domingo, 31 de octubre de 2010

Programación L'Alternativa 2010 (1a Parte- Sección Oficial Ficción)


Del 12 al 20 de noviembre, tendrá lugar en la Ciudad Condal; l'Alternativa, la decimoséptima edición del festival de cine independiente de Barcelona, un certamen que sin hacer mucho ruido lleva ya bastantes años con un público fiel y creciente y que ofrece unas propuestas siempre interesantes y alternativas a la industria de las que vamos a hablar a continuación. Hablaremos hoy de la Sección Oficial Ficción, para en los próximos días colgar un segundo post con el resto de la Sección Oficial (documentales y cortos) y finalmente una tercera parte desgranando la Sección Paralela, más otras actividades que propone un festival, que aún tiene el encanto de ser algo pequeñito,  tratado con mimo, en una ciudad tan grande y ansiosa de ocio.

La sección oficial se compone de tres secciones competitivas, largometrajes de ficción, largometrajes documentales y cortometrajes. Veamos hoy los de ficción.

Largometrajes de ficción

Bi, Dung So! Director: Phan Dang Di País: Vietnam / Francia / Alemania

Relato intimista sobre una familia vietnamita, tomando como epicentro un niño de seis años y la fascinación que surgirá por su abuelo, que aparece en la casa familiar tras años sin noticias de él. Debut en la dirección de Phan Dang Di, la película ha estado en festivales de pretigio, destacando su participación en la Qunicena de Realizadores de Cannes de este año 2010, donde se hizo con dos premios menores.

No parece que haya trailer, así quen de momento, os dejo un par de extractos de la película:




Estrada para Ythaca Directores: Guto Parente, Luiz Pretti, Pedro Diógenes, Ricardo Pretti País: Brasil

Película brasileña que se pudo ver en Bafici 2010. Cuatro amigos –interpretados por los cuatro directores– perdieron recientemente a un quinto compañero. Después de una noche de borrachera profunda, deciden viajar a la mítica Ithaca. Lo que buscan no parece ser un lugar físico, sino más bien algo que los acompaña desde el inicio del film y que reside en la amistad o, más precisamente, en el espíritu de esas líneas de Kavafis que abren y cierran el film: “Cuando emprendas tu viaje hacia Ithaca debes rogar que el viaje sea largo, lleno de peripecias, lleno de experiencias / No has de temer ni a los lestrigones ni a los cíclopes, ni la cólera del airado Poseidón / Nunca tales monstruos hallarás en tu ruta si tu pensamiento es elevado, si una exquisita emoción penetra en tu alma y en tu cuerpo”. Y es ese espíritu el que se descubre, afortunadamente, en la forma del film, la cual escapa deliberadamente de los parámetros de toda obra acabada, enfatizando lo errático como propuesta estética. Propuesta pues muy interesante, de la que colgamos estos cuatro trailers en uno, que se encuentran por la red.



Francesca Director: Bobby Păunescu País: Rumanía

Presente estos días en Gijón y con mucha polémica en la pasada Mostra de Venecia, la ópera prima del rumano Bobby Paunescu, cuenta la vida de una joven mujer que sueña con emigrar de Bucarest a Italia. Quiere abrir una guardería para los niños de inmigrantes y "cambiar así la percepción que los italianos tienen de nosotros". El padre intenta disuadirla y lo hace pronunciando las dos frases de la discordia:  "¿No has escuchado que esa puta de la Mussolini quiere muertos a todos los rumanos? ¿Y a aquel capullo del alcalde de Verona que ha declarado haber liberado su ciudad de los rumanos?". Debido a ellas, la nieta de Mussolini, una política de la extrema derecha en Italia y sus allegados, consiguieron parar el inminente estreno de la película tras la Mostra. Un film que según su director (criado en Milán) no va contra nadie, sino que intenta analizar los flujos migratorios entre ambos países y sus consecuencias.



Huacho Director: Alejandro Fernández Almendras País: Chile-Francia

Huacho es la exitosa ópera prima de Alejandro Fernández, que se ha paseado por diversos festivales, sobretodo de latinoamerica y que ha ganado uno de los premios importantes en Sundance. A medio camino entre el cine de ficción y el cine documental (que es hacia donde se dirige el cine más interesante en la actualidad), la película, cercana quizás al modo contemplativo a que nos tienen acostumbrados los asiáticos, nos situa en un largo día de finales de verano. Cuatro miembros de una familia de campesinos en el sur de Chile se esfuerzan por adaptarse al mundo cambiante en el que viven; un mundo donde un videojuego o un vestido nuevo pueden ser algo tan valioso como un litro de leche o un vaso de vino. Un nuevo mundo global donde los límites entre tradición y modernidad se van desvaneciendo y los valores van cambiando a toda velocidad.


Verano de Goliat Director: Nicolás Pereda País: México/Canadá

Inesperada vencedora de la sección Orizzonti, de la reciente mostra de Venecia, Verano de Goliat es de nuevo una propuesta hispanoamericana que se encuentra en un terreno híbrido entre la ficción y el documental. Este filme ilustra en 76 minutos el paso de la vida en una estación cualquiera del año de una serie de personas en un entorno rural mexicano, en el que temas como la muerte, la infidelidad o la escasez de recursos están muy presentes. Protagonizado, entre otros, por la actriz Teresa Sánchez, mezcla los testimonios en primera persona de los personajes con alguna escena cómica. Una propuesta más que interesante para conocer más en profundidad la realidad latinoamericana.


Viajo porque preciso, volto porque te amo Directores: Marcelo Gomes, Karim Aïnouz País: Brasil

Presente en la sección oficial de Venecia del pasado año y en el prestigioso festival Bafici de Buenos Aires de este año, a continuación dejo la hermosa sinopsis de Nando Salvá que encontramos en la página web de este festival y yo casi que me callo...
Viajo porque preciso… presenta una mezcla de formatos –Super 8, DV, imágenes fotográficas– y un consiguiente aire de diario personal de viaje, aunque ninguna película casera fue jamás tan bella, poética y llena de ecos míticos como ésta. Es más bien como si Karim Aïnouz y Marcelo Gomes hubieran creado un álbum de recortes mentales sobre la vida en el interior de Brasil, un paisaje yermo, que no alberga discursos políticos sobre la pobreza sino sentimientos muy íntimos. Nuestro narrador, un geólogo al que nunca vemos, mantiene un diálogo unilateral con la mujer a quien añora mientras cruza la región del Sertao. La soledad, la pérdida y la desesperación se clavan en el pecho de quien amó y fue abandonado y decide huir hacia el horizonte infinito de la carretera, el amanecer y el ocaso para comprender que nada permanece, ni las placas tectónicas ni el amor. Y mientras ese hombre atraviesa la caatinga física y emocional –poblada de cerdos enjutos, pájaros negros, putas hermosas, hoteles baratos cuyos colchones manchados de sexo se secan al sol y rostros desdentados llenos de sueños–, la naturaleza y el hombre se funden como el día y la noche, la música y el silencio, la religión y la lascivia, la podredumbre y la más absoluta pureza.


Woman on Fire Looks for Water Director: Woo Ming Jin País: Malasia/Corea del Sur

El joven Ah Fei vive en un pueblo pequeño de pescadores, donde caza y vende ranas. Su padre, Ah Kau, es pescador y está soltero. El viejo ve a su muerte acercándose y decide ir a un pueblo cercano en busca de la mujer que fue ser su gran amor, pero con quien no se casó en su momento. Su hijo está enamorado de una chica que sólo quiere una relación siempre y cuando él gane más dinero. Por eso va a trabajar a una fábrica y enfrenta un dilema cuando su jefe le propone que se case con su hija. Mientras que el padre se arrepiente de la decisión que tomó en su juventud, el hijo pareciera estar a punto de tomar una decisión similar. Woo Ming Jin (The Elephant and the Sea) uno de los grandes talentos del cine Malayo del momento, cuenta con ésta película la historia de un auténtico pueblo de pescadores, con una mirada personal sobre la decadencia local.
La película, también estuvo presente en Bafici 2010.
A continuación, el breve y bello trailer.



martes, 26 de octubre de 2010

5 películas para disfrutar de Halloween 2010

Este domingo será la noche de Halloween. Esta tradición importada de EEUU y que nosotros celebramos relativamente, tiene como punto más destacable la presencia del terror en nuestro entorno. Cada año, durante estas fechas, se estrena en los cines alguna película (esta semana se estrena, por ejemplo, Los ojos de Julia) de miedo para aprovechar esta especie de catarsis colectiva, estas ansias de gritar, de atemorizarnos. En Lost Highway Blog, no queremos dejar pasar la oportunidad y vamos a recomendar cinco películas de terror (no demasiado conocidas y relativamente recientes) para disfrutar y sufrir Halloween. Elegir cualquiera de ellas, acompañarla de una visita al cine para ver alguna de las películas de terror que estarán en cartelera y rematar la faena viendo, como no, La noche de Halloween, de John Carpenter, una de las mejores películas de la historia del género de terror, que consigue con su quietud, su música y su dirección presentarnos a un asesino tocado por una sobrenaturalidad, como pocas veces (o nunca) se ha logrado plasmar en una pantalla. Siempre es un placer volverla a ver. Ahí van mis cinco propuestas.

Possessed (2009), es una película coreana muy en la linea de un tipo de cine de terror oriental, de gran ambientación, con una estética muy cuidada, un argumento tan extraño como sugerente y muchos momentos de tensión y mal rollo.
Heui-jin regresa a casa después de que su hermana de 14 años So-jin desaparece. Su madre, una fanática religiosa, se encierra en sus plegarias para encontrar a su hija, rehusando las investigaciones de la policía. Mientras tanto, un vecino se suicida dejando una nota para So-jin, y su hermana Heui-jin, comienza a escuchar rumores de que ésta ha sido poseída. El paradero de So-jin resulta cada vez más dificil, y las muertes de los vecinos aparecen en los sueños de Heui-jin.
Una propuesta muy interesante, que no se ha editado en dvd, pero que podéis encontrar en la página de nuestros amigos de Allzine, con otro título: Living death.





Rest Stop (2006), traducida como Area de descanso, es una película de terror americana cuyo argumento, en principio, da más bien risa por lo tópico. Ahí va: una joven y su novio paran en un área de descanso de carretera, cuando ella vuelve del baño, Jess, su novio ya no esta. Desde ese momento se vera acosada por un psicópata, que le hara todo tipo de vejaciones y no descansara hasta que consiga matarla.
Sin embargo, la película, de serie B y sin pretensiones, está muy por encima de otras producciones de este estilo, con un guión lleno de giros, que mezcla realidad y pesadilla y una más que interesante dirección de John Shiban. Un entretenido slasher de carretera para disfrutar sin pensar demasiado.








Reincarnation (2005) fue la última propuesta interesante hasta la fecha del director Takashi Shimizu, que anteriormente nos había aterrorizado con toda la saga Ju-on y con la más experimental y muy infravalorada Marebito  y que últimamente malgasta su talento en remakes americanos y tonterías en 3D.
Treinta y cinco años atrás, un profesor de universidad mata a once personas en un hotel y lo graba en vídeo. En la actualidad, un director de cine decide filmar una película sobre lo acontecido y para ello contrata a la reconocida actriz Sugiura Nagisa. Las pesadillas sobre lo ocurrido en el pasado serán sólo el inicio de una serie de inquietantes acontecimientos.
Lejos de la experimentación de su anterior film Shimizu se mueve por terrenos más comerciales, pero lo hace con talento, con escenas que pese a ser tópicas, él dirige magistralmente provocando la incomodidad y el escalofrío en el espectador. A la espera de que tan inquietante director remonte el vuelo, Reincarnation es una película muy reivindicable.


Que mejor que ver una película para Halloween, que se ambienta justamente en la noche de Halloween. Trick r' treat (2008), que quizás encontrareís como Truco o trato, no solo se ambienta en tan terrorífica noche, sino que divierte y aterroriza a partes iguales.
Filme que intercala cuatro historias,  una de ellas se centra en un director de instituto que se convierte en un vicioso asesino en serie con la luna llena. Otra trata de una virgen en edad universitaria que se reserva para el hombre de su vida, a quien cree que acaba de conocer. La tercera versa sobre una mujer cuyo odio hacia Halloween sólo es superado por el amor que le tiene su marido a esta festividad. Por último, un grupo de adolescentes despiadados llevan a cabo una broma imperdonablemente cruel.
En la linea de clásicos de los 80 como Crepshow, no solo por su carácter episódico sino por su filosofía pulp, Trick r' treat es una de las sorpresas más destacables del cine de terror comercial de los últimos años.



Mucho más arriesgada y radical es mi última propuesta, la francesa Frontiere(s). Como muchos ya sabréis, el cine de terror francés ha dado en los últimos años, algunas de las propuestas más radicales del fantástico mundial. La película en cuestión, es quizás la más radical de todas ellas, por su modo de acercarse al salvajismo y a la completa histeria de la protagonista, haciéndonos partícipes. Muy excesiva, la puesta al día de La matanza de Texas, en una Francia bárbara tomada por manifestantes (os suena...) es una experiencia tan demoledora que puede echar para atrás. Si os interesa el argumento, nos situamos en el año 2007, mismo año en que se realiza la película, las elecciones francesas se resuelven entre un partido conservador y otro de extrema derecha. Ante el caos de las manifestaciones, un grupo de jóvenes han decidido aprovechar el tumulto para perpetrar un robo. Un hostal aislado parece ser el refugio perfecto, pero sus problemas no han hecho más que empezar cuando descubran que sus propietarios son un grupo de degenerados neonazis.
Adrenalina en vena para esta obra mayor y de culto que no dejará indiferente.

jueves, 21 de octubre de 2010

Crónica resumen Sitges 2010

Pues bien, casi una semana después de finalizar el festival y tras un merecido descanso, me veo en condiciones de escribir esta crónica. Al inicio del festival, expliqué que cada día haría una breve crónica y al final, una exhaustiva crítica de las películas vistas durante los 10 días del festival (que han sido 40 exactas), sin embargo, los que habéis seguido las crónicas, ya sabréis que la brevedad, no es el adjetivo más adecuado para definirlas. Así que, probablemente, esta crónica, no tiene razón de ser sin repetirse, por lo que he decidido que sea un resumen de lo que ya dijimos en su momento, quizás de más fácil manejo para ver mi opinión de las películas vistas. Ordenaré las películas según las puntué en su día, de 5 a 1, y hablaré ya muy brevemente de ellas. Para más información sobre las mismas, deberéis consultar las crónicas diarias en este mismo blog. Bien, pues empecemos.

Mis cincos

Obviamente la arrolladora Metrópolis, el clásico mudo de Fritz Lang, una de las mejores películas de la historia del cine, que se exhibió con una nueva copia con más de veinte minutos de imágenes encontradas y restauradas. Un verdadero placer para cinéfilos. También pudimos ver una copia con metraje extra de El Resplandor, otra joya, a la que quizás el tiempo no trata tan bien, pero que brilló con luz propia, primero en el cartel y luego en la proyección del Auditori en Sitges. A parte de estos dos clásicos, solo dos películas merecieron mis cincos. La primera Catfish, un espléndido documental que empieza de forma muy particular, casi anecdótica, para acabar siendo un estudio de las formas de vida de la sociedad actual, sus mentiras, sus tristezas y sus usos enfermizos de las nuevas tecnologías. Una película que demuestra que cualquiera con talento puede hacer cine y que según mi modesta opinión, es lo mejor visto en el festival. Mucho más compleja y menos popular es Unclee Bonmme who can recall his pasts lives, la última película del tailandés Apichatpong Weerasethakul, un film muy independiente y muy experimental, estéticamente y temáticamente muy ajeno al cine que vemos habitualmente, que causó enormes deserciones por aburrimiento en el Auditori, pero que yo reivindico para los seguidores del director tailandés o ávidos de nuevos lenguajes cinematográficos. Una película extraña, bella, conceptual y espiritual, en que los mundos de vivos y muertos conviven, se funden y se desvanecen en una vaporosa unidad. Un genio apto para pocos.

Mis cuatros

Bedevilled es una película coreana, mitad drama rural, mitad slasher, que pese a sus excesos (aunque hablar de cine coreano es hablar de excesos) divierte, fascina y desconcierta, siendo una propuesta interesante, apetecible y renovadora. La película revelación del festival, es decir de las que menos esperaba y que me sorprendió muy gratamente fue Insidious, un divertimento de estética ochentera cruce de cine de terror, intriga y familiar, que se disfruta con tanta intensidad como se olvida. Brillantemente dirigida por James Wan (director del primer Saw), la película depara bastantes sustos, emoción y no demasiadas pretensiones. Un soplo de aire fresco. Otro gran título fue la hilarante The red chapel, un documental denuncia en tono de comedia, sobre unos cómicos que consiguen colarse en Corea del Norte y ver el régimen desde dentro. Aunque quizás la película no pueda acabar de mostrar demasiado, es absolutamente necesaria. La mexicana Somos lo que hay, también fue una grata sorpresa. Film duro, sucio, crítico con su país, elíptico y malsano, pasó injustamente desapercibido en una Sección Oficial, que dejó mucho que desear. Quizás, la única película destacable de esta sección, a parte de la citada sea The Last exorcism, un sobrio film en formato falso documental que critica los fundamentalismos religiosos al tiempo que narra una presunta posesión que produce tanto miedo como tristeza. Una propuesta de cine de terror serio, bien realizada, brillantemente interpretada y que destila mucho realismo, pese a la estúpida inclusión de una banda sonora. Lo más importante de la vida es no haber muerto es una original película española, de estética muy cuidada, que utiliza nuevos argumentos para acabar narrando una historia de soledades, decepciones ante el transcurrir de la vida y secretos no compartidos, que es claramente recomendable y que demuestra la existencia de un cine español al margen de la industria, talentoso y que dará de que hablar en los próximos años. Finalmente, entre mis cuatros incluí la película Possessed, un extraño, perturbador e inquietante thriller de terror coreano, tan fascinante como indescrifable y que me provocó algunos de los momentos de más mal rollo del festival.

Mis tres

Pues muchos, ya que el tono del festival fue pasable en general. Visto en la distancia hay títulos con un tres que merecen más atención que otros. Es el caso de la clausura, Mother's day, un thriller violento, muy bien dirigido e interpretado, que va in-crescendo durante la película y que no deja tregua, ni segundo de aburrimiento al espectador. También vale la pena Thirteen assassins, el nuevo film, muy contenido, de Takashi Miike, una clásica historia de venganza samurai dirigida con gran virtuosismo técnico y cargado de bellas, contemplativas o enérgicas secuencias. Muy divertido fue también el documental The people vs George Lucas, donde vemos la repercusión de un fenómeno como Star Wars en los fans de todo el mundo, en que caben las opiniones y revisiones del clásico más alocadas y freaks, pero también las más serenas y serias. Realmente curiosa. También de tres alto es el nuevo ejercicio estilístico de Zhang Yimou A woman, a gun and a noodle shop, un divertimento en que su director explica una historia en que mezcla humor, ópera china y thriller americano, tan marciano como bien rodado y con una fotografía realmente espectacular. Finalmente dentro de este grupo de tres redimensionado, cabe incluir el emotivo y completo documental sobre Paul Naschy, El hombre que vió llorar a Frankenstein.
Dentro de los treses menos reivindicables está la coreana The housemaid, remake de un film de los 60 del mismo título, película tan bien dirigida e interpretada como vacua y que desconcierta por su indefinición genérica. También  bien dirigida, pero muy olvidable es Vanishing on 7th street, una película a la que falta tensión, que por momentos adormece, pero que acaba siendo rescatada por un brillante final. La película de gore asiática Dream home, no pasará a la historia, pero divierte, da gore como promete y al igual que en una película porno, el guión es un poco lo de menos. Un tanto fallida, aunque interesante, me resultó la producción europea Everything will be fine, sobre los laberintos enfermizos en que recae una mente en plena creatividad, tras un fuerte trauma no superado. Al final, la pelícual se complica en exceso y no resulta demasiado convincente. Monga, especialmente recomendada por Ángel Sala es cine de bandas juveniles y gángsters de Taiwan, con buena factura, pero muy larga y un tanto vulgar, si la comparamos con el género de gángsters a que tan bien acostumbrados nos tiene el cine y las series americanas. Finalmente en esta lista incluí dos películas de anime, la aburrida Welcome to the space show, pastiche de otras propuestas de dibujos vistas en los últimos años, visualmente brillante, pero argumentalmente vacía y Colorful, delirio pseudo filosófico-intelectual-trascendental apreciable, de trazo sencillo y grato recuerdo, pero algo larga y algo aburrida en su momento.

Mis dos

Demasiadas películas merecieron mis doses. La producción catalana Herois, film en que funciona la  parte nostalgica y cómica en que muestra el verano de unos chavales en los 80, pero que se hunde en el fragmento que muestra a estos jóvenes en la actualidad y que echa para atrás con sus grandes dosis de almíbar. Detective Dee and the mistery of phanton flame, la intriga de acción rocambolesca de Tsui Hark, está demasiado pasada de vueltas y sus efectos muy digitales, son tan exagerados que en vez de ensalzar, hacen risible el resultado. Puse un dos a A serbian film, aunque no sé si lo merece, ya que fundamenta su éxito en escandalizar y lo hace con temas moralmente inadmisibles con los que escanadalizar no es difícil. Pese a una primera parte aceptable y de mal rollo, la película degenera en basura enfermiza. Sin embargo logró su objetivo, que se hablara de ella. L'autre monde, película francesa que trata el tema de los avatares de los juegos informáticos y su repercusión en el mundo real, defallece y mucho en su tramo final, tras un metraje interesante. Miyoko, vida de un escritor de cómic de los 70 y su musa, pretende ser artística y es un aburrimiento en que tan solo, algunas secuencias pueden ser rescatadas del olvido. Outrage, lo nuevo de Kitano, es quizás su película más vulgar, una sucesión de asesinatos y venganzas yakuzas, que algunos defienden como sobria y sin concesiones morales a su violencia, pero que a mi se me antoja vacía y muy decepcionante, viniendo de quien viene. Lo mismo ocurre con The Ward, un guión muy malo en el que Carpenter intenta poner clasicismo y cinefilia, pero que es muy floja por ser del creador de Halloween. Stake land es un entretenimiento apocalíptico-vampírico, remezcla de muchas otras películas más o menos distraído y muy olvidable. In the woods una paja mental de arte y ensayo con alguna imagen cautivadora, pero que se pierde en su conjunto, pretendidamente artístico y trascendente y que acaba por descubrirse porno gay barato. La casa muda es un ejercicio de estilo, rodado en plano secuencia con la función de video de una cámara de fotos, tan aburrido como simpático,con una secuencia brillante y un final tan tramposo, que tira lo poco bueno que tenía por la borda. Chatroom, es una fallida película inglesa de Nakata sobre adolescentes estúpidos, sus problemas y sus adicciones virtuales y terrenales, que no interesa a nadie y que se salva por su atrevimiento formal y Los ojos de Julia, que inauguró Sitges, es una impecable película a nivel técnico, que narra una historia bien dirigida pero del todo increíble, en algunos casos risible y cercana al melodrama almodovariano (pero sin el talento del maestro) en otros, lo que la hace caer del lado del fracaso.

Los unos

Pues cinco joyas para finalizar, Les nuits rouges du bourreau de jade, un despropósito que pretende ser un homenaje al cine de Hong Kong y que pese a alguna secuencia visualmente espectacular se pierde en un guión imposible hasta producir un aburrimiento brutal, Kosmos, una película turca que no hay por donde pillar, Super Metal Beauty, la basura que vi en el Brigadoon y las dos joyas de la corona, La posesión de Emma Evans y sobretodo La sombra prohibida, dos películas con las que me despaché a gusto en las crónicas diarias y de las que no voy a hacer más carnicería.

Pues ahora sí damos por finalizado el festival de Sitges, al que casi nos hemos dedicado por completo en este blog desde principios de septiembre. Dejemoslo dormir unos meses...

Crónica del Festival de Sitges 2010. Sábado, 16.

Día 10: El día de la madre clausura un festival flojito

Encaro el última día con ilusión, aunque ya muy cansado. Por primera vez en lo que va de festival, decido ir a ver la película del pase exclusivo para prensa, siempre demasiado madrugadora. Es Mother's day, película que horas después clausurará el festival y empieza a las 8'15h. Llego a Sitges y está amaneciendo. Como el primer día, o mucho más exagerado aún, todo está demasiado tranquilo. Ahora ya no sé seguro que sensación me invade...

Mother's day, remake muy libre de la película de los ochenta de la Troma, dirigida en este caso por el interesante Darren Bousman, que había dirigido algunos remakes de Saw y la reivindicable Repo! The genetic opera, es una muy disfrutable película, en que la violencia, tanto física como psicológica va in crescendo durante el film y que ofrece a Rebecca de Mornay un papel muy gamberro, aunque un poco pasado de vueltas a medida que avanza el metraje. La película te atrapa de principio a fin, mejora con creces la original y es un divertimento sin pretensiones muy recomendable. Un 3 sobre 5.

A continuación, asisto a la rueda de prensa de la película, donde un simpático Darren Bousman y una estiradilla Rebecca de Mornay, contestan a las insulsas preguntas de los periodistas, en las que nos enteramos de que Bousman prepara un rodaje en Barcelona y que Mother's day, aún no la ha visto nadie responsable de la original, para dar o no la bendición. El resto, lo de siempre. Que si las mujeres de más de cuarenta no sobreviven en Hollywood, que si el equipo era fantástico y que si Rebecca intimidaba o no a los otros actores durante el rodaje.

Tras Rebecca, la rueda de prensa que desvelaba el palmarés del festival, que es lo que menos me interesa de Sitges y menos aún, este año de calidad justita. La verdad es que he visto pocas películas del palmarés y eso que he visto 40.... Por si os interesa, os dejo el enlace:
Por cierto, Weerasethakul se lleva el premio de la crítica...pero nada más.

A las 12'00h, pese a que no era mi intención, unos desajustes en los horarios de proyecciones me hacen terminar en la sala en que se proyecta la producción catalana (proyectada en catalán con subtítulos) Herois (héroes). La película, ganadora en el festival de Málaga del premio del público, trata de la nostalgia que produce a una generación (en la que me incluyo) los veranos de los 80. La comedia y el tono nostálgico funciona muy bien en el tramo que ocurre en los 80, con bicicletas, ilusiones, primeros amores, inocencia y unos chavales actores que están geniales. Sin embargo, la otra parte de la película, en que algunos de los niños aparecen ya con más de treinta es lamentable, con tanta azúcar que indigesta y con actuaciones muy flojas, sobretodo de la pobre Eva Santolaria que tiene un papel tan ridículo como irremontable. Una auténtica lástima. No puc posar-li més que un 2 sobre 5.

La tercera película que veo este último día es la china Detective Dee and the mystery of phantom flame del, para mi sobrevalorado, Tsui Hark. La película es una trama de investigación muy folletinesca y complicada, en la que básicamente importan las escenas de acción y de luchas, tan trabajadas como excesivas, que no aportan nada novedoso y que en su exceso, incluso marean. Por su parte, los efectos son tan digitales, que más bien echan para atrás. Recomendable para seguidores del director o para fans de este tipo de género, yo más bien me aburrí y le pongo un 2 sobre 5.

Finalmente, asisto al pase de la nueva copia, con más de 20 minutos inéditos y restaurada durante dos años, de la cinta de cine mudo de 1927, Metrópolis de Fritz Lang, una de las mejores películas de la historia del cine, que no estoy muy seguro de que mejore con el material recientemente encontrado, pero que en cualquier caso se acerca más a la idea original del director. Obra de arte mayúscula, esta película emotiva, futurista, intimista, grandiosa, socio-política, visionaria, inocente, expresionista y magistral, luce de maravilla hoy en día en pantalla grande y es una de las mejores maneras que se me ocurren de terminar un festival.



Cuando salgo de la sala es de noche, y el blanco y negro de Metrópolis, se me funde con el blanco y negro de las farolas y el cielo y el blanco y negro de mis emociones. Es hora de ir para casa. Al llegar, me descuelgo la acreditación y cojo a mi hijo, al que he tenido medio olvidado durante estos diez días. Hasta aquí el festival. Agradecer a los que me habéis leído, a los que habéis comentado, en especial a Miroso y a SantaSangre por su fidelidad, a Álex y a Kathy por su colaboración en el blog, a Lurdes y Sonia, que amablemente me han dejado sus ordenadores, permitiendo que pudiese hacer crónicas diarias y sobretodo a Sandra, por colaborar en la trastienda del blog, pero sobretodo por su sincera e infinita generosidad. Terminado este Festival de Sitges, en que tanto la he echado de menos, la quiero aún más, si cabe.
El lunes volveré a mi trabajo, que por desgracia nada tiene que ver con el cine y a mi vida normal, pero durante diez días he disfrutado con la intensidad del festival y he disfrutado compartiéndolo con vosotros. Espero volver el año que viene y espero que estéis ahí. Mientras tanto, el cine sigue en lost highway blog. 



Crónica del Festival de Sitges 2010. Viernes, 15.

Dia 9 : Cuando un director tailandés reina el mundo cinéfilo

Y el título no es exagerado, si tenemos en cuenta que el tailandés Apichatpong Weerasethakul, ganó el festival de Cannes con su última película, que se presenta hoy en Sitges y que la unanimidad de críticos (criticos digo, no gente que va a festivales a vivir del cuento y escribir basura) estuvo de acuerdo con tal decisión. Hoy, debido a que me quedado sin entrada para alguna de las películas que quería, veré solo dos películas, lo que tampoco está mal, porque por un lado despejaré un poco mi mente y por otro, por la tarde solo iré a ver la película de Weerasethakul, que es quizás, sin precedentes y con tiempo para la reflexión posterior, como debe verse un título de estas características. Aprovecharé pues, ya que la crónica va a ser más corta de lo habitual y mi tiempo para dedicar al blog mucho mayor, para tratar un par de temas que me rondan, la calidad del festival de este año y algunas quejas a la organización.

Pues bien, la película tailandesa que ganó en Cannes y que veré a las 20'00h., Unclee Bonmee who can recall his past lives, debía figurar en principio fuera de competición, pero hace dos días, se anunció que pasaba a formar parte de la Sección Competitiva. A parte de lo cutre de tal decisión, ¿no será que el festival necesita tener en el palmarés a una película que le dé prestigio, pues el nivel de la competición, ha sido bajísimo? Seguramente mañana la película tailandesa se lleve el máximo galardón del festival (o uno de los máximos), entre otras cosas porque a parte de The last exorcism, no he visto nada digno de premio en la sección competitiva oficial (aunque no lo he visto todo). Creo que el Festival de Sitges, ha ganado carácter desde que lo dirige Ángel Sala y su equipo. El año pasado, fue el mejor año, en cuanto a calidad, desde que yo vengo y creo, que el pobre nivel de este año no es tan culpa de la organización como de la calidad de las películas disponibles, que tampoco se puede sacar nada bueno si no lo hay y que además, siendo un festival modesto no puede conseguir ciertos títulos y directores. Sin embargo, sea culpa de quien sea, lo cierto es que la calidad ha sido pobre en general y que los mejores títulos se han visto en secciones alternativas. En cuanto a la organización, creo que también ha mejorado mucho en los últimos años (antes era un auténtico desastre) y no tengo demasiado a recriminar y censuro a aquellos que se quejan de cualquier gilipollez. Si no asumes ciertos mínimos retrasos, o algún que otro problema de proyección, quédate en casa. Sí que querría trasmitir dos quejas muy puntuales. Una: no es tan difícil dar papeletas para que el público vote a la salida del cine, en cuanto acaba la película y en todas las sesiones que optan al premio del público. Hacerlo tarde, cuando ya ha salido la mitad de público o directamente, no dar papeletas al fin de algunas sesiones, desvirtua el premio totalmente. Dos: ¿como puede ser que año tras año, se hable fuerte y durante toda la película desde la cabina de proyección, molestando al público que ha pagado su entrada y que no se ponga solución? De verdad que ésto, es una auténtica vergüenza y que alguien tendría que tomar las medidas necesarias.

Hablando ya estrictamente de cine, esta mañana he ido a ver Bedevilled, una película coreana con que debuta el director Jang Cheol-soo, hasta ahora ayudante de dirección en algunas películas de Kim Ki-duk. Pues bien, si el cine coreano lleva un tiempo reinventando el thriller, en esta ocasión reinventa en cierta manera el slasher. La película se divide claramente en dos partes, lo que es su mayor mérito, pero crea un desconcierto que también puede ser, para algunos, su mayor demérito. En la primera, vemos un drama rural con mujer maltratada donde los malos son muy malos y donde ella aguanta todos los martirios inimaginables, la segunda es el slasher, su rotunda y sanguinolienta venganza, trufada de salvajismo, humor y un cierto tono paródico que choca frontalmente con la primera parte del film. Al finalizar la trama, tan rocambolesca como el cie coreano nos tiene acostumbrados, lo mejor es no plantearse demasiado el conjunto, sino estar satisfecho de haberlo disfrutado. Visto lo visto hasta ahora, me permitiré ponerle un 4 sobre 5.

Pues debido a las características tan especiales de mi día hoy en Sitges, me voy a permitir la frivolidad de publicar esta parte de la crónica, para completarla a la noche, cuando vuelva de ver Unclee Bonmee... Los que leáis este trozo de crónica incompleta (durante tres o cuatro horas), que sepáis que estoy en el cine, o escribiendo la crítica de Weerasethakul, que no va ser fácil. Son las 19'10h. Voy para allá.

Son las 23'00h. y vengo de ver Uncle Boonme Who can Recall His Past Lives. Le he puesto un 5 sobre 5. Tras ver una peli de Weerasethakul la reacción del espectador, o incluso de el crítico al intentar explicarla, es tirar de abstracciones, ya que cualquier explicación  racional es imposible. Si el crítico está muy bien informado intentará enlazar lo que ha visto con tradiciones ancestrales tailandesas o con explicaciones socio-políticas desesperadas. Intentaré explicar algo, aunque sea poco, de manera más tangible. La primera reacción de un espectador ante una película de Weerasethakul, (de un espectador muy muy cinéfilo, el resto se aburrirá muchísimo), es la extrañeza. Extrañeza por la forma de explicar la historia, por su ritmo, por su evanescencia. Creo que Weerasethakul, no reinventa el cine como algunos quieren hacernos creer, sin embargo, nuestra mirada debe reinventarse para ver sus películas. Weerasethakul no hace nada distinto, a priori, a lo que hace un cierto tipo de cine oriental contemplativo y de pocos recursos, sin embargo, su forma de tratar los espacios, la luz y su mirada más que pausada a una Tailandia rural y selvática que nos resulta tan lejana emocional y culturalmente, otorgan a esta mirada la extrañeza a la que me refería, que aumenta por su desestructura narrativa, que enlaza secuencias más allá de la lógica, flirteando el terreno de lo onírico. Tanto esta película como la segunda parte de Tropical Malady se mueven por el terreno espiritual fronterizo entre la vida y la muerte, por ello con estas películas Weerasethakul consigue sus mejores resultados y es que para hablar de las invisibles fronteras que separan la vida de la muerte, nuestro mundo del mundo de las almas, no hay nada mejor que los paisajes difuminados que se evaporan en la oscuridad para emerger de nuevo hacia la luz que logra crear el director tailandés. La mirada de Weerasethakul tan lúcida como deformante, su uso del sonido tanto ambiente como de estudio otorgan al visionado de la película una experiencia sensorial y trascendental difícil de catalogar y difícil de olvidar.

Mañana último día del festival. Todo lo que empieza acaba.

miércoles, 20 de octubre de 2010

125 películas imprescindibles de la primera década del s.XXI (2000-2009) Ultima entrega






101- ONE POINT 0  Director: JEFF RENFROE, MARTEINN THORSSON  Año: 2004

Pude ver hace ya unos años One Point 0 en el Festival de Sitges y me quedé muy impresionado y bastante aparanoiado, por lo que el estreno lamentablemente en dvd (jamás se estrenó en salas) con el título Paranoia 1.0, me pareció tan descriptivo como vulgarmente explícito. One point 0 es una película oscura e inquietante que nos hace seguir los pasos de un informático que trabaja obsesivamente para una compañía de la que no se nos da demasiada información y que empieza a perder los nervios cuando comienza a recibir por correo paquetes vacíos. A su estado anímico no ayuda la extraña comunidad en la que vive, con unos vecinos sórdidos y extraños, especialmente inspirados están dos actores ya de por sí inquietantes, Udo Kier y Deborah Kara Unger, ni su obsesión por el trabajo y por las posibles conspiraciones sobre él. Paranoica visión de un microcosmos aislado por la tecnología y la inevitable soledad, que puede funcionar como metáfora de una sociedad enferma y enfermiza, One point 0 es una obra tan extraña como reivindicable, tan lúgubre, oscura e incomprensible, como lúcida y visionaria.




102- PAPRIKA  Director: SATOSHI KON  Año: 2006

Por desgracia, debo cambiar la filosofía de la crítica que estoy comenzando. Mi intención era hablar de un gran director, Satoshi Kon, que había llegado tras algunos intentos irregulares a la plenitud con Paprika y al que a partir de ahora debíamos seguir la pista como uno de los más grandes y personales creadores del cine moderno, sin embargo, la muy reciente y repentina muerte del director, nos hace enfocar esta crítica desde el más sincero y triste homenaje y la filmografía cerrada. Satoshi Kon, director que flirtea con el mundo real y otros mundos como el virtual, el de los sueños o el imaginario comenzó su andadura en los largometrajes con Perfect Blue (1998), una historia innovadora y arriesgada que tiene grandes méritos y un tramo final muy polémico, a continuación realiza Millenium Actress (2001), una película que parte de una muy interesante premisa para, según mi opinión, irse desmoronando conforme avanza el metraje, sin dejar por ello de hacer la película recomendable por sus intenciones y su atrevimiento. En el 2003 da una tregua a sus mundos paralelos para realizar la poética Tokyo Godfathers una deliciosa aventura con grandes dosis de humor y diversión que es un bello canto a la tolerancia. En el 2006 realiza su mejor película que es por desgracia, su última obra completa. En Paprika, el psiquiatra Atsuko Chiba ha desarrollado un método de terapia revolucionario denominado "PT", un prototipo de máquina experimental gracias a la cual es posible introducirse en la mente de los pacientes para tratar sus ansiedades. Pero uno de los modelos de PT es robado del laboratorio del Dr. Atsuko, y comienzan a utilizarlo para invadir las mentes de sus creadores, destruyendo sus personalidades mientras duermen. Película onírica que transcurre en gran parte en el mundo de los sueños, su atrevimiento, su estructura, su gama cromática, su exceso y su desproporcionada genialidad la hacen una obra maestra contemporánea para un espectador atento, receptivo y abierto de mente, no solo del cine de animación sino del cine en general. Satoshi Kon nos ha dejado y la cantidad de talento que puebla el mundo es hoy sin duda, un poco menor.




103- PONYO EN EL ACANTILADO  Director: HAYAO MIYAZAKI  AÑO: 2008

La última película de ese artista japonés casi heptagenario con alma de niño que tanta gente adora, que tanto ha influenciado a los grandes directores de la animación de hoy en día y que responde al mítico nombre de Hayao Miyazaki es una obra claramente retro que necesita de muy poco para emocionar. Rodada con el método de animación tradicional de colorear los fotogramas a mano, utilizando la acuarela para dar más textura a los fondos marInos y con un argumento tan sencillo e infantil que a veces recuerda (sin llegar a su nivel, claro) a Mi vecino Totoro, Miyazaki demuestra que domina el medio a la perfección y que logra un efecto de sencillez, para una película cuya realización lleva sin duda muchas horas y años de trabajo. Ponyo en el acantilado narra la historia de amor y amistad entre un niño y una extraña pececita con poderes mágicos que quiere convertirse en humana. La película, muy recomendable para los niños, ya que como siempre en la obra de Miyazaki se habla del respeto a la naturaleza y el valor de los sentimientos, es un artístico, depurado y emocionante lienzo que nos sumerge en un bello mundo del que no querremos salir.




104- PUNCH-DRUNK LOVE  Director: PAUL THOMAS ANDERSON  Año: 2002

Por desgracia Magnolia, una de las más grandes películas que ha dado el cine americano reciente es de 1999 y no podemos incluirla en esta lista. Su director, Paul Thomas Anderson, que ya había realizado dos obras tan interesantes como Sidney (1996) y Boogie Nights (1997) emprendía su nuevo proyecto, el primero del siglo que nos ocupa con todas las miradas y las esperanzas puestas en él, sin embargo, el resultado, Punch-drunk love, era tan extravagante que dejó a gran parte de la crítica francamente desconcertada. La película, una comedia sobre un hombre vulgar interpretado con solvencia por Adam Sandler, que vive sometido a sus siete hermanas y cuyas emociones se disparan y dispersan cuando el amor entra por sorpresa en su vida, es una comedia marciana que produce tanta hilaridad como trascendencia, que formalmente innova con encuadres ilógicos y descentrados y que explora nuevos campos para llevar a un género tan denostado y hoy en día estúpido como la comedia más allá de sus límites, buscando su redención o reinvención como género. Paul Thomas Anderson, al igual que otros autores como Trier o Aronofsky es todo menos humilde y como siempre la linea que separa la pretendida genialidad del ridículo es tan leve como opinable. Punch-drunk love está ahí, para que la veas y la juzgues, pero Paul Thomas Anderson ya está por otra cosa.




105- RENAISSANCE  Director: CHRISTIAN VOLCKMAN  Año: 2006

En 2054, París es un laberinto donde todo movimiento es seguido y grabado. Aislada del mundo por su propia protección, la ciudad ha continuado no obstante expandiéndose. Ahora, los rascacielos del siglo XXI recubren las obras maestras centenarias de la arquitectura clásica. Haciendo sombra a todo lo demás se encuentra la compañía más grande de la ciudad, Avalon, que se introduce en cada aspecto de la vida contemporánea para vender su principal producto de exportación: juventud y belleza eternas. Cuando la joven Ilona de 22 años, una de las más prometedoras científicas de Avalon, es secuestrada, Avalon llama a Barthélémy Karas, un policía de París con la merecida reputación de ser capaz de encontrar a cualquiera, sin importar los sacrificios que tenga que hacer para lograrlo.
Película francesa de animación con una estética muy cuidada en un sorprendente blanco y negro, enmarcada en el cine de acción y ciencia ficción claramente influenciada por los cómics de Frank Miller y el cine y novelas de ciencia ficción conspirativa, Renaissance es una sorpresa y una rara avis en la animación europea, que pese a cieros tópicos en su argumento, logra unos resultados exquisitos tanta argumental, como sobretodo estéticamente. Una pequeña joya casi desconocida de la filmografía vecina para auténticos fans de la animación adulta.



106- RETRIBUTION  Director: KIYOSHI KUROSAWA  Año: 2006

El director japonés Kiyoshi Kurosawa, especializado en cine fantástico, es uno de los directores de género más interesante y personal de los últimos años. Podríamos compararlo un poco con el cine de Shyamalan, ya que como él, utiliza el marco del terror para trascenderlo y hablarnos de temas profundos como la culpa, el dolor, la soledad o los problemas de pareja. Durante la década ha ofrecido películas interesantísimas como la que nos ocupa, Seance (2000), Kairo (2001), película con la que se dio a conocer en Occidente y para muchos, su mejor película o su última obra, en este caso totalmente alejada del fantástico Tokyo Sonata(2008).
En Retribution, el detective Yoshioka intenta atrapar a un peligroso asesino en serie. La investigación toma un rumbo inquietante cuando sus propias huellas y varios objetos que le pertenecen aparecen en el lugar de los crímenes y hasta en los cadáveres de las víctimas. Kurosawa se toma su tiempo, usando largos y estáticos planos marca de la casa, para explicar una historia tan inquietante como extraña, con instantes de auténtico escalofrío y que nos sumerge en la mente de su protagonista, en su locura, en su culpa, en su soledad. Un estimulante ejercicio de estilo muy recomendable para conocer una de las voces más personales y coherentes del nuevo cine nipón.




107- SARABAND  Director: INGMAR BERGMAN  Año: 2003

Ingmar Bergman, uno de los directores más grandes de la historia del cine, que murió a los 89 años de edad en julio de 2007, nos regaló pocos años antes de morir Saraband, una película rodada para televisión (como venía haciendo desde Fanny y Alexander en el 82) pero que en nuestro país se estrenó en cines. La película, una continuación de Secretos de un matrimonio rodada en 1973, es decir treinta años atrás, retoma a su protagonistas. Tras divorciarse, Johan y Marianne perdieron el contacto durante muchos, muchos años. Johan, ahora un profesor jubilado, acude a su casa de verano en Dalarna. Marianne, que prosiguió su carrera como abogada, decide pasar a visitarle. Pequeña pieza de cámara, teatral, sustentada en el guión y en las excelentes interpretaciones, Saraband es una especie de epílogo a los temas que Bergman ha tratado durante toda su vida. La mirada del maestro en plena vejez es serena, sencilla, directa y humilde, aunque continúe siendo dolorosa. Bergman vuelve a hablarnos de él mismo, de sus miedos, de sus miserias, de sus obsesiones, de su incapacidad para amar, del sentimiento de culpa que ha arrastrado durante toda su vida y lo hace con un guión duro y preciso, que consigue captar el alma y el dolor de sus personajes. Bergman fue uno de los grandes y Saraband, muy superior a sus últimas producciones para televisión, una auténtica guinda de caviar para cerrar su filmografía.




108- SECRET SUNSHINE  Director: LEE CHANG-DONG  Año: 2007

El director coreano Lee Chang-dong, que ya había realizado tres películas de extrema dureza y que habían conseguido gran prestigio en festivales especializados, consigue con su cuarta película Secret Sunshine, que se estrena en nuestro país, ponerse en lo más alto de la órbita cinéfila, presentarle en Cannes y ganar el premio a a mejor actriz. Su última película Poetry, también ha sido seleccionada para la Sección Oficial de Cannes de este año, donde además se llevó el premio al mejor guión.
Secret Sunshine es una película dura e inusual y un auténtico descenso al más extremo dolor del alma humana, sus consecuencias y aquello a lo que el ser humano se agarra para sobrevivir. Interpretada de forma sobrehumana por Jeon Do-Yeon, la película se divide en dos partes, la que se produce el dolor y la parte en que la actriz hace lo posible por buscar sentidos a su vida. La soledad, los intereses creados, la religión como tabla de salvación pese a sus intereses mezquinos, lo que queda cuando no queda nada; todos estos temas y muchos más son tratados por el director coreano con parsimonia, sin estridencias melodramáticas, sin acentos en los discursos a los que se dirige la película. Una película que no se parece a nada, que reinventa de alguna manera el melodrama y que nos sublima a un director al que deberemos seguir sí o sí.




109- SIN CITY  Director: ROBERT RODRÍGUEZ y FRANK MILLER  Año: 2005

Sin City, es la adaptación a la pantalla grande de una serie de cómics de Frank Miller, que el mismo co-dirige junto a Robert Rodríguez y dicen que con la colaboración de Tarantino, lo que visto el resultado, no seria de extrañar. La película más que una adaptación del cómic, es una auténtica plasmación del cómic tal cual es a la pantalla. Sin city es una ciudad sin reglas, recargada, barroca, donde los maleantes campan a sus anchas y donde la hiperviolencia y el sexo están a la orden del día. La película se centra en tres historias del cómic más una cuarta a modo de prólogo. La potencia visual de la película, casi al en blanco y negro al 100% es realmente espectacular y las historias que cuenta, aunque irregulares, tienen la fuerza suficiente para mantener el pulso a las imágenes. Hipnótica, fascinante y sexy, Sin city es acción y cine negro en viñetas de celuloide, con un espectacular reparto y diversión a raudales. Solo queda esperar la segunda parte que esta anunciada para 2011 y esperar que continúe manteniendo el nivel de la primera.





110- SPIDER  Director: DAVID CRONENBERG  Año: 2002

El superior director canadiense David Cronenberg, de quien ya hablamos en el top-25 a raíz de Una historia de violencia, comienza la década con la también sublime Spider, que nos cuenta la historia de un esquizofrénico, interpretado con solvencia por Ralph Fiennes y sus peripecias para desentrañar ciertos actos y sucesos de su infancia que han marcado su vida pero que se confunden en su mente. Con el rigor, la clase, la elegancia y la sobriedad a la que Cronenberg nos tiene acostumbrados estos últimos años, el director construye un fascinante y laberíntico rompecabezas, ya que la película lo que pretende es introducirse en la mente de un enfermo e ir explicando la historia desde la subjetividad de éste, con todos los nudos, vericuetos y agujeros oscuros que su memoria oculta. Una auténtica pesadilla esquizofrénica que produce tanto terror como ternura y que encumbra, más si cabe a su genial director.




111- STRINGS  Director: ANDERS RONNOW KLARLUND  Año: 2004

Strings es una curiosa película de animación, co-producción entre diversos países nórdicos de Europa, cuyo principal aliciente y novedad es que está hecha con marionetas. Éstas, en vez de ocultar sus hilos, los integran no solo en la espectacular estética del film, sino incluso en la narración. El guión de la película, sobre reyes, celos, venganzas y ansias de poder, nos remite a Shakespeare. El viaje que emprende el protagonista, es un viaje iniciático lleno de sentimientos y aventuras enmarcado en una animación tan bella y poética como original y novedosa. Una película hecha con extremo mimo.Una pequeña joya a descubrir.




112- SWEET SIXTEEN  Director: KEN LOACH  Año: 2002

Pan y rosas (2000), La cuadrilla (2001), Sweet sixteen (2002), Solo un beso (2004), El viento que agita la cebada (2006), En un mundo libre (2007) y Buscando a Eric (2009), son las películas que ha realizado durante la presente década el prolífico y combativo cineasta inglés Ken Loach. De entre rodas ellas, la mayoría muy recomendables, yo me decanto con claridad por Sweet sixteen (en algunos lugares traducida como Felices dieciséis) como su mejor película de la década. Acompañado por su guionista habitual Paul Laverty (que ganó el mejor guión en Cannes por esta película), Loach nos explica la historia de un joven de deiciséis años, que pretende tomar los mandos de su familia desestructurada, ahora que su madre va a salir de la cárcel, pero que lo hace de la forma equivocada, metiéndose en terrenos peligrosos, de los que quizás después no podrá salir. Loach firma la ilusión y el dolor de este chaval, condenado quizás por su entorno, con el realismo y el lirismo necesario como para poner al espector el corazón en un puño. Lejana de la excesiva  demagogia, de alguna de las más recientes realizaciones de su director, Sweet Sixteen emerge como retrato impactante y brutal de un joven condenado a permanecer en el lado de los perdedores.



113- THE DESCENT  Director: NEIL MARSHALL  Año: 2005

Tras debutar con Dog Soldiers (2002), película de terror que no auguraba demasiadas esperanzas, el realizador inglés Neil Marshall sorprende a propios y extraños con la que es, una de las mejores películas de terror puro y duro de la década. Seis amigas, con algunos traumas y problemas que resolver, deciden pasar el fin de semana haciendo espeolología, pero desgraciadamente quedarán atrapadas bajo tierra y lo que es peor, en los túneles no están solas. Una primera parte cercana a un film de aventuras, da lugar a una segunda parte asfixiante, claustrofóbica, estresante, salvaje y realmente terrorífica. Sin coartadas, sin demasiadas explicaciones, Marshall da paso a un festín brutal de sangre, miedo y desesperación sin tregua para el espectador y consigue una película casi redonda, aclamada y reivindicada desde entonces, por los fans del terror.


114- THE EYE  Director: DANNY PANG y OXIDE PANG  Año: 2002

De película de terror, a película de terror y tiro porque me toca, sin embargo, si quieres ver The eye, debes saber que tu corazón debe ser lo suficientemente fuerte como para soportar el auténtico TERROR. Dirigida por los hermanos gemelos Pang, está película de Hong Kong, ofrece los primeros tres cuartos de hora más terroríficos que yo he visto en mi vida (y lo digo en serio, y he visto muchíiisimo cine de terror). Si realmente quieres vivir la experiencia (yo siempre he creído que una auténtica película de terror debe dar miedo), no confundas esta película con su lamentable remake americano, mírala en versión original con subtítulos (sino no es lo mismo) y mejor que no estés solo en casa, porque sino descubrirás, cuando termine el film, que a veces crees que estás solo y realmente no lo estás. Dirigida con una maestría deslumbrante, logrando los sustos más prolongados, las escenas de tensión más largas y los escalofríos más electrizantes jamás experimentados, los hermanos Pang consiguen una primera mitad brutal, que queda empañada por una segunda mitad que se decanta por el thriller convencional, que entra en terrenos que ya conocemos y que tras la primera parte resulta decepcionante. Sin embargo, como espectadores, incluso quizás agradezcamos esa relativa vulgaridad del segundo tramo. Noventa minutos a aquel ritmo nos hacían padecer por nuestra salud.



115- THE SKY CRAWLERS  Director: MAMORU OSHII  Año: 2008

El realizador japonés Mamoru Oshii, realizador de la mítica película de anime Ghost in the shell, ha dirigido durante la presente década, a parte de la película que nos ocupa, otras dos grandes obras, Avalon (2001) en imagen real y Ghost in the Shell 2: Innocence (2004), la continuación anime de su obra más famosa y que por lo menos, está al nivel de la original. También, sin embargo, ha dirigido películas tan infumables como Amazing Lives of the Fast Food Grifters (2006), que por desgracia, sufrí en Sitges.
En The sky crawlers, Oshii traza un triste retrato de animación futurista, donde las guerras no existen, aunque se mantienen como espectáculo, como deporte, podríamos decir. La película se detiene en la vida de los "especiales" niños que protagonizan estas guerras, y lo hace retratando sus tiempos de espera entre batalla y batalla, sus dudas, su melancolía, su falta de motivación y de esperanza. Con una animación espectacular en las escenas de acción aérea y de languidez mate en el resto de secuencias, el director nipón nos brinda una película que como es habitual en él, se acerca a la filosofía, a la esencia misma del desencanto y nos muestra la paulatina evanescencia de los sentimientos en las vidas que retrata. Una obra mayor y bellamente triste.



116- TODO O NADA  Director: MIKE LEIGHT  Año: 2002

Hace tiempo, una mañana, perdí mis gafas de sol que había comprado años atrás en un mercadillo. Al llegar al trabajo comenté la noticia con tristeza y una compañera me preguntó "¿eran buenas?", a lo que yo contesté tras una breve reflexión y con cierta indignación. "No, pero eran las mías". Un poco es lo que le ocurre a la familia de Todo o nada. Y es que Mike Leight, un prestigioso director británico que durante esta década también realiza las apreciables El secreto de Vera Drake (2004) y Happy-Go-Lucky (2008), nos presenta en Todo o nada una familia al borde del precipicio, a los que la espiral de la vida ha vencido y ha robado gota a gota la autoestima, a los que la esperanza de una vida mejor se les ha vertido por las alcantarillas de la autocompasión, de la parsimonia, de la falta de confianza. Una familia con miembros obesos rendidos a su físico, con trabajos vulgares rendidos a su suerte, a los que la derrota ha agriado el carácter hasta hacerse daño entre ellos mismos. La familia de Todo o Nada no son más que unas gafas de mercadillo, pero es lo que tienen y se quieren sin planteárselo, pese a que sea un hecho desgraciado el que revitalice sus relaciones e incluso sus pretensiones. Dice un amigo que el final, relativamente feliz, es el más triste de la historia del cine porque impide a sus protagonistas la ruptura que necesitan como necesaria para darles la oportunidad de cambiar. No sé si estoy de acuerdo, pero como tema para filosofar con unos cubatas, es fantástico.




117- TROPICAL MALADY  Director: APICHATPONG WEERASETHAKUL  Año: 2004

Apichatpong Weerasethakul es un director de cine tailandés que acaba de hacerse recientemente con la Palma de Oro en Cannes con su última película Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (2010) y que representa un tipo de cine radical no tanto formal como conceptualmente  adorado por la crítica más intelectual tan difícil de asumir como de explicar en palabras. Vamos a hacer un esfuerzo. Tras llamar la atención en 2002 con la rompedora y contemplativa Blissfully yours, Weerasethakul irrumpe dos años después en Cannes con la película que nos ocupa y llena las plateas de opiniones encontradas y desconcierto.
Tropical Malady es una película compuesta por dos partes sin aparente conexión argumental, pero que quizás podrían estar unidas desde un punto de vista conceptual, siendo una la pesadilla y los miedos sugeridos en la otra, o quizás el encuentro personal de uno de los dos protagonistas con sus propios temores, o con sus ancestros o con las leyendas populares de su pueblo o quizás no tengan nada en común y nuestros esfuerzos por darle coherencia sean culpa de nuestra mente racional.
La primera parte nos habla con cierto desdén narrativo de una historia de amor homosexual que se nos muestra tan natural que se hace extraño en una sociedad en la que no abundan las libertades. La segunda parte es el deambular de uno de los protagonistas por el bosque sin otro motivo aparente que la supervivencia. Weerasethakul hace cine vanguardista y radical y desestructura la narración hasta límites nunca vistos, creando una sensación de absoluto aburrimiento para la mayoría, pero de sublime y misteriosa fascinación incorpórea para otros. Una película recomendable para cinéfilos abiertos, atentos y capaces.





118- UN HOMBRE SIN PASADO  Director: AKI KAURISMÄKI  Año: 2002

El director finlandés Aki Kaurismäki es uno de los directores más originales del cine de autor europeo actual, con un estilo tan peculiar como reconocible en todas y cada una de sus películas. Un hombre sin pasado es la mejor película suya de una década, en la que solo nos ha regalado otro largometraje, Lunes al atardecer (2006) que es un poco inferior.
La sinopsis es la siguiente: un hombre que ha perdido completamente la memoria debe reiniciar su vida en una zona marginal, junto a seres humanos apartados de la sociedad. A partir de aquí, el director finlandés muestra sus marcas de estilo características, personajes artificialmente pasivos tanto en sus gestos, como a la hora de mostrar sus sentimientos, un humor tan flemático como marciano, un quietismo formal aliñado de momentos determinantes en que la acción sucede fuera de campo y una parsimonia exagerada que invade las acciones y reacciones de unos personajes que parecen pasear por la película ajenos a todo, incluso a sus propias vidas. La sensación que recibe el espectador, mezcla la estupefacción con la sonrisa, el lirismo con la ternura. Pensé en su momento seriamente incluir a Un hombre sin pasado en el top-25 y pese a que acabé descartándola quiero recomendarla muy fervientemente porque seguramente, en su momento, me equivoqué.





119- UP  Director: PETE DOCTER y BOB PETERSON  Año: 2009

La última película Pixar de la década es, como no podría ser de otra manera, una nueva obra maestra. Nos explica la historia de un viejo gruñón a quien quieren demoler la casa y un joven explorador, condenados a vivir una aventura en común. Publicitada como película en 3D, aunque con un sutil y elegante uso del mismo, la película, tierna, triste, alocada, divertida, cuenta con un inicio brutal, de una tristeza feroz, en que se nos resume sin palabras la vida del anciano y su relación con su mujer, para girar después hacia una divertida, pero no tan genial aventura, más cercana a otras producciones de Pixar y también más cercana al público infantil al que también quiere dirigirse y que no entenderá la dimensión de los primeros minutos hasta muchos años después de su primer visionado. Con Pixar solo cabe esperar que se mantengan y Toy Story 3, parece que va a seguir con el nivel de la compañía.



120- V DE VENDETTA  Director: JAMES McTEIGUE  Año: 2005

Me enfrenté a la película V de Vendetta, sin haber leído el cómic del genial Alan Moore en el que se basa, así que a diferencia de otras películas basadas en sus cómics como Watchmen (en la que sí lo había leído), me pude enfrentar a la película como tal, como cine y sin los prejuicios y comparativas de quien antes  ha leído la obra en la que se basa. Dicho esto, y sin poder comparar por lo tanto si la película es mejor o peor que el cómic, V de vendetta es una de las mejores películas basada en un cómic de la década y una de las ideológicamente más revolucionarias. Los que conozcáis a Allan Moore, ya sabréis que su estilo es pedante, intelectual y sobretodo moralmente ambiguo. En esta ocasión la crítica política es el centro del relato y el héroe, como también ocurría en Watchmen, se toma la justicia por su mano, aunque para ello deba ejercer el terrorismo. ¿Está entonces el héroe por encima del bien y del mal? ¿Podemos diseñar una historia a partir de un héroe terrorista? La película te sacude y te hace pensar en temas morales al límite mientras te brinda un espectáculo de acción con imágenes oscuras y muy cuidadas y una brutal interpretación, rapada de cabeza incluída, de la maravillosa Natalie Portman.




121- VEINTE AÑOS NO ES NADA  Director: JOAQUIM JORDÀ  Año: 2005

Joaquim Jordà, es uno de los mejores documentalistas que ha dado el cine español, aunque como siempre se ha mantenido al borde del sistema, no se le ha dado la publicidad que merecía. Fallecido en el año 2006, Jordà nos deja dos espléndidos documentales durante la década De nens(de niños) en el 2003 y Veinte años no es nada, más otro documental que dejó medio terminado antes de su muerte, Mas allá del espejo (2006) que también merece la pena. Los dos primeros documentales citados son de un nivel brutal y sí he incluído este entre las 125, es porque su digestión es más sencilla, sin embargo, si queréis ver un documental brutal y claramente antisistema, inclinaos por De nens.
La experiencia autogestionaria de los trabajadores de la fábrica Numax, a finales de los setenta, quedó recogida en un documental que ellos mismos decidieron que se hiciera, y que encargaron a Joaquim Jordà en el momento en que estaban a punto de cerrar. Se tituló Numax presenta... (1979). Aquellas imágenes, recuperadas, junto con la situación de los trabajadores tantos años después, conforman Veinte años no es nada y llevan a reflexionar sobre las últimas e intensas décadas que nos ha tocado vivir, para descubrir la fragilidad de los ideales de juventud y ofrecer "una historia de transición" con minúsculas. Una película que Jordà lleva al terreno de confesión que requiere y que muestra el devenir de los años y la pérdida de los ideales o el conformismo, con la sutilidad de quien lo vive sin darse casi cuenta, con la tristeza de quien lo sufre en la ignorancia.



122- VOLVER  Director: PEDRO ALMODÓVAR  Año: 2006

La tercera y penúltima película de Almodóvar en la década, es quizás la que de forma unánime más ha gustado a público y crítica. Y no es de extrañar, ya que se trata de una película casi perfecta y hermosa. Nos habla de tres generaciones de mujeres y sus problemas para tirar adelante, sus miedos, sus esperanzas y sus secretos. Con unas imágenes made in Almodóvar donde cada plano es arte, un guión menos rocambolesco de lo habitual (aunque sea el guión creíble o no, Almodóvar lo usa siempre como vehículo para hablar de sentimientos), dosis de drama, dosis de humor y surrealismo y una música hermosísima, Almódovar crea un tierno canto a la vida, al perdón y a la mujer que queda gravado en la retina y en la memoria. En cuanto a las interpretaciones todas están espléndidas (Carmen Maura, Lola Dueñas, Yohana Cobo, Blanca Portillo), pero lo de Penélope Cruz es superlativo (no sé si existe una palabra más superlativa que superlativo), camina, se mueve, ríe, se pone seria, llora, corta pimiento, se lanza a cantar (en una escena que trasciende emocionalmente hacia lo sublime) y compone un personaje vivo y real, de gran vida interior, de grandes matices, en una de sus mejores actuaciones, elevando a la película de su amigo Pedro, a un nivel aún superior al que su director buscaba.




123- WHISKY  Director: JUAN PABLO REBELLA y PABLO STOLL  Año: 2004

Película uruguaya dirigida por los jóvenes Rebella y Stoll, tras la también exitosa 25 Watts (2001), y que desgraciadamente es la última película que podrá dirigir Juan Pablo Rebella, que se suicidó dos años después.
Montevideo, Uruguay. Jacobo Köller es el dueño de una modesta fábrica de medias y eso parece ser lo único en su vida monótona. Marta es su empleada de confianza. La relación entre ellos nunca excede lo laboral y está marcada por el silencio y la rutina. Esta monotonía se ve súbitamente amenazada por el anuncio de una inesperada visita del hermano de Jacobo, Herman, residente en el extranjero, con quien no parece tener contacto desde hace años. Whisky comienza cuando Jacobo se permite pedirle ayuda a Marta para sobrellevar la situación. A partir de sutiles detalles y de una parsimonia tan excesiva que parece impostada, los directores consiguen explicarnos la historia de estos personajes vulgares y torpes, moviéndose entre el humor flemático y la tristeza infinita. Heredera directa del cine del maestro finlandés Aki Kaurismaki, la película se nos antoja, básicamente triste, quizás porque verla ahora nos remite al suicidio de uno de los dos directores y la tristeza de los personajes, se funde con la suya.




124- Y TU MAMÁ TAMBIÉN  Director: ALFONSO CUARÓN  Año: 2001

Pese a haber hecho una película tan apreciable como Grandes esperanzas (1998), Alfonso Cuarón sorprendió al inicio de la década con la excepcional Y tu mamá también, película isla en su filmografía no sólo por su temática y su filosofía sino por su enorme calidad, que no consigue superar hasta ahora pese a realizar con posterioridad otra gran película titulada Hijos de los hombres (2006).
Y tu mamá también, es una road movie mexicana con los dos actores más de moda del pais, Diego Luna y Gael García Bernal, a los que se une la española Maribel Verdú. Los tres realizan un extraño viaje en busca de una playa apartada del mundo que es tan iniciático, como concluyente. Los hechos que vivirán serán únicos, intensos, efímeros y los separarán para siempre. Tratado muy sincero sobre los límites de la amistad, los tabúes sexuales, las esperanzas que se pierden por el camino, las pasiones que nos unen y los secretos que nos separan, la película no solo muestra la peripecia de los tres protagonistas, sino que deja aparecer tangencialmente a algunos personajes que se cruzan con ellos y a los que la cámara sigue un momento para abandonar a continuación. Todo ello da una sensación de vida que fluye, de historias que podríamos tratar pero que abandonamos, que enriquecen una película brillante, sensual y triste, con interpretaciones brillantes y una bella y sexy Maribel Verdú en estado de gracia.




125- ZODIAC  Director: DAVID FINCHER  Año: 2007

Aunque para muchos quizás la película de la década del apreciable director David Fincher sea El curioso caso de Benjamin Button (2008), según mi opinión la coherente y valiente Zodiac, está muy por encima del resto de películas de la década del director.
Thriller sobre el famoso "Asesino del Zodiaco", un asesino en serie que entre los años 1966 y 1978 asesinó a un número indeterminado de personas en la zona de San Francisco, al tiempo que enviaba cartas con pistas, a modo de juego, a los medios de comunicación. La historia se centra en las largas pesquisas de dos detectives que intentaron darle caza, así como las de dos periodistas que intentaron averiguar su identidad...
La película renueva a su manera los cimientos del thriller, ya que nos muestra la larga y densa búsqueda del asesino, más que los actos del asesino en sí. Valiente en una propuesta que el director consigue llevar hasta el final, obsesiva y desasosegante, Zodiac, se toma su tiempo para explicar una historia de investigación y búsqueda, donde la policía y los periodistas están tan desconcertados y avasallados por la información, como los espectadores en algunos momentos del metraje.


APÉNDICE

Todo listado de películas depende de la subjetividad de cada uno, pero además, hay un punto de azahar y de decisión final, que hace que finalmente incluyas o no una película en un listado de estas características. Para reparar cualquier tipo de injusticia he decidido incluir en la lista 75 títulos más, con algunas películas que finalmente fueron descartadas y  otras con las que pretendo que se abran nuevos campos en cuanto a géneros o directores. Obviamente faltarán películas, algunas que a vosotros os gustarán quizás a mi no me han gustado y otras quizás no las he visto, porque aunque he visto mucho es imposible abarcarlo todo. Con estas 75 películas, la lista asciende a 200 películas imprescindibles de la década y ha sido un proyecto muy cuidadoso con el que he pretendido dar a conocer el cine de la década intentando dar cabida al máximo de países y de géneros, sin por ello traicionar mis gustos y preferencias. Han sido muchas horas de trabajo, pero creo que el resultado vale la pena. Cualquier aportación que vosotros hagáis, con películas que faltan según vuestro criterio a esta lista, sumará en diversidad y hará más interesante el listado actual. Espero que lo hayáis disfrutado.

126- 21 gramos (2003). La segunda película de Iñárritu es una devastadora historia de culpa y redención con el estilo fragmentado y desordenado que impone el guionista Arriaga.

127- Ab-Normal Beauty (2004). Malsana historia de terror psicológico dirigida por uno de los hermanos Pang con la solvencia visual que les caracteriza, acompañada en este caso de un buen guión.

128- Avalon (2001). Incursión de Mamoru Oshii en el cine de imagen real, con una película de realidad virtual que remite a Matrix y a Existenz de gran poder de fascinacion.

129- Bing-bang love juvenile A (2006). Uno de los directores más salvajes, revolucionarios y sin complejos del nuevo cine nipón, ofrece una de sus películas más experimentales y nos habla de una historia de amor, crimen y redención en un contexto gay y con una estética elaboradísima.

130- Borat (2006). A falta de largometraje de South Park en esta década, la película de humor más gamberra y radical. Humor muy bestia y muy políticamente incorrecto.

131- Brother (2000). Primera película de Kitano en la década que nos ocupa y la única de cine de yakuzas, al estilo violento e hiperbólico a que nos tenía acostumbrados, aunque en este caso, con ausencia de poesía.

132- Caótica Ana (2007). Médem ofrece una de las mejores horas de cine español de la década, para ir bajando el nivel y terminar con veinte minutos imposibles de justificar.

133- Charlie y la fábrica de chocolate (2005). Una de las más estimulantes películas infantiles de la década, pasada por el universo Burton.

134- Código 46 (2003). Apasionante película de ciencia ficción del ecléctico Winterbottom, con ideas muy interesantes y un futuro oscuro, desolador y lo que es peor, creíble.

135- Contra la pared (2004). Desgarrador drama con el que el director alemán Fatih Akin, se dio a conocer en el panorama cinéfilo.

136- Corrupción en Miami (2006). El genial Michael Mann ofrece imágenes orquestadas de forma sinfónica en una de las películas de acción más elegantes de la década.

137- De nens (de niños) (2003). Jordà nos habla de la pederastia y de los problemas de la justicia y de los juicios paralelos de la prensa, en una obra valiente que arremete contra el poder y que se atreve incluso a tratar temas moralmente difíciles de reflexionar. Un documental brutal e imprescindible, solo apto para quien sea capaz de, al menos plantearse, mirar de otra manera

138- El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007). Larguísimo western muy estilizado formalmente, que posee un tramo final que se encuentra entre lo mejor visto en años.

139- El castillo ambulante (2004). La, probablemente,  peor película de Miyazaki de la década es muy superior a casi todo el cine de animación realizado durante estos diez años. Otra más del gran genio japonés.

140- El experimento (2001). Antes de El hundimiento, Oliver Hirschbiegel realizó este claustrofóbico drama carcelario, en que las más bajas pasiones del ser humano, quedan terroríficamente retratadas.

141- El hombre que nunca estuvo allí  (2001). La segunda película de los hermanos Coen en la década, es este ejercicio de cine negro en esteticista blanco y negro, que se llevo la mejor dirección en Cannes de aquel año, ex-aquo con Lynch.

142- El jardinero fiel (2005). Tras ciudad de Dios, Meirelles se pasa al inglés en esta crítica al poder de las empresas farmaceuticas que huele a cine clásico.

143- El luchador (2008). Darren Aronofsky dirige esta película ambientada en el mundo de la lucha libre donde Mickey Rourke ofrece la mejor interpretación que yo he visto en años, tan sublime que cualquier adjetivo le queda pequeño.

144- El protegido (2000). Brillante película del entonces infalible M. Night Shyamalan, inferior a El sexto sentido, pero superior a casi todo lo que ha hecho después.

145- El tiempo del lobo (2003). Una de las películas menos valoradas de Haneke, que ofrece una apocalíptica historia realista y brutal que puede producir pesadillas.

146- En la cama (2005). El chileno Matías Bize realiza este sexy drama con golpes de efecto que es fresco, auténtico y posee unas escenas de cama rodadas con bella y original sutileza.

147- Gerry (2002). La película más radical de la década de Gus Van Sant, un radical ejercicio de estilo sobre la desesperanza vital y abstracta.

148- Ghost in the shell 2: Innocence (2004). Brillante y filosófica continuación de fundacional Ghost in the shell. Un ejercicio visual e intelectualmente brillante.

149- Gomorra (2008). Realismo sucio italiano para retratar el mundo de la mafia actual italiana, la camorra, en una película que se aleja de la visión glamorosa con que el cine retrata a la mafia.

150- Hable con ella (2002). La película con que Almodóvar se llevó el Oscar al mejor guión, no está entre mis favoritas del director, aunque sí entre las mejores de la década.

151- Haze (2005). Brutal mediometraje de Shinya Tsukamoto, claustrofóbicoy salvaje.

152- Idiots and angels (2008). Película de animación del irreverente Bill Plympton, mucho más poética y menos splastick, que sus anteriores películas.

153- In this world (2002). Agobiante falso documental de Winterbottom, sobre unos afganos que quieren cruzar la frontera ilegalmente. Necesaria, valiente y muy bien realizada.

154- Intacto (2001). Uno de los mejores thrillers de la década del cine español, dirigido por el debutante Juan Carlos Fresnadillo y que cuenta con algunas secuencias espectaculares y memorables, un guión meritorio y novedoso y una realización muy eficaz.

155- Kairo (2001). Fantasmas tecnológicos y gentes condenadas a la soledad en la película que dio a conocer a Kiyoshi Kurosawa en Occidente.

156- La mala educación (2004). Almodóvar consigue una crítica pésima con esta película pasada de vueltas, mucho más reivindicable que alguna de las pretendidamente serias del realizador, en las que pierde parte de su encanto salvaje y pulp.

157- La teta asustada (2009). Película peruana de la interesante Claudia Llosa, que trata con mimo, poesía y realismo mágico, un tema tan duro como los traumas que suceden a una violación.

158- La vida en tiempos de guerra (2009). Solondz retoma a los personajes de Hapyness, interpretados por otros actores, en una película que es digna predecesora de la obra maestra de Solondz, y éso ya es mucho.

159- Lilja 4-ever (2002). El interesante director sueco Lukas Moodysson, realiza este brutal alegato sobre la prostitución ilegal, tan tremendista como impactante.

160- Los espigadores y la espigadora (2000). Agnès Varda realiza un espléndido y original documental donde va elevando la anécdota a lo sublime y la grabación digital a arte.

161- Los mundos de Coraline (2009). El director de Pesadilla antes de navidad, realiza una personal, inquietante y oscura película de animación, en espléndido 3D.

162- Los ríos de color púrpura (2000). Mezcla de thriller y cine de acción e incluso terror en una película francesa que tiene escenas de lo más sobradas y excesivas y que es reivindicable como entretenimiento sin prejuicios.

163- Los tres entierros de Melquíades Estrada (2005). Tommy Lee Jones dirige con sobriedad este western crepuscular tocado por la varita del guionista Guillermo Arriaga.

164- Los viajes del viento (2009). Producción colombiana en que el joven Ciro Guerra aleja la acción de las grandes ciudades y la trama de drogas, para mostrarnos pueblos, exquisitos y bellos paisajes y la tradición musical de un país, a partir de una historia de amistad entre un juglar y su discípulo parca en palabras y en que los sentimientos fluyen con elegancia sutileza.

165- Mar adentro (2004). Alejandro Amenábar se pasa la melodrama, gana un Oscar y consigue hacernos llorar con el biopic del tetrapléjico Ramón Sampedro y su lucha por una muerte digna.

166- Million dollar baby (2004). Oscar para Clint Eastwood y su película, en esta historia de boxeo y gente dura con tema polémico en el tramo final de su metraje, dirigida con la elegancia y la sobriedad del cine clásico.

167- Mind game (2004). Deliciosa, innovadora y colorista película de animación japonesa, un auténtico regalo para los sentidos.

168- Monstruos, S.A (2001). Otra gran película de Pixar, donde mira de forma diferente la relación entre los niños y los monstruos y dirida, mayormente al público infantil.

169- My blueberry nights (2007). Wong Kar-wai da el salto a Hollywood con esta película de estética fascinante e interpretada con sutil delicadeza por la cantante Norah Jones.

170- New blood (2002). Película de terror de Hong Kong con una fantasma de lo más terrorífico que se ha visto en los últimos años.

171- No direction home (2005). Larguísimo documental de Scorsese sobre los primeros años de Dylan, que no desmerece el arte de ninguno de sus dos artífices. Interesantísimo.

172- No such thing (2002). El muy personal Hal Hartley nos ofrece esta especie de personal y poética revisión del mito de la bella y la bestia, consiguiendo una película especial y cautivadora.

173- Oblivion island (2009). Bella película de animación infantil japonesa con estética 2D, sobre el tránsito de la infancia a la adolescencia.

174- One missed call (2003). El prolífico e imprevisible Takeshi Miike, lleva a su terreno un guión qe nos recuerda a muchas películas de terror, pero que el transforma en una película personal con momentos muy inquietantes y otros en que parece tomar distancia para cachondearse de sí mismo y el género.

175- Open range (2003). Bello y espectacular western rodado e interpretado por Kevin Costner que huele a sensibilidad y a clasicismo. Quizás el mejor western de la década.

176- Persépolis (2007). Película de animación en blanco y negro, adaptación del autobiográfico cómic de la iraní Marjane Satrapi, sobre los prejuicios de la mujer y la ausencia de libertades en Irán y la manera de una joven por encararlos y salir adelante.

177- Primavera,verano, otoño,invierno...y primavera (2003). Bella, esteticista y budista película con la que Kim Ki-duk se dió a conocer en Occidente.

178- ¿Qué hora es allí? (2001). Primera película de la década y espléndido cuento sobre las soledades del interesante y contemplativo Tsai Ming-liang.

179- Ratatouille (2007). Otra espléndida película de Pixar, esta vez enmarcada en el mundo de la alta cocina y los críticos gastronómicos. Un buen plato para cualquier hora y edad.

180- Red Cliff (2008-2009). Rodada en dos partes por John Woo y estrenada vergonzosamente en nuestro país como Acantilado Rojo con la mitad de metraje, una auténtica filigrana visual con momentos de batalla épica espectaculares y otros de un minimalismo poético espléndido. Un auténtico lujo.

181- Serbis (2008). El filipino Brillante Mendoza radicaliza su discurso con esta película sobre los ruidos de Manila y una familia de falsa moral que regenta un cine porno. Escandalosa y subversiva, es auténtico aire fresco para el cinéfilo convencido.

182- Shara (2003). Otra extraña, espiritual y etérea película de la realizadora japonesa Naomi Kawase.

183- Shrek (2001). La productora Dreamworks sorprendía con esta irreverente cinta de animación que invertía con mucha mala leche los cuentos clásicos y que hoy día queda empañada por el cansancio que producen sus insulsas secuelas.

184- Soñadores (2003). Interesante película sobre un triángulo amoroso ambientado en el mayo del 68, con la solvencia de un gran director como Bernardo Bertolucci, que trata el tema de los ideales contrapuestos a la realidad, en esta extraña y sensual historia de amor a tres bandas.

185- Spiderman 2 (2004). Auténtica exhibición de virtuosismo formal por parte de Sam Raimi, en esta segunda parte de Spiderman, la mejor de largo de la saga, en parte debido a un guión que se toma su tiempo con la historia y los personajes.

186- Star wars. El ataque de los clones (2002) y La venganza de los Sith (2005), cierran la polémica trilogía precuela de la guerra de las galaxias, con más revuelo mediático que espectadores y buenas críticas. En todo caso, obligadas para fans y curiosos y completistas de la saga.

187- Steamboy (2004). Única, pretenciosa y espléndida, película de animación de la década de Katsuhiro Ôtomo, el realizador de la mítica Akira.

188- The jacket (2005). Interesante y paranoico thriller fantástico, con una deliciosamente sobreactuada Keira Knightley.

189- The promise (2006). Espectacular aventura épica, enmarcada en los mundos de leyenda del realizador chino Chen Kaige, tan romántica y visualmente bella que te dejará fascinado.

190- Thirst (2009). Park Chan-wook entra de lleno en el fantástico con esta extraña película de vampiros de inusual potencia final y con un final espectacular.

191- Tokyo godfathers (2003). Espléndida comedia de aventuras del recien desaparecido Satoshi Kon. Una delicia.

192- Tres monos (2008). Última película del turco Nuri Bilge Ceylan, uno de los cineastas más interesantes del panorama actual, que realiza una película de inusual fuerza estética e interesante conflicto moral.

193- Una película hablada (2003). El portugués Manoel de Oliveira, que acaba de cumplir 101 años y sigue haciendo películas, nos brindó este film pausado, literario, lento e intelectual, ideal para descubrir su cine atemporal.
194- Vals con Bashir (2008). Especie de autobiografía y documental que utiliza el género de la animación para explicar las brutalidad y el conflicto moral de un combatiente en la guerra del Líbano en el 82. De imágenes tan brutales como bellas, una película diferente a todo.

195- Vampire Hunted D: Bloodlust (2000). Entretenida y espectacular película japonesa de animación dirigida por el director de la mítica Ninja Scroll.

196- Wallace & Gromit: la maldición de las verduras (2005). Salto al largo de la mítica y artesanal animación con plastelina del estudio Aardman, con sus personajes Wallace y Gromit metidos en una original, surrealista y divertida aventura.

197- Wonderful town (2007). Romance y drama se dan la mano en esta película tailandesa post-tsunami, en que el peso de la tragedia y las vidas mermadas sobrevuelan sutilmente una pantalla llena de imágenes sutilmente impactantes.
198- Working man's death (2005). Brutal y físico documental de denuncia, sobre algunos de los trabajos más extremos que se realizan a lo ancho y largo del mundo. Impactante, estremecedor y en ocasiones, inapropiadamente bello.

199- XXY (2007). La argentina Lucía Puenzo debuta con esta prometedora película sobre secretos, sexualidad y sensualidad, brillantemente interpretada y rodada con inusual belleza decadente.

200- Yi Yi (2000). La película del realizador taiwanés Edward Yang, es un fresco familiar de casi tres horas tan sutil, que no te darás cuenta de lo buena que es sino estás lo suficientemente receptivo para observar en el detalle, en el matiz, la auténtica verdad de todo.