramente no he visto, ni me apetece mucho, Eduardo Chapero-Jackson por su polémica y por muchos denostada Verbo, una película que yo defendí ligeramente y finalmente, el que espero y creo que ganará, Kike Maíllo por Eva, que sería el premio de consolación para con una película injustamente no nominada.

Mejor actriz revelación

Alba García lo hacía realmente bien en Verbo y su último monólogo era de una emoción muy considerable, tengo pendiente No tengas miedo pero no dudo del buen hacer de Michelle Jenner, Blanca Suarez estaba realmente espléndida en Hable con ella, pero creo que María León, que está fantástica en un papel muy dramático y que lleva el peso en la película La voz dormida se llevará el Goya sin mucha competencia.

Mejor actor revelación

Tanto Marc Clotet en La voz dormida como sobretodo Jan Cornet en La piel que habito están realmente bien, sin embargo son papeles algo secundarios, sobretodo el del primero. No he visto Primos, pero dudo que Adrián Lastra tenga ninguna opción y creo que su nominación ya es más que un premio. Creo que ganará José Mota porque en La chispa de la vida es el actor principal y lleva el peso de la misma y su interpretación es compleja, aunque Cornet me hace dudar (y me alegraría que lo ganara).

Mejor actriz de reparto

De entrada me parece la categoría más justita en cuanto a calidad (al menos por lo que he visto y lo que intuyo). No dudo del buen hacer de Maribel Verdú en De tu ventan a la mía pero no creo que le den otro premio (aunque yo me alegraría de ello, un poco de sobredosis tras tantos años de injusto ninguneo). Las actuaciones de Ana Wagener por La voz dormida y de mi admirada Pilar López de Ayala por la basurilla de Intruders no me parecen dignas de ningún premio. Y no he visto Maktub y Goya Toledo siempre me ha parecido (para ser justos a la realidad casi siempre) una actriz mala, pero me da que se lo van a dar, un poco por la baja calidad de esta nominación y porque se entenderá que le toca.

Mejor actor de reparto

No he visto 23-F la película pero seguro que Juan Diego está genial, sin embargo, no creo que se lo vuelvan a dar. Tampoco he visto Primos pero Raúl Arévalo, por un papel de comedia, me parece que tiene muy pocas opciones. Lo peor que puedo decir de Juanjo Artero de No habrá paz para los malvados es que no recuerdo ni su interpretación, así que me temo que si me paso desapercibida la nominación debe ser patillera. En este caso creo que ganará casi seguro y que además lo merece de largo Lluis Homar por su hermosa interpretación de un androide en Eva.

Mejor actriz protagonista

Esta categoría me parece muy difícil ya que las interpretaciones son muy buenas. No creo que se lo den a Salma Hayek por la chispa de la vida, quizás nominada un poco por su glamour. Inma Cuesta está genial en La voz dormida pero creo que sería una sorpresa que se lo llevara. Sin embargo no me extrañaría que se lo diesen a una cada vez más bien valorada Verónica Echegui por Katmandú. Un espejo en el cielo, aunque voy a votar (un poco con el corazón) a Elena Anaya que está sensacional en La piel que habito y que a estas alturas ya hace años que lo merece. Es el momento y la ocasión ideal de hacer justicia.

Mejor actor protagonista

Creo que Antonio Banderas, por un papel muy controvertido en La piel que habito no se lo llevará. No le doy ninguna opción a Daniel Brühl por Eva, entre otras cosas porque la interpretación tampoco da para mucho. Luis Tósar por Mientras duermes, obviamente lo merecería, pero premiar siempre a Tosar o a Bardem desprestigia un poco unos premios y Tosar lleva muchos. Además reivindicaría Mientras duermes que es una auténtica vergüenza que no esté nominada así que los académicos mejor harán en que no se difunda su enorme estupidez. Lo ganará José Coronado, espléndido en No habrá paz para los malvados y que ha mejorado mucho como actor. Yo creo que es su año.

Mejor director

Creo que la nominación de Mateo Gil por Blackthorn. Sin destino. ya es suficiente premio. Benito Zambrano por La voz dormida no debió ni estar ni nominado (a parte de Jaume Balagueró quiero recordar que esta categoría se pudo nominar a Woody Allen y solo con pensarlo dan ganas de llorar) así que el Goya no lo va ni a oler. Y ahora es cuando uno debe mojarse y yo creo que la ganadora de la gala será No habrá paz para los malvados más acorde a los gustos de la mayoría y cuyo director cae en general mucho mejor que Almodóvar. así que voto por él. A mí no me molesta que gane, pero entre los nominados se lo daría a Pedro!!!.

Nominaciones premios Goya 2012. Premios menores.

2012-02-15T23:09:00.002+01:00

Menores o no, según quien opine, pero en este post no vamos a tratar de películas ni de actores o directores, sino que vamos a enunciar los otros premios de los que consta la Gala y para que el post tenga algo de emoción, nos vamos a mojar en las categorías que lo componen y vamos a facilitar las cuatro canciones nominadas a mejor canción. A partir de ahora las cuatro nominadas, el cartel grande el que creo que va a ganar y algún comentario.

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

No creo que haya color y en principio Eva, tiene todos los números para ganar este premio porque sus efectos son realmente buenos. Por cierto, creo que Torrente 4 tiene mejores efectos especiales que, por ejemplo, La piel que habito. Pero también creo que a veces no se vota solo lo que se vota, ¿no os parece?

MEJOR SONIDO

Aquí no lo tengo nada claro, pero quizás el hecho de quue sea un western y la importancia de la imagen y el sonida, de la fisicidad, en la película de Mateo Gil me haga inclinarme hacia esta última opción.

MEJOR MAQUILLAJE Y/O PELUQUERÍA

Pues en este caso, lo más probable es que lo gane La piel que habito, aunque en realidad el maquillaje es parte de la trama pero no incide mucho en ella. Además creo que los premios irán repartidos.

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

En esta categoría siempre suele ganar la película de época, así que en este caso se lo doy a La voz dormida.

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

Las películas de Almodóvar tienen una decoración y dirección artística cuidadísimas, así que le daremos otro a La piel que habito.

MEJOR MONTAJE

Creo que la película de Urbizu ganará muchos premios y dentro de los pequeños el de mejor montaje sería más que justo.

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

La película de Mateo Gil destaca por su hermosa fotografía con el plus de la dificultad que conlleva realizarla en sus escenarios.

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

Este suele ser de los Goya más difíciles de adivinar (y de explicar su existencia), pero apostamos por la película que sin duda tiene una producción más potente.

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

Podéis escuchar fragmentos de las bandas sonoras aquí.

¿Alguien duda de la nueva victoria de Alberto Iglesias? Yo no, la verdad, pero es que además sería muy injusto que no se lo llevara.

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Pues voy a apostar por lo lógico, es decir, que gane Almódovar, aunque dejo una opción a la espléndida adpatación del magistral cómic Arrugas de Paco Roca, primero porque es excelente y segundo porque no sabemos si este año toca que la Academia se cebe o no con Almodóvar.

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Debería ganar Woody Allen, pero como es tan ilógico que pudiendo nominarlo a más categorías solo lo hayan nominado a ésta por una cuestión de no considerarla española que se debería resolver, supongo que les dará vergüenza darle solo este premio y optarán por dárselo a Urbizu, que por otro lado lo merece.

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

En esta categoría no voto. Escuchad las canciones y a ver que conclusión sacáis. Vuelvo en breve con las categorías de actores y directores.

Cortometrajes nominados Premios Goya 2012

2012-02-14T17:44:00.003+01:00

Este domingo 19 de febrero se van a entregar los Premios Goya que premiarán al cine español que más haya gustado a los académicos de los últimos meses. En Lost Highway Blog nos divierten estas entregas al tiempo que suelen parecernos muy criticables en sus decisiones. Es parte de la gracia. Es parte de la fiesta. Así pues, vamos a dedicar la semana a nuestros premios con algunos posts que espero sean tan informativos, como festivos. Para empezar, me hace mucha ilusión siempre encontrar algunos de los cortometrajes nominados en las diversas categorías (ya sabéis del amor del blog por los cortos) que se puedan visionar on-line. En esta edición estoy muy satisfecho pues de los 12 nominados os voy a facilitar el visionado de nueve de ellos (en todas las categorías me falta uno). Si de aquí a final de semana surge alguno otro por la red lo incluyo en próximos posts. Y si alguno de vosotros sabe como ver alguno de los que no he encontrado, por favor, que lo indique en los comentarios. De momento, los nueve cortos (y los trailers de los que no se pueden ver) en el siguiente post. Espero os resulte una curiosidad divertida.

Mejor cortometraje animado

Birdboy

Un terrible accidente industrial cambia para siempre la vida de la pequeña DINKI. Ahora puede que su destino penda de las alas de su excéntrico amigo BIRDBOY, un joven marginado que se oculta en el bosque, abandonado a sus fantasías...

Ella

En Palma de Mallorca, a través de la inocencia de un niño de 5 años y de las casualidades de la vida, un viejo indigente afroamericano, revive las causas de su vida sin sentido remontándose 45 años atrás en Nueva York. Todo ello hace que su vida cambie de rumbo para encontrar, por fin, la felicidad perdida.

Rosa

En un futuro cercano, la humanidad ha desaparecido dejando tras de si una enorme megalópolis desprovista de vida natural. De entre la destrucción despierta ROSA, un robot parte del proyecto KERNEL, el último intento de la raza humana de restaurar el ecosistema terrestre recuperando especies de plantas ya extintas. Vagando entre las ruinas de la ciudad sin vida, Rosa pronto descubrirá que no es la única parte de Kernel que ha despertado.

ROSA from Jesús Orellana on Vimeo.

Quién aguanta más (solo el trailer)

Un grupo de niños juega en las vías del tren, retándose entre ellos para ver quien aguanta más en las vías ante la llegada de un tren. Ander tarda mas de lo debido en retirarse y, rozado por el tren, sale despedido fuera de las vías, lo que le deja importantes secuelas físicas y neurológicas que trastocarán su futuro y el de su familia, convirtiendo sus vidas en el duro y dramático juego de ZEINEK GEHIAGO IRAUN (quien aguanta mas).

Mejor cortometraje de ficción

El barco pirata

Es 5 de enero. David ha pedido a los Reyes Magos un barco pirata y su padre, a punto de ingresar en el paro, les ha querido ayudar con los pocos ahorros que tiene. Lo malo es que los Reyes tampoco son perfectos, y que los deseos no siempre se cumplen.

El barco pirata from Arturo Méndiz on Vimeo.

El premio

Pilar y Manuel son actores, pero también son una pareja. Se están preparando para la ceremonia de premios más importante del año. Pilar está nominada, tanto en la realidad como en la ficción. Ellos tienen que disfrutar compartiendo ese momento tan excitante. Deberían. Pero la realidad es muy diferente… Hay mucho más detrás de esas imágenes que vemos llenas de glamour en las alfombras rojas…

http://www.canalplus.es/play/video.html?id=863941&media=NF841153&cc=PLTVZC

Matar a un niño

Es domingo. Es el despertar feliz de un día desgraciado. A las diez en punto, un niño feliz va a morir.

http://fibabc.abc.es/videos/matar-nino-1395.html

Meine liebe (solo trailer)

Mario se debate entre el compromiso de hacer lo que desea y el impulso de hacer lo que le resulta más cómodo.

Mejor cortometraje documental

Alma

Una historia optimista que pone en primer plano lo que realmente importa de la vida. El Alma no enferma, se transforma… Mikel, un joven de 34 años que padece ELA, con su mujer Rosana y su hija Anne, nos enseña a disfrutar de las pequeñas cosas. Se enfrentan a la ELA con entereza y valor. Junto con los profesionales de los cuidados paliativos, consiguen encauzar la difícil situación en que se encuentran, pero lo más importante radica en el ALMA… ¿Hay que estar enfermo para darse cuenta?.

http://fibabc.abc.es/videos/alma-2009.html

Nuevos tiempos

Kine y Aliou son dos jóvenes senegaleses con un mismo sueño: fundar una familia. Pero todo sueño implica un riesgo y cada uno lo afrontará a su modo.

NUEVOS TIEMPOS (Nominado Premios Goya 2011) from JORGE DORADO on Vimeo.

Regreso a Viridiana

En diciembre de 1960, una estudiante francesa de 21 años, Monique Roumette, se encontraba en Madrid, gracias a una beca de estudios de nueve meses, y buscaba una editorial para hacer prácticas. "Un amigo vinculado a la productora UNINCI me propuso hacerlas allí y durante los meses de febrero y marzo de 1961 tuve el privilegio de asistir al rodaje de Viridiana", recuerda. Como trabajo final de esas prácticas, redactó un informe de unas cuarenta páginas que permite conocer de primera mano cómo se desarrolló la filmación de aquella mítica película. TCM presenta 'Regreso a Viridiana', un cortometraje documental dirigido por Pedro González Bermúdez, en el que Monique Roumette revive los momentos que pasó al lado del genial director aragonés: "Fue un regalo que me cayó del cielo, si se puede decir cielo hablando de Buñuel. Yo lo imaginaba como un monstruo sagrado. Sus películas me habían revelado un mundo insólito y cruel, desde Las Hurdes a La Edad de Oro o Nazarín". La tímida estudiante, sin embargo, se encontró con una persona amable y cortés. "Era muy humano, humanísimo, emotivo y emocional, a pesar de su apariencia. Tenía mucho humor. Ya había cumplido los sesenta y era una especie de paterfamilias para todos". Monique Roumette vive ahora jubilada en París. Ha sido profesora de literatura y, tras conocerlo en el rodaje de Viridiana, siguió atentamente la carrera de Luis Buñuel. En 'Regreso a Viridiana' combina sus recuerdos personales con un análisis certero de la obra del maestro aragonés.

VIRIDIANA HD from Producción Propia Turner on Vimeo.

Virgen negra (solo trailer)

“Vírgen negra”, un preciado tesoro. En Mozambique, la vida sexual de muchas mujeres comienza cuando son obligadas a casarse a los 10 años. O con el abuso sexual en las escuelas. Creencias tradicionales como que el SIDA se cura teniendo relaciones con una virgen. Después vendrán los embarazos demasiado seguidos y la poligamia: segunda, tercera, cuarta esposa del marido. Abortos tradicionales provocados con raíces, que muchas veces terminan con la muerte materna. Y el fin de la sexualidad al cumplir los 45años. Realidades diarias que nos cuentan Linda, Aicha, Gwyneth, Luisa y Emilia. Hablamos de sexo. Y lo vemos. “Virgen negra” muestra una escena íntima de sexo entre un hombre y una mujer. Sin tabúes.

VIRGEN NEGRA, de Raúl de la Fuente y Amaia Remírez (trailer) from KANAKI FILMS on Vimeo.

Cine en catalán: Premios Gaudí

2012-02-12T19:08:00.000+01:00

El lunes 6 de febrero tuvo lugar la ceremonia de entrega de los cuartos Premios Gaudí. La reciente academia catalana premia varias categorías de cine producido en Cataluña y poco a poco se está afianzando. No voy a hablar de la Gala porque tantos días después está todo dicho (sosa, con una emisión de 30 minutos de retraso por televisión que en tiempos de twitter son terribles, con premios absurdísimos como el de actriz secundaria a Vicky Peña por un papel brevísimo y sin demasiado mérito) y tampoco voy a hacer un repaso de los premios (que podéis ver aquí). Solo comentar que las películas triunfadoras fueron Mientras duermes (película hablada en castellano) y Eva (película hablada en catalán, aunque en este caso la peli es bilingüe) y que los Goya deberían tomar ejemplo pues son dos de las sin duda cuatro mejores películas del año y no están ni nominadas. Como digo a veces, el fantástico o el thriller o el terror es considerado por algunos géneros menores que no merecen premios. Están muy equivocados.

Pero el post de hoy lo que pretende, a raíz de estos premios, es hablar de cine en lengua catalana. De hecho, la única categoría que me interesa de estos premios es la de cine hablado en catalán. El resto, que sea producido en Cataluña, Madrid, País Vasco, Galicia o Extremadura me da igual porque no aporta ningún rasgo distintivo. No lo critico, si son los premios catalanes se deben dar a la industria catalana, solo declaro mi indiferencia. Como decía, me interesa mucho más los premios que se dan a películas habladas en catalán. Por aquí siempre nos invade la polémica de los doblajes y de si se deberían doblar más películas al catalán. Yo, amante de la V.O., considero que el cine en Cataluña (como en toda España) debería estrenarse en salas en VO con subtítulos. En el caso de Cataluña, la mitad de salas con subtítulos en catalán y la mitad en castellano. ¿Fácil, no? Pues nunca lo es. Sin embargo, puesto que tal pretensión es utópica porque los españoles cine en VO poco, y que el doblaje vale dinero y las trabas para con el catalán son muchísimas, al menos se debe fomentar el cine hablado y rodado en catalán. Los Gaudí son un trampolín para nuestro cine, en nuestra lengua (para los de fuera decir que aquí, la gente no cree para nada en el cine en catalán, y al menos, desde los Gaudí, los cinéfilos y parte de la población está cambiando) y ayudan a su difusión y por lo tanto a su creación. Así que bienvenidos sean.

Además, las películas premiadas hasta ahora son por lo menos interesantes. El primer año se premió a El cant dels ocells de Albert Serra una película muy independiente y muy extrema, de ésas que solo defenderán una mínima parte de los cinéfilos más raros, que adoran en Cannes y que si bien es difícil de catalogar y de puntuar, sí es una rara avis en la cinematografía mundial de un director que es todo un personaje y que goza de cierta popularidad en pequeños círculos en Cataluña. Una obra en blanco y negro, con fotografía espléndida, diálogos absurdos y una contemplación enfermiza y que nos muestra a los tres Reyes Magos en su caminata para visitar el nacimiento del niño Jesús. Dado el bajo nivel del primer año se premió bien. Los otros dos años se premió a dos películas enormes, que seguro muchos habréis visto o bien en catalán, en catalán con subtítulos o dobladas al castellano. Me refiero a Tres dies amb la família y Pa negre. La primera es un espléndido y duro retrato de una familia catalana que saca a relucir sus rencillas ante la muerte de un ser querido. Rodada por la debutante Mar Coll, alumna de la ESCAC, y teniendo como especial mérito la naturalidad y verdad que desprende tanto la historia como las interpretaciones de sus protagonistas, la película es de una calidad innegable y de una aparente sencillez que encierra mucho talento y una muy personal historia que contar. La película triunfó en festivales de todo el mundo. Y de Pa negre poco puedo añadir que no sepáis. Ganadora el año pasado de un montón de Goyas y candidata por España (finalmente no elegida) a los Oscar de esta edición, la película es de un prestigioso director, Agustí Villaronga, un hombre que hace un cine muy extremo, en ocasiones claramente homosexual, y que con Pa negre realiza su película más comercial y fácil para llegar al público, aunque no necesariamente la mejor de su filmografía. Adaptando un relato de Emili Teixidor, la película que narra los años de la posguerra y las penurias que tienen que pasar los perdedores el conflicto en un pueblo catalán está cargada de sensibilidad y buenas interpretaciones y a demás tiende a emocionar, pese a que es una historia que ya hemos visto varias veces de uno u otra manera. La mano maestra en este caso de su buen director y ciertas casualidades, le dan el estado de gracia que la hace destacar por encima de la media.

Este año se ha premiado a Eva, una muy buena película, así que al menos las ganadoras de los Gaudí merecen la pena. Pero cuáles son las acompañantes de estas cintas, las nominadas de las que casi nadie fuera de Cataluña sabe nada. Pues vamos a terminar el post de hoy hablando de las cuatro películas nominadas a mejor película de habla catalana. Hablaré de ellas, como hago habitualmente, en orden descendiente según mis gustos, es decir de la que más a la que menos me ha gustado.

La película ganadora (y la mejor película hablada en catalán, en parte, del año) es la muy prometedora ópera prima de Kike Maíllo Eva. En realidad Eva, no es tanto una película futurista como un drama del futuro en que la ciencia ficción es el pretexto para construir una historia de amor, encuentros, desencuentros, soledades y esperanzas a su alrededor. La película está rodada con suma elegancia y tiene un cuidado guión que interesa, mantiene el ritmo y además, sorprende. Se apoya además en unas buenas interpretaciones, destacando sobretodo a Marta Etura, que imprime una dulzura extrema a su personaje, el robot Lluis Homar y la niña Claudia Vega, todo un descubrimiento, una absoluta pasada. A todo el tono lánguido de la película le favorecen mucho unos escenarios hermosos y nevados, mucho más fríos, por ejemplo, que los robots que en ella aparecen, a veces más humanos que los humanos. Además, los efectos digitales son espléndidos y poco tienen que envidiar a películas de grandes presupuestos. También parece curiosa la mezcla de modernidad robótica con un cierto diseño clásico de los interiores de las viviendas que los personajes habitan, creando una extraña sensación de tecnología mezclada con calidez. Podríamos encontrarle algunos peros, sin duda, pero la película renueva de nuevo el cine español desde dentro (y desde el cine de género) es visualmente potente y emociona con su guión e interpretaciones al tiempo que es capaz de sorprendernos. Se puede pedir más, seguro, pero es una de las mejores óperas primas españolas de los últimos años.

Me sorprendió bastante favorablemente una de las nominadas, Catalunya über alles!, la tercera película del joven realizador Ramon Térmens que tras la poca repercusión que tuvo su segunda película Negro Buenos Aires regresa al catalán y a la fórmula de película con tres historias relacionadas de su estimulante y reivindicada ópera prima (co-dirigida con Carles Torras) Joves (luego Carles Torras dirigió Trash y otras de las nominadas este año Open 24 horas) y consigue unos resultados bastante satisfactorias. La película se sitúa en un pueblo del interior de Cataluña y nos habla de lo cerrados y rencorosos y fascistas y racistas que pueden ser sus habitantes. Diríamos que es una película muy crítica con el catalán "de pura cepa", el que tiene sangre catalana desde varias generaciones y su intolerancia. La historia de un violador que vuelve al pueblo tras años de cárcel , de un negro que quiere un trabajo digno para sacar adelante a su familia y de un adinerado joven capaz de todo para mantener sus privilegios se solapan en un mismo espacio y nos muestran una película muy bien dirigida, muy bien interpretada por un reparto muy coral y que sin embargo suele abusar en muchos momentos del sensacionalismo y de un cierto tono de adoctrinamiento moral. Sin embargo, este exceso manipulador se atenúa conforme avanza la película y sin ser nada del otro mundo termina por verse con cierto interés, agrado y un poco de miedo al comprobar como son nuestros semejantes.

Open 24 horas, como decía, es la tercera película de Carles Torras que se está convirtiendo en uno de las directores más empeñados en rodar en catalán. Es una película muy pequeña, muy independiente y muy corta, rodada en blanco y negro y que nos muestra el día a día de un infeliz guardia de seguridad, que vive en la periferia de la gran ciudad y que tiene una familia con un padre tirano y un hermano enfermo. Las continuas vejaciones y desprecios con los que se va enfrentando día a día, así como la manifiesta monotonía de su vida (que el director muestra haciendo que el espectador se aburra tanto como el protagonista) van haciendo que el carácter tímido del chico se vaya transformando. La película resulta curiosa y vista en la distancia (la pude ver en Sitges) incluso interesante. El problema es que es una película que de alguna manera ya hemos visto muchas otras veces (Jaime Rosales hizo algo muy parecido) y que no aporta mucho para diferenciarse y que además termina de forma algo forzada. Yo diría que una buena idea mal rematada, sin dotarla de la suficiente personalidad y dejándose llevar por esos tópicos del cine de autor contemplativo algo manidos. Pese a ello, por lo menos, es valiente dentro de nuestra cinematografía y muchos críticos, la reivindican.

Finalmente, la peor de las nominadas con bastante diferencia es Bruc, la llegenda, una especie, para que os hagáis a la idea de "Braveheart a la catalana", es decir una película de aventuras patriótica que utiliza el personaje del "timbaler del Bruc" para inventar una historia posterior a lo que explica su leyenda y mostrar una escabechina entre los buenos y nobles catalanes y los infames franceses. Aceptado ésto, al menos la película podría divertir, pero le cuesta. Su primera mitad es torpe en las secuencias de acción, en el acelerado montaje, en el guión e incluso en las interpretaciones. La segunda mitad mejora y las secuencias de acción están mejor hechas y por lo menos uno pasa el rato cuando ya no contaba con ello. Destacar la interpretación de Juan José Ballesta, un madrileño hablando un muy buen catalán durante (y tras) la película. Por lo demás, muy prescindible.

Muchas de las películas reseñadas se pueden encontrar en filmin en catalán con subtítulos (Open 24 h, Catalunya über alles!, Tres dies amb la família y El cant dels ocells). También lo están Joves, Trash y Negro buenos Aires. Las otras son muy fáciles de encontrar. Tanto Pa negre como Bruc, la llegenda (en castellano Bruc, el desafío) están editadas en dvd. Y Eva lo estará en breve. Si estáis interesados, a disfrutarlas.

The Turin Horse de Béla Tarr

2012-02-10T21:14:00.005+01:00

Hoy se estrena en algunas salas de España la última película del cineasta húngaro Béla Tarr. Es la primera cinta de este director que se estrena en cines en nuestro país y de forma muy precaria (en Barcelona está en una sola sala, dos sesiones diarias, no quiero ni imaginar en el resto de España). Béla Tarr ha asegurado que éste es su testamento cinematográfico y que no piensa rodar más películas, con lo que uno, dada la importancia en círculos cinéfilos de Tarr, se apena de la lamentable distribución que sufrimos. No he visto demasiado cine del director húngaro, pero el suficiente como para reconocer su voz única y personal, ajena a seguir modas y ajena a crearlas, lo que le convierte en un director necesario para el cinéfilo curioso e inquieto. Pude ver The Turin Horse en el festival de Sitges y me apasionó. Le puse cinco estrellas, la consideré la mejor película del festival junto con Drive y posteriormente la colocaría en el Top-1 de mi lista de pelis vistas en festivales y no estrenadas comercialmente.

El cine de Béla Tarr no es para todos los públicos, como a estas alturas ya sabréis. Os recuerdo el primer trailer que apareció, para que os vayáis haciendo a la idea:

Ahora ya disponemos de un segundo trailer más extenso:

Desde que yo hablase de The Turin Horse otros colegas blogueros han reseñado la película. Os las enlazo para poder leer sus interesantes opiniones. Sé que me dejo alguno, así que si el olvidado lee este post que me lo haga saber en los comentarios y le incluyo.

El antepenúltimo mohicano

Un blog de José Barriga

Esculpiendo el tiempo

Nenúfares efervescentes
Después de 1984

Hoy, como cada viernes, he comprado El periódico y he leído con atención a mi crítico de referencia, Quim Casas, que me ha copiado las cinco estrellas :). Os dejo un extracto de su crítica:

"Cada plano de Béla Tarr esconde un misterio y incluye toda la pureza del cinematógrafo...Enfrentarse a The turin Horse es lidiar con un enigma, someterse a un proceso hipnótico de fascinación que surge del tratamiento del sonido y de la luz en blanco y negro, del movimiento de los cuerpos humanos que no hacen otra cosa que dejar que el tiempo pase hacia la esperada y obligada mortalidad...Aunque Tarr no repite ni un solo plano de la misma manera, siempre filma lo mismo. De la cadencia diaria de este hombre que vive de la faena con su carro y de su hija que lo cuida en una casa espartana surge una historia sobre el fin de los tiempos"

Finalmente, os adjunto la crítica que realicé tras verla en el Festival de Sitges:

"The turin horse, es la que parece será la última película del director húngaro Béla Tarr. Voy a aclarar dos cosas antes de mi elogio. Primero, la película es para una absoluta minoría de público dado su brutal lentitud, su trama no mínima, sino casi inexistente y su austeridad en todos los aspectos. De hecho, la película la vino a presentar el distribuidor (Paco Poh) y dijo, en tono muy calmado, que si no nos gustaba la película nos fuésemos, que no nos preocupáramos, que era normal, que en Berlín se había ido el 30% de la sala y que lo importante era que los que se quedaran porque les gustaba la disfrutaran. Se fue bastante gente durante la proyección, pero mucha menos del 30%. En segundo lugar quiero dejar claro que pese a que me gusta a veces el cine contemplativo, no siempre comulgo con él y que no es mi intención ir de listo ni de intelectual. Si al peli me hubiese aburrido y no me hubiese ofrecido nada la hubiese suspendido y lo hubiese dicho. Dicho esto...The turin horse es una obra maestra. La película, de dos horas y media, se inicia con un larguísimo plano de una caballo y su dueño luchando contra un viento huracanado hasta que llegan a una cabaña en medio de la nada. La imagen es en un hermoso blanco y negro y la cámara acompaña sigilosa a los protagonistas. En esta cabaña viven este señor y su hija. Recogen las cosas del caballo, lo meten en el establo, descansan en casa, cenan patata hervida y miran por la ventana. El segundo día las acciones se repiten. La chica se levanta, en medio del huracán que rodea la casa va a buscar agua al pozo, beben aguardiente, preparan al caballo para salir, pero este se niega a moverse, descansan, cenan patata hervida y miran por la ventana. Llega el tercer día y pasa exactamente lo mismo. Llevamos más de una hora de película y aún nos queda hora y media. Tras un inicio en que me aburro un poco mi percepción cambia. Me siento absolutamente fascinado, totalmente hipnotizado por la historia. A partir de aquí se van produciendo algunos pequeños cambios en el día a día de los dos protagonistas. Cambios que nos parecen grandes acontecimientos. Además el relato se va adueñando de un aire apocalíptico, simbólico y filosófico. ¿Estamos ante el fin del mundo? Ya me da igual que quede hora y media o cinco horas, ya estoy dentro y siento cada escena como parte de un todo elemental, de un sueño largo, hipnótico, de una vida lejana que se me ha permitido ver. En contra de todas las modas, en contra de toda concesión al público, Béla Tarr se despide con esta larga y austera historia de mínimos, pero a su vez de máximos. Porque a veces, de la historia más pequeña se puede extraer lo universal. Una auténtica obra maestra que nos envuelve, nos aterra, nos aburre, nos sorprende, nos hace sentir el soplo del viento, el aliento de los personajes, la soledad, el deber de vivir, la supervivencia".

En Sitges (ya me perdonaréis pero allí uno anda muy cansado) me olvidé de citar uno de los principales motivos por los que la película produce la fascinación que produce. Se trata de la envolvente música que acompaña y mece cada uno de los planos de la película. Como bien dice Quim Casas la película es un reto y un misterio. Dada a múltiples lecturas e interpretaciones. Austera y bella. Para cinéfilos exigentes y atrevidos. Un verdadero lujo. Seguro estaré en mi lista de mejores películas del 2012. Y seguro muy arriba. Si se estrena en un cine cercano a vuestra localidad y cumplís los requisitos no os la perdáis. Sería penoso.

Crónica DocsBarcelona (y 3)

2012-02-06T19:39:00.002+01:00

Ataviado con un sobretodo para protegerme de la ola de frío siberiano que estos días azotaba la ciudad de Barcelona y el resto de España y Europa, un servidor ha podido disfrutar del tramo final del más que interesante festival DocsBarcelona, un festival que este año ha crecido y que si bien ya lo había tenido en cuenta en pasadas ediciones, se convierte para mí en uno de los festivales obligatorios de la ciudad. Le ha venido muy bien su cambio de ubicación para favorecer una organización más que correcta (mejorable, claro) y a si a ello añadimos una mayor promoción y una selección de películas muy cuidada, al final nos encontramos ante un festival que merece la pena debido al gran trabajo que muchos profesionales realizan detrás a lo largo de todo un año. El director del festival, en la gala de clausura, auguró mayores éxitos y la intención de ganar mucho público y convertirlo en un festival popular en las próximas ediciones. Desde aquí, modestamente, le ayudaremos porque lo merece. Pero vamos a hablar de las películas que he podido ver estos últimos días, que han sido bastantes, y de las que hay pleno de diversas estrellas. Empecemos por las que más me han gustado y finalmente hablaré un poquito de las que menos.
Pero antes dejadme que os recuerde que desde el blog Después de 1984 también han seguido el festival y en muchos casos nos hemos hecho compañía mutua. Ellos han hecho tres crónicas del festival que os recomiendo mucho como segunda opinión y porque algunas de las películas que ellos han visto, yo no he podido ver. Podéis leer los tres posts aquí, aquí y aquí.
Para ver el palmarés, os remito a esta página de filmin donde además de los premios podéis volver a ver sinopsis y trailers de las películas premiadas.
Ahora sí vamos con las últimas películas visionadas en el festival en orden decreciente según mis gustos.

Reconozco que nada sabía del director de documentales Victor Kossakovsky. De hecho el director del festival preguntó antes de la proyección que cuántas personas habían visto alguna película suya y muy pocos levantaron la mano, así que muy pocos lo conocíamos (ahora en mi ordenador están bajando las dos películas suyas que he podido encontrar por la red). Sin embargo el hecho de que en pequeños círculos tuviese mucho prestigio, unido a que su última película estuvo nominada a mejor documental en los recientes premios europeos y que inauguró la Mostra de Venecia de este año hacia de ¡Vivan las antípodas!, a priori, la perla del festival. Y por una vez, las previsiones eran ciertas. Cuando uno va a un festival, en realidad lo que sueña es con descubrir alguna gran película que de no ser por el festival en cuestión quizás jamás hubiese descubierto. La película de Kossakovsky cumple con creces estas expectativas.
¡Vivan las antípodas! es un documental contemplativo, minimalista y preciosista que nos muestra cuatro partes del mundo y sus respectivas antípodas, es decir, los dos puntos del globo terrestre que se unirían si cavásemos un túnel que atravesase la tierra. Las cuatro antípodas resultantes son: Entre Ríos (Argentina) y Shangai, la Patagonia chilena y el lago Baikal en Rusia, España y Nueva Zelanda y finalmente, Botswana y Haway. A partir de aquí su director nos muestra algunas imágenes de una belleza sublime, crea secuencias que son auténticas obras de arte, nos muestra lugares, sonidos, naturaleza, fauna, formas de vida y mucha belleza. Las localizaciones son espectaculares, la fotografía hermosa, los movimientos de cámara (en muchas ocasiones circulares) son a veces tan imposibles como impactantes. El resultado global, estéticamente, es estremecedor. Además, Kossakovsky prueba de establecer paralelismos entre las dos antípodas, o bien conceptuales o bien estéticos y pese a cierta irregularidad en algunas secuencias en contraste con otras logra resultados difíciles de olvidar. Veo muy complicado que ¡Vivan las antípodas! se estrene en los cines, sin duda el lugar idóneo para disfrutarla, pero al menos, en cuanto aparezca por la red o si se edita en DVD, no dudéis en descubrirla.

Clausuró el DocsBarcelona 2012 The human tower, película co-producida por India, Chile y España y que habla de lo que aquí en Cataluña conocemos como "Castellers" y en otros lugares como "Torres humanas". Es quizás el documental de discurso más sencillo y llano del festival. Nos muestra hombres y mujeres de tres puntos del mundo, Bombay, Cataluña y Santiago de Chile cuya ilusión es lograr superarse y hacer cada vez una torre que logre acercarse más al cielo. Cada uno a su estilo y con sus dificultades y particularidades se entrenan y luchan para logralo haciendo de ello el motor "espiritual" de sus vidas. Contra todo pronóstico dadas las previsiones que tenía, la película es hermosa y logra conmoverme. En unos tiempos en que la vida se ha vuelto tan ruin y compleja, la película nos lleva un poco a la esencia de nuestra humanidad. Importa el objetivo, el esfuerzo, la ilusión, el trabajo en equipo, el contacto entre las personas, los abrazos tras el éxito, los ánimos que nos dedicamos, la protección que nos brindamos. Importa subir más arriba, y más allá de la obvia metáfora, la fisicidad desnuda de la película, la esencia de los sentimientos que en ella se muestran, terminan por conmover. Una muy buena película, y en este caso, para todos los públicos y edades.

How I filmed the war es una difícil cinta de cine experimental. He de decir que la película se compone de tres partes muy diferenciadas. Durante la primera mucha gente se salió del cine, nadie salió durante la segunda ni la tercera. Es la recompensa del tozudo o del que tiene por principios no abandonar una sala de proyección, principios que tras visionar esta película uno renueva y carga de sentido. Y es que la primera parte abusa y mucho de la paciencia del espectador. Contrapone enormes parrafadas de la autobiografía de Geoffrey Malins con poquísimas imágenes que tomó en el frente de la Primera Guerra Mundial y que eran una forma muy pionera de documentar una guerra. Tras más de media hora leyendo lineas de autobiografía en fondo blanco y sin casi ver imágenes (y preguntándome el sentido de la película), termina el diario y el film pasa a mostrarnos un fragmento muy largo de la película resultante rodada en 1916 de la Batalla de Somne. La filmación, claro, resulta curiosa e interesante y uno empieza a dar por buena la paciencia invertida en casi la primera mitad de cinta. Pero aún hay un último tercio, el mejor, donde se cuestiona la veracidad de lo grabado por Malins y en consecuencia, lo narrado hasta entonces por el film. Es ahí donde la película crece y trasciende y lanza un discurso de altos vuelos que da sentido a todo lo acaecido hasta entonces. Finalmente el film merece, y mucho, la pena. Éso sí, la inversión de paciencia nos ha desgastado un poco.

También muy interesante resultó la película polonesa Phnom Penh Lullaby, que nos narra la relación muy disfuncional entre un israelí y una vietnamita en Cambodja. En ella aparecen muchos temas, desde las relaciones abocadas al fracaso, a las dificultades y desconfianzas que surgen en el intento de relacionarse dos culturas, al sufrimiento de los niños en estas relaciones. La película es dura y triste y se desarrolla en una Cambodja que parece el mismo infierno, llena de vicio y corrupción y donde es más fácil encontrar un menor que se prostituya que un oasis de tranquilidad. Sin embargo, el caos de la ciudad, no sé si a propósito, se apodera de la cinta en su segunda tramo haciéndola algo cansina en su desestructura. Al tiempo, el "frikismo" de los protagonistas termina por resultarnos muy excesivo y nos acerca en parte a la incomprensión y con ello, a la desconexión. Pese a ello, la película es muy recomendable y no se olvida con facilidad.

Finalmente voy a hablar muy brevemente de las dos películas que según mi opinión merecen el suspenso en este festival. La primera, El cine de Paco, tiene como principal defecto que no da lo que promete. Dice la sinopsis y el inicio del film que se ha accedido a las imágenes del NO-DO no editadas y proyectadas durante los años del franquismo y suponemos se van a mostrar sucesos muy reveladores de la censura y el montaje de dichas películas propagandísticas. Pero al final el material al que se puede acceder es muy limitado, apenas unos minutos, y no revela nada más que (¡sorpresa!) el caudillo no era el que pescaba los grandes peces con los que posaba en el NO-DO ni jugaba bien al golf. Todo ello muy inocente, muy básico y con un tonito de humor algo molesto. Por lo menos, las imágenes que se nos muestran del NO-DO (y que son las emitidas en su momento en cines) son suficientes como para no aburrirse y mantener la curiosidad durante la proyección.

Terminaré con Tse, una película israelí de 34 minutos que pareció durar cinco horas. Se compone de tres partes. En la primera, la más interesante, dos mujeres hablan sin tapujos de sus tendencias sadomasoquistas. Sin embargo, cuando nos anuncian que van a practicar una práctica exorcista vinculada al sadomasoquismo empiezan a hablar de política y de Israel y de Palestina y intentan vincular y mezclar dicha práctica con la situación del país. La segunda parte es la escena sadomasoquista, explícita y en la que la mujer a que practican el exorcismo lanza proclamas fascistas con trucajes de voz mientras se insertan ilustraciones de demonios. La tercera es una escena musical fría y no acorde con lo visto con anterioridad. El resultado final es un despropósito infame y aburrido, que seguro quería contar algo, pero que se queda en una muestra de rompedora estupidez.

Pues hasta aquí el DocsBarcelona 2012. El año que viene retomaremos el festival con la esperanza de que siga creciendo y, al menos, mantenga el interesante nivel de este año.

Crónica DocsBarcelona (2)

2012-02-04T11:35:00.000+01:00

Pues vamos a hablar de las películas vistas el jueves y el viernes en el DocsBarcelona, menos de las previstas por problemas con las entradas y con los visionados on-line para acreditados que no voy a tratar ahora porque son problemas míos y que a nadie interesan, pero que como siempre se solventarían con una mejor organización por parte del festival, que por otra parte, nos trata con una ambilidad exquisita.

Las tres películas que voy a poner a continuación comparten valoración. Pero pese a las tres estrellas con las que las catalogo algunas me han gustado más que otras. Así que voy a empezar por la más interesante para terminar por la más floja, aunque todas ellas (como las tres estrellas indican) recomendables.

El huaso

Película chilena en que un joven cineasta (y bello, estuvo con nosotros tras la proyección charlando muy amablemente de su cinta) explica la historia de su padre mientras éste espera los resultados que le indicarán si tiene o no alzheimer. El hombre, afectado por la posible repercusión para él y su familia si se le diagnostica la enfermedad, tiene decidido que antes de que su estado sea malo, se suicidará. Y de ello va la película, de como el padre del realizador se plantea el suicidio, como lo enfoca la familia y como el suicidio ya estuvo presente en la vida familiar, ya que el abuelo, aquejado de una depresión, lo llevó a cabo muchos años atrás. Pese a que el realizador explicó que la intención de su padre al hacer el film era hablar de la eutanasia, esta película íntima evoluciona y termina por mostrar máximas como el miedo a la enfermedad y el dolor, las diferentes maneras de vivir la adversidad, las diversas formas de encarar la muerte propia y de un ser querido y sobretodo la brutalidad de ciertos estados de ansiedad y depresión que conllevan a quien los sufre a una perenne infelicidad. La película por momentos emerge con su radical sinceridad, con su duro discurso filosófico y en otras ocasiones sucumbe ante la impostura de la puesta en escena. Viéndola se me ocurrió una pregunta, ¿cuanto hay que mentir durante el proceso de un documental para lograr la verdad de aquello que se explica? Muy recomendable.

There once was an island

Brillante título y brillante idea inicial para llevar a cabo una película. Nos habla de la isla de Takuu en Papua Nueva Guinea, una isla que apenas tiene 400 habitantes, menos de un kilómetro de longitud y se eleva un metro sobre el nivel del mar. Las gentes de la isla viven de forma primitiva, explotando sus tierras, de la pesca y no conocen el dinero. Pero la isla, debido al cambio climático, cada año pierde metros que gana el mar y las inundaciones de toda la isla debido a las subidas de marea empiezan a ser una constante. Así que sus habitantes deben enfrentarse a si deciden abandonar la isla para caer en una vida de marginación en una isla mayor en la que deberían buscar trabajo y ganarse la vida o arriesgarse a quedarse. Tan buena idea no evoluciona mucho durante la película y el interés se va convirtiendo, con el metraje, en un cierto sopor. Quedarán algunas escenas, como la filmación de una de las subidas de la merea, ciertos hábitos de vida de los habitantes de Takuu y la idea en general, así como el lamentable e inexorable destino de sus habitantes. Pero creo que se le podría haber sacado más jugo a la historia.

Japó, visions imaginades

Este cortometraje catalán también tiene un buen punto de partida algo desperdiciado. Un joven viaja a Japón, sin conocerlo, para encontrar el Japón que tenía en su imaginario debido a los cómics y la cultura popular. Contrasta ciertas escenas de sus dibujantes favoritos con los comentarios de ellos sobre el país y lo que va encontrando, que le recuerda a la idea preconcebida que tenía, y termina por viajar sin ton ni son y produciendo mucha envidia y perdiendo el discurso de la narración. Las imágenes de Japón bien merecen la visión del documental. La idea y el guión se pierden y desprovechan el brillante punto de partida.

Finalizado el festival haré un último post con lo visto estos dos últimos días. Espero que sean algunas más que hoy. Recordad que si queréis más información sobre el festival tenéis un enlace directo pinchando en el cartel del mismo, en el margen derecho de este blog. A ver si nos vemos por allí.

Inauguración DocsBarcelona: Ithemba

2012-02-02T00:37:00.000+01:00

En el acogedor Petit Palau de la Música Catalana y en una gala inaugural sencilla, cercana y sobria ha dado comienzo la edición número quince del fetival de cine documental DocsBarcelona. Un servidor ha podido asistir al acto en compañía de BCNdays del blog Después de 1984 (las fotografías son gentileza suya) y aunque las horas ya empiezan a ser algo abrumadoras tengo intención de compartir mis impresiones de la película inaugural con todos vosotros (en Después de 1984 también irán informando sobre el festival durante esta semana).

Tras breves e interesantes discursos de los máximos responsables del festival, Tue Stenn Müller y Joan González y una breve introducción del material que estábamos a punto de visionar por parte de su directora, Elionor Burkett (en el centro de la foto superior) ha dado comienzo la película en cuestión: Ithemba cuya traducción al español sería "esperanza".

En principio Ithemba era una película que me daba pereza. La sinopsis nos anunciaba un film de chavales discapacitados en Zimbabwe que intentaban combatir su minusvalía con la música, ya que formaban un grupo que aspiraban les convirtiese en "personas normales". Yo, muy aprehensivo con estos temas y muy esquivo a películas manipuladoras de los sentimientos no tenía mucha confianza en salir con sensaciones positivas de la proyección. Sin duda me equivocaba, ya que la película es espléndida. La directora, bastante pudorosa, nos muestra en parte las dificultades diarias de los chicos para realizar sus actos cotidianos, en algunos fragmentos también nos destapa sus sentimientos heridos o sus dolorosos pasados, a veces nos enseña como el país en el que viven, Zimbabwe, es un país roto por las deudas y sin ninguna esperanza, pero por encima de todo nos sorprende con las ganas de estos chavales de vivir, con su energía, con su entrega y con su muy estimulante música.

La chica, la cantante, una de las más castigadas por la minuvaslía, tiene una cara hermosa y una voz prodigiosa. En un momento de la película, mientras por la calle se siente observada con desprecio por aquellos que le rodean lanza una de las frases de la película "algunos se creen que por tener piernas y brazos tienen cerebro". Y es que la minusvalía en la sociedad africana se relaciona con brujería y se trata a las personas con desprecio haciendo muy difícil la integración. La película nos habla a pinceladas de todos estos temas sociales, de los problemas del país, del afán de superación de los chicos, nos deja disfrutar de su música y está teñida en gran parte de su metraje de un sentido del humor, a veces algo macabro por parte de los mismos protagonistas pero siempre ocurrente (solo en alguna ocasión se acerca a la burla sin pretenderlo, quizás lo único reprochable de la película). Así pues, uno viendo el film no puede evitar sonreír o incluso reír en algunas ocasiones, sorprenderse por la calidad de la música que sus protagonistas practican y emocionarse con una historia de gente real que lucha contra su destino y el de su país para lograr cumplir una ilusión. Lejos del tremendismo vouyeaur, lejos del melodramatismo lacrimógeno, cerca incluso a veces de un cierto optimismo vital, la película nos hace partícipes de unas vidas que nos costará olvidar. Un documental mucho más emotivo que la mayoría de ficciones que nos emocionan en el cine. Al finalizar la proyección, la ovación ha sido larga y unánime.

En la película había canciones de todos los estilos, algunas en que la cantante lucía más su hermosa voz, pero esta con la que concluyo este primer post del Docs, con ritmos muy africanos, es muy disfrutable. No os la perdáis.

12 propuestas para el DocsBarcelona 2011

2012-01-30T17:56:00.001+01:00

El Docs Barcelona llega a su quinceava edición y parece aterrizar en la Ciudad Condal con más fuerza que nunca. Yo no recuerdo tanta publicidad y banderillas adornando la ciudad en otras ediciones (aunque también puede ser un problema de memoria) ni tanto revuelo mediático. Pero es que además la programación de este año luce muy interesante y el festival toma el centro de la ciudad, abandonando los cines Girona (gran noticia) y trasladándose a los emblemáticos Renoir Floridablanca. Como la programación se me antoja espléndida no he podido evitar que la lista de títulos que voy a recomendar baje de la docena. Y aún así me dejo cosas interesantes en el tintero. Podéis consultar la programación entera en la web del festival y saber además de la programación, sobre las interesantes conferencias o el espacio Pitching Forum. Recordad, además, que en Filmin podéis ver títulos documentales destacados de otras ediciones con una tarifa muy interesante de 7 estrenos más 14 clásicos al genial precio de 5 euros.

A continuación pues, mis doce recomendaciones, con carteles, trailers y la sinopsis, tomada del mismo festival. He intentado poner un poco de todo, en cuanto a temática y a tonos, y navegar un poco por todas sus secciones. Recordad que las fechas del festival van del miércoles 1 al domingo 5 de febrero. Acercaos porque poco a poco el documental, muy bien representado por este festival, se está volviendo imprescindible. Yo estaré por allí todos los días y realizaré un par o tres posts durante la semana para informar sobre el mismo.

INAUGURACIÓN

Ithemba, Elinor Burkett & Errol Webber
EUA, Zimbabwe 2010 72 min.

Ser discapacitado en Zimbabwe puede ser motivo de resignación o motivo de lucha. Los protagonistas de Ithemba escogen la segunda opción. Un grupo de jóvenes discapacitados crea una banda para reivindicarse como músicos, a pesar de que el camino no será sencillo. Estamos en África, los discapacitados son vistos como gente maldita, pero ellos son jóvenes, llenos de determinación y energía.
Liyana (así se llama el grupo) protagoniza una historia musical de amores y desamores, de reflexiones y esperanza.

CLAUSURA

The human tower, Ram Devineni & Cano Rojas

España, India, Chile 2011 74 min.

¿Qué es lo mejor para tocar el cielo con los dedos? ¿Hacerlo individualmente o mirar de subir colectivamente creando un castillo? Tres culturas, la catalana, la chilena y la india, miran de hacer lo mismo, sumar esfuerzos para obtener un éxito colectivo. La construcción de castillos sirve para que en Vilafranca del Penedès, en Santiago de Chile y en Mumbai decenas de hombres y mujeres se sumen para ir más allá.
La creación de castillos en épocas de crisis da sentido a esperanzas colectivas, pero no será sencillo. Excelente banda sonora.

SECCIÓN OFICIAL

¡Vivan las Antípodas!, Victor Kossakovsky

Alemania, Países Bajos, Argentina, Chile 2011 104 min.

¿Cuál sería el camino más corto entre la metrópoli china de Shanghái y Entre Ríos, en Argentina? Una simple línea recta a través del centro de la Tierra. Durante su visita a cuatro pares de antípodas, el reconocido director Victor Kossakovsky captura imágenes que ponen del revés nuestra visión del mundo. Estas antípodas parecen conectadas de una manera mítica con sus contrarias, convirtiéndose en un fascinante calidoscopio de nuestro planeta.

El huaso, Carlo Guillermo Proto
Canadá, Chile 2011 80 min.

Gustavo decide retirarse para esperar los resultados de las pruebas que determinarán si tiene Alzheimer. Busca consuelo en su tierra natal, Xile, donde perseguirá su sueño: participar como huaso en las competiciones de ganado. Mientras, su familia lucha para aceptar su decisión en relación al desarrollo de la enfermedad.

El Huaso - Trailer 1 (HD) from The Handshake Productions on Vimeo.

La nuit, elles dansent, Isabelle Lavigne & Stéphane Thibault
Canadá 2010 80 min.

Esta es la historia de una familia del Cairo y de un clan de mujeres donde el arte de bailar se transmite de madres a hijas desde tiempos remotos. La matriarca conduce a la vez la familia y el negocio, a veces con paciencia pero casi siempre con mano de hierro. El punto de encuentro familiar es un pequeño apartamento donde fluyen constantemente las quejas y súplicas de sus hijas, pero la esperanza de una vida mejor, la ternura y la vulnerabilidad encuentran también su espacio.

FINISTERRAE

How I filmes the war, Yuval Sagiv
Canadá 2010 75 min.

En 1916 Geoffrey Malins grabó una de las batallas más duras de la Primera Guerra Mundial, la Batalla del Somme. En el filme se mostraba una brutal forma de guerra nunca retratada hasta ese momento, donde los enemigos no se enfrentaban cara a cara. How I filmed the war nos explica la experiencia de Malins al frente yuxtaponiendo imágenes de esa película con extractos de su autobiografía.

DOCSAFFAIRS

Give up tomorrow, Michael Collins
EE.UU, Reino Unido 2011 102 min.

En la isla filipina de Cebu, dos hermanas salen de trabajar y no llegan nunca a casa. Esa noche, a centenares de kilómetros, Paco Larrañaga se encuentra en una fiesta rodeado de testigos. Paco es acusado de violar y asesinar a las jóvenes. Su apariencia y un pasado de delitos menores, hace que se le eche encima la presión mediática, que aplaude su condena a muerte.
Un thriller real sobre el caso Larrañaga, para quien se recogieron más de 200.000 firmas en todo el Estado pidiendo su libertad. Un caso aún abierto.

Rouge Parole, Elyes Baccar
Túnez, Suiza, Qatar 2011 94 min.

La Revolución Árabe empezó en un país donde nadie lo esperaba: Túnez. Nadie podía anticipar la explosión que estallaría del frío invierno tunecino ese viernes 17 de diciembre de 2010, cuando la lucha por la libertad y la dignidad empezó. Las palabras y proclamas de la gente clamaban rojo carmesí. Rojo como la sangre, como las rosas, como la esperanza… y el temor.
La historia de una revolución popular, explicada de manera emotiva por sus héroes a través tanto de su silencio, como de su clamor.

DOC! DOC! DOC!

Japó: Visions imaginades, Eloy Calvo
España 2011 25 min.

¿Cómo nos imaginamos Japón? A través de las visiones personales de seis artistas catalanes que han imaginado diferentes aspectos de Japón, el autor de este documental se adentra en un viaje personal en búsqueda de los colores, las líneas y las formas de sus ilustraciones. ¿Encontrará en la realidad japonesa actual todo lo que los artistas han ideado? ¿Qué imagen se creará del verdadero Japón?

XTRA

El cine de Paco, Josep Rovira

España 2011 50 min.

Durante años, en las crónicas del NO-DO aparecía un Francisco Franco pescando enormes peces en varios ríos con una habilidad que el cronista alababa. Medio mundo ya sospechaba entonces que todo eso era un montaje, pero no había manera de saberlo porque el “noticiario documental” fue uno de los mejores inventos del régimen para hacerse autopropaganda. El cine de Paco es un pasaje para las imágenes más grotescas del NO-DO a las que se ha añadido el material nunca proyectado públicamente, mostrando así la sutileza de la censura y la manipulación del régimen.

http://www.tv3.cat/videos/3905330/Com-sha-fet-El-cine-de-Paco

There once was an island, Briar March

Nueva Zelanda 2010 80 min.

¿Qué pasaría si tu familia se tuviese que enfrentar a la decisión de dejar su hogar por culpa del cambio climático? Esta es la realidad de Takuu, una pequeña isla del sur-oeste del Pacífico. Mientras la subida de la marea inunda sus casas, la vida de esta comunidad polinesia se ve afectada por los efectos reales del cambio climático.

Dos científicos investigan la situación mientras tres personajes de la comunidad, Telo, Endar y Satty, nos permiten entrar en sus vidas, en su cultura y en las decisiones que deberán tomar.

U2. From the sky down, Davis Guggenheim

EE.UU 2011 90 min.

Imagina un barrio donde cada casa es una familia rota: la miseria, el divorcio, o alguna cosa peor. Circular por la calle y ver que en cada casa es así. Este es el terreno desafortunado de las bandas de rock. La implosión o la explosión es inevitable. From the Sky Down repasa con los componentes de uno de los grupos más destacados de las últimas décadas, U2, las vicisitudes de pertenecer a una banda de rock.

Cine Latino: La historia oficial y La noche de los lápices

2012-01-29T23:58:00.000+01:00

Otra de las secciones que va a cobrar importancia este año en el blog va a ser la dedicada al cine latino. Con la colaboración de Daniel Gálvez, colega del imprescindible blog justamente llamado Cine latino, que me ha propuesto parte de las películas de las que iré hablando en esta sección (y seguro me irá proponiendo muchas otras) trataré de dar cabida a un cine que aunque veo con regularidad no tengo tan explotado como otras cinematografías. Habitualmente la sección se compondrá de una sesión doble de alguna manera relacionada. Comentaré o haré la crítica de ambas películas, de manera más o menos breve y me encantaría que los amigos latinoamericanos que leen el blog (también el resto, claro) pudiesen participar con sus comentarios y sus aportaciones a las películas que reseño. Intentaré ir dando cabida a todos los países que me sea posible.

Para empezar voy a tratar dos de las películas argentinas más famosas de la historia. Ambas de los años 80 y de fondo social, ya que ambas tratan de las consecuencias que tuvo la última dictadura militar argentina. Desgraciadamente, Argentina, durante el s.XX, tuvo varios golpes de estado y por lo tanto diversas dictaduras y gobiernos militares. La última de ellas se produjo desde el 25 de marzo de 1976 hasta el 10 de diciembre de 1983. Esta dictadura, infame, estaría repleta de "crímenes de estado" y llenaría la sociedad argentina de "desaparecidos" y dolor. Los secuestros, las torturas, la mentira, la desinformación y el miedo fueron el día a día de la dictadura. Mucho del cine argentino posterior trata central o tangencialmente el tema de la dictadura y de su gran lacra, los desaparecidos durante la misma. Las dos películas que voy a tratar son de los años inmediatamente posteriores a la dictadura: La historia oficial es de 1985, La noche de los lápices de 1986. Ambas se desarrollan durante la dictadura, la primera en el tramo final y la segunda justo al inicio, y ambas tratan el tema de los secuestros. Pero la forma de encararlo es muy distinta en una y otra película.

La historia oficial es quizás la película más mítica de la cinematografía argentina ya que fue la primera en ganar un Oscar (posteriormente lo ganó la espléndida El secreto de sus ojos). Situada en el último año de dictadura, cuando el régimen empieza a perder fuerza, trata en forma casi de thriller, obviamente con toques de melodrama, el tema de las desapariciones y los raptos, a partir de una mujer que empieza a sospechar que su hija adoptada es fruto de un rapto, ya que su marido está directamente relacionado con los militares. La película está muy bien construida y se aleja del sensacionalismo excesivo para hacer una denuncia sin olvidar construir una historia y con mucha elegancia. Hay algunas cosas de la película que no me gustan, como cierta simplificación en el grueso del guión y la poca credibilidad que tiene la excesiva inocencia de la protagonista, que como mujer culta y profesora de historia debería ser menos crédula con su propio país y el régimen de lo que es. Sin embargo, pese a ello, la película es notable. Una de sus grandes bazas son las brutales interpretaciones de su pareja protagonista, Norma Aleandro y Héctor Alterio. También juega a su favor el interés que despierta la trama, que engancha de principio a fin y tiene un claro in-crescendo. Por otro lado, si el personaje de Norma Aleandro, pese a su evolución, no está del todo bien definido por lo que comentaba al principio, sí está muy bien escrito el de Héctor Alterio, lleno de matices y que nos muestra la normalidad del que en el fondo es un fascista de ideas neonazis, pero que al tiempo humaniza a ratos y le otorga rasgos como el miedo, la cobardía y la dignidad. Obviamente La historia oficial es muy necesaria en el periodo que se rueda pero además es francamente buena, ya que dentro del cine de denuncia y sus "tópicos" no está cargada en exceso de sentimentalismos ni es exclusivamente panfletaria, sino que sabe construir con clase una historia que envuelva el hecho denunciado.

No me parece tan buena La noche de los lápices. La película empieza justo antes del golpe militar y nos muestra las protestas de varios estudiantes por el aumento del boleto estudiantil. Una vez se produce el golpe militar los estudiantes siguen con sus protestas y sus actos rebeldes. La noche del 16 de septiembre de 1976, la conocida como "la noche de los lápices", varios de ellos son secuestrados por la fuerza en sus propias casas. El operativo fue realizado por el batallón 601 del Servicio de Inteligencia del Ejército y la Policía de la Provincia de Buenos Aires, dirigida en ese entonces por el general Ramón Camps, que calificó al suceso como lucha contra "el accionar subversivo en las escuelas". La película nos muestra lo que he explicado hasta ahora y las posteriores torturas a que los estudiantes son sometidos. Uno de ellos, Pablo Díaz, pudo sobrevivir y su relato sobre lo sucedido es la base para explicar lo ocurrido en un libro de María Seoane que se titula, claro, "la noche de los lápices" en el que se inspira la película. Obviamente la película es más que necesaria como cine de denuncia, pero sus valores cinematográficos quedan lastrados por el hecho de tener que recurrir al sensacionalismo legítimo, dado la brutalidad de lo que explica, que la causa requiere. No es que sea una mala película pero no logra las cuotas de la anteriormente reseñada e incluso diría que cinematográficamente es algo mediocre. El inicio en que muestra a los estudiantes con sus reuniones y protestas nos muestra a unos chicos algo tontos, ya que nos quiere mostrar su inocencia, pero se le va un poco la mano. La dirección es plana y falta de garra. Y las interpretaciones son correctas en algunos casos y poco más. La película, repito, es necesaria, sobretodo en el momento en que se realiza y nos indignará ante la gran injusticia y abuso de poder que supone el asesinato (o desaparición, según el estado) de esos chavales que en ningún caso superaba los 18 años y que luchaban por una enseñanza más acorde a sus bolsillos. Nada más. Os enlazo aquí una espléndida y extensa página con mucha información, y de primera mano, sobre lo sucedido aquella noche y el dolor y las consecuencias causadas para que los interesados en historia podáis consultarla.

Mi película de la semana: Los descendientes

2012-01-25T18:47:00.001+01:00

En el anterior post repasaba la filmografía completa de Alexander Payne marcada por algunas constantes muy claras. Lo que más destaca de su filmografía es su capacidad por mezclar comedia y drama o por explicarnos historias dramáticas usando la comedia. Es algo muy difícil de conseguir y es que Payne lo hace muy bien gracias en parte a unos muy cuidados guiones. Como resultado de ello nos muestra unos personajes que a veces nos resultan patéticos pero que siempre despiertan nuestra ternura. Sin embargo, pese a mantener más o menos estas constantes podríamos decir que en sus dos primeras películas (Citizen Ruth y Election) domina mucho más la comedia mordaz y hasta salvaje y en sus dos posteriores (A propósito de Schmimd y Entre copas) entra con mayor espacio el drama existencial y cierta sensibilidad y apego a los personajes. Los descendientes, una película muy inferior a las dos anteriores, se lanza de lleno al drama y lleva hasta sus últimas consecuencias esa mezcla de patetismo y ternura de los personajes.

La vida del personaje que interpreta George Clooney, un padre de dos niñas que no ha criado, hombre de negocios que no aparece por casa y con una mujer con la que ha perdido gran parte de su complicidad, cambia radicalmente cuando ésta sufre un accidente que le deja en coma. Entonces se plantea la vida que ha llevado hasta ahora y debe afrontar una situación en su vida nueva para él. La película, meritoria, me decepciona en parte debido a las expectativas que me había creado debido a las buenas críticas y a mi confesa admiración por Alexander Payne. Creo que entre sus defectos se cuentan un guión menos trabajado de lo habitual, una tendencia al melodrama que aunque quizás no es el motor de la película sino el desencadenante para mostrar las carencias en unas vidas, aparece sin demasiado pudor (es muy fácil hacer llorar al espectador con según que escenas, no tiene mérito) y ciertos momentos tópicos y de cara a la galería (los peores) muy típicos del cine americano, como esa decisión de Clooney o como esa escena final que tiene en el hospital.

Entre sus aciertos los momentos en que usa el humor para explicar la historia y tiene menos compasión por sus personajes. Es cuando el film resulta más mordaz, más bien escrito, más alejado del cine habitual de Hollywood, más cercano al cine de Payne que hasta ahora conocíamos con personajes patéticos con un punto de surrealista que nosotros salvamos de la quema y amamos por pequeñas dosis de sensibilidad que el film muestra hacia ellos, no por el tratamiento más azucarado y sencillo de hace entrar al espectador que Payne mostrará con cierta desmesura durante la película. Donde la película realmente crece y muestra sus mejores momentos es en los silencios, en las miradas, en las ausencias de discurso, cuando la acción y las excusas se desvanecen y dejan espacio a la absoluta duda existencial, a la infatigable tristeza infinita de unas vidas a la deriva. Para lograr estos instantes y otros muchos buenos que posee la película ayuda George Clooney con una muy buena actuación y composición de su personaje (todo ayuda, sus gestos, su forma de correr) que pese a ser algo sobreactuada calza muy bien con ese estilo algo esperpéntico de Payne hacia los personajes. También quisiera destacar la actuación de la adolescente Shailene Woodley y la muy breve pero espléndida de Judy Greer.

En definitiva, una película con buenos momentos, incluso alguno sublime, pero que carece del espléndido guión y esa medida mezcla de comedia que se acerca al drama de los anteriores trabajos de Payne. Su peligroso acercamiento al melodrama y algunas concesiones sensibleras al espectador lastran un poco el resultado de final de la película que pese a los múltiples premios, alguien debería ver que no está ni de lejos a la altura de algunos de los anteriores trabajos de Alenxander Payne.

Ranking Alexander Payne y cortometraje: 14e arrondissement.

2012-01-24T18:33:00.001+01:00

Pues por segunda semana consecutiva voy a realizar esta sección del ranking de todas las películas anteriores de un director que estrena, según mis gustos. Dos semanas seguidas y tres directores ha sido mucha casualidad. Estoy mirando los estrenos de las próximas semanas según filmaffinity y la verdad es que no veo hasta de aquí a varias semanas ningún director interesante que estrene del que haya visto toda su filmografía. Así que si no voy errado o hay contraprogramación de estrenos esta sección descansará unas semanitas. Incluyo al final un cortometraje de Alexander Payne que realizó para la película colectiva Paris, je t'aime, uniendo así dos secciones (ranking directores y cortometraje de la semana en un post).

Alexander Payne, que estrena la flamante ganadora del Globo de Oro al mejor drama Los descendientes, hasta ahora había realizado tan solo cuatro largometrajes en quince años. Así pues no es un director muy prolífico y parece que habla cuando tiene algo que decir (ahora ya prepara otras pelis, esperemos que la cantidad no le haga perder el nivel). Además la trayectoria de sus films, a mi parecer, es ascendente, así que es uno de los directores actuales más a tener en cuenta. Esta es mi lista, por orden estrictamente inverso a su realización (no sé si Los descendientes podrá superar a mi idealizada Entre copas):

1- ENTRE COPAS (2004)

Ganadora del Oscar al mejor guión adaptado y nominada en otras 5 categorías incluyendo mejor película, la última película hasta la fecha de Payne es una comedia amarga sobre dos hombres que se niegan a crecer y que están cargados de traumas e infelicidad. Es muy difícil el equilibrio que logra Payne entre comedia y drama, solo al alcance de los genios, y en Entre copas logra su máximo exponente. Un buen rollo y un viaje especial y muy apatecible en el inicio va dando lugar a las miserias de los protagonistas. Para mí es una auténtica obra maestra y la incluí en su día entre el Top-25 de la década pasada.

2- A PROPÓSITO DE SCHMIDT (2002)

De nuevo Payne, con la ayuda de un espléndido Jack Nicholson, mezcla comedia y drama y nos brinda un personaje que se mueve entre el patetismo y la ternura. Nos narra lo vacía que queda la vida de Warren Schmidt que tras jubilarse (antológica la primera escena) y poco después perder a su mujer debe buscar motivos por los que querer seguir viviendo. Estuvo en Cannes y ganó el Globo de Oro al mejor guión. Una muy buena película.

3- ELECTION (1999)

Entonces nadie conocía a Alexander Payne y nada hacía presagiar que esta historia sobre las elecciones que se producen en un instituto americano protagonizada por Matthew Broderick y Resse Witherspoon estuviese tan bien como está. Y es que a contrapronóstico, la película es una sátira (esta vez más cerca de la comedia que del drama) sobre la ambición y lo estúpido de los comportamientos humanos. El guión ya estuvo nominado al Oscar y Payne se empezó a dar a conocer tras ella. Recomendable.

4- CITIZEN RUTH (1996)

La ópera prima del director que hoy tratamos es una comedia de humor cínico y algo pasada de vueltas con una muy joven Laura Dern y que mezcla temas tan delicados como el aborto, los grupos de ultraderechas, las lesbianas, la influencia y atropello de la televisión en las vidas privadas, el alcoholismo y la drogadicción. Mucho material que termina por escapársele al director algo de las manos. Potable pero prescindible.

Finalmente os propongo este corto del director que como decía está incluído en el proyecto colectivo Paris, je t'aime del año 2006 y que pese a que no es un gran corto, sí que os servirá para comprobar, los que no conozcáis al director, esa mezcla de su tono entre cómico y dramático y esa sensación, entre patética y llena de ternura que despiertan sus personajes. El corto se titula 14e arrondissement. Os dejo con él. Espero hablar de Los descendientes muy pronto.

ASVOFF Barcelona 2012 - Festival Internacional de cine y moda

2012-01-23T00:36:00.002+01:00

Hoy os traigo una curiosidad de lo más "moderna" y glamourosa. De los días 24 a 27 de enero, en el Caixaforum de Barcelona se celebra el primer festival de cine y moda de Barcelona. Un festival promovido por Diane Pernet, una renombrada crítica de moda y periodista audiovisual y que ya se ha celebrado en muchas otras ciudades como París, Milán, Tokio o México DF. El festival consta de tres secciones de cortometrajes: la oficial, la de estudiantes y la de cortos realizados con el móvil.

Podéis consultar el programa en la siguiente dirección: http://www.asvoff.es/asvoff.php

Os voy a dar cuatro razones para asistir. La primera es ver el ambiente que genera este festival en la ciudad y la gente que lo visita, que seguro será glamourosa. La segunda es que casi todas las sesiones son gratis. La tercera es que de paso, se puede visitar alguna de las exposiciones del Caixaforum, también gratis, donde destaca la de los Impresionistas. Finalmente es que todo el material que he visto de este festival es por lo menos curioso, sino bueno. A continuación unos videos que lo demuestran.

Los dos trailers del festival:

Su creadora Diane Pernet hablando sobre la edición de 2011 en el Pompidou de París y de los ganadores:

Los 7 ganadores de la edición del 2011:

Películas de otros blogs: Carnival of souls (Cinódromo)

2012-01-20T21:26:00.001+01:00

El año pasado, en homenaje a Anro, adelanté la primera entrada de esta sección que tenía previsto desarrollar a partir de este año. La explicación de la sección es muy sencilla. Los que escribimos en blogs, casi siempre, leemos otros blogs y éstos nos influencian en ciertas películas ( y a quien no le ocurra ésto, me parece alguien muy poco de fiar). Así que el sentido de esta sección es hacer un poco de justicia, interactuar entre blogs, reconocer influencias y de paso dar a conocer a todo el mundo los blogs que voy leyendo y hacerlos llegar, si puede ser, a más gente. Así pues, si alguna película que no conocía, conocía pero no pensaba ver o bien tenía en una indefinida lista de espera (que puede ser sinónimo de no ver jamás, pues la lista es de cientos) como resultado de mi lectura sobre ella en algún compañero bloguero, pasa a interesarme tanto o a llamarme tanto la atención que decido verla, luego hablaré de ella en esta nueva sección, enlazando la entrada que me originó su visión y hablando brevemente del blog en que he leído la entrada. Pero bueno, para ejemplo, este primer post (bueno, segundo) tras el que espero realizar otros varios durante los próximos meses.

No conocía Carnival of souls (El carnaval de las almas), lo reconozco. Había oído hablar de ella pero jamás le había prestado atención y no la tenía para nada ubicada y por consiguiente, no tenía ninguna intención de verla. Leí sobre la película en el blog de Javier Sipmson, Cinódromo, un blog sencillo con críticas de cine (a veces también con posts temáticos en los que abarcan comentarios de varias películas) muy trabajadas y siempre con fondos musicales muy variados y estimulantes. Javier Simpson habla de todo tipo de películas, de todas las épocas, de todos los géneros, demuestra su genial eclecticismo y demuestra día a día en su blog su pasión por el cine y en los blog de los demás su enorme simpatía con comentarios agradables e interesantes. Aquí podéis leer su post sobre El carnaval de las almas.

Carnival of souls es una película del año 1962 con una historia bien curiosa. La dirigió el actor y director Herk Harvey, que pese a que dirigió varios cortos y algún documental para televisión, no volvió a dirigir ningún largo para el cine. En parte porque la película fue un auténtico fracaso comercial y pasó muy desapercibida. Sin embargo, reivindicada por algunos y convertida en película de culto el film tuvo una segunda vida y años después fue una habitual de la noche de Halloween donde la reponían en cines de todo EEUU. Aún hoy en día se pasa por televisiones durante esa noche. A su leyenda ayudó definitivamente que cineastas como George A. Romero y David Lynch la citasen como fundamental en la creación de su universo propio, luego reflejado en sus películas. Si pocos años después George A. Romero se vería influenciado por ella a la hora de rodar La noche de los muertos vivientes, desde el blanco y negro al sencillo maquillaje entre otros rasgos estilísticos, David Lynch podríamos decir que le ha sacado más partido. Ya en su ópera prima Eraserhead (también en blanco y negro) se puede ver una cierta utilización subjetiva de la paranoia del protagonista que recuerda a Carnival of souls, pero se percibe aún con mayor claridad su influencia en la banda sonora de película que recurre a sonidos estridentes y malsanos para crear una cierta ansiedad. Lynch, además, sigue influenciado por la película y sus mundos, su atmósfera, durante parte de su filmografía y Mulholland Drive, con accidente, chica superviviente y mundos paralelos es su más claro exponente.

La verdad es que si he de ser sincero la visión de El carnaval de las almas me ha parecido muy interesante y necesaria pero durante su visionado me pareció un film tremendamente irregular. La película se inicia con un accidente en el que sobrevive una chica y su deambular por el mundo tras el mismo. El inicio es muy bueno y el tramo final brillante, sin embargo una buena parte del tramo central carece de ritmo y la narración se encasquilla, repitiéndose y produciendo cierto sopor. Dicho ésto, creo que es justo destacar lo bueno de una película que ha sido tan importante (sobretodo a nivel narrativo) en la reformulación del cine de terror moderno desde entonces hasta nuestros días.

Primero de todo cabe destacar el asombroso blanco y negro con una genial y fantasmagórica utilización de las luces y las sombras (huir de una versión coloreada que circula por ahí). Destaca también la buena ambientación de algunas escenas oníricas, cercanas a la pesadilla, tanto por su sonido antes citado como por una ilógica escenificación que logra el efecto deseado. Hay a veces una cierta inconexión entre escenas y unos diálogos intrascendentes que aunque al final ayudan a ese bajón en el tramo central del que hablaba, en parte, suman algo más de extrañeza que no le viene nada mal a la película. Las interpretaciones son algo teatrales, algo excesivas y ello, mira por donde, también da un tono irreal que acerca nuestra percepción a lo onírico, a lo irreal. La película, por momentos está dotada de una atmósfera malsana, terrorífica, dispersa, neblinosa, sensual, sugerente. Por momentos emerge, tan vaporosa como torpe, aprovechando muy bien su muy bajo presupesto. Hay apariciones que inquietan, escenas que nos sumergen en la pesadilla, momentos de gran carga sensorial. Con el tiempo, en nuestra memoria, seguro se imponen a los de bajón que existen.

En definitiva, diría que la película es obligatoria para amantes del terror que quieren ver las películas claves en la evolución del género, obligatoria para los amantes de series "B", amantes de Lynch que quieran descubrir sus orígenes y amantes de rarezas de culto. Os encontraréis una película con escenas que son impresionantes, que mantendréis en el recuerdo, en general buena, pero con un importante altibajo argumental en el tramo central de la película en que ésta se encalla y tiende a la repetición. Un placer haberla visto, haberla descubierto. Gracias Javier Simpson.

Críticas estrenos 2012: Fincher, Juan de los muertos y The collector

2012-01-18T13:28:00.003+01:00

De los estrenos que se han producido este viernes 13 de enero he podido ver, de una u otra manera tres de ellos (finalmente no he podido ver la película de Álex de la Iglesia) y voy hablar con cierta brevedad de los tres.

Hay películas que solo me llaman la atención por la fidelidad que manifiesto hacia un director que me interesa. Si con La red social ya me pasó algo parecido, con Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres hallamos el ejemplo más sonado. Fincher es bueno, y ello me hace tener interés en ver esta nueva adaptación de la novela de Larsson, porque la historia ya la conocía.

Jamás me leí el libro de Stieg Larsson, en parte porque odio estas modas en que el 50% de la gente que ves en un transporte público lee el mismo libro, desconfío. Yo que siempre he leído lo que me ha apetecido más allá de cualquier moda (soy filólogo y en mis estudios, no íbamos justamente a la moda, así que quizás es de lo poco que he sacado de mi carrera) sucumbí en un par de ocasiones, un poco para sentirme como todo el mundo. Lo hice con "El código Da Vinci" y con "La sombra del viento" y me percaté de sus alambicadas y meritorias tramas pero me alarmé ante su falta de literatura, de su brutal mediocridad como textos. Creo que la trilogía de Larsson debe tener más nivel, pero jamás me atreví ni me interesó comprobarlo. En cambio, sí vi la película sueca que me pareció bastante entretenida (la primera, luego la cosa denigraba) y me harté un poco, con el tiempo, de la historia y el boom mediático y todo lo que representaba. Así, si la versión americana la hubiese dirigido un cualquiera jamás la habría visto. Pero a Fincher tenía que darle la oportunidad. Se la merece.

Y vista la película no me arrepiento, ya que el director americano la rehace con respeto pero cambiando ciertas cosas de la versión sueca y la mejora en mucho. Podríamos decir que David Fincher muestra lo mejor del buen cine americano, es decir, una factura técnica impecable (Fincher dota realmente a la película de atmósfera), un buen ritmo (el montaje vertiginoso ayuda mucho en este aspecto) y unas interpretaciones no solo solventes, sino con el carácter del que se sabe y se siente potente. Abundando más en los personajes y en su relación, llenando la trama, bastante truculenta, con los matices que las soledades de sus protagonistas aportan y clarificando ciertos aspectos de guión que en la anterior película resultaban confusos, David Fincher logra de nuevo una película excelente, cercana al tema de crímenes, criminales e investigaciones que tanto le gusta y de la que solo cabe decir en contra que al saber ya la historia, el factor sorpresa pierde su fuerza, cuando está destinado a ser el verdadero motor de la narración. De todas maneras, o bien por olvido o bien por la garra que le imprime a la película el director americano y sus dos actores principales (que bien está Rooney Mara), la película, incluso a ratos, parece estar cerca de sorprenderme, de emocionarme. Merece la pena.

Traía ya vista Juan de los muertos de Sitges. Su premisa resulta apetecible, ya que traslada las constantes del género de zombies (o la parodia del mismo, que a estas alturas también es un género que incluso en mucha ocasiones es difícil de separar del supuesto cine de zombies serio) a La Habana. El hecho de poder usar el sub-género con humor para lograr cine de denuncia o cine social en un país como Cuba resulta tan exótico como estimulante. Sin embargo, el producto resultante es más insulso de lo esperado y no colma las expectativas. Es cierto que hay momentos de mala leche incisiva y alguno gags (pocos) realmente frescos y tronchantes pero pronto la crítica se agota, el humor se desgasta y el tópico de zombies andando, putrefactos, con lentitud (aquí menos de la habitual) mientras los vivos de turno los matan termina por parecerse a cualquiera de las decenas de películas del sub-género que nos invaden año tras año. Y es un género que pese a su actualidad es muy difícil de dotar de algo nuevo. En ésta, por lo menos, la masacre se lleva a cabo en el Malecón.

The collector también podríamos incluirlo en otros de los sub-géneros más recientes del cine de terror, el bautizado como torture porn. Cine en la línea de películas como como Saw y sucedáneos donde la gracia está en ver, más o menos, como un asesino se encarniza con sus víctimas. Suelen ser películas con mucho gore, muchas vísceras, muy macabras y llenas de torturas enfermizas y sofisticadas. Como supongo que a muchos de vosotros/as no os interesa lo más mínimo este tipo de películas, no tengáis en cuenta mi positiva opinión al respecto. Si, sin embargo, sois como yo y disfrutáis de forma irracional con el gore y lo insano debo deciros que The collector es una película muy disfrutable y muy por encima de la media en lo que a estos films se refiere. Obviamente no hay que buscarle mucho guión pero la historia de torturador zumbado que se cuela en una casa está dirigida con estilo y ritmo, crea auténtico mal rollo y no escatima hemoglobina ni crueldad. Amantes del gore con clase, cinéfagos irreductibles, esta es vuestra película de la semana.

Ranking directores: David Fincher y Álex de la Iglesia

2012-01-15T23:01:00.003+01:00

Inicio una sección que trata en hablar de la filmografía de directores que estrenan película durante la semana. La haré solo cuando los directores que estrenan sean, por lo menos, interesantes y cuando haya visto absolutamente todas las películas de su filmografía (y cuando me apetezca, como pienso hacer este año). Si son interesantes y he visto todas sus películas hablaré de ellas brevemente ordenándolas según mis subjetivas preferencias, de la que más me haya gustado a la que menos.

Empiezo pues esta sección por partida doble, ya que esta semana han estrenado película David Fincher (Los hombres que no amaban a las mujeres) y Álex de la Iglesia (La chispa de la vida). Ambos directores cumplen el requisito de ser interesantes y yo he visto la filmografía completa de ambos, así que vamos allá.
Por cierto, cuidaré la selección de carteles de las películas.

DAVID FINCHER

Director americano que cuenta en su haber con nueve películas (contando la que estrena estos días) y que se encuentra entre los mejores directores de su generación alcanzando a veces cuotas de genialidad. Sus ocho películas hasta ahora, según mis preferencias son:

1- Zodiac (2007)

Largo thriller sobre el famoso "Asesino del Zodiaco", un asesino en serie que, entre 1966 y 1978, mató a numerosas personas en San Francisco, al tiempo que enviaba a los medios de comunicación cartas con pistas. La acción se centra en las largas pesquisas de dos detectives que intentaron darle caza y en las investigaciones de dos periodistas que trataron de averiguar su identidad. La gracia de la película está en la minuciosidad del proceso, en lo obsesivo del mismo, en la desesperación de los protagonistas al no lograr los objetivos, en los delgados límites entre el triunfo y el fracaso. Es una obra cocida a fuego lento y sencillamente sensacional.

2- La red social (2010)

Fincher toma una historia tan poco dada a sorprender como la biografía del creador de facebook Mark Zuckerberg y logra una película personal, densa, llena de matices y excepcional con uno de los mejores finales que yo recuerdo en los últimos tiempos. Sensacional.

3- Seven (1995)

El thriller de macabro asesino en serie y pareja de detectives con que Fincher se da a conocer y revoluciona este subgénero. Cargado de pesimismo, maldad y una atmósfera enfermiza marcada por la lluvia, la película será recordada por su final y por muchas escenas macabras que nos dejaron helados. Ejemplar.

4- El club de la lucha (1999)

Quizás un poco a contracorriente, a mí El club de la lucha me gusta, pero me carga un poco. Estéticamente impecable y revolucionaria, con un guión muy actual sobre terrorismo de "indignados" con el sistema, con un nihilismo existencial muy, pero que muy potente y con un guión alambicado y muy tramposo, la película me sorprende, y me cansa, y me flipa, y me cansa, y me indigna, y me motiva y termina en lo alto. Tan irregular como revolucionaria, me parece tan recomendable, como a mi parecer muy imperfecta.

5- The game (1997)

Divertimento algo menor de Fincher que a mi me mantiene enganchado a la butaca de principio a fin. Original, juguetón y con final polémico (¿metáfora de la manipulación de Hollywood?) siendo una película algo inferior a las precedentes (o incluso a la que viene a continuación) yo le tengo un cariño y una pasión especial. Vibré.

6- El curioso caso de Benjamin Button (2008)

Llamada a ser la película del año, cuando se estrenó en el 2008, la muy libre y excesiva adaptación de un breve cuento de F. Scott Fitzgerald está llena de buenas imágenes, de una dirección exquisita, incluso de algún momento sublime, pero a mi parecer algo falta de alma en su conjunto, con lo que decepciona un poco las grandes expectativas que uno tenía justo antes de verla. Aún y así muy buena.

7- Alien 3 (1992)

Tras seis grandes películas (lo que dice mucho en favor de Fincher) por fin una muy inferior. La tercera y claustrofóbica entrega de la saga Alien, pese a no estar del todo mal, no está a la altura de sus dos precedentes (ni de la posterior de Jeunet) y es, sin duda, la peor de las cuatro de la saga (hablo de la saga de verdad, no los posteriores sucedáneos). Era mucho pedir a un director que se estrenaba en Hollywwod manejar tan difícil presupuesto e historia. Pese a ello, creo que Fincher aprueba.

9- La habitación del pánico (2002)

Tras la rompedora El club de lucha Fincher rueda su película más comercial al servicio de Jodie Foster, con un buen punto de partida, pero que termina por carecer de personalidad y parecerse a cualquier película dirigida por alguien con cierta clase de Hollywood. Demasiado poco para Fincher. Para mí, de muy largo, la más mediocre de su filmografía.

ÁLEX DE LA IGLESIA

El personal director vasco estrena esta semana su undécima película. Director claramente irregular con estilo original y excesivo, para mí, tiene más películas fallidas que acertadas pero tiene alguna realmente buena y me merece el respeto del que tiene personalidad y estilo propio. Sus diez películas hasta la fecha:

1- El día de la bestia (1995)

La segunda película de Álex de la Iglesia sigue siendo un film de culto en medio mundo y revolucionó de forma definitiva un fantástico español que estaba muerto. Tan pasional como irregular, sus defectos son claramente sobrepasados por su entusiasmo y su originalidad. Quizás objetivamente no sea su mejor película pero la frescura de la propuesta es imposible de superar y ya forma parte de la historia del cine español.

2- Balada triste de trompeta (2010)

Para que el excesivo y esperpéntico cine de Álex de la Iglesia cuaje necesita de un guión en el que este exceso tenga sentido. La película que mejor demuestra ésta teoría mía es su hasta ahorta último film, ya que la historia podrida, lamentable, putrefacta y esquizofrénica de las dos Españas le sirve para desplegar toda su mala leche y todo su exceso visual y argumental. Es una película demencial Pero tiene sentido. Para mí, casi una obra maestra.

3- La habitación del niño (2006)

Película dirigida para televisión para el trabajo conjunto Historias para no dormir, merece la pena incluirla entre sus trabajos para cine, no solo por su factura, sino por los resultados. Y es que esta historia de casa con bebé y presencias da bastante miedo y a veces hiela la sangre. Una demostración de que Álex se puede manejar bien en el cine de género más serio y contenido. Aterradora.

4- La comunidad (2000)

Esta comedia grotesca, pasadísima de vueltas, perversa, con referencias cinéfilas y una sorprendente Carmen Maura le valió a Álex de la Iglesia muchas nominaciones a los Goya y el reconocimiento definitivo como cineasta. Tiene sus momentos divertidos y está bastante bien, pero creo que estuvo y está algo sobrevalorada. Recomendable.

5- Muertos de risa (1999)

Justo antes de La comunidad el director vasco firmó esta estrambótica y muy excesiva comedia sobre dos cómicos que se tiene envidia y se odian a muerte. Interpretada por El Gran Wyoming y Santiago Seguro lograba mostrar el patetismo de ambos bajo el salvaje humor que impregnaba el film. A mí me pareció muy reivindicable.

6- Perdita Durango (1997)

Tras El día de la bestia de la Iglesia intenta dirigir un reparto más internacional para esta película de aventuras con toques de comicidad y mucho exceso (empezando por la interpretación de un desmadrado Javier Bardem) que no es nada del otro mundo pero se deja ver.

7- Crimen Ferpecto (2004)

Álex de la Iglesia empezaba a mostrar una alarmante falta de ideas. Tras un inicio divertido y prometedor la película se instalaba en el sopor y en los chistes mediocres. Venía tras la pésima 800 balas y el universo del director parecía agotado. Prescindible.

8- 800 Balas (2002)

Este homenaje al spaguetti western está carente de gracia y no hay por donde cogerlo. La historia de un especialista olvidado no remonta nunca el vuelo y resulta un homenaje simplón, fallido y falto de talento. Totalmente olvidable.

9- Acción Mutante (1993)

La bizarra película de ciencia ficción de Álex me aburre soberanamente. Freak, de humor muy grueso y excesiva hasta lo inadmisible, quizás la hubiese disfrutado en un entorno adecuado como una sesión golfa en Sitges o un Phenomena específico, no sé, pero desde mi casa la verdad es que la odié y me rallé como pocas veces.

10- Los crímenes de Oxford (2008)

Todo resulta inverosímil y ridícula en este thriller del director vasco con vistoso reparto internacional. Sin dominio del tempo, sin sentido e intentando imitar penosamente una manera americana de hacer thrillers sin más éxito que el desastre, al menos, quedará en nuestras retinas la Watling en delantal. Lo demás, infumable.

Cortometraje de la semana: Mirindas asesinas

2012-01-13T20:31:00.001+01:00

Cuando merezca realmente la pena seguiré colgando durante el año 2012 estos cortos relacionados con algún director que estrena película durante la semana (ni que sea por la fiel seguidora de esta sección durante el 2011, Laura Uve). Esta semana ha estrenado película Álex de la Iglesia que tiene en su haber, en sus inicios, uno de los cortos más míticos del cine español de los 90. Se trata de "Mirindas asesinas" que estoy seguro que la mayoría de vosotros conoceréis y que tiene ya muchas de las constantes del cine del director vasco. Por si lo queréis volver a ver o, por si acaso, descubrirlo.

Las mejores películas del año 2011

2012-01-11T14:18:00.003+01:00

Bueno, por fin, tras la lista de los actores y actrices más sexys del 2011, las peores películas, las mejores películas no estrenadas y las mejores secuencias, llega el turno a las mejores películas del año 2011 estrenadas comercialmente en nuestro país.

Solo dos cositas. Como este año he visto muchas películas debido a mi post semanal de "mi película de la semana" (casi 150) me voy a permitir hacer una lista muy extensa de 32 películas (¿qué pasa, no os gusta que sean 32 en vez de 30?), que son una quinta parte de las vistas y concluir este loco año en que he visto tantos estrenos con la longitud que merece. Y segundo, no hace falta decir que la lista es personal y subjetiva, que es mi opinión, que espero no compartáis (es imposible hacerlo con las 32) y que podamos discutir. Mi opinión es firme y la defenderé con uñas y dientes, pero sé que hay ausencias dolorosas para muchos de vosotros y que mi eclecticismo, del que me enorgullezco y hago gala pero que es real (y que es lo que más me divierte de mi mismo respecto al cine) hará que algunas de mis elecciones os parezcan, por lo menos, curiosas. Pues vamos allá. Las 32 mejores películas estrenadas en España en el año 2011 según mi opinión, de la 32 a la 1.

32- El gato desaparece

Porque el argentino Sorín da un giro de género en su cine sin cambiar su minimalismo habitual y nos presenta una película tan inquietante como juguetona que me gusta, me desconcierta, me divierte y me tiene enganchado al asiento de principio a fin.

31- Sucker Punch

Porque es pura diversión estética y videoclipera arrasada por la crítica e incluso por la opinión general que deseo reivindicar, ya que el director Zack Snyder (Watchmen, 300) escribe un guión pasadísimo de vueltas en el que solo importa crear escenas para lucir la estética del film. Y esta es buenísima. Una declaración de principios y una dosis de sinceridad por parte de su director. Yo me lo pasé bomba.

30- Viajo porque preciso, volto porque te amo

Porque la película de la que dije en su momento que hace de Weerasethakul un blockbuster es la rareza más arriesgada para los cinéfilos que buscan experimentos más radicales (gana a Béla Tarr de largo) que se sale airosa. Tras mezclar fotos fijas, planos de carreteras filmados de forma amateur desde un coche circulando, cielos, luz y una constante voz en off, a mí, tras titubear al inicio, la película me pareció una poesía filmada. Solo para los muy muy ávidos de encontrar nuevos medios de expresión cinematográfica.

29- Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio

Porque tras algunos titubeos (y me temo que nos viene algún otro en breve) Spielberg filma una película divertida, coherente con el mundo de Tintín, para disfrutar toda la familia y por fin con un 3D que merece la pena ver en una pantalla grande. Será la típica película que familiar que se nos pasará en televisión en fechas importantes en los próximos años. Y con el tiempo creo que será un clásico... a su manera.

28- Lola

Porque en un año en que el cine asiático ha llegado a nuestras pantallas poco y mal cabe destacar esta deliciosa película del filipino Brillante Mendoza que dentro de su minimalismo es más comercial que gran parte de su cine muy experimental. Con un tempo lento y cotidiano, la historia de estas dos abuelas luchadoras estremece y merece un puesto entre lo mejor del año.

27- Insidious

Porque para mí es la mejor película de terror estrenada este año. Pura diversión con estética ochentera con una primera parte sublime y cierto que una segunda opinable, pero tan desfasada que me divierte. La elijo porque me gustó, porque creo que estará en listas de cine de terror al finalizar la década como film destacado y para que engañarnos, para tocar los huevos.

26- Le quattro volte

Porque es un documental que de nuevo, como reza nuestro blog colega, es cine para gourmets exigentes y atrevidos. Un documental que se toma su tiempo, que contempla, que se deja fluir a sí mismo, para terminar con la máxima de "todo se transforma" de forma brillante y sorpresiva. Apto para una minoría que lo disfrutará y mucho.

25- No habrá paz para los malvados

Porque este thriller de Urbizu (del que adoro el drama La vida mancha, pero odio La caja 507) sí me perece realmente reivindicable dentro de nuestro cine pese a querer abarcar a veces demasiado y atropellarse un poco. Sin embargo el tono, su atmósfera y la brutal interpretación de Coronado lo elevan muy por encima de la mayor parte de cine español del año.

24- Mademoiselle Chambón

Porque la sensible película francesa trata una serena historia de amor tan bien como solo lo sabe hacer el país vecino. Dos personajes adultos y un enamoramiento lánguido, lleno de gestos, de miradas y de silencios culminado por dos grandes actuaciones hacen de esta película que pasó muy desapercibida un film muy a reivindicar.

23- Incendies

Porque pese a cierto guión rocambolesco que busca el impacto y cierto sensacionalismo, la película está cargada de escenas para el recuerdo por su extrema dureza y en muchos momentos en que te coge de las entrañas y no te suelta. Lo cierto es que se ve con el interés y la fascinación que produce la violencia y los conflictos armados en las personas que los sobreviven. Trágica y algo extrema.

22- En un mundo mejor

Porque pese a ciertas irregularidades en su desarollo, la directora Susanne Bier plasma un certero retrato sobre la violencia intrínseca en todos nosotros, la rabia contenida que suele explotar, la tristeza, el odio, la fragilidad del ser humano. Quizás no se atreve a llevar su tesis hasta las últimas consecuencias 8si no no hubiese ganado el Oscar) pero el camino, bien merece la pena.

21- Chico & Rita

Porque la animación con dibujos de Mariscal (por el que no tengo ningún aprecio) está cargada de magia y belleza y la película, de guión sencillo, nos remite a una canción de amor, de jazz del que adora Trueba, con momentos sublimes y otros más tópicos pero que hace de su conjunto una rara avis llena de arte y poesía altamente reivindicable, no solo en nuestro cine, sino en la animación mundial. Si esta película fuese francesa, ellos se sentirían muy orgullosos de la misma y la reivindicarían con entusiasmo. Aquí somos así...

20- Eva

Porque el debut de Kike Maíllo sorprende por su entereza y más al tratar, aunque sea de trasfondo, un género tan poco visto en el cine español como es la ciencia ficción. En Eva el género se cubre de melodrama y funcionan ambas partes y al final, se fusionan y se justifican. Una muy buena película apta para todos los públicos.

19- Guest

Porque Guerín vuelve a servirnos un documental de observación realmente interesante donde con su calma habitual escucha más que habla, da voz a los que habitualmente no la tienen y los carga de dignidad creando momentos cinematográficos de gran calado. Una película imprescindible para amantes del documental y del gran cineasta español, una voz propia y personal hace años de nuestro cine.

18- Los chicos están bien

Porque nos plantea una sencilla historia de amor lésbico sin hacer hincapié en la condición sexual de las mujeres que, claro, defienden, sienten y temen lo mismo que cualquier otra pareja más allá de su condición sexual. Cargada de mometos emotivos, de verdad y de buenas interpretaciones, la película es algo conservadora en su final pero merece mucho la pena.

17- Nunca me abandones

Porque está cargada de una atmósfera enfermiza y trágica y tiene el encanto de las rarezas no del todo definibles. La historia, triste, se ve con cierto desconcierto y horas, días, meses después flota en nuestro recuerdo como lo que es, como lo que fue, con su evanescencia buscada, lograda y que acaricia, con dolor, nuestra sensibilidad más oculta. ...

16- La piel que habito

Porque Almodóvar da un nuevo salto mortal y arriesga con una película que bordea la locura, lo demencial, lo delirante, pero que él consigue llevar a su universo y dotarla de una cierta coherencia. Con un pie en el fantástico, el manchego termina por tratar los temas habituales de su filmografía: soledad, identidad sexual, amor mal entendido. Anaya brilla y Banderas está solvente. Otra película de nuestro director vivo más genial.

15- Super 8

Porque es pura diversión dirigida por J.J. Abrahams y apadrinada por Spielberg que pretende emular el cine juvenil ochentero y lo hace con respeto, con imaginación y con clara cinefília. Con un final que la desmerece, Super 8 consigue captar el espíritu de un cine ya desaparecido y creo yo, no es fácil, sino veréis lo que intentan a partir de ahora para aprovechar el filón y los resultados. Para mí, una de las películas más divertidas y entrañables del año.

14- El topo

Porque el director de Déjame entrar ofrece una película de espionaje como las de antes, alambricada, fría, con interpreatciones excelentes y con mucha clase y atmósfera. Un verdader lujo para el cine de nuestros días, que eso sí, requiere cierta implicación, mente despierta y quizás un segundo visionado.

13- Mientras duermes

Porque aunque muy recientemente ha sido ignorada en los Goya, Mientras duermes no es solo la mejor película de Balagueró sino incluso, la mejor del año. Con un temible Luis Tosar que interpreta el mal puro y una dulce Mata Etura como vecinita de al lado (aquí no hay ninguna así) la película es u ejercicio de estilo tan divertido como demoledor que renueva nuestra cine desde dentro y que casi nadie parece valorar en su justa medida. Lo de siempre.

12- De dioses y hombres

Porque la pausada película francesa sobre monjes que defienden su fe y sus ideas hasta las últimas consecuencias es hermosa, humanista y nos habla de la fe, el miedo, la vulnerabilidad y las decisiones que las personas debemos tomar en la vida. Contemplativa y serena, pasó desapercebibida pese a su Gran Premio del jurado en Cannes. Merecía más consideración por parte del público porque es una gran película.

11- El Havre

Porque Kaurismaki salva con nota su cambio de tono hacia el cuento de hadas sin dejar de lado su humor y su hieratismo formal e interpretativo, aunque mucho más moderado que en otras ocasiones. A contracorriente, el director finlandés se inventa una fantasía en Francia sin dejar de lado a sus personajes vulgares y perdedores cargados de humanidad y conmueve y crea algunas secuencias memorables.

10- Nader y Simin, una separación

Porque el cine iraní vuelve por la puerta grande con una película que juega con diversos géneros (el thriller, el melodrama, el cine social) pero que termina por ser un retrato (dentro de lo que deja la censura) de una sociedad que se siente prisionera de su país y de sus creencias religiosas y de una gente buena, cargada de dignidad, a la que su situación personal se les escapa de la manos de forma trágica e injusta.

9- Valor de ley

Porque los Coen vuelven a tocar un género siendo tan fieles como rompiéndolo por dentro y logrando resultados muy estimulantes. En este western con muchos diálogos y con tempo lento brilla tanto el veterano Jeff Bridges como la desconocida y descarada Hailee Steinfeld. Muy en el fondo, un divertimento con mucha clase.

8- Carlos

Porque esta película (o la versión larga para la televisión francesa, que es mucho más completa) nos desmitifica a un terrorista como el Chacal y nos muestra lo rocambolesco y lleno de intereses que puede ser el terrorismo internacional. Al final, los países son tan oscuros como el propio Carlos, que termina por ser un asesino a sueldo que ha perdido sus supuestos ideales y se autodestruye con estúpido orgullo. Cargada de brutales secuencias y de un interés general incontestable, Carlos (un brutal Édgar Ramírez) es de lo mejor del año.

7- Medianoche en París

Porque el señor Allen vuelve a brindar una película exquisita tras unos años de cierto relax en que no solo da un toque fantástico y fascinante a su trama sino que la carga de diálogos inteligentes y divertidos, con guiños culturales, con interpretaciones magníficas y un tono melancólico que termina por romper mitos y falsos augurios de felicidades posibles en otras épocas. La infelicidad es condición humana, no de nuestra era.

6- The artist

Porque la sensibilidad y magia con la que está tratada la época del cine de mudo carga a la película de escenas inolvidables, tratadas con la ternura de conlleva el mimo, y termina por gustar tanto a los expertos n cine mudo como a los que jamás han visto nada más allá de Chaplin. Además la película se beneficia del estado de gracia de sus dos protagonistas principales, bellos y con una brutal química entre ellos: Jean Dujardin y Bérénice Bejo. Una gozada de film.

5- Arriety y el mundo de los diminutos

Porque aunque muchos no lo saben aún, Miyazaki es un director de la importancia de los más grandes del cine actual (no pongo ejemplos porque siempre hay el presunto cultureta que se ofende). Es esta nueva película, deliciosa, imaginativa, tierna y en parte minimalista de su estudio Ghibli, Miyazaki no dirige, pero escribe el guión, produce y se nota su presencia. Hacedme caso, y no solo si tenéis niños con la que compartirla. En una obra cargada de luz, color, poesía y optimismo. Una delicia.

4- Un método peligroso

Porque Cronenberg vuelve a evolucionar para explicarnos con la sutileza y la elegancia que caracterizan sus últimos films la historia del inicio del psicoanálisis, de Freud, de Jung y de la amante del segundo, Sabina Spielrein. Densa y compleja, la película obliga a implicarse al espectador a completarla a posteriori, pero es cine de otra liga, con riesgo suicida y con resultados apabullantes.

3- Cisne Negro

Porque el director Aronofsky es de mis favoritos y su última película (que no s su mejor film) es otro chute de adrenalina, buena dirección y entusiasmo brutal por aquello que cuenta sin tenr miedo a las últimas consecuencias y a morir de ego. Habrá quien no pueda con él. A mí me parece brillante. y la interpretación de la Portman es de enmarcar. Casi obra maestra.

2- Melancholia

Porque Trier nos remueve en la butaca, nos enfrenta al estado de depresión de la protagonista, nos manipula como quiere y nos deja desamparados ante el devastador final. Nos impresiona, nos indigna, nos desconcierta, nos aburre, nos reanima, nos enfrenta, nos hace amar el cine. Porque Melancholia es cine con mayúsculas que se renueva al tiempo es fiel a su director. Porque las interpretaciones son excelentes y con un presupuestos pequeño logra imágenes espectaculares. Imprescindible.

1- Drive

Porque es la sorpresa agradable el año. Una película de esas que están tocadas por una gracia imposible de repetir. Esa película con personaje solitario de western moderno y sin embargo urbano, de estética ochentera y de interpretaciones lánguidas que componen una de las mejores historias de amor de los últimos años, pero que al tiempo es una película de violencia extrema y que desarrollla la tesis de que cada uno es lo que es y no puede escapar de naturaleza. Fascinante.

Las mejores secuencias del 2011

2012-01-10T01:09:00.002+01:00

Bueno, vamos con el cuarto y penúltimo post resumen del año. En este caso toca las 12 mejores secuencias del año. Era un post que debía haber colgado hace unos días con un pequeño texto y una foto de la película a la que pertenece la secuencia elegida, pero mi absurda tozudez me ha llevado a buscar las 12 secuencias, y como muchas de ellas no están en el youtube, pues me he bajado las pelis por internet, he editado las secuencias y yo mismo las he subido al youtube o directamente al blog. Si alguna de ella no la podéis ver es que los derechos de copyright me están censurando. Así pues, tras unos días para completar la operación, por fin las doce secuencias (algunas, ya me perdonaréis, en una calidad justita).

Un consejo, si no habéis visto la película en cuestión y tenéis pensado verla, saltaros el video e incluso el pequeño texto, ya que los spoilers en un post así son insalvables. Encabezaré con un título, para los que nada queráis leer, que sirva como enunciado de la secuencia sin revelar nada de la trama. Vamos allá:

12- La aparición de los extraterrestres en el final de MONSTERS

Esta película de ciencia ficción reivindicable, de buena fotografía y algo contemplativa termina con una aparición de los amenazantes extraterrestres que da una vuelta de tuerca al guión y resulta realmente original y sube en mucho los enteros de la película hasta entonces. Pura magia, poesía y humanidad.

11- A Ricardo Darín se le declaran en UN CUENTO CHINO

Y Darín hace una de esas interpretaciones contenidas que tanto me gustan de él, humanizando a su personaje con una simple mirada. En este caso lo carga de amor, de ternura, de vulnerabilidad, de cobardía. Es lo que más me gustó de una película para pasar el rato: su interpretación.

10- Los créditos finales en NADER Y SIMIN, UNA SEPARACIÓN

Porque mientras aparecen, uno reflexiona sobre la situación de unos personajes que son buena gente y que las circunstancias ha llevado a un final que ninguno de los dos merece. Son un par o tres de minutos donde asume lo que ha visto en el film y lo revaloriza. Genial.

9- El encuentro con los surrealistas en MEDIANOCHE EN PARÍS

Para mí, una de las escenas más divertidas, absurdas e ingeniosas de la genial comedia de Woody Allen. Incluso yo, de risa difícil, no pude evitar una pequeña carcajada en la sala. Este vídeo solo lo he conseguido en inglés sin subtítulos, pero se entiende bien (sobretodo si ha visto la peli).

8- La escena romántica de despedida en UN MÉTODO PELIGROSO

Tiempo después de la relación que tuvieron se reencuentran Carl Jung y Sabina Spielrein en un banco. Tras hablar de cosas varias relacionadas con el psicoanálisis surge un momento triste y brutalmente romántico. No se verán más. Quizás la escena más romántica del año.

7- El baile en que solo se ven los pies en THE ARTIST

Con The artist he dudado mucho, ya que hay varias secuencias realmente buenas. Podría haber puesto el primer encuentro entre los protagonistas o la escena en que Bérénice Bejo se acaricia con la chaqueta de Dujardin, pero finalmente he optado por este exquisito y divertido baile tocado por la gracia.

6- La escena del autocar en INCENDIES

Dotada de escenas varias que e quedan grabadas en la retina por su extrema violencia, la del autobús es sin duda la más impactante de Incendies. Puede que sea sensacionalista, pero su violencia extrema y seca corta la respiración. Brutal.

5- Interpretación de Elle Fanning para el film amateur en SUPER 8

Con permiso de Carey Mulligan, para mí Elle Fanning es uno de los descubrimientos del año. Brutal actriz de edad cercana a la infancia, deslumbra en Super 8, en especial en esta escena en que debe interpretar un papel para la película amateur de sus colegas y los enamora a todos. Sería feo decir que me enamora también a mí debido a su corto edad, pero... me enamora.

4- Reconciliación de Brad Pitt con su hijo en EL ÁRBOL DE LA VIDA

Cuando el personaje de Pitt pierde el empleo y con su tosquedad habitual intenta dar cariño a su hijo y éste le admite que en el fondo, se parece más a él que a su madre, como dije en su momento en el post a mi "me emociona tanto que me conmociona".

3- El trágico baile final de CISNE NEGRO

Una secuencia que he dejado algo larga y que sin duda te sube las pulsaciones y las emociones de un film, que como todos lo de Aronofsky, ya es de por sí bastante tenso. Si ya la habéis visto os podéis volver a recrear con la escena. Si no, ni se os ocurra. Y a ver la película.

2- La escena del ascensor en DRIVE

Muy vacilona, estéticamente impecable y con un uso genial del ralentí y la iluminación, la brutal escena del asecnsor de Drive define los extremos y contrastes del film. Romanticismo, sensibilidad y violencia extrema en una secuencia absolutamente genial.

1- La secuencia final de MELANCHOLIA

Un poco más de cuatro minutos desoladores e intensos culminan la obra maestra de Trier Melancholia. Imágenes, sonido e interpretaciones brutales para estremecer a la sala hasta niveles que será difícil superar. Un final que bien merece este primer lugar del podio.

Las mejores películas del 2011 no estrenadas comercialmente

2012-01-04T16:30:00.001+01:00

Pues ha llegado el momento de la tercera lista de lo mejor/peor del año y ahora ya vamos, por fin, con un tema serio. Os voy a proponer diez películas que he visto en estos festivales que frecuento y que todavía no se han estrenado (y la mayoría no se estrenarán) en nuestro país. Así pues, las 10 mejores películas que he visto el año 2011 y que de momento no se han estrenado. Del 10 al 1:

10- Armadillo

¿Dónde la vi? En el festival DocsBarcelona

¿Se va estrenar? No, pero es fácil localizarla por internet si estáis interesados.

¿Qué dije al verla?

Es una espléndida película bélica, que empieza en las casas familiares de algunos chicos destinados a una misión en Afganistán siendo testigos de su marcha al frente y que luego rueda la misión que los chicos llevan a cabo en el país en guerra. Parece a veces difícil creer que lo que estamos viendo es un documental. Porque el ritmo y el montaje podrían ser dignos de películas de ficción bélicas como Platoon, porque las escenas de guerra son espléndidas y porque la cámara capta dentro de la estresante situación, la belleza de algunos paisajes, de algunas puestas de sol, las nimias figuras pequeñitas de los soldados, recortadas y fantasmagóricas sobre los vastos decorados naturales. La película, además de estéticamente, también es interesante en su discurso, ya que vamos viendo la locura que se acaba apoderando de los chicos, como crece la violencia, el odio incondicional, el animal que cada uno de ellos lleva dentro y que acaba saliendo a fuera, pese a la intención principal de los soldados por ocultarlo y tan solo ir al país afgano a ayudar al pueblo. En definitiva un retrato bello, crudo (hay una escena con talibanes muy fuerte), muy realista y lleno de psicología de lo que supone una guerra para los pobres desgraciados que deben sufrirla.

9- Por tu culpa

¿Dónde la vi? En el Festival de cinema d'Autor de Barcelona

¿Se va a estrenar? Lo dudo, por no decir que no rotundamente. Pero como la anterior circula por internet.

¿Qué dije al verla?

Película muy minimalista sobre una madre y sus dos hijos y un problema casual que quizás se complique, el film es de un naturalismo demoledor y trata una historia de terror cotidiano que parece casi vulgar, pero que deja demasiadas preguntas en el aire y demasiados espacios abiertos para que el espectador entre a participar en ampliar la historia. Sin duda la película tendrá muchas y muy diversas opiniones (excepto el casi incuestionable buen hacer de su actriz, una inmensa Erica Rivas), pero a mi, a parte de causarme mucha inquietud durante su visionado, me dejó una angustiosa sensación de crítica a un modelo de vida que se nos ha escapado de las manos, a unas relaciones de pareja frías y desconfiadas, a una forma de educar a los hijos, a un desamparo ante los poderes superiores, que aunque nunca están subrayadas sí que están implícitas y van calando. Una forma valiente y novedosa, a mi modo de ver, de tratar temas muy complejos con muy pocos recursos. Una joyita.

8- The Divide

¿Dónde la vi? En el Festival de Sitges

¿Se va a estrenar? Pues no lo sé, aunque su radicalidad le quita posibilidades su director ya empieza a ser un peso pesado del fantástico. Habrá que esperar.

¿Qué dije al verla?

The divide es del realizador francés Xavier Gens que hace unos años trajo la polémica a Sitges con la frenética y extrema Frontières. La película que hoy nos ocupa se acerca a las pretensiones de aquella, es decir, mostrar el horror extremo y salvaje de forma radical y directa y tener que mirarlo a los ojos. Todo empieza con una explosión que destruye la ciudad y una carrera por el edificio que terminará con un grupo de gente dentro de un bunker en los sótanos del edificio. El primer tramo de la película es muy tópico y vemos a los protagonistas muy violentos e intentando acaparar el poder frente al resto. Mientras uno se distrae y se despista pensando "vaya, más de lo mismo" algo empieza a cambiar y cuando reacciona ya está al frente del infierno. Pero deberá entrar hasta el fondo. En este segundo tramo, la película recuerda un poco A ciegas en su pretensión de deshumanizar y animalizar un grupo de gente en una situación de encierro extrema, pero mientras Meirelles lo elaboraba desde un cierto esteticismo, Gens nos sube en una montaña rusa de putrefacción. El director francés tendrá admiradores (entre los que me encuentro) y firmes detractores, pero no se le puede negar su capacidad para llegar un poco más allá de lo que la mayoría de directores nos tienen acostumbrados. Es cierto que en algunos momentos usa algunas trampas algo sensacionalistas, pero finalmente te arrastra en su exceso a los límites de la locura y la depravación. Muy dura, muy violenta, con nervio, irritante, mostrando la auténtica degradación de los personajes, humillándolos, convirtiéndolos en animales, sucios, histéricos, salvajes, Xavier Gens realiza un film muy radical en su desmesura, muy difícil de olvidar. Las interpretaciones, brillantes, ayudan mucho a dar credibilidad a una película tan extrema y que ocurre casi en un único espacio. Son interpretaciones muy duras, pero sobresale la dureza del personaje que interpreta Rosanna Arquette, que nos tiene acostumbrados a personajes extremos pero que aquí se supera con avaricia. El plano final, antológico. En definitiva, pese a un inicio flojo, una película imprescindible que también se puede odiar con toda el alma.

7- Essential Killing

¿Dónde la vi? En el Festival de Cinema d'Autor de Barcelona

¿Se va a estrenar? Me temo que no. Circula por internet.

¿Qué dije al verla?

Y hablando de películas polémicas no aptas para todos los paladares, una de ellas ha sido sin duda la brutal Essential killing. Una auténtica salvajada sin coartadas ni concesiones al espectador sobre un terrorista afgano (interpretado con soberbia por un Vincent Gallo que ganó el premio a mejor interpretación en el festival de Venecia, quizás un poco exagerado) que tras ser detenido por el ejército americano, logra huir debido a un accidente del coche que lo transportaba en algún lugar hostil de Europa del este. La película no es más que la huída de este hombre, sus ansias de supervivencia, sin discursos políticos, sin valoraciones, sin buenos ni malos, sin motivos ni explicaciones ( y solo las incursiones en un recuerdo que parece justificar la acción del protagonista se me antojan reprochables). Brutal, seca, tan salvaje como en lo que se convierte el protagonista, llena de imágenes dolorosas al tiempo que algunas muy bellas y con un simbolismo latente, la película es una rara avis sorprendente y brutal, de las que no dejan al espectador indiferente.

6- Buddha Mountain

¿Dónde la vi? En el Festival Casa Asia Film Week

¿Se va a estrenar? No. Se puede conseguir por internet con subtítulos en las páginas especializadas en cine asiático.

¿Qué dije al verla?

La película independiente china Buddha Mountain es una de las perlas y de las gratas sorpresas del festival. Tratado sobre la soledad y el deambular de los jóvenes en la China actual con similitudes con Gus Van Sant pero sobretodo con el cineasta americano Jim Jarmusch, prácticamente todo en ella resulta cautivador y delicioso. El guión, la dirección evanescente, la química entre los personajes y el ritmo pausado que mezcla drama y comedia funciona más, según mi parecer en la primera mitad de la película que en una segunda que da más concesiones al espectador (y el final no me gusta) pero las sensaciones y sentimientos que te ha ido despertando el film valen mucho más que sus posible defectos. Además, debo reconocer mi fascinación absoluta por la joven actriz Bing Bing Fan que me deja boquiabierto desde el principìo de la película hasta el final. Muy, pero que muy recomendable.

5- Poulet aux prunes

¿Dónde la vi? En el festival de Sitges

¿Se va a estrenar? Supongo que sí, dado que se estrenó la anterior película de la realizadora, Persépolis y que ésta es más comercial.

¿Qué dije al verla?

Segundo film de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, artífices de Persépolis. Como aquella, la película se basa en un cómic de la iraní Satrapi y es una verdadera delicia de película. Con una estética de cuento, que mezcla entre sus imágenes muy retocadas fragmentos de animación y que nos recuerda a Amélie de Jeunet, Poulex aux prunes no solo es un vendaval de bellas y originales imágenes sino de emociones. De forma muy original y con saltos en el tiempo, explica la historia de una familia y de algunos personajes que la rodean. Tiene la virtud de lograr emocionar y trascender al auténtico drama existencial sin borrar nunca la sonrisa en la cara del espectador. Hermosa, tierna, con momentos de emoción auténtica, con momentos de humor divertidísimos, siempre original y de estética fascinante, con un final muy emotivo en que todo encaja y entendemos a todos y cada uno de sus personajes, Poulex aux prunes es una auténtica maravilla, una película que supera Persépolis y su referente Amélie y que logra tras su visionado dejarnos con una sonrisa en los labios y un nudo en la garganta. Un auténtico milagro.

4- Red State

¿Dónde la vi? En el Festival de Sitges

¿Se va a estrenar? De Kevin Smith y gandora de Sitges... Seguro.

¿Qué dije al verla?

Empezó el día con la última cinta de Kevin Smith Red State, un giro necesario en una carrera que parecía agotada. A veces, las obras maestras, surgen pese a sus autores o pese a su director. Yo creo que Smith ya consiguió una obra maestra con Persiguiendo a Amy, casi sin pretenderlo, ya que queriendo hacer una película fresca y algo profunda sobre relaciones amorosas y de amistad, se le escapaba la trascendencia más allá de lo que él había previsto, planteando, por ejemplo, la fina linea que separa las relaciones de amistad, de colegas, del absoluto amor. Y muchas más cosas. Aquí ocurre algo parecido. Smith monta una película en que quiere cargar contra el fundamentalismo religioso, pero también contra la falta de valores, de sinceridad y de nobleza del resto de la sociedad. Para ello compone una película irregular compuesta de tres grandes nucleos. En el primero domina un discurso del jefe fundamentalista, en el segundo un excesivo tiroteo y en el tercero toda la carga de profundidad, Para mí, esa irregularidad del conjunto, hace que al finalizar la película me parezca una obra maestra, quizás sin quererlo, ya que solo de una situación aparentemente trivial o algo estúpida se puede trascender de forma categórica. Si pretendemos hacerlo nos puede salir algo como lo de Malick, y por su intencionalidad estar lejos de la obra maestra y cerca de la pedantería. La frase que encabeza el día "yo soy ateo, gracias a Dios" del maestro Buñuel, define un poco lo que yo extraigo de la película. El tratado sobre los límites entre ser fundamentalista y ateo más brutal que jamás he visto. Un estudio sobre la psique humana, sobre la fe, sobre la maldad y sobre la falacia, que termina por romper frontreras y tabús, por acercarnos a todos a la locura. Y ello, claro, no solo sin pretenderlo tanto como el resultado final, sino con partes de humor grueso muy al estilo Smith. Brillante.

3- Meek's Cutoff

¿Dónde la vi? En el Festival de Cinema d'Autor de BArcelona

¿Se va a estrenar? Por desgracias no. Se puede conseguir por internet, pero la experiencia no es la misma.

¿Qué dije al verla?

Meek's Cutoff es la mejor película que he visto en el Festival hasta la fecha. Se trata de un western de la directora Kelly Reichardt, autora de dos películas de culto como Old Joy y Wendy y Lucy. Se trata de una película que seguro tendrá fans y detractores. Es un western muy minimalista, con un guión muy pequeñito sobre unas familias en ruta que buscan agua para abastacerse mediante un guía que han contratado, hasta que la aparición de un indio incide en sus próximos movimientos. Sin principio, sin final, sin más guión que el encontrar el agua y la ambiguedad calculada sobre las intenciones del indio y algunas tensiones internas del grupo, la película se me antoja lo más cercano a la vida en el Oeste americano que jamás haya visto. Con una fotografía bellísima, esa falta de guión hace que todo lo que solemos ignorar en el cine (y en la vida) tenga importancia: las nubes, el viento, el canto de los pájaros, el paisaje árido y polvoriento, el chirriar de las ruedas de los carromatos, los rayos del sol colándose entre la naturaleza, la luz de un farolillo de mano en plena noche... La directora lo firma todo con una fisicidad extraordinaria; nos sentimos allí, parte del paisaje, parte de todo. A todo este detallismo pausado, poético, cabe añadir el rostro, los labios, de esa mujer llamada Michelle Williams erigida en bella protagonista, dulce y ruda, miedosa y decidida. En su rostro, en su expresión, está la última lámina de belleza y poesía de una película hermosa e inolvidable.

2- Confessions

¿Dónde la vi? En el Festival CAsa Asia Flm Week

¿Se va a estrenar? No, pero está editada en DVD.

¿Qué dije al verla?

Finalmente la película que prometía ser la sensación del Casa Asia Film Week, la japonesa Confessions, cumple las espectativas de sobras. La historia de una venganza tan rocambolesca que es imposible de creer recuerda a la coreana Old Boy y aunque el guión puede no ser perfecto y la película quizás no es una obra maestra, todo queda desbordado por una dirección de escándalo que la sublima al olimpo del cine que hay que ver. Tan preciosista como decadente, tan salvajemente realista como tenuemente onírica, tan irremediablemente y absolutamente moderna y tan extremamente violenta como sútilmente poética, la película es un chute de adrenalina a los sentidos, un subidón de cine rompedor, una experiencia difícil de olvidar. Mi consejo: no os la perdáis por nada.

1- The Turin horse

¿Dónde la vi? En el festival de Sitges

¿Se va a estrenar? Tiene un distribuidor español, así que pese a su nula comercialidad espero, porque la experiencia es recomendable en una sala de cine.

¿Qué dije al verla?

La tercera película del día es The turin horse, la que parece será la última película del húngaro Béla Tarr. Voy a aclarar dos cosas antes de mi elogio. Primero, la película es para una absoluta minoría de público dado su brutal lentitud, su trama no mínima, sino casi inexistente y su austeridad en todos los aspectos. De hecho, la película la vino a presentar el distribuidor (Paco Poh) y dijo, en tono muy calmado, que si no nos gustaba la película nos fuésemos, que no nos preocupáramos, que era normal, que en Berlín se había ido el 30% de la sala y que lo importante era que los que se quedaran porque les gustaba la disfrutaran. Se fue bastante gente durante la proyección, pero mucha menos del 30%. En segundo lugar quiero dejar claro que pese a que me gusta a veces el cine contemplativo, no siempre comulgo con él y que no es mi intención ir de listo ni de intelectual. Si al peli me hubiese aburrido y no me hubiese ofrecido nada la hubiese suspendido y lo hubiese dicho. Dicho esto...The turin horse es una obra maestra. La película, de dos horas y media, se inicia con un larguísimo plano de una caballo y su dueño luchando contra un viento huracanado hasta que llegan a una cabaña en medio de la nada. La imagen es en un hermoso blanco y negro y la cámara acompaña sigilosa a los protagonistas. En esta cabaña viven este señor y su hija. Recogen las cosas del caballo, lo meten en el establo, descansan en casa, cenan patata hervida y miran por la ventana. El segundo día las acciones se repiten. La chica se levanta, en medio del huracán que rodea la casa va a buscar agua al pozo, beben aguardiente, preparan al caballo para salir, pero este se niega a moverse, descansan, cenan patata hervida y miran por la ventana. Llega el tercer día y pasa exactamente lo mismo. Llevamos más de una hora de película y aún nos queda hora y media. Tras un inicio en que me aburro un poco mi percepción cambia. Me siento absolutamente fascinado, totalmente hipnotizado por la historia. A partir de aquí se van produciendo algunos pequeños cambios en el día a día de los dos protagonistas. Cambios que nos parecen grandes acontecimientos. Además el relato se va adueñando de un aire apocalíptico, simbólico y filosófico. ¿Estamos ante el fin del mundo? Ya me da igual que quede hora y media o cinco horas, ya estoy dentro y siento cada escena como parte de un todo elemental, de un sueño largo, hipnótico, de una vida lejana que se me ha permitido ver. En contra de todas las modas, en contra de toda concesión al público, Béla Tarr se despide con esta larga y austera historia de mínimos, pero a su vez de máximos. Porque a veces, de la historia más pequeña se puede extraer lo universal. Una auténtica obra maestra que nos envuelve, nos aterra, nos aburre, nos sorprende, nos hace sentir el soplo del viento, el aliento de los personajes, la soledad, el deber de vivir, la supervivencia.

Las Peores Películas del 2011

2012-01-03T17:04:00.003+01:00

Seguimos con esta semana de listas. Hoy toca el turno a las peores películas del año 2011 (estrenadas en cine en nuestro país), siempre claro, según mi opinión. Hay va mi lista, hoy de la 10 a la peor del año para que haya emoción.

10- Retless

Porque a Gus Van Sant hay que exigirle mucho más que este drama con aires de telefilm de sobremesa con enferma terminal y momentos cursis y sensacionalistas que provocan el sonrojo. Porque hay muy poco salvable en la película y el director americano nos tiene acostumbrados a mucho más.

9- Happythankyoumoreplease

Porque es el típico cine indie americano que pretende ser guay y se mira al ombligo de forma autocomplaciente y estúpida. Llena de tópicos, cursilería y buenos sentimientos melosos, la película demuestra que a veces el cine independiente está tan trillado como el comercial.

8- Semilla de maldad (Tender son)

Porque esta película húngara nos acerca a lo peor del cine europeo con ínfulas de cine de autor y que cae en la absurdidad y casi en el ridículo. Y lo de revisionar el mito de Frankenstein no hay por donde cogerlo. De hecho, no hay por donde coger nada de la película.

7- Boleto al paraíso

Porque la película cubana que representa a Cuba en los Goya está mal dirigida y tiene un par de escenas que de tan incrédulas se hacen ridículas y lastimosas. y además es un poco el todo vale para consternar al espectador, que si es listo, a media película estará pensando en la lista de la compra.

6- Mil Cretins

Porque los relatos de Quim Monzó, buenísimos y de una profundidad rotunda quedan trasformados en la película de Ventura Pons en chistes sin gracia. Además la película no tiene ninguna coherencia y su segunda parte equivoca riesgo con estupidez supina. Quim Monzó merece mucho más.

5- Confuccio

Porque a parte de aburrir al más valiente, el pobre de Confuccio nos acaba cayendo fatal entre tanto buenismo y tanta sentencia que parece sacada de un libro de filosofía barata escrito por el amigo de Jaimito. Por no hablar del lío de trama y personajes y de su monotonía. Malísima.

4- El perfecto anfitrión

Porque en el tercer golpe de efecto pierde todo el interés que en un principio presentaba y termina por ser un suicidio de historia que no hay por donde coger y que ni tan solo su excéntrico sentido del humor salva de la debacle. Ni tan solo David Hyde Pierce logra cargarla de dignidad. Un despropósito.

3- Intruders

Porque el bueno de Fresnadillo decepciona con una película que ni funciona como cinta de terror ni como drama y que tiene un guión que sería idóneo para una comedia sino fuese porque no lo pretende. Además nos presenta a un monstruo de lo más lamentable: el patético Carahueca. Basura inesperada.

2- Los pasos dobles

Porque Isaki Lacuesta se cree más listo que nadie y dice dejar al espectador la tarea de reconstruir su obra. La pretenciosidad es muy mala compañera cuando el talento no acompaña. Y pedir al espectador reconstruir un sinsentido y un despropósito es ser gilipollas. Una película que juega a ser más que Erice, Jordà o Guerín y que da pena. Por favor, no queramos llegar a la altura de lo que sin duda no somos. Ganó en San Sebastián. Y digo: flaco favor hacemos al cine rompedor y experimental si no sabemos distinguir el grano de la paja. Porque apuntarse al carro de la deconstrucción sin construir nada a cambio lo hace hasta el más tonto y normalmente es pan para el aprovechado que mañana llenará festivales. Una vergüenza.

1- La sombra prohibida

Porque esta segunda parte de La sombra Valdemar hace de la mediocre tirando a mala primera parte el Ciudadano Kane de nuestro cine. Es muy difícil explicar todo lo malo que tiene la película. Y si la ves es difícil de creer como puede ser tan mala durante su visionado. Falta de talento muy preocupante en la dirección, actuaciones pésimas y un guión delirante que parece escrito por un niño de cinco años un poco cortito. La sombra prohibida es seguro la peor película del año, pero me aventuro a decir que en la década no se hará nada tan malo. Y en la historia del cine quizás... pero tendrán que pasar muchos años...

Los actores y actrices más sexys del 2011

2012-01-01T21:59:00.002+01:00

Pues como prometí, estos primeros días del año os voy a proponer unas cuantas listas hasta culminar con las mejores películas del 2011. Y me he dicho, como quiero dar un nuevo giro este año a mi blog que mejor que empezar con un post que demuestre mi intelectualidad abrumadora... Así pues, os voy a mostrar a continuación los 12 actores y 12 actrices que más me han gustado este año y no tanto por sus actuaciones sino por su belleza o sensualidad en alguna película en concreto. Me he ahorrado titular el post buenorros y buenorras para mantener, ni que sea mínimamente mi dignidad. Pues bien, del 1 al 12 e intercalando hombres y mujeres para si alguno de vosotros solo está interesado en un género no se me aburra por el camino. Ahí va mi primer post del año, marcadamente festivo. Disfrutadlo.

1- Bérénice Bejo en The artist

Una actriz que hasta ahora desconocía. Su delicada belleza le va de perlas al blanco y negro y look años 20 que le favorece. Un papel tierno y dulce hace el resto. Resultado: mi enamoramiento. Nadie le puede arrebatar lo más alto del pódium este año.

1- Mark Ruffalo en Los chicos están bien

Su natural belleza se ve reforzada por este personaje bastante común y sin demasiado glamour. Tan simpático como natural, su papel de padre algo lascivo, algo descuidado, un poco tierno y muy humano nos gana por completo. Casi sin despeinarse, merece mi primer lugar de la lista.

2- Micaela Ramazzotti por La prima cosa bella

Cumpliría el típico papel de actriz italiana guapa y sensual que tan buenos momentos ha dado al cine del país mediterráneo. Hermosa y consciente de ello despliega buena interpretación y absoluta belleza en una película que tan solo ella sostiene.

2- Jean Dujardin por The artist

Este francés de belleza salvaje y ruda sabe refinarse y transformarse en un galán de los años 20 con un despliegue de simpatía y una gestualidad exquisita que nos transporta a la absoluta humanidad de su personaje. El público caemos como moscas en sus redes de seducción.

3- Carey Mulligan por Drive

Quizás no es la más bella del mundo pero su expresión despierta ternura, pureza, dignidad y una sensualidad casi imperceptible, como sin quererlo. La fragilidad que se nos antoja al verla sale reforzada por su papel en Drive. Yo también la protegería.

3- Ewan McGregor en Beginners (Principiantes)

Pocos actores logran estar tan bellos y naturales en todas y cada una de sus películas despertando tanto sexappeal como destilando ternura en cada una de sus interpretaciones. En Beginners no hay excepción y el actor escocés esta para comérselo... con delicadeza.

4- Marta Etura en Mientras duermes

Hace años que Etura destila una natural belleza. Este año lo ha hecho en varias películas, pero se lleva la palma en Mientras duermes. A su gracia y desparpajo habitual se le unen unas escenas de intimidad, despreocupada, con sus braguitas, que por un momento nos harán envidiar al malvado Tosar (que además es su pareja en la vida real). Pura sensualidad de estar por casa.

4- Santiago Cabrera en La vida de los peces

Su perceptible belleza se ve reforzada por su papel romántico y su mirada entre triste y melancólica. De ojos tiernos y expresivos machaca en belleza a su partenaire en esta algo fallida película chilena.

5- Nora von Waldstätten en Carlos

Cuando a las varias horas de película (yo vi la versión larga) aparece esta pálida y desconocida mujer, la pantalla se llena de una sensualidad enfermiza, de una brutal tensión sexual. Yo me quedé fascinado y aún hoy, no me he recuperado del todo.

5- Michael Fassbender en Jane Eyre

Uno de los actores del año de imagen muy versátil en cada una de sus películas nos brinda en Jane Eyre su físico más agraciado y sin duda el que le hace más justicia. Porque a parte de su intensidad y buen hacer interpretativo su belleza, como se puede ver en la foto, es de quitar el hipo.

6- Elena Anaya en La piel que habito

reivindico a la Elena Anaya actriz y a la Elena Anaya mujer desde sus inicios en África y Familia, cuando su edad era fronterizo en lo políticamente correcto de mi reivindicación. Más sofisticada que nunca, vuelve a lucir cuerpo y belleza estratosférica en el último film de Almodóvar. Y si sigo haciendo esta lista otros años puede ser casi una fija...

6- Ryan Gosling en Drive

Pues sin duda el otro actor del año. Quizás no sea el bello más bello pero luce genial en su papel en Drive donde destila tanto chulería y seguridad como fragilidad. Y claro, nos seduce hasta la médula. ¿Quién no quisiera dar un "tranquilo" paseo con él en coche?

7- Julianne Moore en Los chicos están bien

Adoro a Julianne Moore. A sus esplendorosos 51 años se muestra bella, natural, espléndida y sin tapujos en su complejo papel de lesbiana con aventura heterosexual. Además, para mi gusto, es de las mejores actrices del cine actual. Todo un lujo de actriz y de mujer.

7- Alberto San Juan en Mientras duermes

A mí Alberto San Juan me pone. Sé que no es santo de la devoción de muchos, pero me parece uno de los actores más hermosos y masculinos del cine español. Su papel en Mientras duermes es algo breve, pero suficiente para arrollarnos con su virilidad.

8- Marion Cotillard en Medianoche en París

Un clásico de la belleza de los últimos años, Marion Cotillard es guapa como pocas. En la última del maestro Allen luce su belleza casi perfecta mezclada de trajes de época y deseos efímeros que la tiñen de tenue nostalgia. Irresistible.

8- Miguel Ángel Silvestre en Verbo

Otro clásico a la hora de hablar de belleza en los últimos años, en este caso masculina. Y nunca mejor dicho porque el bueno de Silvestre respira masculinidad absoluta por cada uno de sus poros. El papel misterioso y poética de verbo le va como anillo al dedo para desplegar una misteriosa seducción. No solo caen las/los adolescentes a sus encantos.

9- Natalie Portman en Cisne Negro

Natalie Portman antes de su embarazo realizaba uno de sus papeles más físicos y sensuales, además de quizás el más brillante de su carrera. Era muy difícil no terminar absolutamente seducido por su obstinación, su serena belleza, su cuerpo de cisne, blanco o negro...

9- Gael García Bernal en También la lluvia

La belleza salvaje, atípica y estrafalaria del actor mexicano no tiene puntos en común con ninguna otra belleza. En la película de Bollaín vuelve a dar muestras de ella y es capaz de deshacer al más resistente con su fija y mirada verde miel.

10- Jamie Chung en Sucker Punch

También presente este año en la secuela de Resacón en Las Vegas, la sexy belleza de esta chica de ojos rasgados me produce la más pura lascivia. Algo superior a una racionalización coherente. Pura sensualidad. Puro deseo.

10-Brad Pitt en El árbol de la vida

Sí, vale, ya sé que no tiene mérito y que es una elección típico y tópica la del bueno de Brad, pero la verdad es que pocos lucen tan bellos en una pantalla de cine. Y Brad Pitt lo vuelve a hacer en El árbol de la vida con cualquier edad y cualquier maquillaje. y además su actuación es de lo más brillante que he visto este año. Sin duda merece su inclusión. Odio las injusticias.

11- Jessica Alba en El demonio bajo la piel

Suele darme mucha rabia la remilgada de Jessica Alba pero su papel de prostituta en la película de Winterbottom le brinda todas las posibilidades de lucir esa sensualidad que posee y que solo luce de forma algo estúpida y festiva. Aquí todo es mucho más oscuro y ella sale muy beneficiada.

11- Kenichi Matsuyama por Tokio Blues

Este joven actor japonés posee la belleza que caracteriza a los asiáticos. Sus ojos rasgados, su pelo lacio y su expresión muy melancólica conmueve y turba. Llamado a ser uno de los grandes de su generación destila sensualidad y dulzura en esta opinable aproximación al universo de Murakami.

12- Anne Hathaway por El amor y otras drogas

Pues termino la lista con la bella Anne Hathaway que nos sorprendió a principio de año presentando los Oscars y mostrando carne, talento y reposada belleza en la triste película que nos ocupa. No me quiero olvidar de ella, ni que sea en este lugar in extremis.

12- Ricardo Darín en Un cuento chino

Aunque quizás no sea la película en que sale más agraciado no quiero olvidar al argentino Darín, un hombre con una belleza sobria, fuera de toda duda, fuera de todo canon. Incluso en una película en que se le afea un poco no logran evitar que muestre la enorme profundidad y poesía que yace en sus ojos. Darín es grande.